Das Gehen ist bei Thomas Bernhard nie bloß Fortbewegung, sondern eine Denkform. Schritt für Schritt entfaltet sich ein innerer Monolog, der sich an der Bewegung entzündet, sich steigert, ins Stocken gerät und wieder neu ansetzt. Spazieren bedeutet bei ihm, sich der Welt auszusetzen und sich zugleich von ihr zu entfernen. Es ist ein rhythmischer Prozess zwischen Kontrolle und Kontrollverlust. Eine ähnliche Unterscheidung formuliert Francis Alÿs: „A journey implies a destination, so many miles to be consumed, while a walk is its own measure, complete at every point along the way.” 

Die Ausstellung While Walking von Bettina Willnauer in der Galerie Sophia Vonier in Salzburg knüpft an diese Denkfigur an und übersetzt sie in textile Bildräume. Ihre handgetufteten Wandarbeiten entstehen nicht aus einem festen Bildkonzept heraus, sondern entwickeln sich prozessual. Ausgangspunkt sind Zeichnungen oder lose Skizzen, die im Verlauf des Arbeitens transformiert werden. Mit der Tuftingmaschine, einem Werkzeug, das an eine elektrische Nadel erinnert, schießt die Künstlerin Wolle in ein gespanntes Trägermaterial, zumeist Mönchstuch. Gearbeitet wird auf der Rückseite, während sich das Bild auf der Vorderseite spiegelverkehrt formiert. Dieser Umstand erzeugt eine produktive Verschiebung zwischen Intention und Ergebnis, zwischen Kontrolle und Offenheit. Das Verfahren des Tuftings ermöglicht eine unmittelbare, fast gestische Arbeitsweise. Farbe wird nicht aufgetragen, sondern in den Stoff eingeschrieben. Schicht um Schicht verdichten sich Fäden zu weichen, reliefartigen Oberflächen, die zwischen Bild und Objekt schwanken. Obwohl diese Arbeiten technisch nicht gewebt sind, werden sie im erweiterten Sprachgebrauch mitunter als Tapisserien bezeichnet.

Bettina Willnauers Praxis lässt sich als ein „Malen mit Wolle“ beschreiben. Sie arbeitet überwiegend mit Schafwolle, deren Materialität den Prozess prägen. Die Fäden sind nicht nur Träger von Farbe, sondern auch von Struktur, Rhythmus und Bewegung. Die entstehenden Oberflächen besitzen eine haptische Qualität, die das Sehen in ein beinahe körperliches Erfahren überführt.

In ihren Bildwelten verschränken sich Beobachtungen des Alltäglichen mit imaginativen, traumartigen Elementen. Während des Gehens, so scheint es, lösen sich feste Grenzen auf: Realität und Fiktion beginnen ineinander zu fließen. Vögel, Pflanzen, Tiere, menschliche Figuren und Fragmente von Landschaften tauchen auf wie Erinnerungen oder Projektionen. Es sind Verdichtungen von Wahrnehmung, Momentaufnahmen eines Bewusstseins in Bewegung. Schuhe, die Wege durch Städte markieren, Tiere, die als Begleiter oder Gegenüber erscheinen, Pflanzen und Pilze, die sich ausbreiten und Räume durchdringen, all dies formt ein offenes dynamisches Gefüge. 

Formal erinnern die Arbeiten an kartografische Strukturen oder kosmische Ansichten zugleich. Kugelartige Formen, organische Linien und farbintensive Flächen überlagern sich zu vibrierenden Kompositionen. Die Wandarbeiten wirken wie Fenster in eigenständige Bildräume, in denen sich Tiefe und Oberfläche, Nähe und Ferne verschieben. 

Eine wichtige Referenz bildet die textile Praxis der schwedisch-norwegischen Textilkünstlerin Hannah Ryggen (1894 – 1970), deren Arbeiten das Medium des Gewebes als Träger von Narration und Haltung etablierten. Während Hannah Ryggen in ihren Bildteppichen politische und gesellschaftliche Inhalte verhandelte, interessiert sich Bettina Willnauer stärker für die poetischen und wahrnehmungsbezogenen Dimensionen des Textilen. Dennoch verbindet beide eine Auffassung von Textil als eigenständige Bildform, die sich zwischen Kunst und Handwerk, zwischen Tradition und Gegenwart positioniert.

While Walking  entfaltet sich als eine Ausstellung über das Unterwegssein, ein visuelles Wandern entlang von Linien, Farben und Strukturen. Ein Gehen, das nicht ankommt, sondern fortwährend neue Räume eröffnet. Ein Denken in Bewegung, das sich in Fäden einschreibt und als Bild wieder sichtbar wird. (Text: Barbara Horvath)

Weitere Informationen zur Ausstellung inkl. Fotoansichten: WHILE WALKING. Bettina Willnauer – Galerie Sophia Vonier

Galerie Sophia Vonier

Franz-Josef-Straße 5/3

5020 Salzburg

AUSTRIA

Opening Hours.

Thursday + Friday 12-5pm

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Die Vielfalt der Natur und die Spuren des Lebendigen prägen die Arbeiten der Textilkünstlerin Julia Hühne-Simon. Unter dem Titel „WAS SICH ZEIGT“ präsentiert der Kunstkreis Schenefeld vom 5. Juni bis 12. Juli 2026 ihre textilen und mixed-media-basierten Bilder, Objekte und Assemblagen aus Wolle, Seide und vielfältigen Geweben und Fasern. Experimentelle Materialkombinationen, haptische Oberflächen sowie das bewusste Erkunden von Textur und Tiefe eröffnen vielschichtige Räume. Sie erzählen von organischen Formen und Strukturen, die sich entfalten, wachsen und verwandeln.

„Die Verwandlung von Leben und Natur sichtbar zu machen und dem Großen im Kleinen nachzuspüren, steht im Mittelpunkt meiner Arbeit“, sagt die Künstlerin. Im Arbeitsprozess bewegt sie sich zwischen Konkretem und Abstraktion, zwischen Naturform und Interpretation: eine künstlerische Annäherung an die Dynamik von Wachstum und Wandlung. Mit der Verwendung von Papier aus Pilzen erweitert sie den Dialog zwischen Naturbeobachtung und Gestaltung sowie Material und Technik. Ihre Bild- und Objektwelten laden zum Entdecken ein und werfen Fragen auf – nach der Verbundenheit allen Lebens sowie der Verantwortung des Menschen gegenüber seiner natürlichen Umwelt.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Julia Hühne – Simon – Kunstkreis Schenefeld

Öffnungszeiten: Fr, Sa 16:00 – 18:00 Uhr und nach Vereinbarung

Galerie im Stadtzentrum Schenefeld
STADTZENTRUM SCHENEFELD
Kiebitzweg 2, 22869 Schenefeld

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„Dein Schatten ist deine persönliche Gestalt, deine stille Begleitung, dein eigenes dumpfes Echo. Er ist schlimmer als dein Ego, er ist dein Verfolger – immer da. In der Mythologie kann der Teufel deinen Schatten von deinen Füßen abschneiden und damit davonlaufen, aber wenn er ihn dir wegnimmt, vermisst du ihn schrecklich. Ist dein Schatten dann nicht in gewisser Weise wie deine Subjektivität?“ — Amy Sillman

In ihrem transmedialen Schattenspiel verwebt Lena Appel Motive aus dem literarischen Klassiker „Don Quixote“ des spanischen Autors Miguel de Cervantes von 1605 mit queerfeministischen Perspektiven aus den Don Quixote Bearbeitungen der Autor*innen Kathy Acker und Monique Wittig aus den 1980er Jahren.

Giants bewegt sich an der Schnittstelle von Literatur, Performance und visueller Kunst und versteht sich als Hommage an literarische Emanzipation, subversive Erzählformen und wiederständiges Begehren. Die Regisseurin Lena Appel experimentiert mit Techniken des Schattenspiels und setzt Licht und Schatten als Metaphern für Identität, Begehren und Subjektivität ein.

Der literarische Stoff über die abenteuerliche Reise des selbsternannten Ritters wird als radikales feministisches Manifest und als Suche nach Liebe und Selbstbestimmung neu gelesen. Lena Appels Don Quixotes kämpfen gegen Windmühlen: Imperialismus, Patriarchat und eine irrsinnige Wirklichkeit. In dieser Fassung sind Don Quixote und seine Belgleiterin Panza ein Paar. Dafür müssen sie jedoch einiges hinter sich lassen. Am Ende ist Panza, die Liebe Don Quixotes, vielleicht doch nur eine Illusion – eine Fantasie, welche die Realität annehmbarer macht.

In Zusammenarbeit mit der bildenden Künstlerin Maria Moritz und der Kostümdesignerin Carla Renée Loose verbinden sich Glas, Malerei, Textil, Druck, Kostüme und Körper zu einer immersive Atmosphäre, in der sich Ebenen überlagern, in den Vordergrund verschieben oder in den Hintergrund treten. Im Oktober 2025 finden der Videodreh und eine Aufführung des Schattenspiels im Foyer des Kunsthauses statt. Die Installation Giants. Eine Reise ohne Ende verbindet die neue Videoarbeit mit dem Bühnenbild der Künstlerin Maria Moritz und Kostümobjekten von Carla Renée Loose zu einem begehbaren Raum für eine fragmentarische Erzählung über Identität als bewegliches, sich veränderndes Konzept. Die Videoinstallation verweist zurück auf filmische Traditionen, indem sie die Bewegungen der Performer*innen als Struktur für den Schnitt nutzt und zugleich mit klassischen Mitteln wie Kameraperspektive und Bildkomposition eine zusätzliche visuelle Ebene entfaltet.

Weitere Informationen zur Ausstellung und Führungen: Kunsthaus Kaufbeuren | Giants. Eine Reise ohne Ende

Kunsthaus Kaufbeuren
Spitaltor 2
87600 Kaufbeuren

Öffnungszeiten

Mittwoch bis Freitag
11 – 17 Uhr
Samstag, Sonntag & an Feiertagen
11 – 18 Uhr

Das Haus und die Ausstellungsräume sind barrierefrei.

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Schmuck, Keramik, Taschen, Hüte, Arbeiten aus Holz, Metall, Papier und Textil

41 professionelle Kunsthandwerkerinnen und Kunsthandwerker aus dem In- und Ausland präsentieren ein breites Spektrum zeitgenössischer Angewandter Kunst. Die Ausstellenden sind alle persönlich vor Ort, begeistern mit Ihren Designs, erklären ihre Macharten und Materialien und beraten Sie gerne.

Fotos des Veranstalters aus vergangenen Veranstaltungen

Hochwertige Stücke, nach individuellen Entwürfen handwerklich gefertigt in eigenen Werkstätten – hier finden Sie Lieblingsstücke, die Sie ein Leben lang mit Freude begleiten werden!

Weitere Informationen zur Weihnachtsmesse Kunsthandwerk und Design: KUNST HANDWERK DESIGN Weihnachtsmesse Karlsruhe

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Am heutigen Sonntag, den 7.12.2025 eröffnete um 11.30h die Einzelausstellung von Veronika Moos in der Villa Zanders.

In der Einzelausstellung der Künstlerin Veronika Moos offenbart sich ein poetisches Wechselspiel zwischen Material, Wahrnehmung und künstlerischer Geste.
Aus organischen Materialien, gefügten Strukturen und vielfältigen Funden aus dem Wasser und von Land entwickelt Veronika Moos eine eigenständige Formensprache. Diese legt den Dingen keine starre Ordnung auf, sondern entfaltet sich im lebendigen Dialog zwischen Künstlerin und Material. Ihre Werke laden dazu ein, genauer hinzusehen und in eine Welt einzutauchen, in der das Flüchtige, Fragile und Widerständige sichtbar und bedeutsam wird.
Die Ausstellung vereint thematisch unterschiedliche Räume, die den künstlerischen Kosmos von Veronika Moos erfahrbar machen. Dabei entfaltet jeder Raum eine eigene Wirkung. Übergreifende Themen wie Licht und Luft, Schwere, Im Fluss, Archiv/Organik oder Blüten und Garten ergeben ein vielschichtiges Bild, in dem Materialität, Ausstrahlung und Narration miteinander verwoben sind.

Ob geknoteter Flachs, schattenwerfende Algen, schwebende Steine oder aufgefädelte Blüten – die Arbeiten von Veronika Moos sind mehr als bloße Objekte. Sie sind Denk- und Erfahrungsräume und ermöglichen eine tiefgehende Auseinandersetzung. Sie werfen Fragen auf, ohne eindeutige Antworten zu geben, und schärfen so die Wahrnehmung für das Verborgene und Fragile. In diesem offenen Dialog entfaltet sich eine stille und zugleich eindringliche ästhetische Erfahrung.
Seit 1993 bietet die Ausstellungsreihe Ortstermin im Kunstmuseum Villa Zanders vertiefende Einblicke in das künstlerische Schaffen der Region und eröffnet immer wieder spannende Perspektiven auf das Spektrum zeitgenössischer Ausdrucksformen.
Die Ausstellung wird kuratiert von Maike Sturm. Es erscheint ein Katalog im Wienand Verlag, Köln.
Die Ausstellungsreihe „Ortstermin“ wird seit 1993 durch die VR Bank eG Bergisch Gladbach-Leverkusen gefördert. (Quelle: Kunstmuseum Villa Zanders)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Veronika Moos: nicht mehr und dann – Kunstmuseum Villa Zanders

Öffnungszeiten

• Montag geschlossen

• Dienstag und Freitag
• 14.00–18.00 Uhr

• Mittwoch und Samstag
• 10.00–18.00 Uhr

• Donnerstag
• 14.00–20.00 Uhr

• Sonn- und Feiertage
• 11.00–18.00 Uhr
• und nach Vereinbarung

Am Donnerstag, 18.12., bleibt das Museum aufgrund einer internen Veranstaltung geschlossen.

Das Museum ist am zweiten Weihnachtsfeiertag, 26.12.2025, und am Neujahrstag, 1.1.2026, geöffnet.
Am 22.12., 24.12., 25.12., 29.12., 31.12.2025 ist das Museum geschlossen.

An Karneval 2026 haben wir von Weiberfastnacht, 12.2., bis enschließlich Rosenmontag, 16.2.2026.

Kunstmuseum Villa Zanders
Konrad-Adenauer-Platz 8
51465 Bergisch Gladbach

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Lotte Hofmann (LoHo), eine bedeutende baden-württembergische Kunsthandwerkerin und Textilkünstlerin, ist heute in Vergessenheit geraten, ganz zu Unrecht. Dies zu ändern ist Ziel der Retrospektive in der Textilsammlung Max Berk, die von der Baden-Württemberg-Stiftung gefördert und von der Textildesignerin und Kulturakteurin Nanna Aspholm-Flik M.A. federführend konzipiert wird.

Die meisten Exponate stammen aus Privatbesitz, der durch intensive Nachforschungen erschlossen wurde. So stammt ein Koffer mit Entwürfen aus dem Besitz eines Neffen zweiten Grades von LoHo, dem international agierenden Theaterkünstler Frank Soehnle. Er war schon als Kind künstlerisch begabt und durfte daher aus Lotte Hofmanns Vorrat schöpfen. Weitere wichtige Leihgaben kommen aus dem Familien- und Bekanntenkreis sowie dem Ort Oberrot-Hausen, dem Ort, an dem Lotte Hofmann wirkte.

All diese Exponate zeichnen das Bild einer fortschrittlichen, emanzipierten Künstlerin und Geschäftsfrau, deren Werk und Leben es wert sind, wieder mehr ins Bewusstsein gerückt zu werden.
Ein abwechslungsreiches Begleitprogramm vor Ort sowie in den Volkshochschulen in Aalen und Murrhardt trägt dazu bei, das Gedenken an die (fast) vergessene regionale Textilkünstlerin Lotte Hofmann lebendig zu halten. (Quelle: Museum Heidelberg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: museum-heidelberg.de -Lotte Hofmann

Hauptstraße 97
69117 Heidelberg

Kurpfälzisches Museum
Dienstag bis Sonntag 10 bis 18 Uhr
Montag geschlossen sowie am 24., 25. und 31. Dezember, 1. Januar, 1. Mai und am Fastnachtsdienstag

Textilsammlung Max Berk
Mittwoch, Samstag, Sonntag
13 bis 18 Uhr
nur während laufender Sonderausstellungen geöffnet

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Die Phänomene der Natur, ihr Formenreichtum und die Spuren des Lebendigen sind die Inspirationsquellen der Textilkünstlerin Julia Hühne-Simon. Die Ausstellung „Textile Transformationen – Spuren des Lebendigen“ im Schloss Reinbek zeigt ihre textilen und mixed-media-basierten Bilder, Objekte und Assemblagen aus Wolle, Seide und vielfältigen Geweben und Fasern.

Die Werke zeichnen sich durch experimentelle Materialkombinationen, haptische Oberflächen und das bewusste Erkunden von Textur und Tiefe aus. Sie erzählen von organischen Formen und Strukturen, die sich entfalten, wachsen und verwandeln. Manches zeigt sich unmittelbar, anderes offenbart sich bei genauerem Betrachten – ein Dialog aus Konkretem und Abstraktem, aus Naturform und künstlerischer Interpretation.

„Mit jeder Faser und jedem Detail, das ich einarbeite, eröffnen sich mir neue Perspektiven und Gestaltungsräume. Die stetige Verwandlung von Leben und Natur sichtbar zu machen und dem Großen im Kleinen nachzuspüren – das ist die Faszination, die mich antreibt“, sagt die Künstlerin über ihre Arbeit.

So entstehen vielschichtige Bild- und Objektwelten, die zum Entdecken einladen und zugleich Fragen aufwerfen: nach der Verbundenheit allen Lebens und der Verantwortung des Menschen gegenüber seiner natürlichen Umwelt.

Julia Hühne-Simon, 1966 in Bielefeld geboren, fand nach einem naturwissenschaftlichen Studium im Jahr 2000 zur Textilkunst. Sie ist Mitglied der Künstlerinnenvereinigung GEDOK Hamburg und des Berufsverbandes Angewandte Kunst (BAK-SH). Ihre Arbeiten waren bereits in zahlreichen Gruppen- und Einzelausstellungen zu sehen. (Quelle: Schloss Reinbek)

Zur Vernissage am 30.11.25, 11:30 Uhr ist der Eintritt frei. 

Begrüßung und Einführung: Elke Güldenstein

(Leiterin des Kulturzentrums Reinbek)

Musikalischer Beitrag: Pamela Coats, Klarinettistin

Weitere Termine:

Vorführung, Präsentation, Material und Technik: So., 14.12.2025 um 11.30 Uhr 

Führung durch die Ausstellung, So., 11.1.2026 um 13 Uhr

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen » Schloss Reinbek

Schloss Reinbek
Schloßstraße 5
21465 Reinbek

Öffnungszeiten
Mi – So: 10:00 – 17:00 Uhr

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Die Rademakers Gallery ist eine Galerie für zeitgenössische Kunst und Design mit Sitz in Amsterdam, deren kuratorische Vision visuelle Kunst, Design und Nachhaltigkeit miteinander verbindet. Die Galerie ist eng mit der lokalen Kreativszene verbunden und baut ihre Präsenz auf der internationalen Bühne stetig aus.

Förderung der Textilkunst

„Wir betrachten Textilkunst als ein ausdrucksstarkes und taktiles Medium, das traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischem Ausdruck verbindet. Unser Programm stellt Künstler in den Vordergrund, die die Grenzen von Stoff und Form erweitern und Fasern in Statements zu Kultur, Identität und Innovation verwandeln.“

In diesem Jahr werden die neuesten Textilkunstwerke von Mina Abouzahra, Simone Post, Mae Engelgeer, Thordur Hans, Alfhild Sarah Külper x Natasja Alers, Joana Schneider & Sina Dyks  vorgestellt

Weitere Informationen zum Umfang der SOFT! Ausstellung: https://www.rademakersgallery.com/artworks/categories/185/

Address: Nijverheidslaan 3A9, 1382 LE Amsterdam

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Künstlerinnen: Kirsten Brünjes, Annemarie Strümpfler, Svenja Sisypha Wetzenstein 

Die Ausstellung BEYOND SURFACE vereint künstlerische Positionen, die unter die Oberfläche blicken – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn. Die gezeigten Werke erzählen von Verletzlichkeit, Erinnerung, Transzendenz und der Konfrontation mit existenziellen Grenzerfahrungen. Drei künstlerische Handschriften treten in einen vielschichtigen Dialog, der den Raum öffnet für das Verborgene, das Uneindeutige und das Unheimliche hinter dem Sichtbaren.

BEYOND SURFACE versammelt künstlerische Arbeiten, die sich gegen das bloße Sehen richten. Es sind Werke, die in die Tiefe gehen – in Erinnerungen, in Träume, in kollektive Wunden und persönliche Zwiespälte. In ihrer Unterschiedlichkeit berühren sie das, was uns Menschen verbindet: das Wissen um unsere Endlichkeit, unser Bedürfnis nach Nähe, unsere Fähigkeit zur Transformation. Indem sie das Oberflächliche durchbrechen, fordern sie uns auf, genauer hinzusehen – und hinzuhören. 

Kirsten Brünjes lebt und arbeitet in Bremen. In ihrem künstlerischen Schaffen steht die Auseinandersetzung mit Identität, Ausdruck und den Übergängen zwischen Menschlichem und Tierischem im Zentrum. Seit vielen Jahren entwickelt sie ein eigenständiges skulpturales Werk, das in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt wird.
Ihre Figuren – aus Porzellan, Steinzeug oder kombiniert mit Stoff, Garn und anderen Materialien – bewegen sich im Grenzbereich zwischen Realität und Imagination. Wesen unbestimmbaren Alters, mal zerbrechlich, mal kraftvoll, oft schwer einzuordnen.
Ihre Körperhaltungen, Gesichter und Bekleidungsdetails verleihen ihnen eine Sprache, die nicht gesprochen wird, sondern durch Haltung und Ausdruck vermittelt wird. Brünjes erschafft so Charaktere, die den Betrachtenden direkt gegenübertreten – sie werden angeschaut, aber sie blicken auch zurück. Ein zentrales Thema ihrer Arbeit ist das Hybridwesen: Mischformen aus Menschlichem und Tierischem, die zugleich fremd und vertraut wirken. Sie verdeutlichen Verletzlichkeit und Stärke, Maskerade und Schutz, aber auch das Spiel mit anderen Rollen. So entstehen Figuren, die mehr sind als Abbilder – sie eröffnen Möglichkeitsräume und fordern unsere Empathie heraus. Der Arbeitsprozess der Künstlerin ist langwierig und präzise. Aus einem ersten Impuls heraus modelliert sie ihre Skulpturen, schleift und korrigiert sie bis ins kleinste Detail, bevor Glasuren und Farben ihre endgültige Gestalt bestimmen. Besonders die Augen sind für Brünjes entscheidend: Sie verleihen den Figuren ihr inneres Leben.
In der Ausstellung treten ihre Werke in einen Dialog mit dem Raum und den Besuchenden. Mit zarter Sensibilität und zugleich eigensinniger Kraft geben die Skulpturen Einblicke in das Vielschichtige, Fragile und Abgründige menschlicher Existenz – sie sind Spiegel und Gegenüber zugleich.

Annemarie Strümpfler  lebt und arbeitet in Bremen. In ihrem künstlerischen Schaffen beschäftigt sie sich seit vielen Jahren mit Zeichnung, Materialität und gesellschaftlich-menschlichen Fragestellungen. Im Mittelpunkt ihrer ausgestellten Arbeiten steht das Medium Graphit, das Annemarie Strümpfler in unterschiedlichsten Formen erforscht und als Ausdrucksmittel zwischen Fläche, Linie und Raum einsetzt. Seit geraumer Zeit widmet sich die Künstlerin intensiv diesem Werkstoff – in Form von Pulver, Blöcken, Stiften oder in flüssiger Konsistenz auf verschiedensten Untergründen.
Ihre Hände sind dabei die zentralen Werkzeuge, mit denen sie die Vielschichtigkeit dieses Halbmetalls sichtbar macht: von kraftvollen Hell-Dunkel-Kontrasten bis hin zu feinsten Nuancen.
Graphit zeigt sich dabei nicht nur als Material der Zeichnung, sondern auch als Element mit physikalischen Eigenschaften – es absorbiert und reflektiert Licht, leitet Elektrizität und Wärme.
In einer der ausgestellten Arbeiten verweist Strümpfler auch auf diese technischen Aspekte.
Für die Künstlerin ist Graphit zugleich Medium der Linie – lebendig, weich, hart, grenzziehend, flächenbildend, Licht und Schatten hervorbringend. Es begleitet sie von alltäglichen Skizzen und Notizen bis hin zu großformatigen Arbeiten im Raum.
Darüber hinaus versteht sie Graphit in seiner mineralischen Herkunft als Symbol für die Geschichte der Erde und die Entwicklung menschlicher Kultur – mit all ihren Widersprüchlichkeiten im Umgang mit Natur und Umwelt.
Der Blick auf die Wertigkeit von Graphit, seine essentielle Kraft, sein dynamisches Potential und seine Ambivalenz zwischen Natur und Technik ist das zentrale Anliegen von Annemarie Strümpfler. In ihren Arbeiten öffnet sie ein Spannungsfeld zwischen zarter Linie, Fläche und Raum-Objekt – immer auch verbunden mit Fragen an unsere Gesellschaft.

Svenja Sisypha Wetzenstein lebt und arbeitet als Malerin in Niedersachsen. In ihrer künstlerischen Arbeit setzt sie sich mit den Themen Vergänglichkeit, Verletzlichkeit und Zeit auseinander – Motive, die sie in alltäglichen, oft unscheinbaren Momenten aufspürt und durch ihre Malweise zu verdichteten Bildräumen transformiert.
Ihre Malerei entsteht stets auf der Grundlage eigener Fotografien. Doch die Künstlerin überträgt die Vorlagen nicht eins zu eins, sondern wählt Bildausschnitte, die sie mit der Maserung des Holzes – ihrem bevorzugten Malgrund – in Beziehung setzt. So verzahnen sich fotografisches Motiv und organische Struktur, Kontrolle und Zufall. Oft entstehen so Werke, in denen das Gemalte und das Ungemalte, das Sichtbare und das Verborgene gleichwertig nebeneinanderstehen. Wetzenstein arbeitet langsam und mit äußerster Präzision. Im Dunkeln projiziert sie ihre Fotos auf die Holzplatten und trägt in feinen, disziplinierten Pinselstrichen Schicht um Schicht Farbe auf. Ihre Malerei hält so die Spannung zwischen flüchtigem Moment und langwierigem Prozess: ein kurzer Augenblick, festgehalten auf einem Foto, verwandelt sich in ein Bild, das über Wochen oder Monate entsteht und so die Dimension von Zeit neu erfahrbar macht. Thematisch berühren ihre Arbeiten oft das kleine Drama des Alltags – Szenen von Verletzlichkeit, Zufall oder innerer Erschütterung. Dabei geht es nie um „geliehenes Drama“ oder Sensationsbilder, sondern um Erfahrungen aus dem eigenen Leben, die zugleich eine allgemeingültige Dimension entfalten. Ihre Malweise knüpft an kunsthistorische Traditionen an, verweist mitunter auf impressionistische Ansätze oder christliche Ikonographie, ohne sich in ihnen zu verlieren.
In der Ausstellung begegnen die Bilder von Svenja Sisypha Wetzenstein den Betrachtenden mit stiller Eindringlichkeit. Sie öffnen Räume für die Auseinandersetzung mit Vergänglichkeit und Erinnerung – und zeigen, dass Malerei nicht nur festhält, sondern auch verwandelt, vertieft und tröstet.

Weitere Informationen zur Ausstellung: AKTUELLE AUSSTELLUNG | Villa Sponte Zeitkultur e.V.

Villa Sponte Zeitkultur e.V.

Osterdeich 59B

28203 Bremen

Öffnungszeiten: Di., Sa. und So. von 15 – 18 Uhr 
und nach Vereinbarung

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Julia Hühne-Simon, Textilkunst

Vernissage: am Sonntag, 12. Oktober 2025 um 12 Uhr 
mit musikalischem Beitrag von Ana Miceva | Klavier und Sebastian Naglatzki | Bassbariton

Ausstellungsdauer: 12. bis 30. Oktober 2025

Vorführung während der Ausstellungszeit: am Sa., 18.10.2025 um 14 Uhr: Handgeschöpftes Papier aus Pilzen

In der Ausstellung VIELSCHICHTIG werden die Grundbausteine des Lebens – Zellen und Gewebe – zum Ausgangspunkt für die künstlerische Auseinandersetzung. Die Werke, vom 12. bis 30.10.2025 im Kunstforum der GEDOK Hamburg zu sehen, thematisieren Strukturen, Transformationen und Phänomene der Natur: Manches zeigt sich unmittelbar, anderes offenbart sich bei genauerem Betrachten – ein Spiel aus Konkretem und Abstraktem, aus Naturform und künstlerischer Interpretation. 

Mit Schafschurwolle, Seide, vielfältigen textilen Materialien und Papier entwickelt die Textilkünstlerin Julia Hühne-Simon vielgestaltige mehrdimensionale Oberflächenwelten. Handgeschöpftes Papier aus Pilzen und Naturfärbungen erweitern die experimentelle Herangehensweise. Im Zentrum der Ausstellung steht das Prinzip der Verwandlung: biologisch als Zellteilung, Rekombination und Wachstum, künstlerisch als Prozess des Gestaltens und der Neuschöpfung. 
Die gezeigten Kompositionen – Bilder, Objekte, Assemblagen und Mixed-Media-Arbeiten – sind im wahrsten Sinne des Wortes vielschichtig und laden dazu ein, aufmerksam hinzuschauen und Details zu entdecken. Über ihre ästhetische Präsenz hinaus werfen sie Fragen auf: nach der Verbundenheit allen Lebens, nach Diversität – und nach der Verantwortung des Menschen gegenüber seiner natürlichen Umwelt. (Quelle: Gedok Hamburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: VIELSCHICHTIG Zellen · Gewebe · Struktur – Julia Hühne-Simon [12. bis 30.10.2025] – GEDOK Hamburg

Weitere Informationen zur Künstlerin: https://www.juliahuehnesimon.de/

Kunstforum der GEDOK Hamburg
Koppel 66 / Lange Reihe 75
20099 Hamburg

Öffnungszeiten:
Mi – Fr 13:00 – 18:00 Uhr
Sa+So 13:00 – 16:00 Uhr
Das Kunstforum ist an Feiertagen geschlossen.

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