Radikal, prägend und partizipativ: Lygia Clark zählt zu den bedeutendsten Stimmen der südamerikanischen Avantgarde. Als zentrale Vertreterin des Neoconcretismo erneuerte sie den Kunstbegriff, indem sie die Grenze zwischen Kunstwerk und Publikum auflöste. Sie stellte klassische Bildformen infrage und forderte ein Schaffen, das Körper und Sinne einbezieht und als offener Prozess erfahrbar ist.

Eine radikale Stimme des Neoconcretismo

Lygia Clark zählt zu den wegweisenden Kunstschaffenden Südamerikas. Ihre Arbeiten bringen Werk und Publikum in unmittelbaren Dialog. Ihre begeh- und berührbaren Installationen lassen Betrachter:innen damals wie heute zu aktiven Mitgestaltenden werden. Ihre Haltung stellt sowohl die Institution Museum als auch das Verständnis eines abgeschlossenen Werks infrage und forderte ein ganzheitliches, den Körper einbeziehendes Erleben. Ihre Praxis spiegelt sowohl die Aufbruchsstimmung Brasiliens als auch die Spuren politischer Unterdrückung ihrer Zeit wider – und hat bis heute nichts von ihrer Aktualität eingebüsst.

Als prägende Figur des Neoconcretismo suchte Lygia Clark seit den 1960er-Jahren nach einer neuen Kunsterfahrung. Ihre Entwicklung führte vom gemalten Bild über den Schritt in den Raum bis hin zur Abkehr vom festen Objekt in den 1970er-Jahren. Besonders bekannt ist die Werkgruppe «Caminhando» (Unterwegs) von 1963, die hier als Titelbild zu sehen ist. Inspiriert durch die Auseinandersetzung des Schweizer Multitalents Max Bill mit der Möbiusschleife entwickelte Clark hier eine Handlungsanweisung, bei der nicht mehr das Objekt, sondern die Handlung selbst zum Kunstwerk wird. «Caminhando» markiert also einen revolutionären Schnitt: den Fokus ganz auf den Prozess.

Originale und Repliken aus aller Welt

Das Kunsthaus Zürich zeigt in Kooperation mit der Neuen Nationalgalerie Berlin die erste Werkschau im deutschsprachigen Raum und weltweit umfassendste seit jener vom MoMA in New York 2014. Die Ausstellung wurde von den Kuratorinnen der Neuen Nationalgalerie Irina Hiebert Grun und Maike Steinkamp initiiert und konzipiert. In Zürich wurde sie von Cathérine Hug kuratiert und zeigt rund 120 historische Originalwerke aus renommierten öffentlichen und privaten Sammlungen in Brasilien, den USA und Europa – viele davon erstmals öffentlich zugänglich. Zusätzlich wurden rund 50 partizipative Arbeiten als Repliken von der Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark hergestellt, damit die Besucher:innen Clarks prozessorientierte Kunstform unmittelbar nachvollziehen können. Damit knüpft die Werkschau an Clarks eigenes Verständnis von Kunst an:

« Für mich ist Kunstschaffen, sich selbst als Mensch zu entwickeln, was überhaupt das Wichtigste ist. Kunst sollte keinem Namen oder irgendeinem Konzept nacheifern. » — Lygia Clark

(Quelle: Kunsthaus Zürich)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Lygia Clark. Retrospektive – KUNSTHAUS

Kunsthaus Zürich
Heimplatz
CH-8001 Zürich

Di – So 10 – 18 Uhr, Do 10 – 20 Uhr
Eintritt: 31 CHF, erm. 22 CHF

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Yto Barrada kombiniert eigene Werke mit Sammlungsstücken aus ihrem Geburtsjahr 1971. Es entsteht ein Dialog über Erinnerung, Zeit, Verlust und Formen künstlerischen Widerstands.

Yto Barrada (*1971 in Paris) kombiniert in ihrem Schaffen politische Analyse mit einem poetischen Umgang mit Form und Material. Ihre Arbeiten umfassen Fotografie, Film, Textil und Collage. Für die Ausstellung kombiniert sie eigene Werke mit Sammlungsstücken aus ihrem Geburtsjahr. Im Zentrum steht der Film A Day is Not a Day (2022), in dem Barrada kapitalistische Zeitlogiken und natürliche Zersetzung gegenüberstellt. Ihre Werke verhandeln Verlust, Geschichte und Naturbeobachtung als widerständige Praxis.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.kunsthaus.ch/besuch-planen/ausstellungen/yto-barrada/

Ausstellungsstandort

Im Moser-Bau im EG, siehe den interaktiven Besucherguide!

Kunsthaus Zürich
Heimplatz
8001 Zürich

Di–Mi, Fr–So 10–18 Uhr
Do 10–20 Uhr
Mo geschlossen

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Die durchaus als umstritten geltende Performancekünstlerin Marina Abramovic machte über die Jahrzehnte ihres Schaffens immer mal wieder Schlagzeilen durch angeblich satanische Praktiken in ihren Veranstaltungen unter Einbeziehung der Gäste, Nacktheit und Gewalt und fiel dafür immer wieder auf. Sie wird entweder gefeiert oder getadelt. Man tut gut daran sich selbst ein Urteil zu bilden und sich auf ihre Kunst einzulassen, die mehr Schauspiel der Bandbreite menschlicher Emotionen als hübsch dekoratives Statement ist. Ich selbst stand ihr auch früher skeptisch gegenüber, muss aber sagen, dass wenn man sich einlässt, seinen Horizont mal für einen Augenblick öffnet und seine Vorurteile beiseite legt wirklich etwas entdecken kann in ihrer Kunst, was sicherlich polarisiert, deswegen aber nicht minder wahr sein muss. Sie zwingt ihre Besucher zur Auseinandersetzung und zu einer Reaktion. Wie auch immer diese ausfallen mag. Und so ist sie wohl viel mehr eine KÜnstlerin, die unbequem ist, weil sie stets ihren salzigen Finger in Wunden legt.

Marina Abramovic, eine Pionierin der Performance-Kunst, zeigt im Kunsthaus Zürich ihre erste große Retrospektive in der Schweiz. Die Ausstellung umfasst Werke aus allen Schaffensphasen, ikonische Performances und eine neue, interaktive Arbeit.

Werke aus allen Schaffensperioden sowie Publikum als Performende

Das Kunsthaus Zürich präsentiert die erste umfassende Retrospektive von Marina Abramovi? in der Schweiz. Die Ausstellung zeigt Werke aus allen Schaffensperioden der Künstlerin und reinszeniert historische Performances live. Besonders hervorzuheben ist eine neue Arbeit, die speziell für Zürich konzipiert wurde und das Publikum direkt einbezieht. Abramovi? ist bekannt für ihre «Long-durational Performances», in denen sie körperliche und geistige Grenzen erforscht. Diese Werke laden die Besuchenden dazu ein, Achtsamkeit und Selbstwahrnehmung neu zu erfahren.

Die Ausstellung umfasst verschiedene Medien wie Video, Fotografie, Skulptur und Zeichnung. Zudem werden ikonische Performances wie «Imponderabilia» und «Luminosity» live aufgeführt. In «Imponderabilia» müssen die Besuchenden buchstäblich durch die Künstlerinnen hindurchgehen – eine starke physische und mentale Erfahrung. Abramovi?s Fokus auf Interaktion und Teilnahme, wie auch in ihrer speziell für Zürich entwickelten Arbeit «Decompression Chamber», macht diese Retrospektive zu einem einzigartigen Erlebnis. (Quelle: kunsthaus zürich)

Trigger-Warnung

Bitte beachten Sie, dass in der Ausstellung, während den Performances Darstellungen von Nacktheit sowie Kunstwerke zu den Themen Tod und körperlichem Schmerz zu sehen sind, die möglicherweise als verstörend empfunden werden können.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Marina Abramovic – KUNSTHAUS

Kunsthaus Zürich
Heimplatz
8001 Zürich

Di–Mi, Fr–So 10–18 Uhr
Do 10–20 Uhr
Mo geschlossen

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Die teils großformatigen Werke Matthew Wongs zogen sofort in ihren Bann, mein absolut favorisiertes Bild des Tages war dieses:

Sehr sehr lange stand ich davor und betrachtete es aus verschiedenen Blickwinkeln, ging fort, sah mir andere Werke an und kehrte doch immer wieder zu diesem einen Bild zurück. Es ist interessant zu spüren, wie manche Bilder einen sofort ansprechen, mitreißen und bewegen, während andere Bilder eher ohne weitergehende Information erscheinen mögen. Subjektiv betrachtet. Am Ende waren es meist die blau-lila und dunkel wirkenden Bilder, die mich besonders ansprachen und etwas in mir zum Klingen brachten.

Von links nach rechts: | 1. Foto: Night Crossing | 2. Foto: Starry Night | 3. Foto: Matthew Wong, A Dream, 2019. Oil on canvas, 177.8 x 203.2 cm. | 4. Foto: Ripple in the Night

Wenngleich ich viele Werke sah, die auch in ihrer prächtigen Farbigkeit intensiv und grandios wirkten:

Matthew Wong arbeitete autodidaktisch und brachte sich verschiedene Techniken selbst bei, probierte sich aus und entwickelte eine gewisse technische Ähnlichkeit zu der Bildsprache Vincent van Goghs. Dennoch finde ich kann man durchaus den eigenen Stil Wongs erkennen und auch die Energie mit der diese Bilder entstanden. Er arbeitete meist in einem durchgängigen Flow, impulsiv und expressiv an einem Werk. Das kann man einigen Bildern auch wirklich ansehen. Im positivsten Sinne.

„Ein Werk von reicher Farbenpracht
Matthew Wong malte dynamisch und farbintensiv, wobei sein Schwerpunkt auf Landschaften von expressiv-lyrischer Kraft lag. Als Autodidakt kam er erst mit 27 Jahren zur Kunst, schuf jedoch in nur acht Jahren ein beeindruckendes Œuvre. Wongs Werke sind stark von der euro-amerikanischen und chinesischen Kunst beeinflusst. Er bezog Anregungen von Künstlern wie Vincent van Gogh, Henri Matisse, Shitao, Gustav Klimt, Yayoi Kusama und Alex Katz. Trotz vieler stilistischer Anspielungen bleiben seine imaginären Landschaften und Interieurs ausserordentlich persönlich und originell.

Seelenverwandtschaft

Van Gogh ist in Wongs ausdrucksstarkem Farbgebrauch und Malstil als Vorbild besonders präsent. Beide Künstler brachten ihre emotionalen Zustände direkt und ungefiltert in ihren Werken zum Ausdruck. Ihre Lebensgeschichten weisen auffällige Parallelen auf: Beide litten unter psychischen Herausforderungen und nahmen sich letztlich das Leben. Wong, der an Depression, Tourette-Syndrom und Autismus litt, starb 2019 mit 35 Jahren. Van Gogh, der unter psychotischen Anfällen und Halluzinationen litt, beging 1890 im Alter von 37 Jahren Suizid.

Einladung zum Vergleich

Die Präsentation im Kunsthaus stellt die beiden Künstler in ihren Eigenheiten und Gemeinsamkeiten vor. Beide Künstler haben ihre eigenen Räume, ihre Werke werden aber auch punktuell verbunden. Durch große Öffnungen in den Stellwänden können die Besucher die zumeist großformatigen Werke Wongs und die kleineren van Goghs zueinander in Bezug setzen. Diese Sichtachsen ermöglichen es, die Bildwelten der beiden Künstler zu vergleichen, ohne dass ihre Autonomie verloren geht. Die Ausstellung zeigt, dass beide Künstler eine emotionale Vision der Malerei hatten. Van Gogh stellte den emotionalen Ausdruck seiner inneren Befindlichkeit in den Mittelpunkt seiner Landschaftsbilder, und Wong knüpfte auf eigene Weise daran an.

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit dem Van Gogh Museum in Amsterdam und basiert auf einer Idee und einem Konzept von Joost van der Hoeven, der die Ausstellung in Amsterdam kuratiert hat. In Zürich wird die Ausstellung von Jonas Beyer und Philippe Büttner kuratiert. Das Kunsthaus hat starke Partner wie das Van Gogh Museum und die Albertina in Wien, die die Ausstellung als dritte Station zeigen wird.

Unterstützt von der Hans Imholz-Stiftung, der Max Kohler Stiftung und der Elisabeth Weber Stiftung.“ (Quelle: Kunsthaus Zürich)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Matthew Wong – Vincent Van Gogh – KUNSTHAUS

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