Im Bayerisch-Böhmischen Waldgebirge ist, wie in vielen anderen deutschen Marginalregionen, der Animismus tief verwurzelt. Seit Jahrhunderten manifestiert er sich in der Vorstellung übernatürlicher, nichtirdischer Wesen und Kreaturen.

Daran anknüpfend sind Kunstschaffende aus aller Welt in diesem Jahr dazu eingeladen im Rahmen der Internationalen Glaskunstausstellung 2026 unter dem Motto „Mystische Kreaturen und Mythische Wesen“ die Welt der Phantasie und des Übernatürlichen durch die Kunst des Glases zu „erforschen“ und dabei im Idealfall auch die Grenzen der Glaskunst zu erweitern. Vor allem aber soll diese Ausstellung eine Plattform bieten, um die Verbindung zwischen Natur, Phantasie und Handwerk zu erkunden und neue Perspektiven auf traditionelle Motive zu eröffnen.

Mit dieser Ausstellung ist die Verleihung des Zwieseler Glaspreises in drei Kategorien und eines Publikumspreises verbunden.

• Vernissage: 31.07.2026, 19.00 Uhr
• Finissage: 16.10.2026, 19.00 Uhr

Waldmuseum Zwiesel
Kirchplatz 3, 94227 Zwiesel

Tel. +49 9922 503706
waldmuseum@zwiesel.de

Öffnungszeiten

Mo, Do, Fr, Sa, So: 10:30 bis 16:00 Uhr.
Dienstag u. Mittwoch Ruhetag

Während der bayerischen Schulferien keine Ruhetage!

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Sonderausstellung im Oldenburger Schloss

Im Rahmen der 43. Internationalen Keramiktage, die Anfang August auf dem Oldenburger Schlossplatz stattfinden, präsentiert das Landesmuseum Kunst & Kultur Oldenburg Werke der Preisträgerin der NEUEN KERAMIK 2025, Elena Arosio, im Oldenburger Schloss.

Die Italienerin Elena Arosio fertigt einzigartige Artefakte, die sie auf der Töpferscheibe aus Feinsteinzeug herstellt. Ihre Arbeiten werden anschließend mit versiegelter Erde veredelt und im Kapselbrand gebrannt. Hierdurch erhalten die Stücke ihre besonderen Farben, die sich zart auf die Oberflächen der stabilen Gefäße legen. Elena Arosio strebt nach klaren Formen, die eine harmonische Symbiose mit den luftigen Farben ihrer Außenwände eingehen.

Die Eröffnung der Ausstellung „Visionary Landscapes. Keramik von Elena Arosio” findet am Freitag, den 31. Juli, um 19 Uhr im Oldenburger Schloss statt. Sie sind herzlich eingeladen! Eine Anmeldung ist nicht erforderlich.

Begrüßung
Dr. Anna Heinze
Direktorin des Landesmuseums Kunst & Kultur Oldenburg

Einführung
Christoph F. Hasenberg
Keramiker, Maler, Autor, Kurator

Weitere Informationen zur Ausstellung: Visionary Landscapes – Landesmuseum Oldenburg

Landesmuseum
Kunst & Kultur
Oldenburg
Damm 1
26135 Oldenburg

Dienstag–Sonntag 10–18 Uhr

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Sonderausstellung im Augusteum

Mit ihrer Ausstellung in Oldenburg kehrt Yenirce (*1992 in Qubînê) zurück in die Stadt, in der sie als Kind jesidischer Geflüchteter ihr erstes Zuhause in Deutschland fand. Diese biografische Verankerung bildet einen Resonanzraum für ihr künstlerisches Denken.

In den Installationen, Gemälden und Videowelten der Ausstel­lung verbindet Yenirce globale Themen wie Migration, feministi­sche Selbstbehauptung und mediale Machtstrukturen mit per­sönlichen Erinnerungen an konkrete Orte, Stimmen und Begeg­nungen. So inszeniert die Künstlerin ein prägendes Sammlungsstü­ck des Museums und Wandzeichnungen aus ihrer Jugend gleichwertig nebeneinander.

Im Zentrum ihrer Malereien steht eine Reihe unterschiedlicher Frauen, die Yenirces Entwicklung maßgeblich geprägt haben. Ob real oder ideell: Die Stimmen der Frauen aus Kunst und Litera­tur, Bildung und Politik verstärkt die Künstlerin in ihren Arbeiten zu einem kämpferischen und lebensfrohen „Chor der Frauen“. In den großflächigen Ölmalereien tauchen sie, mittels Siebdruck dargestellt, am Mikrofon sprechend, singend und applaudierend auf.

Schließlich interessiert sich Yenirce für einen gegenwärtigen Blick auf Oldenburg. Für ihre Videoarbeit lässt sie ihren Bruder, einen passionierten Läufer, durch die dunklen Straßen der Stadt rennen. Seine Stirnleuchte wirft nur einen

kleinen Lichtpunkt, der keine klare Orientierung bietet, aber im­mer in Bewegung bleibt.

Der Ausstellungstitel „Werdegang“ wird wörtlich genommen. Das Gehen als Prozess des Werdens am Beispiel der Biografie der Künstlerin oder des Läufers im Video: Ihre Bewe­gungen treiben sie durch die Straßen Oldenburgs oder – im Falle der Künstlerin – aus Oldenburg hinaus in die weite Welt und wie­der zurück.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Leyla Yenirce – Landesmuseum Oldenburg

Landesmuseum
Kunst & Kultur
Oldenburg
Damm 1
26135 Oldenburg

Dienstag–Sonntag 10–18 Uhr

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Die Kunsthalle Otto Flath zeigt vom 30.03 – 31.10. 2026 Skulpturen des Bildhauers Klaus Effern. Zwei Werkreihen des Künstlers stehen vis a vis zu den Plastiken von Otto Flath: Im kleinen Ausstellungsraum neben der ursprünglichen Werkstatt von Otto Flath steht das Ensemble „ Verspottung“, sieben Holzskulpturen als eine moderne dreidimensionale Version des Tafelbildes von Matthias Grünewald ( 1503) „ Die Verspottung Christi“.

Der Bildhauer schafft eine Situation mit seinen Skulpturen, die den Museumsbesucher vom bloßen Betrachter zum
Zeugen der Szenerie werden läßt und kreiert ein Nachdenken über das Thema des „ Geringsten“.
Die bemalten Skulpturen nehmen thematisch Kontakt auf mit den religiösen Plastiken und Altären von Otto Flath. Formal unterscheiden sie sich von ihnen durch ihre räumliche Wucht, die den Betrachter einlädt sich zwischen den Skulpturen zu bewegen und somit einTeil des Ensembles zu werden.

Im großen Ausstellungsraum stehen mitten in der Sammlung Flaths neue Skulpturen von Klaus Effern. In der Technik der Montage sind diese Übermenschen mit Gipselementen, Ästen und Holzteilen zusammengebaut. Den Skulpturen sieht man ihren Entstehungsprozess in den verschiedenen Brüchen, Korrekturen und Ergänzungen an. Trotz ihrer Übergröße nehmen sie direkten Kontakt zu uns auf, und fordern uns als skulpturales Gegenüber in einer Ambivalenz von Schrecken und Ästhetik heraus. Die Skulpturen stellen sich optisch und inhaltlich quer zu den Altären und Plastiken von Otto Flath, die ganz traditionell aus einem Stamm geschnitzt sind.

Das Bild des Übermenschen als eine zum Scheitern verurteilte Utopie präsentiert uns der Künstler in Form der Monumentalskulptur. In ihrer Größe, Pose und ihrem Habitus transportieren diese Skulpturen einen Typus Mensch, der sich über andere stellt, eigene Werte schafft und alle anderen Regeln ablehnt. Man ahnt jedoch, wie kaputt und vergänglich sie sind. Die Assoziationen zu Nietzsches Begriff des Übermenschen, sowie zu anderen utopischen
Vorstellungen, stehen ebenso im Raum, wie aktuelle politische Strömungen, wie z.B. die, der Tech – Elite des Silicon Valley. Klaus Effern lebt und arbeitet in Bremen.

Skulpturen von Klaus Effern
Der Bildhauer präsentiert zwei Werkreihen: Das Ensemble Verspottung nach einem Ölbild von Matthias Grünewald und neue Skulpturen zum Thema „Übermensch“.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Sonderausstellung / Otto-Flath-Stiftung

Kunsthalle Otto Flath

Bismarckallee 5
23795 Bad Segeberg

Öffnungszeiten

April bis Oktober:
Samstag und Sonntag von 14 bis 17 Uhr

Selbstverständlich sind auch Besuche zu anderen Zeiten nach Absprache möglich!

November bis März:
Ein Besuch ist nach telefonischer Vereinbarung möglich.

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Poppige Farben auf goldenem Grund neben tiefschwarzer Brautkleidung: Donauschwäbische Trachten geben überraschende Einblicke in die einstigen Lebenswelten von Frauen und Mädchen. Diese Welt war eng, weil von dörflichen und kirchlichen Regeln bestimmt, aber auch weit, weil sie die Vielfalt einer multikulturellen Gesellschaft bot.

Die Ausstellung schlägt Brücken zwischen Tradition und Moderne, Ideologie und Realität, einstigem und heutigem textilen Upcycling. Sie gibt Einblicke in das Leben von Donauschwäb*innen, die sich als Nachkommen deutschsprachiger Auswanderer vom späten 17. bis zum 19. Jahrhundert im Königreich Ungarn niederließen. Dort lebten sie als eine ethnische Gruppe unter vielen.

20 Kleiderensembles, zahlreiche Fotografien, Zeichnungen von Erna Piffl und weitere Objekte machen deutlich: Persönliche Erinnerungen sind in Textilien eingewebt, Lebensgeschichten untrennbar mit ihnen verbunden. Sie laden die Besucher*innen ein, in europäische Geschichte(n) über Ankommen, Existenz, Abgrenzung und Integration, Ver- und Entwurzelung einzutauchen.

Publikation zur Ausstellung

Zur Ausstellung gibt es eine zweisprachige (deutsch/englisch) Publikation: „Schwerer Stoff. Frauen – Trachten -Lebensgeschichten“, herausgegeben vom Donauschwäbischen Zentralmuseum Ulm mit Beiträgen von Henrike Hampe, 156 Seiten mit zahlreichen Farbabbildungen, ISBN 978-3-00-079622-7.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Schwerer Stoff. Frauen – Trachten – Lebensgeschichten

Eingang für Besuchende

Arnimallee 25
14195 Berlin

Öffnungszeiten

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Nach bereits drei erfolgreichen Ausstellungen im Museum Eckernförde richtet sich die erneute Kooperation mit dem Berufsverband Angewandte Kunst Schleswig-Holstein auf den „Horizont“ – der ganz im Wortsinn, aber auch im übertragenen Sinn betrachtet werden kann. Der Begriff „Horizont“ ermöglicht viele Assoziationen. Der Horizont bildet die Grenzlinie zwischen Himmel und Erde, er verändert sich vom jeweiligen Standpunkt aus. Der Begriff ist aber auch verbunden mit Sehnsüchten, Zielen oder Vorstellungen von Zukunft.

Eingeladen waren alle Mitglieder des Berufsverbandes, ihre künstlerischen Positionen zu dem Thema einzureichen. Eine Jury wählte Arbeiten und Installationen von 21 Künstlerinnen und Künstlern aus den Gewerken Keramik, Glas, Textil, Metall, Papier und Holz aus, die das Thema „Horizont“ fantasiereich und anspruchsvoll aufgreifen.

Die beteiligten Künstlerinnen und Künstler: Suse Albrecht, Renata Brink, Silvia Bunke, Karl Decker, Martina Grund, Britta Hansen, Julia Hartmann, Julia Hühne-Simon, Karen Knickrehm, Susanne Juliette Koch, Eva Koj, Silke Lazarevi?, Beate Leonards, Gundula Sommerer, Anne Stabell, Uli Strempel, Daniela Toebelmann, Sigrid Vollmer, Anja von Wenckstern, Roswitha Winde-Pauls, Pia Wüstenberg (Quelle: Museum Eckernförde)

Weitere Informationen zur Ausstellung: HORIZONT. Aktuelle angewandte Kunst aus Schleswig-Holstein – Museum Eckernförde

Museum Eckernförde
Rathausmarkt 8
24340 Eckernförde

April bis Oktober:

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Die tschechische Glaskünstlerin Ivana Mašitová findet Inspiration in der Natur und deren ständiger Veränderung. Sie beobachtet auf ihren Reisen die Farben, Strukturen und die Atmosphäre der Orte. Diese Eindrücke verwandelt sie in Skulpturen, in denen die Energie der Natur auf die Eigenschaften des Glases trifft.

Beim geschmolzenen Glas ist es die Arbeit mit Farbe und Licht, die Veränderung der Farben je nach Materialstärke, die sie besonders fasziniert. Aus dieser Verbindung von Licht, Bewegung und natürlichen Formen entstehen ihre farbenfrohen Glasskulpturen.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Achilles-Stiftung

Achilles-Stiftung
Fuhlsbüttler Str. 415a
22309 Hamburg

Öffnungszeiten

Di – Sa: 11.00 – 18.00 Uhr

An Feiertagen geschlossen

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Die Sonderausstellung „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ erzählt erstmals die Geschichte der Meissener Porzellanmanufaktur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts – vom Wiederaufbau nach Krieg und Teildemontage bis zum Ende der DDR. Im Zentrum steht das Künstlerkollektiv um Ludwig Zepner, Heinz Werner und Peter Strang, das diese Zeit besonders prägte. Ihre bekanntesten Entwürfe waren angeregt von tschechischen Trickfilmen, Inszenierungen des Berliner Ensembles oder literarischen Motiven wie 1001 Nacht. 

Erstmals zeichnet die Porzellansammlung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) die bemerkenswerte Geschichte der Porzellanmanufaktur Meissen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in einer großen Sonderausstellung nach – vom Wiederaufbau nach dem Zweiten Weltkrieg und der partiellen Demontage durch die sowjetische Besatzungsmacht bis in die letzten Jahre der DDR. Einst von August dem Starken als Porzellanschloss erträumt, bietet das an der Elbe gelegene Japanische Palais für die rund 450 Exponate der Schau „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ einen spannungsvollen Rahmen. Neben den Porzellanen selbst weiten Entwurfsskizzen, Zeichnungen, Theaterkostüme, Filmausschnitte und mehr den Blick auf die Meissener Manufaktur in der DDR-Zeit.  

Die Präsentation gliedert sich in sieben Kapitel, in deren Mittelpunkt das Künstlerkollektiv um Ludwig Zepner, Heinz Werner und Peter Strang steht. Diese drei Mitarbeiter der Manufaktur waren unter anderem von tschechischen Animationsfilmen, Theaterstücken des Berliner Ensembles oder literarischen Motiven wie „1001 Nacht“ inspiriert und sollten den politischen Auftrag erfüllen, „aus guter Tradition zu neuem Schaffen“ (Otto Grotewohl) zu finden. Die Schau beleuchtet die Herausforderungen, denen sich die Künstler angesichts dieser Ausgangslage stellen mussten, und die Freiheiten, die sie sich in ihrer Arbeit dennoch nehmen konnten. Der programmatische Anspruch, Porzellan für alle Bevölkerungsschichten zu produzieren, stand dabei der repräsentativen Exklusivität und den hohen Kosten des Produkts gegenüber. So blieb die große Barocktradition einflussreich, obwohl sie in vielerlei Hinsicht im Widerspruch zum sozialistischen Staatssystem stand. Monumentale Wandgemälde für den Palast der Republik oder das Haus der Ministerien in Berlin, über 20 großformatige Unikate und eine von Sigmund Jähn ins All mitgenommene Medaille zeigen nicht nur in der Ausstellung, dass Meissener Porzellan als Luxusprodukt nach wie vor hohes Ansehen genoss und politischen Stellenwert besaß.

Neben dem neuen künstlerischen Schaffen nimmt die Ausstellung auch die Meissener Betriebskultur in den Blick: Künstlerisch anspruchsvolle Fotoserien der 1950er- und späten 1980er-Jahre geben gleichermaßen bislang weitestgehend verborgene Einblicke in den Arbeitsalltag der größten Porzellanmanufaktur Europas wie die kommentierte Ausgabe des betriebsinternen Magazins „Manufaktur-Echo“. Daneben betrachtet die Ausstellung grundsätzliche Aspekte zur Bedeutung der Meissener Manufaktur für die Kunst- und Kulturgeschichte im Osten und Westen Deutschlands. Da ein Großteil des Porzellans gegen Devisen über die Grenzen der DDR hinaus vor allem in die Bundesrepublik Deutschland exportiert wurde, stellt sich etwa die Frage, was im eigenen Land verblieb und inwieweit Meissener Porzellan das kollektive Gedächtnis und die nationale Identität auf beiden Seiten der Mauer prägte. Stellvertretend für die internationalen Beziehungen der Manufaktur beschäftigt sich ein Raum mit den Reisen und intensiven Verbindungen des Meissener Künstlerkollektivs nach Japan. 

Ergänzend zu den Beständen der Dresdner Porzellansammlung und des Kooperationspartners, der Meissen Porzellan-Stiftung GmbH, vereint die Ausstellung Exponate von mehr als 30 öffentlichen und privaten Leihgebern. Dazu gehören unter anderem das Betriebsarchiv der Staatlichen Porzellan-Manufaktur Meissen GmbH, die Stadtmuseen Meißen und Berlin, das GRASSI Museum für Angewandte Kunst in Leipzig und die Sammlung Ulla und Hans-Jürgen Koch in Scheidegg. Zudem besteht seit April 2025 die Möglichkeit, persönliche Geschichten und Erinnerungsstücke mit der Porzellansammlung zu teilen. Alle Beiträge werden auf der SKD-Digitalplattform voices (voices.skd.museum) veröffentlicht, einige besondere Stücke im Japanischen Palais gezeigt, darunter eine Medaille aus dem Besitz der Eiskunstläuferin Katarina Witt. In dem Online-Portal stimmen im Laufe der Ausstellung zahlreiche weitere Angebote auf die Präsentation ein, darunter eine interaktive Karte zu Meissener Wandbildern im Dresdner und Meißener Stadtraum, und filmische Zeitzeugen-Interviews, die 2022 vom SKD-Jugendbeirat in der Meissner Manufaktur geführt wurden. 

Medien- und Mitmachstationen geben Besucherinnen und Besuchern praktische Eindrücke aus der Welt der Meissener Porzellanmanufaktur und machen das Schaffen der Künstlerinnen und Künstler der DDR erfahrbar. „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ wird darüber hinaus von einem abwechslungsreichen Programm begleitet, das unter anderem Stadtspaziergänge, Livespeaker sowie Erzählcafés und Vorführungen zur Porzellanmalerei einschließt. Ein Highlight ist auch die Porzellanbegutachtung durch Expertinnen und Experten aus Museum und Kunsthandel am Sonntag, den 21. September 2025. 

Zur Ausstellung erscheint im Ch. Links Verlag der Begleitband „Die blauen Schwerter. Meissen in der DDR“ mit Beiträgen von Autorinnen und Autoren aus Wissenschaft und Kunst, Sammlerinnen und Sammlern sowie Zeitzeuginnen und -zeugen, herausgegeben von den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, Julia Weber und Sebastian Bank, 280 Seiten, 28 € ISBN: 978-3-96289-238-8.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Japanisches Palais: Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR

Japanisches Palais (Sonderausstellung)
Japanisches Palais
Palaisplatz 11
01097 Dresden

Öffnungszeiten

Mittwoch bis Sonntag 10 – 17 Uhr

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Finden, Suchen, Bewahren, Dokumentieren und im besten Fall auch Präsentieren – das sind die klassischen Stationen und Merkmale erfolgreicher Sammeltätigkeit. Mancher begnügt sich mit einer übersichtlichen Zahl von ausgesuchten Stücken, deren Erwerb sorgfältig geplant wird, mancher sammelt exzessiv und spontan. Spezielle Kenntnisse eignen sich beide Sammlertypen an. Die einen legen Wert auf Klasse, die anderen auf Masse, wobei die Masse oft schon wieder Klasse darstellt.

Nicht nur Museen sammeln, auch Privatpersonen geben sich dieser Leidenschaft hin. Und in der Region Schwarzwald-Baar-Heuberg gibt es einige dieser Menschen, die in ihren Sammlungen der Gegenwartskunst Lieblingsstücke besitzen, die sie nicht missen wollen, die sie aber dem kunst raum rottweil im Dominikanermuseum auf Zeit zur Verfügung stellen, um Besucherinnen und Besuchern an ihrem Schatz teilhaben zu lassen.

Zahlreiche Werke renommierter Kunstschaffender der Nachkriegszeit wurden zusammengetragen, um in dieser besonderen Zusammensetzung und Qualität eine, im wahrsten Sinne, einmalige Präsentation in musealer Umgebung bieten zu können.

Weitere Informationen zur Ausstellung: dominikanermuseum rottweil | ausstellungen

dominikanermuseum rottweil

kriegsdamm 4
78628 rottweil

Öffnungszeiten

di – so 10 – 17 uhr geöffnet
montags geschlossen

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Wie kann man den zahlreichen Krisen unserer Zeit als Gesellschaft begegnen? Und welche aktive Rolle kann die Kunst dabei spielen? Wie muss sich unsere Gesellschaft auf systemischer Ebene verändern, damit die Erde auf längere Sicht bewohnbar bleibt? Wie kann mit den traditionellen Vorstellungen von Kunst gebrochen werden, um ihre soziale Wirkung zu verstärken und neue Allianzen zwischen Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft zu stiften? 

Die Ausstellung »Fellow Travellers. Kunst als Werkzeug, die Welt zu verändern« fungiert als Katalysator für diese Fragen: Als Ort des Möglichen bietet sie eine Plattform für künstlerische Projekte, die beispielhaft den Nutzen der Kunst für die Gesellschaft demonstrieren. In verschiedene Kapitel gegliedert versammelt »Fellow Travellers« Projekte dieser Art, um sie in Dialog zu bringen und einen Austausch zu ermöglichen.

Im Juli 2025 eröffnet im Rahmen von »Fellow Travellers« das neue Ausstellungskapitel »Assembling Grounds. Praktiken der Koexistenz«. Dieses entwickelte sich in Indien und Sri Lanka auf Basis der ZKM-Reiseausstellung »Critical Zones. In Search of a Common Ground« (2022–24). Auf ihrer Reise brachte diese Ausstellung verschiedenste Orte, lokale Gemeinschaften und Ideen aus unterschiedlichen Kontexten zusammen. Künstler:innen, die durch lokale Netzwerke an dem Ausstellungsprojekt mitwirkten, wurden nun eingeladen, im Rahmen von »Assembling Grounds« auf die Fragestellungen von »Fellow Travellers« einzugehen. 

Die so entstandenen Werke, darunter zahlreiche Neuproduktionen, hinterfragen moderne Paradigmen der Wissensproduktion und des technischen Fortschritts. Sie stellen ihnen Mikrogeschichten des kulturellen Widerstands entgegen, wobei sie sich auf traditionelle Kulturtechniken aus verschiedenen Orten des indischen Subkontinents beziehen.

Kunstpraxis wird so zu einem Medium der Wiederherstellung und der Erhaltung von Wissen, das aufgrund von ökologischen, urbanen und politisch-ökonomischen Entwicklungen verloren geht oder vom Verlust bedroht ist. Gerade diese Wissensbestände, die im institutionellen Kontext häufig ausgeblendet werden, enthalten zahlreiche wertvolle Erkenntnisse darüber, wie menschliche und nicht-menschliche Akteure, Kultur und Natur nachhaltig miteinander verwoben sein können.

Viele der eingeladenen Künstler:innen widmen sich dem Format des Archives und der Assemblage: So versammeln Parag Tandel und Kadambari Koli-Tandel in ihren Werken lokale Geschichten, Rezepte und Traditionen der Koli Fischerei-Gemeinschaften Mumbais. Nilanjan Bhattacharya und Mallika Das Sutar wiederum stellen ländliche und städtische Perspektiven aus Bengalen einander gegenüber, die sich auf den Konsum von und den Handel mit Nahrungsmitteln beziehen. Ishita Chakrabortys Klangskulptur verwebt menschliche und nicht-menschliche Stimmen, die sie auf ihren Forschungsreisen zum indischen Sundarban-Wald und dem Amazonas-Regenwald in Brasilien sammelte. Dadurch werden die problematischen Klimaveränderungen in den beiden Gebieten sowie deren Verschränkungen mit der kolonialen Geschichte thematisiert. Hema Shironi und Anuja Dasgupta fragen in ihren Arbeiten auf verschiedene Weise nach der Wahrnehmung und Repräsentation von Land und Heimat: Shironis Textilien erzählen dabei persönliche und kollektive Geschichten des postkolonialen und weiterhin vom Bürgerkrieg geprägten Sri Lanka. Dasgupta hingegen widmet sich in ihren Papierarbeiten der Vielfalt der Pflanzenwelt und des Erdreichs sowie den Geschichten des nordindischen Ladakh. 

Einen weiteren Schwerpunkt der Ausstellung stellen konkrete Allianzen zwischen Kunstinstitutionen, öffentlichen Räumen und nicht-menschlichen Entitäten dar. So widmet sich Abhijit Patil der Politik rund um Saatgut und Saatgutbanken. Maksud Ali Mondal wiederum experimentiert mit der Ernährungs- und Bauweise von Termiten, Ameisen und Bienen.  Stéphane Verlet-Bottéro, Oliver-Selim Boualam und Kollaborateure entwickeln das Langzeitprojekt zur Katzenwedelwiese in Karlsruhe weiter und gestalten eine Reihe von Objekten aus lokalen organischen Materialien, welche die Potenziale einer permazirkulären Ökonomie aufzeigen.

Diese Arbeiten und der Forschungsansatz des Philosophen Bruno Latour (Mitinitiator von »Critical Zones«) regt dazu an, uns unsere Abhängigkeiten von den nicht-menschlichen Wesen einzugestehen und diese Mitwesen in unsere Überlegungen zu sozialen Gemeinschaften und Museumspraktiken einzubeziehen.

Die Ausstellung verweigert sich einer eindimensionalen Repräsentation von lokalem Wissen und lokalen Akteur:innen: Vielmehr verweben sich die ausgestellten Projekte zu neuen, vielschichtigen und mehrdeutigen Erzählungen, die einer sich verändernden Welt weit mehr entsprechen als ein einzelnes, übergreifendes Narrativ. Auf diese Weise wird ein neues, „interlokales“ Denken und Handeln, das verschiedenste Orte verbindet und Freiräume für einen kontextabhängigen Dialog schafft, praktisch ausgelotet.

»Assembling Grounds« möchte dazu einladen, ein neuartiges Curriculum zu entwickeln: Welche Praktiken, welche Werkzeuge, welches Wissen und welche Beziehungsentwürfe können wir uns aneignen, um Wege hin zu einer besseren Koexistenz zu finden? Um diesen Fragen nachzugehen, werden die vorgestellten Projekte über das Ausstellungsformat hinaus wirksam und aktiviert: Durch Residenzen, Gespräche und Interventionen von Akteur:innen aus verschiedenen Disziplinen befindet sich die Ausstellung in einem offenen Prozess der stetigen Veränderung.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Assembling Grounds. Praktiken der Koexistenz | ZKM

ZKM | Zentrum für Kunst und Medien

Lorenzstraße 19
76135 Karlsruhe

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