Zeichnungen 1941 – 2002
Die Kunsthalle Rostock präsentiert eine Auswahl bislang nie ausgestellter Papierarbeiten von Wolfgang Mattheuer (1927–2004) – eine Entdeckung aus dem umfangreichen künstlerischen Nachlass des Leipziger Bildermachers, der von der Galerie Schwind betreut und inventarisiert wird.

Ein Großteil dieser Arbeiten hält Mattheuers Landschaftseindrücke des Vogtlandes sowie seiner zahlreichen Reisen im In- und Ausland fest. Während seine Gemälde oft in straffer Bildsprache eine metaphorische Idee transportieren, zeigt sein zeichnerisches Werk eine größere Offenheit im Umgang mit den künstlerischen Mitteln. Nicht selten sind die kleinformatigen Zeichnungen tagebuchartige Eindrücke seines Unterwegs-Seins.

Im Fokus der Ausstellung liegt auch das bisher völlig unbekannte zeichnerische Frühwerk der 1940er- und 1950er-Jahre, das in akademisch-naturalistischer Manier seine Suche nach einem eigenen Ausdruck offenbart. Spätere Arbeiten lassen wiederum jene gestalterischen Tendenzen erkennen, die zu Mattheuers unverwechselbarer Bildsprache führen sollten. Damit eröffnet die Ausstellung einen neuen, spannenden Blick auf einen der bedeutendsten Künstler der DDR und Mitbegründer der Leipziger Schule.

Die Ausstellung findet in Zusammenarbeit mit der Galerie Schwind Leipzig statt. Die Verwaltungsgesellschaft Lotto und Toto in Mecklenburg-Vorpommern mbH unterstützt die Ausstellung.

Die Kunsthalle Rostock gGmbH wird gefördert durch die Hanse- und Universitätsstadt Rostock, das Ministerium für Wissenschaft, Kultur, Bundes- und Europaangelegenheiten Mecklenburg-Vorpommern, den Verein „Freunde der Kunsthalle Rostock e. V.“, die ROSTOCK PORT GmbH, die Nordwasser GmbH und die Stadtwerke Rostock AG.
Gesundheitspartner: Klinikum Südstadt Rostock, Kulturpartner: NDR Kultur

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunsthalle Rostock | Wolfgang Mattheuer

Ausstellungsort:
im Erdgeschoss der Kunsthalle Rostock

Kunsthalle Rostock
Hamburger Straße 40
D-18069 Rostock

Öffnungszeiten:
Di. – So. 11 – 18 Uhr

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Malerei, Zeichnungen und Objekte von Hannah Winzentsen und Franz Winzentsen

Eine gemeinsame Ausstellung von Tochter und Vater, gegenüber oder miteinander, sich ähnlich oder verschieden, ein verspielter Dialog mit Formen, Objekten, Zeichnungen und Bildern.

Schloss Ritzebüttel

Schloßgarten 8

27472 Cuxhaven

Öffnungszeiten

Dienstag und Mittwoch:

11:00- 13:00 und 14:00 – 17:00 Uhr

Samstag und Sonntag:

11:00 – 15:00 Uhr

Jeden 1. Sonnabend im Monat geschlossen

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Sonderausstellung in der gotischen Hauskapelle

Uli Schulz begann ihre künstlerische Laufbahn in der Malerei und widmet sich seit einigen Jahren ausschließlich der Zeichnung. Ihre Herangehensweise ist seriell, konzeptionell und meditativ geprägt, mit besonderem Interesse an abstrakter Bildsprache.
In ihren parallel entstehenden, großformatigen Serien erforscht die Künstlerin die Phänomene von Zeit, Raum und Wahrnehmung. Somit übersetzt jede Serie Zeit in eine sichtbare Form.

In „ZEITSEHEN“ wird Zeit als Bewegung sichtbar, in „ERINNERN UND VERGESSEN“ verdichten sich gezählte Linien zu topografischen Strukturen des Lebens. „ZEITBEOBACHTUNGEN“ dokumentieren den Wandel des Lichts, während „CHRONOGRAFIEN“ die Qualität des Augenblicks kartografieren.
Uli Schulz studierte Kommunikationsdesign und Malerei in München und Barcelona. Ihre Werke wurden bereits in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland und Spanien präsentiert.

Weitere Informationen zur Ausstellung: „Zeit sehen“ – Uli Schulz, München | Luftmuseum Amberg

Luftmuseum e. V.
Eichenforstgässchen 12
92224 Amberg

ÖFFNUNGSZEITEN

Mittwoch, Donnerstag: 14 – 17 Uhr geöffnet
Freitag, Samstag und Sonntag, Feiertage: 11 – 17 Uhr geöffnet

Montag + Dienstag geschlossen.

An folgenden Tagen ist das Museum geschlossen:
24.12. / 25.12. und 1.1.

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Land-Art am authentischen Ort

Mit „Robert Smithson in Europa“ widmet das Josef Albers Museum Quadrat Bottrop einem Pionier der Land-Art eine eindrucksvolle Schau, die zwischen Konzept und Materialität balanciert. Kuratiert von Monja Droßmann, Markus Karstieß und Eva Schmidt versammelt die Ausstellung Fotografien, Filme, Zeichnungen und Dokumente, die Robert Smithsons (1938–1973) selten beleuchtete europäischen Projekte nachzeichnen – von „Asphalt Rundown“ bei Rom bis zum legendären „Broken Circle/Spiral Hill“ in Emmen, Niederlande.

Der Ausstellungsort könnte passender kaum sein: Das Ruhrgebiet, einst industrielles Zentrum Europas, spiegelt Smithsons Faszination für Transformation, Entropie und das Zusammenspiel von Natur und Technik. In Bottrop begegnet man selbstverständlich nicht der Land-Art im Original, sondern ihrer Spur – sedimentiert in Spiegeln, Schlamm, Asphalt und Sprache. Gerade in dieser Distanz entfaltet sich eine eigentümliche Poesie: Der Versuch, das Flüchtige und das Einmalige zu konservieren, zeigt zugleich dessen Unmöglichkeit. Die Inszenierung überzeugt durch klare Räume und präzise Materialbezüge, verliert jedoch stellenweise an physischer Wucht – Land-Art bleibt letztlich unübersetzbar ins Museum. Doch gerade hier liegt die Stärke dieser Schau: Sie macht den vermeintlichen Verlust produktiv, lässt Smithsons Denken über Vergänglichkeit, Raum und Zeit neu in Szene setzen. Robert Smithson in Europa ist eine reflektierte, klug konstruierte Hommage – und ein stilles Echo industrieller Landschaften.

Robert Smithson in Europa
01.07. – 22.2.2026
Josef Albers Museum
Anni-Albers-Platz 1
D-46236 Bottrop
Tel.: +49-2041-372030
Mi – So 11 – 17 Uhr, Do 11 – 19 Uhr
Eintritt: 8 €, erm. 4 €
www.quadrat.bottrop.de

Text: Stefan Simon
Bild: Josef Albers Museum
Erstveröffentlichung in kunst:art 106

„Broken Circle/Spiral Hill“, 1971: Busreise am 7.2.26 nach Emmen (NL)

Im Begleitprogramm zur Ausstellung „Robert Smithson in Europa“ bietet das Museumszentrum Quadrat am 7.2.26 eine Busreise nach Emmen in den Niederlanden an. Dort ist seit 1971 das einzige, in Europa realisierte Reclamation-Projekt „Broken Circle/Spiral Hill“ (1971) von Robert Smithson zu erkunden.

Das Programm:

11:15 Uhr Treffen am Museumszentrum Quadrat
11:30 Uhr Abfahrt im Reisebus, Ziel: Emmen, Niederlande
ca. 13:30-15:30 Uhr Aufenthalt an „Broken Circle/Spiral Hill“ (mit Begleitung)
15:30 Uhr Rückfahrt im Reisebus
ca. 17:30 Uhr Rückkehr am Museumszentrum Quadrat

Die Plätze für die Busreise sind begrenzt.
Wir bitten um Anmeldung per E-Mail unter kunstvermittlung.quadratbottropde
ab dem 6. Januar 2026.

Das Angebot ist kostenfrei.
Es wird keine Verpflegung für die Reise bereitgestellt.

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Die erste große Alberto Giacometti-Retrospektive in Deutschland seit mehr als zehn Jahren bietet einen umfassenden Überblick über das Schaffen des berühmten Schweizer Bildhauers und Malers: von frühen Aquarellen, Kunstwerken aus der surrealistischen Periode bis zu seinen berühmten Skulpturen aus der Nachkriegszeit. Die Ausstellung zeigt dabei erstmals, wie intensiv sich Giacometti mit Landschaften beschäftigte – und wie diese seine ikonischen Figuren beeinflussten.

Giacometti sah die Welt in Analogien: Ein Baum wurde zur stehenden Frau, ein Stein zum Kopf, ein Berg zu einer männlichen Büste. Trotz seines Lebens in Paris kehrten seine Gedanken immer wieder zu den prägenden Berglandschaften seiner Jugend in der Schweiz zurück. Die Ausstellung beleuchtet erstmals, wie seine Faszination für die Verbindung von Mensch und Natur auch durch Ideen der Romantik inspiriert wurde.

Bild links: Alberto Giacometti, Landschaft, Hügel von Capolago und Silsersee, 1919, Aquarell und Bleistift auf Papier, 28 x 20 cm, Fondation Giacometti, Paris © Succession Alberto Giacometti / ADAGP, Paris, 2025

Bild rechts: Alberto Giacometti, Bäume und Berg, um 1920, Malerei und Bleistift auf Papier, 28,8 x 22,9 cm, Fondation Giacometti, Paris © Succession Alberto Giacometti / ADAGP, Paris, 2025

In einer abwechslungsreichen Inszenierung wird die Schau sowohl herausragende Meisterwerke wie auch bisher Unveröffentlichtes präsentieren. Gezeigt werden über einhundert Werke aus dem Bestand der renommierten Fondation Giacometti in Paris – Skulpturen, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Drucke sowie dokumentarisches Material. Ergänzt werden diese bedeutenden Leihgaben durch bisher kaum gezeigte Zeichnungen und Drucke von Alberto Giacometti aus der Sammlung der Kunsthalle Bremen.

Gemeinsam organisiert von der Kunsthalle Bremen und der Fondation Giacometti, Paris.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunsthalle Bremen

Kunsthalle Bremen
Am Wall 207
28195 Bremen

Öffnungszeiten

(11.10.2025 bis 15.02.2026)
Di  10 – 21 Uhr | Mi bis So  10 – 18 Uhr
Mo geschlossen

(ab 17.02.2026)
Di  10 – 21 Uhr | Mi bis So  10 – 17 Uhr
Mo geschlossen

Feiertage:
Tag der Deutschen Einheit (03.10.2025): 10 – 17 Uhr
Reformationstag (31.10.2025): 10 – 18 Uhr
Heiligabend (24.12.2025): geschlossen
Erster Weihnachtstag (25.12.2025): 12 – 18 Uhr
Zweiter Weihnachtstag (26.12.2025): 10 – 18 Uhr
Silvester (31.12.2025): 10 – 15 Uhr
Neujahr (01.01.2026): 12 – 18 Uhr

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DAS MINSK Kunsthaus in Potsdam zeigt im Herbst 2025 die Ausstellung Wohnkomplex. Kunst und Leben im Plattenbau. Gastkurator Kito Nedo widmet sich in der Gruppenausstellung der Frage, wie die ostdeutschen Plattenbau-Siedlungen in der Kunst verhandelt werden. 

Wohnkomplex zeigt rund 50 Werke von den Künstler:innen Karl-Heinz Adler, Sibylle Bergemann, Manfred Butzmann, Kurt Dornis, Markus Draper, Wolfram Ebersbach, Nina Fischer & Maroan el Sani, Seiichi Furuya, Peter Herrmann, Sebastian Jung, Gisela Kurkhaus-Müller, Harald Metzkes, Sabine Moritz, Henrike Naumann, Manfred Pernice, Uwe Pfeifer, Sonya Schönberger, Nathalie Valeska Schüler, Wenke Seemann, Robert Seidel, Christian Thoelke, Stephen Willats und Ruth Wolf-Rehfeldt. 

Präsentiert werden Installationen, Gemälde, Zeichnungen, Fotografien und Filme, die seit den 1970er-Jahren entstanden sind. Kito Nedo versammelt in der Ausstellung Arbeiten, die den Plattenbau unterschiedlich betrachten und einordnen – als Ort des Wohnens, als Symbol sozialer Utopien und als Projektionsfläche gesellschaftlicher Veränderungen. Dabei steht der Plattenbau nicht nur als architektonisches Erbe im Zentrum, sondern als kultureller Resonanzraum, der Fragen nach Zugehörigkeit, Gemeinschaft und Erinnerung aufwirft. Die Ausstellung verzahnt dabei künstlerische Arbeiten mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen und reflektiert, wie sich urbane Räume auf Lebensentwürfe und soziale Gefüge auswirken.

Wohnkomplex eröffnet neue Perspektiven auf ein Bau- und Lebensmodell, das bis heute nachwirkt. Ursprünglich war der Plattenbau das Herzstück der DDR-Sozialpolitik, ein Ort der Vergesellschaftung und ein Symbol für den realsozialistischen Fortschritt – bis 1990. Nach dem Ende der DDR wurde er zum Schauplatz schmerzhafter Transformationen und zum Sinnbild für sozialen Niedergang und rassistische Gewalt. Als moderne Ruinen warteten die Gebäude auf ihren Abriss, wurden saniert oder umgebaut. Der Plattenbau ist nie zum Denkmal geworden, sondern gelebte Gegenwart geblieben. Er ist ein DDR-Erinnerungsort, an dem das Wohnen weitergeht. 

Weitere Informationen zur Ausstellung: Wohnkomplex – DAS MINSK

DAS MINSK Kunsthaus in Potsdam
Max-Planck-Straße 17
14473 Potsdam

TÄGLICH 10 — 19 UHRDienstag geschlossen

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„Feuchtenbergerowa. Genossin Kuckuck und andere Gestalten“

Sei es das Centre Pompidou in Paris, das Museo d‘ Arte in Ravenna, Galerien in Kyoto oder Helsinki, das Comic-Festival in Angoulême oder die Leipziger Buchmesse… Die Künstlerin Anke Feuchtenberger (geb. 1963 in Berlin, DDR) ist mit ihren Zeichnungen und grafischen Erzählungen seit Jahren auf internationalem Parkett unterwegs. Mit ihrer autofiktionalen Graphic Novel „Genossin Kuckuck“ wurde sie 2024 sogar für den Belletristik-Preis der Leipziger Buchmesse nominiert, 2025 in Frankreich mit dem renommierten „Grand Prix Artémisia“ ausgezeichnet.

In diesem Herbst zeigt das Kulturforum der Landeshauptstadt Schwerin nicht nur viele der Originalzeichnungen aus „Genossin Kuckuck“, sondern darüber hinaus auch Zeichnungen aus dem dreibändigen Buchprojekt „Die Hure H“ (gemeinsam mit der Schriftstellerin Katrin de Vries), die 2024 im Centre Pompidou in Paris ausgestellt waren. Daneben werden auch viele farbige Siebdrucke zu sehen sein und sehr frühe Arbeiten: Plakate, die in den 1990er Jahren den Ruf der „Feuchtenbergerowa“ begründeten.  

Exklusiv zur Schweriner Ausstellung hat die Künstlerin das Plakat, mit dem sie 1989 erstmals größte Aufmerksamkeit erreichte, als Siebdruck neu aufgelegt. „Alle Frauen sind mutig, stark und schön!“ begleitete damals die Gründung des Unabhängigen Frauenverbandes (UFV). Es wird in einer Auflage von 125 Stück gedruckt und ist in der Ausstellung zum Preis von 70,- Euro zu erwerben.

Anke Feuchtenberger studierte von 1983-88 an der Kunsthochschule Berlin Weißensee. 1988 gründete sie gemeinsam mit Henning Wagenbreth, Holger Fickelscherer und Detlef Beck das Kollektiv „PGH Glühende Zukunft“. Kurz vor dem Fall der Berliner Mauer traten die Künstler mit einer ausdrucksstarken, unverwechselbaren Bildsprache in den öffentlichen Raum.

Nach ersten grafischen Arbeiten für das Theater kam Anke Feuchtenberger an der Wende zum Jahr 1989 mit der Welt des Comics in Berührung. Mit ihrer Sicht, ihrer Perspektive und ihrem künstlerischen Ausdruck setzte sie in den 1990er Jahren eine regelrechte Revolution des deutschen Comics in Gang.

Seit 1997 ist sie Professorin für Zeichnen und Graphische Erzählung an der Hochschule für Angewandte Wissenschaften Hamburg. Ihre Bücher wurden in die französische, englische, italienische, finnische und chinesische Sprache übersetzt. Für ihr Schaffen wurde Anke Feuchtenberger international vielfach ausgezeichnet. Sie lebt und arbeitet in Hamburg und Vorpommern.

Termine im Oktober:

Do 2.10. 11.00 Uhr / Di 7.10. 18.00 Uhr / Do 16.10. 14.00 Uhr / So 19.10. 16.00 Uhr / Do 23.10. 11.00 Uhr / Do 30.10. 15.00 Uhr

im November:

Sa 8.11. 15.00 Uhr / Do 13.11. 14.00 Uhr / Do 20.11. 18.00 Uhr / So 23.11. 15.00 Uhr

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen – Landeshauptstadt Schwerin

Landeshauptstadt Schwerin – Kulturforum Schleswig-Holstein-HausFrau Dörte Ahrens
Leitung

Puschkinstraße 12
19055 Schwerin

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Anna Grahlmann zeigt in ihrer Einzelausstellung “Traue niemals der Idylle“ in der Galerie 149 in Bremerhaven Collagearbeiten auf Papier und Malerei auf Holz. Es sind zwei Werkserien, die sowohl in ihrer Werktechnik, als auch in ihren Motiven unterschiedlich sind, die aber ein übergeordnetes Thema untersuchen: der Sehnsucht nach der Idylle, dem Happy End, dem perfekten Urlaub, Beruf, Partner, Ort, usw.

Die Collagen basieren auf Alltagsskizzen und zeigen traumartige, leicht irritierende Situationen. Mit humorvollem Blick beleuchten diese Bilder Menschliche Verhaltensweisen und Phantasien. Alltägliche Details werden in einer ungewöhnlichen Farbigkeit gezeigt, in unlogischer Zusammenstellung und auf eine verspielte Art, die aber nicht mit Leichtigkeit zu verwechseln ist.

In den quadratischen Ölbildern auf Holz sind hingegen keine Figuren zu sehen. Es sind wundersame, surreale Landschaften mit irritierenden Brüchen. Die Bilder wollen keine perfekten Bildschirmschoner-Landschaften sein, sondern neben ihrer Schönheit auch etwas Störendes, Unvollkommenes, Verwundbares offenlegen. Es brodelt unter der Oberfläche. Landschaftsbilder dienen oft als Projektionsfläche für menschliche Phantasien. Anna Grahlmanns Landschaften sind auch Projektionsflächen, sie lassen aber keine Phantasien von Idylle zu. Alles ist schon gut. Und auch nicht.

Beide Werkserien entstehen mit einem eigentümlichen Gespür für die Fragilität unserer Gewissheiten. Es sind Erzählungen von der Gleichzeitigkeit von Widersprüchen, wo die geschminkte Idylle ihren Auftritt haben darf und gleichzeitig das Rampenlicht neugierig auf die Risse im Make-up leuchtet.

„There’s a crack in everything. That’s where the light gets in” (Leonard Cohen)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen 2025 – Die »Galerie 149« in der Bgm.-Smidt-Straße 149 in 27568 Bremerhaven ermöglicht Künstler:innen aus den Bereichen Fotografie, Grafik, Malerei und Plastik regelmäßig Ausstellungen.

Galerie 149 · Bürgermeister-Smidt-Straße 149

27568 Bremerhaven · Telefon 0471 – 41 46 39

Geöffnet Mittwoch + Freitag von 15:00 bis 18:00 Uhr und Donnerstag von 17:00 bis 20:00 Uhr während der Ausstellungen. 

An Feiertagen ist in der Regel geschlossen. 

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27. September bis zum 16. November 2025 Museum Gunzenhauser

Der Gabriele Münter Preis ist europaweit der einzige Kunstpreis, der sich ausschließlich an Bildende Künstlerinnen wendet, die älter als vierzig Jahre sind. Der mit 20.000 Euro dotierte Preis wurde ins Leben gerufen, da Künstlerinnen dieser Altersgruppe bei wichtigen Auszeichnungen deutlich unterrepräsentiert sind. Der Gabriele Münter Preis bietet auf Bundesebene eine wirkungsvolle Möglichkeit, die herausragenden Leistungen von in Deutschland lebenden zeitgenössischen Bildenden Künstlerinnen sichtbar zu machen, zu fördern und auszuzeichnen. Der Preis ist nach der Malerin Gabriele Münter (1877–1962) benannt – sie ist eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Moderne. Auch heute noch ist ihr Beispiel Ermutigung für Künstlerinnen.

Bild links: Augen Edition | Parastou Forouhar

Bild rechts: Portraits III | Parastou Forouhar

Der Gabriele Münter Preis als Zeichen der Sichtbarmachung und Förderung herausragender Künstlerinnen ab 40 Jahren geht im Jahr 2025 an die iranisch-deutsche Künstlerin Parastou Forouhar, geboren 1962 in Teheran. Die Jury, bestehend aus Ina Bierstedt (Künstlerin), Ahu Dural (Künstlerin), Nezaket Ekici (Künstlerin), Dr. Nadia Ismail (Leiterin Kunsthalle Giessen), Dr. Christine Litz (Direktorin Museum für Neue Kunst Freiburg), Beate Passow (Künstlerin) und Anja Richter (Leiterin Museum Gunzenhauser), zeigte sich überzeugt, dass Parastou Forouhar nicht nur für die bemerkenswerte Qualität ihres Schaffens geehrt werden sollte, sondern auch für den Mut und die Konsequenz, mit denen sie sich für Freiheit, Menschenrechte und den Dialog zwischen Kulturen einsetzt.

Aus 1299 Bewerbungen hat sich Forouhar mit ihrem außergewöhnlichen Werk hervorgehoben und die Jury zutiefst beeindruckt. Parastou Forouhars Arbeiten sind geprägt von ihren persönlichen Erfahrungen mit Repression und Exil. In ihrer künstlerischen Praxis untersucht sie, wie sich diese Erlebnisse in einer von humanitären Krisen geprägten Welt reflektieren lassen. Ihr Schaffen umfasst Zeichnungen, Installationen, Fotoarbeiten, Objekte sowie fortlaufende aktivistische Archive und Aktionen. Ornamente und kalligrafische Elemente ihrer Muttersprache spielen eine zentrale Rolle: Sie wirken zunächst dekorativ, offenbaren jedoch bei näherem Hinsehen beklemmende Szenen von Kontrolle und Unterdrückung.

Forouhars Werke hinterfragen kulturelle Klischees und Sehgewohnheiten. Sie nutzt die ästhetische Anziehungskraft von Textilien, um tradierte Mechanismen der Entfremdung zu unterlaufen, ohne die Fremdheit aufzulösen. Ihre Kunst bleibt bewusst ambivalent und widerständig gegen jede Vereinnahmung. Ihre politisch motivierten Archive und Aktionen verstärken diesen Ansatz und machen ihre Arbeit zu einer kontinuierlichen Auseinandersetzung mit Macht, Identität und kultureller Erinnerung.

Der mit 20.000 Euro dotierte Gabriele Münter Preis wurde am 10. März 2025 an Parastou Forouhar verliehen. Die begleitende Ausstellung im Museum Gunzenhauser in Chemnitz findet vom 27. September bis zum 16. November 2025 statt. Dort werden Forouhars Werke zusammen mit den Arbeiten der fünf weiteren Finalistinnen Esra Ersen, Else Gabriel, Ana Prvacki, Annegret Soltau und Hoda Tawakol präsentiert.

Weitere Informationen zur Ausstellung: GABRIELE MÜNTER PREIS | Kunstsammlungen Chemnitz

Kunstsammlungen Chemnitz
Theaterplatz 1
09111 Chemnitz

Di, Do–So, Feiertag 11–18 Uhr
Mi 14–21 Uhr
24.12. & 31.12. geschlossen

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Manuela: Kannst du dich bitte vorstellen? Erzähle doch ein bisschen wie du zur Kunst und zum Zeichnen gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf des Einrahmungsberaters einzuschlagen?

Dirk: Ich bin Dirk, 53 Jahre alt und wohnhaft in Hannover. Meine Leidenschaft für das Zeichnen fing schon sehr früh an, und meine Eltern bekamen das auch früh zu spüren, weil ich deren Tapeten gerne vollgemalt hatte. Ich kann also tatsächlich sagen, wie so viele andere Künstler auch, begann meine Leidenschaft schon in meiner frühen Kindheit. Nach den Tapeten kamen dann zunächst große, weiße Spanplatten, die ich bemalt hatte, und erst später dann eben Papier.

In meiner Schulzeit wurde ich sozusagen durch meinen Kunstlehrer „entdeckt“, der etwas in mir gesehen hatte, und mich dann für den Rest der Schulzeit gefördert hat. Er besorgte mir auch meine erste Einzelausstellung (auch wenn es nur 4 Bilder waren) in einer Galerie. Damals war ich 16, als ich die Möglichkeit hatte, vier Aquarelle von mir offiziell auszustellen. Ich bin meinem Kunstlehrer auf ewig dankbar, dass er mich so gefördert hatte.

Nach der Schule wollte ich Kunst oder Design studieren, durfte dies aber nicht, denn meine Eltern waren der Meinung „mach lieber was Handfestes“. Also ging mein Weg erstmal über die Bundeswehr, wo ich knapp 6 Jahre war, und in der ich nichts Künstlerisches gemacht hatte. Erst als ich aus gesundheitlichen Gründen die Bundeswehr verlassen hatte, wollte ich wieder zurück in den künstlerischen Bereich. Es war dann ein Architekturstudium, weil ich kreativ sein wollte, und auch die Eltern beruhigen wollte, indem ich etwas Technisches studiere. In diesem Studium „triggerten“ dann diverse Zeichenkurse wieder meine Leidenschaft für das Zeichnen Und ab da entwickelte sich dann neben meinem Hauptberuf ein Hobby und eine Freizeitgestaltung zu etwas mehr als eben das.

Manuela: Was ist deine eigene Kunst für dich?

Dirk: Kunst ist für mich Ruhe, Schönheit, „abschalten“… fast so wie Meditation. Kunst trägt Emotionen weiter, die entweder ich selber beim künstlerischen Schaffen in die Werke mit einarbeite oder eben auch beim Betrachten oder Hören von Kunst Anderer. Kunst bereichert das Leben um einen herum, und das nicht nur die visuelle Kunst, sondern eben auch Musik.

Manuela: Wie hast du dein künstlerisches Handwerk gelernt? Auf welchen Themenbereich hast du dich spezialisiert? Wie würdest du deinen Stil beschreiben? Mit welchen Techniken arbeitest du?

Dirk: Während des Studiums habe ich diverse Zeichenkurse besucht, vom technischen Zeichnen, über „urban sketching“ bis hin zu Aktzeichenkurse. Diese Kurse haben mir vieles beigebracht, auch über verschiedenste Materialien. Ich habe Acryl, Pastell, Buntstifte, Wachsmalstifte, Bleistifte… eigentlich alles außer Ölfarben, ausprobiert.
In diesen Zeichenkursen wurde, neben dem Aktzeichenkurs, hauptsächlich technische und materielle Dinge gezeichnet, aber so lernte ich Perspektiven und Schattierungen. Zuhause lebte ich meine Leidenschaft für Pinups und Comics aus, und ich lernte viel von ausländischen Künstlern, von denen ich viele angeschrieben hatte, wie und mit welchem Material sie zeichnen würden. Alle halfen auch gerne, und so sog ich Techniken aus den Kursen und den privaten Anfragen auf, und lernte extrem viel über eben die Techniken und Materialen. Mein Kunstprofessor meinte nur irgendwann, dass es zwar gut sei, so viel auszuprobieren und dabei zu lernen, ich solle mich aber auf eines spezialisieren. Er sagte „mach lieber eines perfekt, als vieles nur gut“, und das war für mich der Ausschlag, mich auf den Bleistift zu konzentrieren. Denn das hatte ich ja schon seit der Kindheit gemacht, und die Liebe zum Bleistift ging nie wirklich verloren. Ich habe mich also fast ausschließlich auf Bleistift-Kreationen konzentriert.
In der Zeit zeichnete ich hauptsächlich dann noch Menschen… moderne Pinups, weil ich eben von der amerikanischen Pinup-Kultur der 30der und 40er fasziniert war und auch immer noch bin.

Manuela: Menschen/ Portraits sind dein Marken- bzw. wiedererkennbares Zeichen und immer wiederkehrende Charaktere. Warum gerade Menschen?

Dirk: An direkte Portraitzeichnungen habe ich damals noch nicht wirklich gedacht, denn ich hatte immer großen Respekt vor einem Gesicht. Wenn ein Gesicht ein Teil einer Gesamtzeichnung ist, und das dann eben nur ein kleiner Teil des Gesamten ist, kann man da noch Fehler verzeihen. Wenn ich aber in einem reinen Portrait irgendwo einen Fehler mache, sieht man diesen sofort. Meine Liebe für Portraits hat aber auch den Ursprung in meiner Faszination eben für Pinus der 30er und 40er und auch Film- und TV-Liebe der 50er und 60er. Die Schauspieler in der Zeit haben für mich eine unverwechselbare Eleganz und Schönheit, und deshalb zeichne ich sie bis heute. Aber eben die Sorge vor Fehlern hat mich damals zu einer Methode gebracht, die ich eher „minimalistisch“ nenne. In dieser Art und Weise, habe ich versucht, so viel wie möglich zu eliminieren, bei denen man Fehler begehen kann, und so habe ich Portraits angefangen, bei denen ich mich auf nur Augen, Nasenlöcher und Mund konzentriert habe… ggf. mal einen Haaransatz oder eine leichte Schattierung. Aber so habe ich mehr als die Hälfte des Gesichts weggelassen, und beim Betrachten hat man sich dann den Rest einfach „gedacht“. So entstanden die ersten Portraits an, und ich habe meine Angst vor Gesichtern komplett verloren, dass ich ab da an eigentlich fast nur noch Portraits gezeichnet hatte. Mittlerweile liebe ich es, auch Portraits nicht nur minimalistisch zu zeichnen, sondern eben auch „voll ausgezeichnet“. Was mich daran so fasziniert? Ein Gesicht kann so viele Geschichten erzählen, und auch Emotionen erwecken. Jede kleine Veränderung ändert eben auch die Aussage und erweckt andere Gefühle im Betrachter. Und ich liebe es einfach, die vielfältige Schönheit der Menschen auf’s Papier zu bringen.

Manuela: Allerdings beschäftigst du dich auch mit Pinup Zeichnung, Fantasyzeichnung und Logodesign. Ein breites Feld. Berichte doch ein wenig.

Dirk: Logodesign habe ich tatsächlich früher mal gemacht, als ich Mediendesign gelernt hatte. Aber mittlerweile mache ich das schon nicht mehr, ich habe da sogar verlernt, wie man mit den entsprechenden Programmen umgeht. Bleibt also für mich weiterhin die traditionelle Arbeit mit Bleistift und Papier.

Manuela: Deine Zeichnungen beispielsweise von Menschen, darunter auch bekannte Persönlichkeiten wie du sie fertigst, entstehen diese frei im Kopf oder benutzt du fotografische Vorlagen für die Realisierung?

Dirk: Für die Zeichnungen nutze ich fotografische Vorlagen. Entweder habe ich diese selber fotografiert, um einen möglichen Rechtsstreit aus dem Wege zu gehen, oder ich nutze Fotos, deren freie Nutzung möglich ist. Das ist bei Personen des öffentlichen Lebens meistens einfacher als bei Privatpersonen… oder eben bei verstorbenen Persönlichkeiten, bzw. Fotos, bei denen schon mehrere Jahrzehnte die Nutzungsrechte abgelaufen sind.

Manuela: Wie arbeitest Du? Kannst Du uns etwas über den Entstehungsprozess deiner Arbeit erzählen?

Dirk: Bevor ich mit einer Zeichnung anfange, die ich erstmal in meinem Kopf habe, gehe ich selbst auf Recherche, um Referenzen zu finden. Ich habe früher bei Fotografen um Erlaubnis zur Nutzung der Fotos gefragt, und eigentlich nie eine Absage erteilt bekommen. Ein einziges Mal bekam ich eine Absage, aber anscheinen war ich dem Fotografen nicht gut genug, oder er hatte nicht verstanden, was ich damit wollte. Egal, die Rechtefrage ist immer wichtig. Ein bekannter Fotograf hat mir damals dann, nachdem ich mehrere seiner Bilder auch als Referenz genutzt hatte, geraten, die Vorlagen eigenhändig zu fotografieren, da fing ich dann mit der Fotografie an, und habe Shootings mit Modellen für Zeichnungsvorlagen arrangiert.
Bei einigen Zeichnungen kommen auch mehrere Vorlagen zu einem zusammen, da suche ich zum Beispiel ein Glas, ein Model, Tattoo-Vorlagen oder andere Dinge, und „bastel“ die im Grunde genommen in einem Bild zusammen. Das beigefügte Bild Martini Sunrise besteht zum Beispiel aus 5 Referenz Bildern: Das Gesicht des Models, die Beine, ein Martini Glas, ein Sektglas-Stil und Schuhe.

Nachdem ich dann Referenzen habe, sind die ersten Schritte auf dem Papier eigentlich immer nur ein paar lose Striche um die Proportionen hinzubekommen, sind diese dann für mich stimmig, habe ich ein paar kleine „outlines“ auf dem Papier und ich gehe über zum eigentlich auszeichnen, oder auf neudeutsch: rendern. Egal ob ich ein Portrait, einen Menschen, oder auch ein Tier zeichne, ich fange immer bei den Augen an. Augen sind für mich das wichtigste einer Zeichnung, und Augen verzeihen keine Fehler. Mache ich hier den geringsten Fehler, den ich nicht mehr korrigieren kann, wäre die komplette Zeichnung für mich etwas für die Mülltonne.

Es gab früher mal eine Zeichnung, bei denen ich nicht mit den Augen angefangen hatte: Ich war bis dahin sehr zufrieden mit dieser Zeichnung… aber die Augen habe ich nicht mehr hinbekommen, und mehrere Stunden Arbeit davor waren einfach für „die Tonne“. Ich konnte das Bild auch nicht mehr retten. Und manchmal bin ich auch so frustriert, dass ich das Bild zerreiße und wegschmeiße…

Fehler am Mund, an den Haaren, an den Ohren, oder sonst wie können verziehen werden, aber an den Augen nicht. Entweder sind die Augen leblos, oder schief, oder die Person hat einen Silberblick, den diese eigentlich nicht hätte, oder oder oder. Passen die Augen aber, wird auch der Rest passen.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Dirk: Bei meinen Schauspieler- und Musiker-Portraits suche ich eigentlich immer nach Vorlagen, die nicht so wirklich bekannt sind. Ich habe zum Beispiel mehrmals Marilyn Monroe gezeichnet, und eigentlich keines der Zeichnungen ist ein typisch bekanntes Bild von ihr, was man von irgendwoher kennt. Ich weiß nicht genau, was es ist, aber es sind Vorlagen, die sprechen mich dann sofort an. Und wenn dann noch die Rechte geklärt sind, was sie bei den „alten Schauspielern“ meistens sind, dann schau ich nur noch nach, ob ich das Bild auch noch in einer halbwegs vernünftigen Qualität finde. Dann drucke ich mir das Bild einmal ganz und einmal nur mit den Augen aus, und lege los.

Manuela: Erfährt man durch Kunst mehr von seinem Leben? Was denkst du?

Dirk: Oh, das ist eine schwierige Frage, obwohl man die bei mir schon recht deutlich beantworten kann: Wenn man meine Portraits sieht, dann weiß man sicherlich, oh, der Künstler (also ich) hat ein Fable für klassische Schauspieler. Und ob ich jetzt selbst durch Kunst von meinem Leben erfahre? Nein, aber ich sammle Eindrücke und Erfahrungen, die mir in anderen Situationen vielleicht auch mal weiterhelfen können. In seiner Kunst spiegelt sich dann sicherlich auch mal die eigene Stimmung wider, aber ich denke, dass das bei mir eher weniger der Fall ist. Im Bereich der abstrakten Kunst kann ich mir schon vorstellen, dass man seine Liebe, seine Trauer, seine Aggressionen in ein Bild transportieren kann, wenn ich aber im Bereich des eher realistischen Portraits solche Gefühle mit einarbeiten möchte, wäre das schwierig, da ich dann ja den Realismus verlassen würde. Anders ist es vielleicht bei der Vorlagenauswahl, die beruht sicherlich auch auf meiner derzeitigen Stimmungslage…

Manuela: Was hat deine Kreativität im Laufe der Jahre bereichert? Bist du im Laufe der Jahre      besser geworden? Wie siehst du dein weiteres künstlerisches Schaffen, wohin geht die Reise?

Dirk: Mein Stil hat sich ja durch die Jahre auch entwickelt, und das habe ich anderen Künstlern auch zu verdanken. Ich schrieb ja, dass ich damals andere Künstler auch bezüglich ihrer Materialien und Techniken gefragt hatte, und alle (bis auf einer) haben da auch bereitwillig Auskunft gegeben. Einer hatte mir sogar eine Schritt für Schritt Anleitung erstellt und geschickt, die ich dann so nachgezeichnet hatte. Da habe ich über die Arbeitsweise eine Menge gelernt. Und von allen Informationen, die ich damals so bekommen habe, habe ich mir die besten selber angeeignet, und so entwickelte sich mein Stil. Selber probiere ich auch immer wieder neues aus, aber eben auch der Hinweis meines Professors hat mich weiter gebracht, bei dem ich mich dann auf den Bleistift konzentriert habe. Aber eben die Erfahrungen anderer Materialien bringen einen immer wieder weiter. Man braucht nur mal ein und dieselbe Zeichnung auf 10 verschiedenen Papieren anfertigen, und eventuell auch noch mit 10 verschiedenen Bleistiftherstellern, und man wird merken, dass jedes Material was man benutzt, komplett anders in der Verarbeitung ist und auch eine andere Wirkung erzielt.
Ob ich dadurch besser geworden bin, sollen lieber andere beurteilen, ich habe aber viele unterschiedliche Erfahrungen sammeln können, die sich immer mehr in meinen Zeichnungen widerspiegeln. Und genau diese Erfahrungen sollen nicht aufhören: ich will weiter lernen, und mich auch weiterbilden. Es gibt Bereiche in meinen Zeichnungen, wo ich der Überzeugung bin, dass das anders oder einfacher gehen muss, ohne dass ich z.B. Krämpfe in den Händen bekomme (z.B. beim Zeichnen der Haare). Sicherlich werde ich auch wieder andere Motive zeichnen, aber meiner Liebe zu den klassischen Schönheiten werde ich immer treu bleiben.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Dirk: Das Schöne an meinem Hauptberuf ist, dass ich in einem Geschäft für Künstlermaterialien arbeite. Da kann ich immer wieder „Neues“ ausprobieren. Einmal für mich selber, um zu sehen, was man noch zusätzlich nutzen kann, aber natürlich auch, um Kunden zu beraten, wenn man die Dinge schon genutzt hat. Ich gebe mein Wissen immer gerne weiter, denn nur so habe ich ja auch gelernt: In dem ich vom Wissen der anderen profitiert habe.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Dirk: Das ist recht verschieden: Es gibt Monate, wo ich gar nichts mache, weil ich eben nicht wirklich in der Stimmung bin. Für mich ist es wichtig, dass ich eben auch in Stimmung für eine Zeichnung bin, denn dann kann ich diese Stimmung auch in das Bild transportieren, und ich habe Spaß an der Arbeit. Arbeite ich unter Druck, oder in einer schlechten Stimmung, dann erkennt man das auch später in der Zeichnung… so meine ich jedenfalls. Wenn ich aber mal einen Flow habe, dann können auch viele Zeichnungen innerhalb kürzester Zeit entstehen.

Platz brauche ich selber nicht viel, ich habe einen alten Architektur-Zeichentisch, auf dem ich zeichne. Den kann ich mir auch im Winkel verstellen, so dass ich daran auch wie an einer Staffelei zeichnen kann. Der nimmt zwar aufgrund seiner Größe doch eine Menge Platz weg, aber ich möchte diesen nicht mehr missen.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß?

Dirk: Eigentlich sind das bei Portraits die Augen, denn man könnte sogar nur die Augen veröffentlichen, und wenn diese gut getroffen sind, könnte man sogar an denen schon erkennen, um wen es sich handelt. Aber abgesehen davon sind die Augen eines Portraits immer der Kerninhalt, und die Augen sagen und zeigen so viel. Darum macht es mir so viel Freude, Augen zu zeichne, sie haben so viel Aussagekraft.

Und wenn ich an meine Pinup-Zeichnungen denke, dann sind das meistens die Tattoos, die ich dann den Models noch hinzudichte, wenn sie selber keine Tattoos haben. Ich hatte mal ein Model, was sogar unbedingt welche haben wollte, und so sehen konnte, wie sie mit Tattoos auf den Armen aussehen würde.
An den Tattoos reizen mich eben die vielen kleinen Details… ich bin halt detailverliebt ?

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Dirk: Als ich eine Auftragszeichnung übergeben habe, es war der verstorbene Vater des Kunden, brach die Mutter und Ehefrau des Verstorbenen in Tränen aus, und danach dann in Freude. Sie sagte, ich habe ihren Mann so gut getroffen, so lebendig, das sei eine tolle Erinnerung. Von der Reaktion war ich sehr gerührt, weil man ja auch immer bei Übergabe der fertigen Zeichnung etwas nervös ist, wie es eben ankommt. Eine solche Reaktion ist toll anzusehen, und freut mich umso mehr. Wenn jemand so auf meine Zeichnungen reagiert, dann erfüllt es mich auch immer mit Stolz und macht mich glücklich!

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Dirk: Natürlich die erste Ausstellung prägt einen immer, und das war bei mir ja eine in ganz jungen Jahren! Und später dann meine erste Einzelaustellung hier in Hannover. Nachdem ich in eigentlich allen Galerien abgelehnt wurde, um meine Zeichnungen zu präsentieren, gab es ein Geschäft mit Ausstellungsraum, der mir die Möglichkeit gab, meine Pinups und Streifen-Motive auszustellen. Die Bilder habe ich einen Tag vor Eröffnung gehängt, und vor der offiziellen Eröffnung war sogar schon ein Bild verkauft, da war ich auch extrem stolz… obwohl auch traurig, dass eines meiner Lieblingsmotive dann nicht mehr bei mir war. Aber die Kundin hatte mich nochmals angerufen, und sich bei mir bedankt für das tolle Bild. Sie hat mir auch ein Foto geschickt, wie es dann in Ihrem Wohnzimmer hing. Auch das war eine Reaktion, die mich bewegt hatte.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Dirk: Das Internet ist ja im Grunde genommen Segen und Fluch zugleich, bei mir war es aber mal wieder ein Segen, weil ich eine Art der Zeichnung bei jemanden auf Youtube gesehen habe. Und die Art und Weise der Zeichnung hat mich inspiriert, etwas an meinen Zeichnungen zu ändern, bzw. zu erweitern. Noch bin ich dabei, herumzuexperimentieren, aber ich denke mit ein bisschen Übung werde ich das schon hinbekommen. Dann werde ich die Prozesse und Ergebnisse zeigen, aber eben erst, wenn ich selber damit zufrieden bin.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Dirk: Emotion, Ruhe, Lebenseinstellung

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Dirk: An einer anderen Technik, bzw. eher einer Erweiterung meiner Technik, die ich meinen Zeichnungen hinzufügen möchte, bzw. wie ich meine jetzigen Zeichnungen noch etwas erweitern kann.

Manuela: Von welchem Projekt träumst du?

Dirk: Eine Kollaboration mit einem Künstler, den ich verehre. Das ist dann nicht nur ein einziger bestimmter, sondern ich habe da eine Liste. Es gibt so viele talentierte Künstler da draußen, und ich glaube, wenn man mit jemanden zusammenarbeitet, bringt einem das auch eine Menge. Ich habe vor einigen Jahren z.B. eine unfertige Zeichnung an eine Freundin geschickt, die sowas auch wollte. Und sie sollte die Zeichnung vollenden. Da unsere Stile relativ ähnlich waren und noch sind, erkennt man eigentlich nicht, wer was gezeichnet hat. Ich habe das Bild mal beigefügt, damit man suchen kann, wer welche Partien gezeichnet hat. Die Freundin hat dasselbe dann mit mir gemacht, und ich eine unfertige Zeichnung von ihr mir zukommen lassen. Es ist schon ein mulmiges Gefühl, an einem Werk eines anderen zu handwerkeln, da benötigt man Vertrauen in sein eigenes Können. Man will die Zeichnung ja nicht verhunzen. Das ist dann Gefühl pur.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Dirk: Ich hatte gerade eine Kunstmesse in Cuxhaven, und das war dann für 2025 auch meine letzte Ausstellung. In 2026 sind dann mehrere Ausstellungen geplant, zum einen habe ich die Möglichkeit in Bochum in einer Kunstgalerie ausstellen zu können. Dort werde ich die Galeristen Mitte Juli persönlich kennenlernen, und mir die Räumlichkeiten anschauen. Wir besprechen dann auch, wann genau wir die Ausstellung über drei Monate starten. Weiterhin hat mir mein Arbeitgeber die Möglichkeit gegeben, eine vierwöchige Ausstellung in den Ausstellungsräumlichkeiten zu machen. Und ob ich mich dann für den ComicSalon Erlangen 2026 noch anmelde, muss ich mal schauen. Das ist immer eine tolle Comic- und Zeichner-Messe, aber ich bräuchte dafür auch einiges an neuem Material, mal schauen, was ich in diesem Jahr noch so hinbekomme.

Manuela: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Dirk: https://www.dirkrichter.art

https://www.instagram.com/dirkrichter.art

https://www.youtube.com/@DirkRichterArt

https://www.facebook.com/profile.php?id=100063451339069

auf Facebook bin ich tatsächlich derzeit relativ selten, FB hat sich in meinen Augen stark gewandelt, und eigentlich nutze ich das nur noch, um Kontakte zu Freunden zu halten, oder mich in diversen Gruppen umzuschauen.

Manuela: Welche Frage habe ich dir nicht gestellt, die du hier gerne noch beantworten möchtest?

Dirk: Ja, ich gebe mein Wissen gerne weiter und helfe sehr gerne. Ich funke auch in sozialen Medien manchmal dazwischen, wenn in meinen Augen falsche Tipps gegeben werden. Zum Beispiel stört es mich extrem, wenn sogenannte Künstler anderen, die auf Hilfe von Erfahrenen bauen wollen, falsche Tipps bekommen, und so vielleicht irgendwann frustriert aufgeben, oder auf eine falsche Fährte geleitet werden. Ich kann da nur zum Beispiel das Thema „Haarspray“ und „Bilder fixieren“ ansprechen. Ich bin mittlerweile absoluter Verfechter gegen den Tipp, seine Bilder mit Haarspray zu fixieren, und mische mich da immer ein. Ich habe sogar mal vor einigen Jahren einen Zeichenkurs bei einem professionellen Zeichner gemacht, der dann den Tipp gegeben hat, die Bilder mit Haarspray zu fixieren. Nachdem ich ihn dann konfrontiert habe, dass das im Grunde genommen mutwillige Zerstörung der eigenen Bilder ist, bin ich gegangen. Ich kann da immer nur mit dem Kopf schütteln. Haarspray hat man vielleicht mal in den 80er und 90er nutzen können, aber mittlerweile sind so viele Inhaltsstoffe, wie Öle, Säuren, Parfums oder anderen in den Sprays enthalten, die die Zeichnung einfach angreifen können und zerstören können. Auch ich habe anfangs mit Haarspray fixiert, bis dann irgendwann eines meiner Bilder, welches im Rahmen war, richtig gelb und schmack wurde… eben aufgrund des Haarsprays. Auch kleben könnte es. Natürlich, wenn man es mit Haarspray fixiert, und dann gleich in eine dunkle Mappe legt, und nicht mehr rausholt, dann wird wahrscheinlich nichts passieren, aber warum sollte ich Werke, an denen ich mehrere Stunden gearbeitet habe, dann mit Haarspray fahrlässig zerstören? Ich höre immer „mir ist noch nie was passiert“ oder „Haarspray ist doch billiger“, das sind die typischen Antworten der Verfechter dieser Methode, und dieser Argumente sind in meinen Augen totaler Quatsch. Es kann immer was passieren, und Fixative sind definitiv nicht viel teurer als Haarspray. Ich tanke mein Auto ja auch nicht mit Diesel weil es günstiger ist. Es fährt dann vielleicht noch ein paar Kilometer, aber dann wird es irgendwann Schaden nehmen… so verhält sich das auch bei Zeichnungen, die mit Haarspray fixiert sind. Man merkt, ich werde bei solchen Themen recht emotional, aber es liegt mir eben am Herzen, die bestmöglichen Tipps und Konservierungsmethoden für Zeichnungen den Fragenden zu geben, damit sie eben lange etwas von ihren Werken haben.
Ich denke auch durch meinen Beruf, mein Studium, meine langjährige Zeichnungs-Karriere (wenn man das so betiteln kann), habe ich genügend Erfahrungen gesammelt, und kann gute Tipps geben. Man darf mich immer fragen… wirklich zu Allem… und alles, was man eben wissen möchte von mir. Man braucht da wirklich keine Scheu haben, ich gebe meinen Erfahrungsschatz und alles andere was mit Zeichnen zu tun hat, gerne weiter…

Ich bedanke mich herzlich für das ausführliche Beantworten meiner Fragen und wünsche weiterhin viel Erfolg mit deiner Kunst.

Der Beitrag Artist Talk: Dirk Richter – Bleistiftzeichnungen im Fokus erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.