Simon Hantaï (1922–2008) gehört zu den wichtigsten Vertretern der französischen Nachkriegsmoderne. 1948 emigrierte der ungarische Künstler nach Paris, wo er sich bald im Umfeld der aufstrebenden Avantgarde bewegte. Nach einer ersten surrealistischen Phase wandte er sich in den 1950er Jahren der Malerei des Informel zu und setzte sich zugleich intensiv mit dem Werk Jackson Pollocks auseinander. Das Jahr 1960 markiert einen Wendepunkt in Hantaïs Werk: Von diesem Moment an konzentriert er seine radikal experimentellen Forschungen auf das „pliage comme méthode“ – Werke, in denen er die gefaltete Leinwand mit Öl- oder Acrylfarbe bedeckte, um farbig leuchtende Zufallsmuster zu erzeugen. 1980 wurde Hantaï mit dem Grand Prix National des Arts Plastiques ausgezeichnet, zwei Jahre später war er Repräsentant seiner Wahlheimat auf der Biennale in Venedig. Mit rund 40 teils monumentalen Schlüsselwerken aus vier Schaffensjahrzehnten gibt die Ausstellung in Baden-Baden einen facettenreichen Überblick über das bildgewaltige Schaffen Hantaïs und präsentiert seinen herausragenden Beitrag zur internationalen Nachkriegsabstraktion als ein sinnlich bewegendes Fest der Farbe. Zu den zahlreichen Leihgebern zur Werkschau gehören unter anderem das Musée d’art contemporain de Bordeaux, die Fondation Gandur pour l’Art, Genève, die Fondation Louis Vuitton, das Musée d’art moderne de Paris sowie das Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne.

Eine Ausstellung des Museum Frieder Burda, Baden-Baden. Mit großzügiger Unterstützung der Archives Simon Hantaï, Paris.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Austellungen Vorschau und Rückblick – Museum Frieder Burda

Der Beitrag Tipp: Entfaltung der Farbe – Simon Hantai erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

always reach beyond the light entfaltet sich als Parcours aus Licht, Sprache und aufgeladenen Materialien. Die Ausstellung folgt keiner linearen Chronologie. Sie verbindet Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen zu einer Konstellation, in der jedes Objekt auf ein anderes reagiert und dennoch seine eigene Spannung behält. Wie in vielen Arbeiten Jan Kucks entsteht die Bedeutung nicht aus einer einzelnen Geste, sondern aus dem Verhältnis zwischen Schrift, Körper, Oberfläche, Herkunft und Raum.
Der titelgebende Neonschriftzug Always reach beyond the light bildet den offenen Ausgangspunkt. Der Satz trägt eine scheinbar einfache Bewegung in sich: weiter reichen, über das Licht hinaus, über das hinaus, was sichtbar, verständlich oder bereits entschieden ist. Zugleich unterläuft Kuck die Schwere dieser Aufforderung durch eine Leichtigkeit, die nie harmlos ist. Das Licht verspricht Orientierung und entzieht sie im selben Moment. Es führt nicht zu einer eindeutigen Antwort, sondern in einen Zustand erhöhter Aufmerksamkeit.

Von hier aus öffnet sich die Ausstellung in mehrere Richtungen. In den Arbeiten der Old Masters New Series werden historische Bildräume nicht zitiert, um sie zu bestätigen, sondern um sie neu zu irritieren. Barocke Rahmen, gewebte Stoffe, Cranach-Bezüge und Neon treffen auf Sätze, die zu direkt, zu heutig oder zu komisch erscheinen, um sich in die historische Ordnung einzufügen. Gerade daraus entsteht ihre Energie: Das Alte wird nicht bewahrt, das Neue nicht gefeiert. Beide reiben sich aneinander. ARACHNE verlagert diesen Konflikt in das Gewebe selbst. Säure, Glasfaser und Projektion erzeugen ein Bild, das zwischen Teppich, Lichtkörper und Erscheinung steht. SORE POINT richtet den Blick dagegen auf die Struktur des Fragens. Die Arbeit fragt nicht, welche Antwort richtig ist, sondern ob die Fragen, die
wir stellen, überhaupt an den entscheidenden Punkt führen. In dieser Verschiebung liegt ein zentrales Moment von Kucks Praxis: Sprache wird nicht erklärt, sondern ausgesetzt; sie muss sich im Raum behaupten.

Die neuen Stuhlskulpturen fügen der Ausstellung eine körperliche und biografische Ebene hinzu. Ihre Ausgangsobjekte stammen aus einem lange vergessenen Bestand historischer Stühle und Fragmente. Kuck überführt sie durch Farbe, textile Verspannungen, Ketten, Spiegel und durchgefärbtes Plexiglas in eine Gegenwart, in der Funktion, Ornament und Verfall neu verhandelt werden. Aus Sitzmöbeln werden Skulpturen, aus Gebrauchsspuren werden Zeichen.
always reach beyond the light ist damit eine Ausstellung über Überschreitungen: über den Weg vom Satz zum Objekt, vom Licht zur Frage, vom historischen Material zur gegenwärtigen Situation. Ihre Arbeiten suchen keine geschlossene Lesart. Sie erzeugen Felder, in denen Ästhetik, Humor, Irritation und Ernst gleichzeitig wirksam werden. Jan Kuck (*1978) lebt und arbeitet in München. Nach einem Studium der Rechtswissenschaften absolvierte er ein Magisterstudium der Philosophie und Geschichte. In seiner konzeptuellen Praxis arbeitet er mit Sprache, Licht und Raum. Mithilfe von Neon, Laser, Glasfaser und ortsspezifischen Installationen untersucht er die Beziehung zwischen Wahrnehmung, Architektur und gesellschaftlicher Wirklichkeit. Seine Arbeiten wurden international in Ausstellungen und Projekten im öffentlichen Raum präsentiert, darunter in der Kunsthalle München, bei der Architekturbiennale Venedig, im Schloss Bellevue in Berlin und beim Copenhagen Light Festival. 2019 sprach er bei TEDx Munich. Jan Kuck wird von Bernheimer Contemporary, München, vertreten.

Begleitend zur Ausstellung findet am Samstag, den 27. Juni 2026 um 14:30 Uhr eine Führung durch die Ausstellung, sowie ein Artist Talk mit Jan Kuck und Dr. Susanne Adele Kudielka statt. Dr. Susanne Adele Kudielka ging schon als Jugendliche in Künstlerateliers und Galerien ein und aus. Nach dem Studium arbeitete sie für internationale Museen und Galerien, insbesondere viele Jahre für und mit Ernst Beyeler. Zunächst als Direktorin der Galerie Beyeler, wo sie unter anderem die Ausstellung ARTLIGHT kuratierte, später auch für die Fondation Beyeler, unter anderem für die Redaktion des Kata logs zur Ausstellung Farbe > Licht (erschienen 2000 zur gleichnamigen Ausstellung).
Heute arbeitet sie von Basel aus als Personal Curator für Privat- und Firmensammlungen sowie als unabhängige Ausstellungskuratorin. Jan Kuck lernte sie durch sein Neon time matters kennen, das eindrücklich ihre eigene Tagline Your Art Matters reflektiert.

(Quelle: Galerie Burster)

Weitere Informationen zur Ausstellung: galerie burster | always reach beyond the light

Galerie Burster, Markgrafenstraße 68, 10969 Berlin

Öffnungszeiten: 

Der Beitrag Tipp: Jan Kuck – Always reach beyond the light erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Der in Berlin lebende Künstler Thomas Demand, einer der bedeutendsten Akteur*innen der Gegenwartskunst, verknüpft für diese Ausstellung die Bildkraft des Theaters und der Oper mit seiner künstlerischen Praxis.

Foto links: Thomas Demand, Reggia d’Apollo XI, 2026 © Thomas Demand, VG Bild-Kunst, Bonn/BILDRECHT GmbH, Wien

Foto rechts: Thomas Demand, Tannhäuser IX, 2026 © Thomas Demand, VG Bild-Kunst, Bonn/BILDRECHT GmbH, Wien

Ausgehend von historischen Entwürfen für Kulissen – von Bühnenbildern des Barock bis zur Jahrhundertwende – entwickelt Demand eigens für das MAK einen Werkzyklus, der eine Auswahl von Modellen des Theatermuseums Wien und des Nouveau Musée National der Monaco in das Medium der Fotografie überträgt. Das Denken in Modellen als kulturelle Praxis und dessen Bedeutung für unsere Realitätserfahrung und Auseinandersetzung mit Vergangenheit prägen sein gesamtes künstlerisches Œuvre. 

Die in der Ausstellung gezeigten Fotografien sind das Ergebnis einer intensiven Beschäftigung mit Miniaturen der Theatergeschichte, die Raum und Dramaturgie verdichten und die Betrachter*innen in fast abstrakter Form in die Traumwelten der Bühne eintauchen lassen. Die neu entstandene Serie wird begleitet von einer raumgreifenden Wandinstallation und Lichtquellen, die der Künstler selbst entwickelt hat: Vorder- und Hintergrund interagieren, Modell und Idylle, Kulturgeschichte und Gegenwart fügen sich zu einer Inszenierung eines idealisierten Archivs.

Kuratorin: Bärbel Vischer, Kustodin MAK Sammlung Gegenwartskunst; (Quelle: MAK Wien)

Weitere Informationen und Fotos der Ausstellung: Ausstellung – MAK Museum Wien

Museum für angewandte Kunst, Stubenring 5, 1010 Wien, AT

Di 10–21 Uhr
Mi bis So 10–18 Uhr
Mo geschlossen

Der Beitrag Tipp: Thomas Demand – Räume, die von gestern träumen erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Zwischen Horizont & Erinnerung entfaltet sich die Malerei von Benita Neubauer – getragen vom präzisen Blick auf das, was oft übersehen wird.

Die Künstlerin, die seit vielen Jahren in Hannover lebt und arbeitet, versteht die leere Leinwand nicht als Fläche, sondern Möglichkeit: als Horizont, als Anfang, als Einladung zum Dialog mit der Welt.

Das Meer ist eine ihrer zentralen Inspirationsquellen. Küstenlinien, Himmel und das sich wandelnde Wasser durchziehen ihre Arbeiten als wiederkehrendes Motiv. Licht, Weite & Bewegung verdichten sich zu vielschichtigen Bildern von stiller Intensität. Blau wird dabei zum Leitton – eine Farbe zwischen Freiheit und Ruhe, Beständigkeit und Geborgenheit, deren Spannungsfeld sie immer wieder neu auslotet.

Ebenso prägend sind die leisen Spuren des Alltags: verwitterte Fassaden, verblasste Typografien, fragile Zeichen vergangener Botschaften. Neubauer übersetzt diese Fragmente in eine eigene Bildsprache und verleiht ihnen eine zeitlose Präsenz. Vergänglichkeit wird hier nicht dokumentiert, sondern transformiert.

Auch in der Materialität zeigt sich diese Haltung. Neben Acryl verwendet die Künstlerin natürliche, selbst hergestellte Substanzen wie Kasein, Kreide, Pigmente, Asche und Sand. Auf Holzträgern entstehen so vielschichtige Oberflächen mit einer spürbaren, rauen Tiefe.

Ihre Arbeiten bleiben abstrakt und zugleich anschlussfähig. Sie eröffnen Assoziationsräume, laden zum Wiedererkennen ein und fordern das eigene Sehen heraus. Denn Bilder, so Neubauer, erinnern immer an etwas – sonst wären sie keine Bilder.

Zur Vernissage begleitet It’s me Thilda den Abend mit Gitarre und Gesang. (Quelle: KSD)

Vernissage | Benita Neubauer – „Zwischen Blau und weiter“ feat. It’s me Thilda (Gitarre & Gesang)
Freitag, 24. April 2026, 19:00 Uhr
Glashaus Derneburg
Ausstellungsdauer: 24. April – 21. Juni 2026

Gemeinde Holle
Iris Königsdorff
Am Thie 1
31188 Holle

Der Beitrag Tipp: Benita Neubauer – Zwischen Blau und weiter erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

KUNST I GÄSTE – Hilke Leu als Artist in Residence im Evangelisch-Lutherischen Zisterzienserkloster Amelungsborn

30. Mai bis 28. Juni 2026

In 2024 pilgerte Hilke Leu vom Darß/Ostsee bis nach Strasbourg/Frankreich.

Das Erlebte, Erfühlte, Erdachte wird sie in Amelungsborn in Skulpturen, Texte, Grafiken und eine Installation umsetzen.
Leu arbeitet öffentlich – schmiedend in der ehemaligen Klosterschmiede (Woche 1) und danach nahe der Vierung der klösterlichen Pilgerkirche – stets gerne in Kontakt mit Menschen.
Zusätzlich wird es Veranstaltungen sowie Workshops geben – Bitte informieren Sie sich gern weiter unten über das dann stets aktualisierte Programm.

Motto:
„Se(h)ligkeiten vom Unterwegs.Sein“                Begegnung auf (k)ein Wort??
Skulpturen – Grafiken – Installation – Texte     Ankommen – Verweilen – Schauen – Teilhaben

Meine Kathedrale ist der Wald

Meine Meisterin die Natur

Mein Weg ist der nächste Schritt

Mein Pfad eine Acht

(c)Leu
entstanden am 18. Oktober 2024 auf der letzte Etappe: Marienthal/F. – Strasbourg/F.
Bild 4: Skulptur „Mein Pfad eine Acht“, 2025, Stahl, handgeschmiedet

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kloster Amelungsborn

Der Beitrag Tipp: Se(h)ligkeiten vom Unterwegs.Sein – Kloster Amelungsborn erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Sonderausstellung im Augusteum

Mit ihrer Ausstellung in Oldenburg kehrt Yenirce (*1992 in Qubînê) zurück in die Stadt, in der sie als Kind jesidischer Geflüchteter ihr erstes Zuhause in Deutschland fand. Diese biografische Verankerung bildet einen Resonanzraum für ihr künstlerisches Denken.

In den Installationen, Gemälden und Videowelten der Ausstel­lung verbindet Yenirce globale Themen wie Migration, feministi­sche Selbstbehauptung und mediale Machtstrukturen mit per­sönlichen Erinnerungen an konkrete Orte, Stimmen und Begeg­nungen. So inszeniert die Künstlerin ein prägendes Sammlungsstü­ck des Museums und Wandzeichnungen aus ihrer Jugend gleichwertig nebeneinander.

Im Zentrum ihrer Malereien steht eine Reihe unterschiedlicher Frauen, die Yenirces Entwicklung maßgeblich geprägt haben. Ob real oder ideell: Die Stimmen der Frauen aus Kunst und Litera­tur, Bildung und Politik verstärkt die Künstlerin in ihren Arbeiten zu einem kämpferischen und lebensfrohen „Chor der Frauen“. In den großflächigen Ölmalereien tauchen sie, mittels Siebdruck dargestellt, am Mikrofon sprechend, singend und applaudierend auf.

Schließlich interessiert sich Yenirce für einen gegenwärtigen Blick auf Oldenburg. Für ihre Videoarbeit lässt sie ihren Bruder, einen passionierten Läufer, durch die dunklen Straßen der Stadt rennen. Seine Stirnleuchte wirft nur einen kleinen Lichtpunkt, der keine klare Orientierung bietet, aber im­mer in Bewegung bleibt.

Der Ausstellungstitel „Werdegang“ wird wörtlich genommen. Das Gehen als Prozess des Werdens am Beispiel der Biografie der Künstlerin oder des Läufers im Video: Ihre Bewe­gungen treiben sie durch die Straßen Oldenburgs oder – im Falle der Künstlerin – aus Oldenburg hinaus in die weite Welt und wie­der zurück.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Leyla Yenirce – Landesmuseum Oldenburg

Landesmuseum
Kunst & Kultur
Oldenburg
Damm 1
26135 Oldenburg

Dienstag–Sonntag 10–18 Uhr

Der Beitrag Tipp: Leyla Yenirce. Werdegang erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Derek Hess wurde 1964 in Cleveland geboren, sein Vater war Industriedesigner und unterrichtete am Cleveland Institute of Art. Die Kunst wurde ihm also schon „in die Wiege“ gelegt und in einem Haushalt, in dem sie eine große Rolle spielte, war es klar, daß auch Hess sich schon im frühesten Alter fürs Zeichnen interessierte. Immer schon waren es menschliche Formen und Körper, die ihn am meisten faszinierten. Viel an Inspiration gaben ihm in dieser Beziehung damals wie heute Gil Kane, ein amerikanischer Comic-Künstler und der deutsche Künstler Heinrich Kley.

Sein künstlerischer Weg begann in der Musikszene Clevelands mit dem gestalten von künstlerischen Rock Art Plakaten bevor er in die Welt der Fine Art gelangte. Ein langer Weg für ihn, aber letztendlich logischer Schritt, denn seine Studien des menschlichen Körpers und sein außergewöhnliches zeichnerisches Können sind längst weit über die Grenzen der Rock Art bekannt und anerkannt. Mittlerweile hat er in beiden Bereichen Fans und Sammler gefunden und gerade die Fans aus dem Musikbereich verehren ihn als absolutes Idol. Sie sind auch mit dafür verantwortlich das er wieder hier zu sehen ist, denn Hess bekam immer wieder Anfragen wann er endlich einmal wieder in Deutschland ausstellt.

Hess beschäftigt sich seit seiner Kindheit mit dem Zeichnen des menschlichen Körpers und hat auf diesem Gebiet eine Perfektion erlangt, die auch Professoren an deutschen Kunsthochschulen dazu bewegte, seine Werke im Unterricht zu analysieren. Das Pariser Louvre, die Rock’n’Roll Hall of Fame in Cleveland, als auch das Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg haben seit längerem mehrere von Hess‘ Werken in ihren Sammlungen. Er hat weltweit ausgestellt und Berichte über ihn sind in vielen Zeitungen und Magazinen veröffentlicht worden. (Quelle: Feinkunst Krüger)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Galerie Hamburg Feinkunst Krüger | Kunstgalerie & Kunsthandel seit 1998 | Junge zeitgenössische Kunst kaufen in Hamburg Innenstadt – Feinkunst Krüger

Feinkunst Krüger
Kohlhöfen 8
20355 Hamburg

Öffnungszeiten:
Donnerstag und Freitag: 12:00-19:00 Uhr
Samstag: 12:00-18:00 Uhr
oder nach Vereinbarung unter 040-31792158

Der Beitrag Tipp: Derek Hess – Reign on Me erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

„…Ute Gallmeister begibt sich auf eine gleichsam archäologische Spurensuche nach dem Gewesenen, bei der benachbarte Assoziationen hinzutreten und die langsam wachsende Bildgestalt mehrfach verändern. Diesem ergebnisoffenen Arbeiten entspricht in den Bildern ein geschichteter Aufbau von locker strukturierten Flächen, die einander überlagern, sich wechselweise verdecken und freilegen – manchmal mit unvermittelt heftigem Gestus, als reiße etwas auf und bringe das ansonsten stabile Gefüge der Bilder ins Wanken. Ihr orthogonales Grundraster schafft Festigkeit, dabei ist die Malerei leicht, ja transparent. Ein immaterieller Raum wird suggeriert, wo Figur und Landschaft als Anlage in der Schwebe bleiben: in der Gestalt der großen, fast monumentalen Farbformen und der durch sie hindurch verlaufenden Konturen einer schemenhaften Figürlichkeit, die im offenen Bildraum verlischt, nicht ohne sich als Spur im Sinne eines Fadens, der der Wiederaufnahme harrt, auch weiterhin zu erkennen zu geben.“ (aus einem Text von Katrin Arrieta) (Quelle: Kunstraum Schwerin)

Der Beitrag Tipp: Ute Gallmeister im Kunstraum Schwerin erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Jannis Kustak studiert seit 2023 an der HAW Hamburg Illustration und ist in der Malereiklasse von Christian Hahn.

Kustak beschäftigt sich in seiner Malerei intensiv mit der Natur und betont dabei die Spannung zwischen Vergänglichkeit und Neuentstehung. Er verwendet expressive, absichtlich unnatürliche Farbpaletten und eine klare Konturführung, die seinen Arbeiten eine auffällige, fast grafische Wirkung verleihen.

Bild links: Kaventsmann | Jannis Kustak

Bild rechts: Windende Wurzeln | Jannis Kustak

Seine Werke bewegen sich zwischen zeichnerischer Präzision und klassischer Malerei, da er gleichzeitig malerische Tiefe und vielfältige Texturen nutzt. Ein zentraler Bestandteil seines malerischen Prozesses ist eine grundlegende Schicht aus Acrylfarbe, welche mit den darüber liegenden Ölfarbschichten interagiert. Diese untere Farbschicht scheint an einigen Stellen durch, erzeugt subtile Brüche und verleiht den Bildern eine dynamische Oberflächenbewegung. Kustak entwickelt aus Rindenstrukturen, Verästelungen und organischen Strukturen inspirierte komplexe Bildräume, die ineinandergreifen und sowohl naturalistische als auch abstrakte Qualitäten aufweisen. (Quelle: Studentenkunstmarkt)

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.waelderhaus.de/forum-wald/veranstaltungen/

WÄLDERHAUS
Am Inselpark 19
D-21109 Hamburg

Der Beitrag Tipp: Überholz Unterholz – Jannis Kustak erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Ulli Böhmelmanns Objekte und Installationen entstehen in Wechselwirkung mit vorhandenen Räumen. Dabei bezieht die Künstlerin Besonderheiten der Architektur in ihre Installationen ein oder nimmt bisher nicht wahrgenommene Zwischenräume in den Fokus. Für die Galerie Peripherie realisiert sie ihre Installation „Blätter – Leaves 2“, ein hängendes Kunstwerk, bestehend aus hunderten hauchdünnen Porzellanblättern, die in Kooperation mit dem Museum Schloss Fürstenberg entstanden sind. Die schwebenden, gleichsam vom Wind durch die Luft gewirbelten Blattformen holen Luft und Bewegung rund um das Sudhaus in das Gebäude und machen sie sichtbar. (Quelle: galerie peripherie)


Zur Ausstellung und Ulli Böhmelmann
Der Kunstraum Galerie Peripherie ist ein Kubus mit der Kantenlänge 10m. Die Form, die mittige Säule und die zwei großen Facettenfenster geben dem Raum selbst eine starke eigene Präsenz. Schwerpunkt des Ausstellungsprogramms sind künstlerische Positionen, die sich mit der ortsspezifischen Architektur auseinandersetzen. In der jüngsten Zeit hat die Galerie verstärkt Künstler_innen präsentieren können, die im nationalen Kunstkontext bekannt sind.

Ulli Böhmelmann (*1970 in Mainz) begann ihre künstlerische Ausbildung in Mainz mit einer Lehre als Baukeramikerin und studierte im Anschluss an der HfK Bremen Freie Bildhauerei/ Keramik, das sich auf Porzellan und ortsspezifische Installationen konzentrierte. Bereits während ihres Studiums gewann sie den japanischen INAX Design Prize for European, der sie für drei Monate nach Japan führte. Ihre Werke wurden in Deutschland, Europa, Japan, Russland, Mauretanien (Afrika) und den USA gezeigt.

2025 hat Ulli Böhmelmann mit der ortsbezogenen Installation „Firmament“ den Luftraum der Festungskirche Ehrenbreitstein bei Koblenz bespielt.
Die Festung mit ihrem immensen Mauer-werk steht in schroffem Gegensatz zum Schaffen der Künstlerin. Ein auffälliges Merkmal der Anlage sind unzählige Rundbögen, die Fenster, Durchgänge und ehemalige Schießscharten einfassen oder überein-andergeschichtet den Mauern Festigkeit verleihen. Für den Luftraum der Festungs-kirche entwickelte Ulli Böhmelmann eine schwebende, transparente Architektur aus Papier, welche die vielfältigen Rundbögen des Bauwerks aufgreift und variiert. Die Ausstel-lung wurde u.a. vom Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V., München, und der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur gefördert.

2022 erarbeitete Böhmelmann im Auftrag des neu gegründeten Museum of Broadway in New York City die hängende Installation „Phantomenon“. Sie ist dauerhaft im „Phantom of the Opera“-Themenraum zu sehen und besteht aus 13.000 Kristallglasperlen, welche den Moment des zerspringenden Kronleuchters festhalten. Aus einem bestimmten Blickwinkel ist die Maske des Phantoms erkennbar.

Auszeichnungen / Förderungen / Stipendien / Preise
2025 Projektförderung durch Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur und Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V.
2023/24 Projektförderung durch die deutsche Botschaft in Mauretanien
2022 Auszeichnung der Freunde der artothek Köln e.V. für das Gesprächsforum „statements Köln“
2020/21/22 Künstlerstipendium NRW-Corona-Hilfe 
2015/16 Export-Förderung Internationale Kulturarbeit für die USA durch das Land NRW
2015 Projektförderung durch die Sparkassenstiftung Niedersachsen, die Stiftung Niedersachsen und die Stadtwerke Lehrte 
2009-11 Projektförderung durch das KULTURsekretariat NRW, den Ministerpräsidenten des Landes NRW, das Goethe Institut Moskau, Reisestipendium Russland durch die European Cultural Foundation, Niederlande   
2010 Arbeitsstipendium – AiR (Artist in Residence) Zehnthaus Jockgrim
2009 Ausstellungsförderung durch die Sparkassen-Kulturstiftungen Rheinland und Heinsberg 
2006+2009 Arbeitsstipendium – AiR Künstlergut Prösitz, D
2005 Katalogförderung durch das Land Rheinland-Pfalz, Ausstellungsförderung durch das Land Hessen 
2002 Burgund-Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz
1998 Arbeitsstipendium – AiR Porzellanmanufaktur Nymphenburg
1994 INAX Design Prize and AiR, Tokoname, Japan

Weitere Informationen zur Ausstellung: peripherie. Die Galerie im Sudhaus / Tübingen

Galerie peripherie, Hechinger Straße 203, 72072 Tübingen

Öffnungszeiten: Do – So 17 – 20 Uhr

Der Beitrag Tipp: ULLI BÖHMELMANN – Blätter erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.