Nina Beier, David Hammons, Zoe Leonard

Die Ausstellung im Museum für Gegenwartskunst Siegen stellt die Werke von Nina Beier (1975, lebt in Kopenhagen), David Hammons (1943, lebt in New York) und Zoe Leonard (*1961, lebt in New York) in einen überraschenden, generationsübergreifenden Dialog.

In ihren Installationen, Skulpturen, Fotografien und Videos nehmen die drei Künstler*innen Gegenstände des Alltags, wie Matratzen, Waschbecken, Kaffeebecher, Wächterlöwen oder Puppen zum Ausgangspunkt ihrer Arbeiten. Trotz ihrer unterschiedlichen kulturellen Hintergründe und künstlerischen Ansätze teilen sie das gemeinsame Interesse, durch die Gegenüberstellung ausgewählter Objekte soziale Erfahrungen und kulturelle Deutungsmuster sichtbar zu machen.

Die Ausstellung „Das soziale Leben der Dinge“ zeigt in zehn Räumen zahlreiche Schlüsselwerke von den 1990er Jahren bis heute. Nina Beier arbeitet meist mit gesammelten Objekten und setzt sich mit Fragen von Wert, Herkunft, Reproduktion und Bedeutungsverschiebung auseinander. Ihre Skulpturen und Installationen thematisieren globale Produktions- und Zirkulationsprozesse durch unerwartete Kombinationen. David Hammons zählt zu den einflussreichsten Künstlern unserer Zeit. Mit scheinbar belanglosen Materialien und urbanen Fundstücken schafft er poetische und subversive Objekte, die sich mit afroamerikanischer Identität, gesellschaftlichen Machtverhältnissen und dem Kunstsystem auseinandersetzen. Zoe Leonards Werk reicht von der Erkundung natürlicher Landschaften und des urbanen Raums bis hin zu Fragen von Geschlecht, Migration und globalem Warenaustausch. Durch Wiederholungen und subtile Perspektivwechsel macht die Künstlerin auf die besonderen Eigenschaften offensichtlich vertrauter Bilder oder Objekte aufmerksam.
 
Alle drei Künstler*innen setzen sich direkt mit den materiellen, visuellen und sozialen Wirklichkeiten der Welt auseinander. Sie interessieren sich für Objekte, die bereits mit Beziehungen, Hierarchien und Widersprüchen aufgeladen sind. Ihre Werke verkörpern diese auf eine Weise, die den Gegenstand selbst zu einem Ort der Spannung zwischen symbolischer Bedeutung, Material und Raum macht. Ausgehend von Dingen des menschlichen Lebens schaffen Beier, Hammons und Leonard einen Moment der Wiedererkennung und erzeugen zugleich produktive Verunsicherung, die scheinbar Bekanntes neu sehen lässt. (Quelle: MGK Siegen)

Kurator: Thomas Thiel/ Assistenzkuratorin: Jessica Schiefer

Weitere Informationen zur Ausstellung: Das soziale Leben der Dinge – Ausstellungen – Museum für Gegenwartskunst Siegen

Museum für Gegenwartskunst Siegen

Unteres Schloss 1
57072 Siegen

Öffnet morgen um 11 Uhr
MO.Geschlossen
DI.11–18 Uhr
MI.11–18 Uhr
DO.11–20 Uhr
FR.11–18 Uhr
SA.11–18 Uhr
SO.11–18 Uhr

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Wie lernt man, den menschlichen Körper zu zeichnen? Diese Frage steht im Mittelpunkt der Ausstellung »Generation 1700«, die sich dem Zeichenunterricht an der Académie royale de peinture et de sculpture widmet, der prestigeträchtigen Kunstakademie Frankreichs im 18. Jahrhundert – eine Zeit tiefgreifender gesellschaftlicher Umbrüche: Während sich das Bürgertum im Zeichen der Aufklärung vom absolutistischen Hof emanzipiert, wird auch das Zeichnen selbst zum Medium der Befreiung. Junge Künstler bilden zu der Zeit den menschlichen Körper nicht nur ab, sondern studieren mit rationaler Erkenntnis die Anatomie und begreifen sie zugleich als Ausdruck individueller Ideen.

Anlässlich des Jubiläums »75 Jahre Institut français Stuttgart«, das 2026 gefeiert wird, beleuchtet die Staatsgalerie Stuttgart das Zeichnen nach dem lebenden Modell zwischen Disziplin, Wissenschaft und künstlerischer Entfaltung.

Im Zentrum der Ausstellung im Graphik-Kabinett steht Michel-François Dandré-Bardon (1700–1783), einer der bedeutendsten Künstler der französischen Aufklärung. Mit Verständnis für Anatomie und einem feinen Gespür für Bewegung und Stofflichkeit inszeniert er den menschlichen Körper in dramatisch komponierten Studien: buchstäblich vom Fuß über den Kopf bis zur ganzen Figur. Seine Werke zeigen eindrucksvoll, wie die strengen Prinzipien der Akademie fruchtbaren Boden für künstlerische Experimente bereiten. 

Die Staatsgalerie besitzt einen der umfangreichsten Grafikbestände von Dandré-Bardon in Europa. Ergänzt wird die Präsentation mit Werken von Zeitgenossen wie Carle van Loo, Jean François de Troy, Charles Joseph Natoire und Nicolas Guibal. Anhand von rund 80 Zeichnungen, Druckgraphiken und Gemälden, die größtenteils erstmals gezeigt werden, eröffnet die Ausstellung »Generation 1700« einen Blick in den Alltag der Akademie. 

Staatsgalerie Stuttgart
Konrad-Adenauer-Str. 30 – 32
70173 Stuttgart

Montag 
geschlossen

Dienstag
10.00 – 17.00 Uhr

Mittwoch
10.00 – 17.00 Uhr / freier Eintritt in die Sammlung

Donnerstag
10.00 – 20.00 Uhr / Abendöffnung

Freitag
10.00 – 17.00 Uhr

Samstag
10.00 – 17.00 Uhr

Sonntag
10.00 – 17.00 Uhr

Kassenschluss ist 30 Minuten vor Ende der Besuchszeit.

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Die Kunstsammlungen verfügen über zwei Bestandskomplexe japanischer Kunst: ein Konvolut sogenannter Ukiyo-e, Mehrfarbholzschnitte, dessen Stifter unbekannt ist, sowie eine Kollektion von 26 Netsuke (Anhänger). Letztere ist eine Sammlung von Horst und Marlies Weinold, welche Marlies Weinold 2015 den Kunstsammlungen schenkte. 

Die im Grafischen Kabinett ausgestellten Stücke werfen Schlaglichter auf eine Phase, als Japan nur wenige Kontakte zu europäischen Ländern hatte: Die Herrschaft der Familie Tokugawa von 1603 bis 1867. Während die Farbholzschnitte Einblick in Alltag und Freizeitvergnügen geben, vor allem zum Kabuki-Theater, lässt sich durch die Motivik der Netsuke, die als Glücksbringer dienten, Grundlegendes über Literatur, Volksglauben und Gruppenzugehörigkeiten erfahren. Die pointierte Stilistik dieser Werke unterscheidet sich stark von europäischer Kunst.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ukiyo. Japans fließende Welt in Farbholzschnitten und Netsuke | Kunstsammlungen und Museen Augsburg

Kunstsammlungen & Museen Augsburg

Maximilianstraße 46
86150 Augsburg

Öffnungszeiten

Di – So von 10 – 17 Uhr
Mo geschlossen

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Mit großer Freude erfuhr ich im April 2026, dass ich ausgewählt worden bin für die Papier Biennale in Sofia. Beinahe in letzter Sekunde hatte ich mich für diese Biennale beworben und freute mich umso mehr, als die Zusage durch die Initiatorin Daniela Todorova eintraf! Aufmerksam wurde ich durch die IAPMA (deren Mitglied ich bin), die solche Termine ebenfalls ankündigt. Die 3 Werke ‚Movement & Rhythm‘ waren ausgewählt worden und wurden dann sicher von mir verpackt und nach Sofia versandt.

Leider konnte ich nicht persönlich anwesend sein, aber umso schöner ist es, dass Fotografen vor Ort zahlreiche Fotos gemacht haben, die man auch auf Facebook einsehen kann. Ich bin begeistert von der Hängung, die statt die Werke nebeneinander zu präsentieren diese hochkant zeigt. Noch immer finde ich das fantastisch, dass meine Werke im nationalen Kunstpalast gezeigt werden mit vielen anderen großartigen Papierwerken aus aller Welt. Um die Ausstellung fand ein Rahmenprogramm statt mit Präsentationen, Livepainting und Workshops, die direkt neben den ganzen Kunstwerken umgesetzt wurden.

Meine Werke hängen gerahmt an der einzelnen Säule im Hintergrund übereinander gehängt.

Pressetext: Biennale für zeitgenössische Papierkunst, Nationaler Kulturpalast (NPC), Sofia

Papier ist niemals nur Papier.

Im Mittelpunkt des Sofia Paper Art Fest 2026 entfaltet sich die Biennale für zeitgenössische Papierkunst als ein Raum, in dem Zerbrechlichkeit zur Stärke wird, Schichten verborgene Erzählungen offenbaren und Material sich in Bedeutung verwandelt.

Künstler aus aller Welt präsentieren großformatige Installationen, skulpturale Arbeiten und konzeptuelle Erkundungen, die Papier über seine Oberfläche hinausführen – hin zu Erinnerung, Identität und kulturellem Wandel.

In den ikonischen Räumen des NPC dient die Biennale als Treffpunkt für Ideen, Texturen und Stimmen, die die zeitgenössische Kunstszene von heute prägen.

Das Sofia Paper Art Fest 2026 ist die 17. Ausgabe des jährlichen Festivals für zeitgenössische Papierkunst, das in Sofia, Bulgarien, stattfindet.

Die Teilnehmerliste aller teilnehmenden Künstler:innen weltweit:

Einige Impressionen der Biennale kann man sich hier in der Diashow anschauen:

Danke an die Veranstalter, Organisatoren und alle Beteiligten für diese wirklich fantastische Biennale, ich freue mich sehr Teil davon gewesen zu sein!

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Aus der Welt nach Hause (Auszug)

ein Gewitter
wütet in mir

von Ende zu Ende
über die ganze Weite des Himmels

erst nach drei Monaten heraus
kommt die Stimme

Juni
war nicht gut genug

nicht nachts
nicht morgens
nicht tags
nicht abends

auch nicht eine Julinacht
nicht bei Tagesanbruch
nicht am Morgen

erst als die Sonnenstrahlen
schon gut wärmten
dann
endlich

……

© Inger-Mari Aikio
Aus: Máilmmis dása
Guovdageaidnu: DAT, 2001
Audioproduktion: Haus für Poesie, 2019

übersetzt von Christine Schlosser

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Mit der Ausstellung „Foto: Hans Hansen“ widmet das MK&G einem der bedeutendsten Fotografen der Nachkriegszeit vom 17. April bis 1. November 2026 eine umfassende Werkschau. Gezeigt werden rund 220 ikonische Fotografien aus über sechs Jahrzehnten. In internationalen Kampagnen unter anderem für Lufthansa, Nikon, Volkswagen und Erco hat Hans Hansen die Produktfotografie seit den 1960er Jahren revolutioniert und das kollektive Bildgedächtnis ganzer Generationen geprägt. Ergänzt wird die Schau durch Arbeiten, die seine enge Zusammenarbeit mit Designer*innen wie Tapio Wirkkala sichtbar machen. Werkzeuge, Korrespondenzen, Skizzen, Archivmaterial und ausgewählte Objekte aus seiner Privatsammlung eröffnen darüber hinaus vertiefende Einblicke in seinen Arbeitsprozess. Mit der jüngsten Werkserie „Analog“ (2024) richtet Hansen den Blick zugleich auf die eigenen fotografischen Gestaltungsmittel in seiner unverwechselbaren sachlich-minimalistischen Bildsprache; eigens für die Ausstellung entsteht zudem eine neue Fotoserie.

Während sich die Welt außerhalb des Studios fortwährend verändert, herrscht im Studio eine konstante Ordnung: Alles hat seinen Platz. In seinen Stillleben reduziert Hans Hansen die Gegenstände auf das Wesentliche: Er ordnet, zerlegt und strukturiert Formen, Farben und Materialien. Seine Fotografien wirken zeitlos. Eines der bekanntesten Beispiele ist die Aufnahme eines in rund 7.000 Einzelteile zerlegten VW Golf (1988).

Seine Arbeiten tragen eine unverkennbare Handschrift, indem sie den Blick mit radikaler Klarheit auf die alltägliche Dingwelt und Gestaltung lenken – unablässig sucht er dabei nach neuen Bildlösungen. Licht und Schatten, Komposition und Perspektive sind zentrale Parameter und elementare Mittel, mit denen er das Wesen der Fotografie stetig hinterfragt.

Die Ausstellung wird von dem Produktdesigner Axel Kufus gestaltet, die Ausstellungsgrafik übernimmt Heimann + Schwantes. Den Ausstellungsfilm realisiert die Filmemacherin Maike Mia Höhne.

Die Ausstellung wird unterstützt vom Ausstellungsfonds der Freien und Hansestadt Hamburg, der Hubertus-Wald-Stiftung, der Karin Stilke Stiftung, der Hans Brökel Stiftung für Wissenschaft und Kultur, der Kulturstiftung der Länder, Annegret und Claus-G. Budelmann, der Martha-Pulvermacher-Stiftung und dem Manfred Heiting Trust.

Medienpartner: art – Das Kunstmagazin

Weitere Informationen zur Ausstellung: Foto: Hans Hansen | MK&G

Museum für Kunst
und Gewerbe Hamburg

Steintorplatz
20099 Hamburg

MONTAG
geschlossen

DI – SO
10 – 18 Uhr

DONNERSTAG
10 – 21 Uhr

DONNERSTAG AN FEIERTAGEN
10 – 18 Uhr

Letzter Einlass jeweils 30 Minuten vor Schließung des Museums.

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Herausragende Fotografinnen gibt es seit der Erfindung der Fotografie im frühen 19. Jahrhundert. Viele von ihnen waren Pionierinnen auf diesem Gebiet. Sie experimentierten mit fotografischen und gestalterischen Techniken und loteten die Grenzen des neuen Mediums aus. So auch die Fotografinnen des Bauhauses. Sie beobachteten ihre Umgebung durch die Kameralinse und hielten dabei zahlreiche Motive in zum Teil neuen und ungewohnten Perspektiven fest. Das Spektrum ihres künstlerischen Schaffens reicht dabei von der gegenständlichen Porträt- und Architekturfotografie bis hin zur abstrakten experimentellen Fotografie.

Die Ausstellung zeigt circa 300 Fotografien aus dem Sammlungsbestand des Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung, Berlin. Die Motive sind heute vielen bekannt, ihre Urheberinnen jedoch nur wenigen. Mit der Ausstellung würdigt das Bauhaus-Archiv die Bedeutung dieser Künstlerinnen und ihr fotografisches Werk nun erstmals umfassend. Ergänzt werden die Fotografien der Bauhäuslerinnen mit Werken von Künstlerinnen des Institute of Design in Chicago (New Bauhaus), der Nachfolgeinstitution des Bauhauses in den USA.

Auch im 21. Jahrhundert setzen sich Künstlerinnen auf vielfältige Weise mit der Fotografie auseinander. Wie die Bauhaus-Fotografinnen versuchen auch sie, ihre Gegenwart im fotografischen Bild festzuhalten und hinterfragen dabei die konventionellen Formen des Mediums. Für die Ausstellung hat das Bauhaus-Archiv die drei zeitgenössischen Künstlerinnen Kalinka Gieseler, Caroline Kynast und Sinta Werner eingeladen, mit ihren Arbeiten in einen Dialog mit den historischen Positionen zu treten.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Neue Frau, Neues Sehen. Die Bauhaus-Fotografinnen

Museum für Fotografie,  Jebensstraße 2, 10623 Berlin

Öffnungszeiten

Bitte beachten Sie: Das Museum für Fotografie ist vom 16. Februar bis 16. April 2026 wegen Baumaßnahmen geschlossen.

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Mit Ironie, Witz und Scharfsinn entlarvt Richard Prince (geb. 1949) die Bilderwelt der Konsumgesellschaft. Seit den 1970er-Jahren setzt sich der in New York lebende Künstler mit den visuellen Codes und Fiktionen der US-amerikanischen Alltagskultur auseinander und untersucht die Mechanismen von Autor:innenschaft, Originalität und medialer Repräsentation. Berühmt wurde er mit der legendären Serie Cowboys: Marlboro-Werbungen, „refotografiert“ mit vom Original abweichendem Bildausschnitt, werden zur kritischen Reflexion über Mythen, Männlichkeit und Medien.

Die ALBERTINA widmet Prince eine große Ausstellung, die Arbeiten von den 1970er-Jahren bis heute zeigt. Im Zentrum steht die Fotografie, Princes Leitmedium. Zu sehen sind ikonische Serien wie Fashion, Gangs und Cowboys sowie selten oder noch nie gezeigte Werke – von seinen bahnbrechenden Refotografien von Werbeanzeigen über autobiografisch gefärbte Aufnahmen aus dem ländlichen Bundesstaat New York bis hin zu komplexen Collagen aus gefundenem Material.

Prince nähert sich dem Thema der Appropriation bis heute aus immer neuen Perspektiven an, deren Zusammenhänge und Wechselwirkungen im Zentrum der Präsentation stehen: An der Schnittstelle von Fotografie, Malerei und Skulptur zeigt die Schau anhand von rund 150 Arbeiten, wie konsequent Princes Werk von fotografischem Denken durchdrungen ist. Oftmals nur minimal bearbeitet, entfalten seine Bilder eine doppelte Wirkung: analytisch und verführerisch zugleich.

Die Ausstellung ist von 17. April bis 16. August 2026 zu sehen.

Weitere Informatinoen zur Ausstellung: RICHARD PRINCE « ALBERTINA Museum Wien

ALBERTINA

Täglich | 10 bis 18 Uhr
Mittwoch & Freitag | 10 bis 21 Uhr

ALBERTINA MODERN

Täglich | 10 bis 18 Uhr

ALBERTINA KLOSTERNEUBURG

Donnerstag – Sonntag | 10 bis 17 Uhr

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Fast ein Paradies – Kolonialzeitliche Fotografie in der Gegenwartskunst

Wie kann Kunst dazu beitragen, Geschichte vielstimmig zu erzählen? Welche verborgenen Erzählungen tragen historische Bilder in sich? Und wie bringen Kunstschaffende sie heute an die Oberfläche? Mit Fast ein Paradies zeigt das Museum Rietberg eine Gruppenausstellung, die ein Phänomen in der globalen zeitgenössischen Kunst erstmals umfassend beleuchtet. International gefeierte Künstler*innen in Afrika, den Amerikas, Asien, Australien und Ozeanien sowie in ihren Diasporas setzen sich darin mit kolonialzeitlichem Bildmaterial auseinander. Poetisch, kritisch und visionär erkunden ihre Werke, wie Bilder bis heute Identität, Geschichte und Zugehörigkeit prägen – und neu erzählt werden können. Dabei entfalten die Arbeiten eine heilende Kraft, die über historische Kontexte hinausweist und uns alle berührt.

Mit Sammy Baloji (DR Kongo), Raphaël Barontini (Frankreich), Mary Enoch Elizabeth Baxter (USA), Daniel Boyd (Australien), Andrea Chung (USA), Omar Victor Diop (Senegal) & Lee Shulman (UK), Sasha Huber (Schweiz), Yuki Kihara (Samoa), Cédric Kouamé (Côte d’Ivoire), Dinh Q. Lê (Vietnam), Dimakatso Mathopa (Südafrika), Tuli Mekondjo (Namibia), Tshepiso Moropa (Südafrika), Aline Motta (Brasilien), Frida Orupabo (Norwegen), Rosana Paulino (Brasilien), Wendy Red Star (USA), David Shongo (DR Kongo), Zenaéca Singh (Südafrika).

In vier Ausstellungskapiteln von Fast ein Paradies – Kolonialzeitliche Fotografie in der Gegenwartskunst untersucht eine Gruppe von 20 renommierten Künstler*innen der Gegenwart das fotografische Erbe: als Archivar*innen, als Gegenstimmen zum kolonialen Blick, als Schutzinstanzen oder als erzählerische Kräfte, die verborgenen Geschichten Raum geben. Ihre fotografischen, textilen, filmischen und skulpturalen Collagen erweitern die Grenzen des Mediums und verbinden die Frage nach der eigenen Identität mit gemeinsamer Erinnerung.

Formwandler*innen

Seit der Erfindung der Fotografie wurden weltweit Millionen von Bildern aufgenommen – doch ihr Erbe ist bis heute ungleich verteilt. In vielen Regionen außerhalb Europas fehlen fotografische Zeugnisse, die Antworten über Herkunft, Erinnerung und Zugehörigkeit geben könnten. Ohne Bilder jedoch bleibt ein Teil der Geschichte im Verborgenen. Die Kunstschaffenden im ersten Teil der Ausstellung reagieren auf diese Leerstelle, indem sie eigene Archive aufbauen. In ihren Arbeiten machen sie sichtbar, was überliefert wurde – und was fehlt.

Konfrontation

Kolonisierung und die weltweite Verbreitung der Fotografie verliefen zeitgleich. Die Kamera wurde zu einem Instrument, das die vermeintliche Andersartigkeit von Menschen aus der kolonisierten Welt festschrieb. Solche Bilder zirkulierten massenhaft in Zeitschriften und auf Postkarten und prägen unser globales Bildgedächtnis. Aber Bilder bestimmen nicht nur, wie wir die Welt sehen. Sie diktieren auch, wer wir zu sein glauben. Im zweiten Ausstellungskapitel schöpfen die Kunstschaffenden Kraft und Widerstand aus diesen Klischees. Ausgehend von eigenen Erfahrungen suchen sie alte Bilder auf, dekonstruieren sie und erzählen sie neu. (Quelle: Museum Rietberg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Fast ein Paradies – Museum Rietberg

Museum Rietberg
Kunst der Welt in Zürich
Gablerstrasse 15
8002 Zürich
Schweiz

Das Museum Rietberg ist an folgenden Tagen geöffnet:

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Thomas Bayrle zählt zu den bedeutendsten Vertretern der deutschen Pop-Art. Mit der Ausstellung „Thomas Bayrle. Stadt, Land, alles im Fluss“ widmet ihm das Museum im Kulturspeicher (MiK) erstmals eine umfassende Einzelausstellung in Würzburg. Im Mittelpunkt stehen Werke, die sich mit urbanen und ländlichen Lebensräumen sowie mit Verkehr und Mobilität auseinandersetzen – Themen, die Bayrles Werk seit Jahrzehnten prägen und die in Würzburg auf besondere Weise erfahrbar sind.

Stadt, Land und Verkehr als Spiegel Würzburgs

Im Zentrum der Würzburger Ausstellung – wie es der Titel „Stadt, Land, alles im Fluss“ bereits ankündigt – stehen Kunstwerke, die sich mit urbanen und ländlichen Lebensräumen sowie mit der Verkehrsthematik auseinandersetzen. Mit dieser Akzentsetzung verfolgt Kurator und MiK-Direktor Marcus Andrew Hurttig das Ziel, Bayrles Werk mit der spezifischen Topographie und Stadtgeschichte Würzburgs inhaltlich zu verzahnen.

Die Stadt wurde 1945 nahezu vollständig zerstört und anschließend modern wiederaufgebaut, wobei die mittelalterliche, kleinteilige und labyrinthartige Struktur der Straßenzüge weitgehend erhalten blieb. Zugleich ist Würzburg sichtbar landwirtschaftlich geprägt – etwa durch den Weinanbau – und als Universitätsstandort mit großstädtischen Infrastrukturen ausgestattet.

Viele Werke Bayrles zeichnen sich durch ihre serielle Werkgenese und extrem dichte Bildräume mit kaum leeren Flächen aus. Dieses Stilmerkmal spiegelt das Würzburger Lebensgefühl auf kongeniale Weise wider, das durch enge und eingeschränkte Wohn- und Bewegungsräume geprägt ist.

In Würzburg bündeln sich damit wie in einem Brennglas hochaktuelle gesellschaftliche Diskurse: das Stadt-Land-Gefälle, Fragen nach Mobilität sowie die Utopien und Grenzen der autogerechten Stadt. Diese Themen bilden den konzeptuellen Resonanzraum der Ausstellung.

Serielle Bildprozesse und dichte Bildräume

Thomas Bayrle ist ausgebildeter Musterzeichner und Weber und setzte seine künstlerische Ausbildung von 1958 bis 1961 an der damaligen Werkkunstschule in Offenbach am Main fort. Als freischaffender Künstler in Frankfurt am Main arbeitete er zunächst auch als Verleger und Drucker von Künstlerbüchern und Werbeplakaten. Vor diesem biografischen Hintergrund entwickelte er ab den späten 1960er-Jahren seine unverwechselbare künstlerische Handschrift.

Bayrles Werke basieren auf seriellen Bildprozessen: Ein einzelnes Bildzeichen wird maschinell reproduziert und zu dichten Strukturen zusammengefügt. Das entstehende Gesamtbild repräsentiert zugleich das ursprüngliche Motiv in vergrößerter Form. Mit dieser Disziplinierung des kreativen Prozesses – subjektive, impulsive Eingriffe des Künstlers bei der Bildentstehung werden unterbunden – rückt Bayrle in die Nähe der Konkreten Kunst, die im MiK mit der Sammlung „Peter C. Ruppert“ ebenfalls ein Zuhause hat. Die durch diesen Werkprozess automatisch entstehenden Wahrnehmungsirritationen erinnern an die Techniken der Op-Art-Kunst. Trotz dieser formalen Strenge bleiben Bayrles Bildwelten stets figurativ.

Von Konsumkultur zu Mobilität und religiösen Motiven

In seinen frühen Arbeiten griff Bayrle auf Bildwelten der Werbe- und Konsumkultur westlicher Industrienationen zurück und etablierte sich damit als Pop-Art-Künstler. Seit den 1980er-Jahren nutzte er als einer der ersten Künstler in Deutschland die Möglichkeiten digitaler Bildverarbeitung durch Softwareprogramme und der Bildproduktion mit Druckern und Fotokopierern. Zudem entstanden Videoarbeiten zum Thema Autoverkehr sowie Skulpturen aus Motorblöcken, Autoreifen oder Scheibenwischern.

In jüngeren Arbeiten treten religiöse Motive wie Maria mit dem Christuskind oder die Pietà – die Gottesmutter, die um ihren toten Sohn trauert – als neues Leitmotiv hinzu. Auch hier bleibt Bayrle seiner seriellen Bildsprache und seiner eigenen Handschrift treu: Die Darstellungen setzen sich aus sich wiederholenden Motiven zusammen, die der Welt der Straßen, Autos und Verkehrszeichen entnommen sind. (Quelle: MiK)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Museum Kulturspeicher Würzburg – Ausstellungen

Museum im Kulturspeicher (MiK)
Oskar-Laredo-Platz 1
97080 Würzburg

Öffnungszeiten:

Immer am dritten Do. im Monat: geöffnet bis 21 Uhr

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