10. April 2025 bis 17. August 2025 Museum Brandhorst

Erstmals nimmt das Museum Brandhorst einen Künstlerkreis in den Fokus, der die Kunst der Nachkriegszeit in Musik, Tanz, Malerei, Skulptur und Zeichnung entscheidend geprägt hat. John Cage (1912–1992), Merce Cunningham (1919–2009), Jasper Johns (*1930), Robert Rauschenberg (1925–2008) und Cy Twombly (1928–2011) schufen durch ihren intimen Austausch eine besondere Verbindung zwischen den künstlerischen Gattungen und Medien. Das Museum Brandhorst rückt damit Cy Twomblys Schaffen, das einen zentralen Sammlungsschwerpunkt darstellt, in ein neues Licht und situiert dessen Praxis erstmals im künstlerischen Umfeld seiner Anfänge.

Bilder, Geräusche und Bewegungen aus dem Alltag ergaben ein konzeptuelles Grundgerüst. 

Während Cage und Cunningham bereits seit den frühen 1940er-Jahren eine berufliche und romantische Beziehung führten, lernten sich Rauschenberg und Twombly im Frühjahr 1951 in New York kennen. Ab dem Sommer besuchten sie gemeinsam das legendäre Black Mountain College in North Carolina, wo Cunningham und Cage unterrichteten. Rasch entstanden dort enge Verbindungen zwischen den Vieren. Cage verfasste Texte zu den Künstlern, sammelte ihre Werke und seine Theorien flossen wiederum in deren Arbeiten ein. Bilder, Geräusche und Bewegungen aus dem Alltag, die mittels Zufallsoperationen verschränkt wurden, ergaben ein konzeptuelles Grundgerüst.

Am Black Mountain College arbeiteten Twombly und Rauschenberg gemeinsam an einer Serie von monochromen White Paintings – die bisher allein Rauschenberg zugeschrieben wurden. Nach einer gemeinsamen Reise durch Europa und Nordafrika 1952/53 teilten sie sich ein Atelier in der New Yorker Fulton Street. Hier entwickelten sie ihre jeweilige Formensprache: Rauschenberg in seinen Combine Paintings und Twombly in seinen graffitiähnlichen ‚Kritzeleien‘. Kurz darauf, 1954, kam Jasper Johns in den Freundeskreis. Bis 1961 arbeiteten Rauschenberg und Johns Seite an Seite und etablierten, was später als „Painting As Object“ kanonisiert wurde.

In Cunninghams Tänzen ist die Ästhetik des Camp präsent

Die Tanzperformances der Merce Cunningham Dance Company (MCDC) vermitteln den kollaborativen Geist der Künstler wohl am deutlichsten. Cage war bis zu seinem Tod 1992 musikalischer Leiter und zu Beginn auch Tourmanager der MCDC, die 1953 am Black Mountain College gegründet wurde. Von 1954 bis 1964 war Rauschenberg der künstlerische Leiter und als solcher verantwortlich für Beleuchtung, Kostüme und Bühnenbilder. Johns unterstützte ihn bis zu ihrer Trennung 1961 stets bei der Ausführung dieser Elemente und übernahm die Rolle des künstlerischen Leiters, nachdem sich Rauschenberg auf der World Tour 1964 mit Cunningham überworfen hatte. Auch er gestaltete Bühnenbilder, etwa 1968 in Zusammenarbeit mit Marcel Duchamp für die Choreografie Walkaround Time, oder 1970 die Kostüme für Second Hand, eine Huldigung an eine andere für Cage zentrale Bezugsfigur in der Geschichte der französischen Avantgarde: Erik Satie.

In Merce Cunninghams Tänzen ist auch die Ästhetik des Camp präsent, die sich durch Stilisierung und Übertreibung trivialkultureller Phänomene auszeichnet. So bedient sich der Choreograf an Tanzfiguren aus dem Vaudeville, Stepptanz oder Bewegungen aus dem American Football. Bei Antic Meet (1958) beispielsweise handelt es sich um eine burleske Komödie: Ein Mann verliebt sich in eine Gesellschaft, deren Regeln er nicht kennt, und versucht während der gesamten Choreografie vergeblich, sich in die Bewegungsmuster der restlichen Tanzenden (der Gesellschaft) einzugliedern.

Der Fokus der Ausstellung auf den freundschaftlichen und künstlerischen Beziehungen lässt die queeren Aspekte in ihrer Kunst hervortreten. In den Arbeiten finden sich zahlreiche versteckte Referenzen auf nicht-heteronormatives Begehren. Die Künstlergruppe brach mit der von Machismo geprägten Rhetorik der Abstrakten Expressionisten. Viele Werke in der Schau nehmen Bezug auf queere Protagonisten der Kunst-, Musik- und Literaturgeschichte, darunter Frank O’Hara, Hart Crane oder die antike Dichterin Sappho. Die Künstler verhandelten durch Codes ihre eigene Sexualität?– und dies in der repressiven McCarthy-Ära.

Der politische Kontext des Kalten Kriegs und die zunehmende Technologisierung der Gesellschaft durchdrangen die Arbeiten aller fünf Künstler. Rauschenberg pflegte einen geradezu obsessiven Umgang mit amerikanischen (Macht-) Symbolen; Johns berühmteste Arbeiten sind Appropriationen der amerikanischen Flagge und Zielscheiben, die auf Staatsräson und Militärwesen verweisen; Cage beschäftigte sich mit dem Anarchismus bei Henry David Thoreau und war fasziniert von medientheoretischen Konzepten wie dem Global Village.

Twomblys vermeintlich entrückte Antikenbezüge in den Gemälden der 1960er-Jahre rekurrieren oft auf konkrete politischhistorische Ereignisse wie die Ermordung von John F. Kennedy oder die Kuba-Krise.
Insbesondere Twombly und Rauschenberg reagierten in ihrem bildnerischen Schaffen auf die Entwicklung der Raumfahrt, so entstand Rauschenbergs Stoned Moon Book 1970 gar im Auftrag der NASA. 1968 schuf Twombly das Gemälde Orion?III, das die Planzeichnung eines neuartigen, mit Nuklearenergie angetriebenen Raketensystems aufgreift.

Die Mondlandung und die ersten Satellitenaufnahmen der Welt aus dem All hatten weitreichenden Einfluss auf das Natur- und Kunstverständnis. Die Ausstellung endet mit Exponaten aus den 1970er-Jahren: Die Kollaborationen der Fünf intensivierten sich wieder, sie knüpften an ihr Frühwerk an und führten es in unterschiedliche Richtungen weiter. Viele dieser Arbeiten wirken wie aus prähistorischer oder archaischer Zeit: Zivilisationsschrott und organisches Material vermischen sich und lassen die gefestigten Oppositionen zwischen Natur und Kultur, Materie und Geist, Zufall und Intention hinter sich.

Somit wird der Bogen von den 1940er- bis in die späten 1970er-Jahre gespannt. Eine Ära, in der die Verflechtung von Kunst, Freundschaft und Liebe zu einem entscheidenden Movens ihres Schaffens wurde. Rauschenberg beschrieb diese Zeit rückblickend: „Wir alle haben mit vollem Einsatz gearbeitet, jedes intensive Gefühl geteilt, und ich glaube, wir haben Wunder vollbracht, allein für die Liebe.“

Mit über 180 Kunstwerken sowie Partituren, Bühnenrequisiten, Kostümen, Fotografien und Archivalien ermöglicht die Schau einen Einblick in das Zusammenspiel der fünf Künstlerfreunde.?

Die Ausstellung findet in Kooperation mit dem Museum Ludwig Köln statt.

Weitere Informationen rund um die Ausstellung: Fünf Freunde | Museum Brandhorst

Museum Brandhorst | Theresienstraße 35a, 80333 München

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Ursprünglich habe ich den Blog ins Leben gerufen, um meine eigene Kunst zu präsentieren, Arbeitsschritte, Intentionen & Inspirationen, meine Reiseerlebnisse zu teilen und auf meine eigenen Ausstellungen aufmerksam zu machen. Doch im Laufe der Zeit hat sich mein Fokus verändert: Die Idee, Gemeinschaft zu schaffen und anderen Künstler:innen Sichtbarkeit zu verleihen, rückt immer mehr in den Vordergrund. Kurzum: Netzwerken! Deshalb stelle ich in meinen Monatsporträts regelmäßig Künstler:innen aus dem In- und Ausland vor, die mich inspirieren und neugierig machen. Aber natürlich weise ich auch immer noch auf meine eigenen Ausstellungen, auf meine Kunst und meine Interessen hin. Alle Künstler:innen, die ich hier vorstelle oder auf deren Ausstellungen ich verweise interessieren mich selbst und empfehle ich daher sehr gerne!

Das ist jedoch nicht alles: Da ich viele Künstler:innen persönlich kenne, führe ich alle 4-8 Wochen sogenannte Artist Talks durch. Diese Portraits gestalte ich kostenlos und konzentriere mich auf individuelle Fragen an die jeweiligen Künstler:innen, um ihre Arbeiten und ihren kreativen Prozess zu zeigen. Es treibt mich der Gedanke der Sichtbarkeit, des Miteinanders und der gegenseitigen Unterstützung an. Die Künstler:innen, die ich vorstelle, haben gleichzeitig die Möglichkeit, ihre Ausstellungsankündigungen zu platzieren und ihre Social Media-Präsenzen zu verlinken. Sie können den von mir erstellten Beitrag jederzeit teilen und/oder auf ihrer Website einpflegen.

Ich selbst bin stets neugierig darauf, was andere zur Kunst antreibt. Welche Motivationen und Hintergründe bewegen sie, das zu tun, was sie tun? Warum wird überhaupt heute noch jemand Künstler und wagt diesen Schritt in die ungewisse Selbständigkeit oder als Nebenberuf? Ich möchte diese Erfahrungen teilen und Kunst noch zugänglicher machen. Bislang habe ich all dies unentgeltlich realisiert und teilweise die Künstler:innen direkt in ihren Ateliers besucht, um sie zu befragen.

In letzter Zeit wurde ich oft gefragt, wie man an meinen Artist Talks teilnehmen kann und wie sich Künstler:innen in meinem Blog präsentieren können. Daher möchte ich hier alle (semi-)professionell arbeitenden Künstler:innen ermutigen, sich zu melden. Egal, ob sie bereits lange als Künstler:innen tätig sind oder am Anfang ihrer Karriere stehen, solange sie über eine gewisse Ausstellungserfahrung verfügen und ihre Arbeiten online präsentieren können, sind sie herzlich eingeladen.

Interessierte Künstler:innen aus den Bereichen Literatur/ Lyrik/ Poesie/ Malerei/ Grafik/ Illustration/ Digital Art/ Bildhauerei/ Holzkunst/ Druck/ Fotografie/ Video/ Tanz und Musik können sich schriftlich über mein Kontaktformular an mich wenden. Habe ich eine Kunstrichtung vergessen? Melde dich gerne! Ich nehme auch gerne Hinweise und Empfehlungen entgegen.

Ich freue mich darauf, gemeinsam mit euch einen spannenden Austausch zu fördern!

Update vom 04.10.2026

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Ausstellung mit Werken von Patricia London Ante Paris und Michel Ries

Die Ausstellung „Alles gut.?“ in der Galerie Bezirk Oberbayern wirft bis zum 21. Februar 2025 Fragen zum Zustand unserer Gesellschaft und zu den Möglichkeiten von aktiver Teilhabe und dem Umgang mit Vielfalt auf. Gezeigt wird die Kraft und Befreiung durch künstlerisches oder aktives Handeln, auf der Suche nach Gewissheit in einem Leben voller Unsicherheiten.

Video-Performance, Skulpturen und Gemälde

Die Künstlerin Patricia London Ante Paris ist bekannt für ihre farbintensiven Performances im Zusammenspiel von Malerei, Skulptur, Tanz und Musik. Für die Galerie Bezirk Oberbayern hat sie die partizipative Performance „Problem City“ entwickelt. Damit will sie, inspiriert durch den Inklusions-Gedanken, Kunst in einfacher Sprache erschaffen und alle Menschen mit einbeziehen.

Anlass für diese Performance sind die vielen Probleme, die wir in unserer Gesellschaft und als Einzelne verspüren. Farbige Pappkartons, die zu Beginn eine große Problem-Stadt bilden, stehen für viele Ängste und Schwierigkeiten. Nach dem Motto „Jeder hat sein Päckchen zu tragen“ stülpen sich Tänzer und Teilnehmende aus dem Publikum diese über und werfen sie nach einer Reihe von Aktionen befreit wieder ab. Die Performance fand zur Vernissage und zur Langen Nacht der Münchner Museen statt.

In der Ausstellung zeugen jetzt farbintensive Skulpturen in klaren Formen und Videoausschnitte aus der Performance von der Teilhabe und des gemeinsamen Handelns dieser künstlerischen Aktion.

Farbintensität strahlen auch die Bilder von Michel Ries aus. Auf großformatigen Leinwänden und Papieren erzählt der junge Künstler des Atelier Augustinum mit kräftigen Farben und sicherem Strich seine Geschichten. Er verarbeitet darin symbolisch und stark verdichtet bis hin zu Abstrahierungen herausragende und auch problembeladene Erfahrungen aus seinem Alltag.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Alles gut.? / Bezirk Oberbayern

Prinzregentenstraße 14
80538 München

Öffnungszeiten: Mo bis Fr 10 bis 19 Uhr (feiertags geschlossen)

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