Ich freue mich ein erstes Video dieser Art zeigen zu können.

Es findet sich u.a. bei Youtube, demnächst auf der Website von StilDate und auf meiner eigenen.

Ich hoffe, dass ihr etwas Spannendes und Interessantes für euch daraus mitnehmen könnt und bin dankbar für diese Gelegenheit, dass ich etwas in diesem Rahmen sagen konnte:

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Danke für das gute Gespräch, liebe Anette, und ich hoffe meinem Beispiel folgen noch weitere Künstler:innen, die sich gerne von dir portraitieren und featuren lassen möchten.

Der Beitrag Mein ganzes Interview im StilTalk bei StilDate erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Manuela: Stelle dich doch bitte kurz vor, wo lebst und arbeitest du, seit wann machst du Kunst?

Jens: Liebe Manuela, vielen Dank für die Gelegenheit mich in deinem Artist Talk vorzustellen. Ich bin Jens Kappenberg, lebe und arbeitete in Bergedorf im Osten von Hamburg.

Seit 1973 male ich regelmäßig in verschiedenen wasserlöslichen Techniken auf Papier. Aufgewachsen bin ich in Aumühle noch etwas weiter östlich im Sachsenwald in Schleswig-Holstein. Das erwähne ich nur, weil viele meiner Motive hierher stammen (Gründerzeitvillen, Kirchen, Bismarckdenkmäler, etc.), die ich auch gern direkt im Freien in plein air Manier gemalt habe.

Ich habe als Physiker in der Umweltforschung gearbeitet und mich dort mit Strömungen und Transportvorgängen in Tideflüssen (Elbe) beschäftigt. Dies war kein reiner Brotberuf. Ich habe auch die wissenschaftliche Arbeit geliebt. Eine Stunde am Morgen vor der Arbeit, die Wochenenden und Ferien waren dann für die Kunst (und das restliche Leben) da.

Manuela: Wie kamst du zur Kunst? Was zog dich hier an?

Jens: Ich habe schon in meiner Schulzeit gern gemalt und später dann in einer kleinen Zeitschrift das Layout und die Abbildungen gemacht. Zwischen Abitur und Studium hatte ich etwas mehr Zeit und begann (weg vom Tuschkasten) mit Gouache-Farben auf Papier zu arbeiten. Das Papier habe ich dann mit Patex auf Spanplatten geklebt, risikoreich aber
immer erfolgreich.

1975 bin ich der Kunstgemeinschaft Sachsenwald in Reinbek beigetreten und war dort bis zu ihrer Auflösung 2013 aktiv. Danach haben wir aus 7 ehemaligen Mitgliedern die Gruppe gegenwART7 gegründet.

Manuela: Du bist Autodidakt und hast dir seit 1973 eine besondere Bildsprache mit Aquarell und wasserlöslichen Farben erarbeitet. Etwas, was mich ganz besonders fasziniert und interessiert. Du lässt facetten- und detailreiche Welten entstehen. Warum hast du dich gerade darauf spezialisiert?

Jens: Ich war es gewohnt auf Papier zu arbeiten und habe dann ganz unterschiedliche Papiersorten und ihre Interaktion mit Wasser wasserlöslichen Farben kennengelernt. Zuerst habe ich auf Tiefdruckpapier gemalt (war auch billiger). Wie gesagt begonnen haben ich mit Gouachefarben (die nannten sich damals Gummi-Leim-Tempera), habe
dann aber 1979 mit Aquarellfarben experimentiert. Fasziniert haben mich dabei die Möglichkeiten der Lasur und die immer etwas mattere Farbgebung gegenüber Acryl und Öl: Die Farbe wird vom Papier aufgesaugt und liegt nicht wie eine Haut darüber. Die klassische Arbeitsweise (rette den weißen Hintergrund durch Aussparen oder Maskieren)
fand ich für meine Ziele nicht so prickelnd und bin dann gleich mit Deckweiß zu Mischtechniken übergegangen.

Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich der Malerei zu erkunden?

Jens: Wie schon im Voraus gesagt,das Malen ist für mich immer eine ganz normale Angelegenheit gewesen, in der ich Eindrücke verarbeite (aus Literatur, Musik und Umwelt).

Manuela: Du arbeitest auch mit Mischtechniken und Tiefdruck, den du überzeichnest. Bitte erkläre doch hier ein wenig, was hierbei den besonderen Reiz für dich ausmacht? Sind die Arbeiten immer monochrom? Und was macht den Reiz aus?

Jens: Ich habe nicht die technischen Möglichkeiten in meinem Atelier Tiefdruck (Radierungen) zu machen. Auf entsprechenden Kursen hat mich besonders die Aquatinta Technik fasziniert, weil man nur erahnt, was man da produziert, bis der Druck erfolgt. Diese Zufälle kann man dann gestalten, in dem man mit Tinte oder Farbstift in das Gedruckte zeichnet. Ich bleibe dabei lieber bei schwarzen oder grauen Stiften, weil die sich besser mit dem Druck
verbinden: Farbe braucht es hier nicht.

Manuela: Wenn man sich deine Bildtitel anschaut, dann stößt man auf spirituell anmutende Begriffe, die wirken als seien sie teils der Bibel entnommen und teils an spirituelle Welten/Portale erinnern mögen. Was hat es damit auf sich?

Jens: Mit der Bibel bin ich nicht so vertraut und bin mir auch nicht sicher, was ich unter spirituell verstehen soll (sicherlich nicht etwas was mit Kirche und institutioneller Religion zu tun hat). Ich versuche im Vertrauten das Ungewöhnliche und Geheimnisvolle zu finden.

Manuela: Du arbeitest auch projektbezogen. Auf deiner Website kann man u.a. das Projekt Requiem einsehen. Die Titel sind auf Latein, leider fehlt hier mehr Information, wie es zu diesem Projekt gekommen ist und was dich antreibt. Kannst du ein wenig Einblick in dieses Projekt geben? Was auffällig ist, wie detailreich diese Werke sind. Man muss sich schon Zeit nehmen sie zu betrachten, weil man immer wieder mehr und mehr darin entdeckt. Wieviel Zeit wendest du auf für ein Bild?

Jens: Das Requiem Projekt basiert auf der katholischen Totenmesse, die mit den Worten „requiem aeternam dona eiis domine“ (Gib ihnen ewige Ruhe, Herr) beginnt. Ursprünglich konnte man das Requiem (gegen Bezahlung) für verstorbene Angehörige lesen lassen, um deren Aufenthalt im Fegefeuer zu verkürzen. Der Text (ein Gedicht aus Versen) wurde immer wieder vertont und enthält für mich inspirierende Passagen und Bilder auch aus der Apokalypse, die durch die Musik intensiviert werden. Am Weltende passiert dann schon so einiges, zum Beispiel am „dies irae“ (Tag des Zorns).

Meine Bilder brauchen Zeit, einmal wegen der Details, aber auch weil nicht schon bei Beginn ein vollständiges Konzept habe. In der Regel gibt es keine Vorzeichnung (außer bei Landschaften und Auftragsarbeiten), das Bild entwickelt sich auch assoziativ. Ich arbeite an mehreren Arbeiten gleichzeitig, aber ein bis zwei Monate braucht ein Bild mindestens.

Manuela: Wenn man sich deine Texte durchliest, wie sie beispielsweise unter Projekten zu finden sind, dann lese ich da viel Poetisches heraus. Etwas Feinsinniges, das geradezu lyrisch etwas beschreibt. Wie im Projekt Friedrichsruh. Deine Werke dazu und der Text ergeben ein besonderes Gesamtbild, das man sofort nachempfinden kann, wenn man sich darauf einlässt. Wie kommt es zu diesen Projekten? Denkst du sie dir selbst aus? Sind sie an Ausschreibungen angeknüpft? Was bewegt dich hier?

Jens: Das Projekt Friedrichsruh war eine Gemeinschaftsausstellung von gegenwART7 in der dortigen Bismarckstiftung. Den Text dazu sollte man nicht total ernst nehmen, er ist auch eine Persiflage im Stil von H.P. Lovecraft.

Die anderen Projekte habe ich mir selbst ausgedacht, teilweise basierend auf äußeren Anregungen z.B. einem Musikstück wie Hector Berliozs Symphonie fantastique. Das Stück hat ein außermusikalisches Programm und besteht aus 5 Sätzen, die ich in 5 Bilder umgesetzt habe, z.B. die Ballszene des zweiten Satzes.

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche?

Jens: Eher Anregungen als direkte Vorbilder: William Turner, Max Ernst, Dorothea Tanning,
Richard Oelze, die Wiener und Leipziger Fantasten.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Jens: Für die eigene Arbeit spendiere ich mehrere Stunden am Tag. Aber ich besuche auch viele
Ausstellungen (meist in Hamburg) und arbeite in Orgateams und Juries mit.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Berichte doch ein wenig
auch über deine Technik.

Jens: Mein Vorgehen beruht auf der Kombination von „Zufall und Notwendigkeit“ (Jaques Monod). In der Regel starte ich mit Zufallsverfahren: Viel Wasser, viel Farbe, flüssig und aus Tuben, Kleckse, Dripping, etc. Nach dem Trocknen mache ich zielgerichtet etwas aus den zufälligen Strukturen (ähnlich wie bei den Radierungen), zeichne mit dem Pinsel oder Stiften. Auch der Airbrush kommt zum Einsatz.

Foto links: Stillleben im Fenster | 2019 | Jens_Kappenberg

Foto rechts: Seestueck | 2017 | Jens_Kappenberg

Manuela: Hast Du ein Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Jens: Reines Vergnügen, mir zu gefallen.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Jens: Alles, was ich wahrnehme, Literatur, Musik.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen
usw. finden sich in deinen Werken wieder?

Jens: Wahrscheinlich eine ganze Menge, aber unbewusst.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast? Und was
die Schlimmste?

Jens: Positive Reaktionen sind immer Interesse und Gepräche (durchaus auch kritische) über die Arbeiten. Das führt dann manchmal auch zu Einladungen für zukünftige Ausstellungen und Kooperationen mit anderen Künstlern.
Negativ ist für mich Desinteresse, aber nicht jeder Mensch interessiert sich für Kunst und meine ist schon fordernd: So was hängt man sich nicht so einfach übers Sofa.

Manuela: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Jens: Sobald ich eines gefunden habe, entdecke ich ein neues dazu, das mich noch mehr beeindruckt.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht
weiterkommst?

Jens: Ich arbeite immer parallel an mehren, teils auch technisch sehr unterschiedlichen Bildern. Wenn es in einem gerade nicht mehr weitergeht, geht es meistens in einem der anderen. Spaziergänge und Radtouren helfen auch.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade beweg

Jens: Wann hören diese ganzen Kriege auf?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Jens: Eine Landschaft in Schleswig-Holstein.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Jens: Überraschung immer wieder.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Jens: An einigen liegengebliebenen Bilder, in denen ich noch Potential sehe. Das Projekt Requiem will ich noch weiter führen. Es fallen mir aber zu den noch zu bebildernden Texten zur Zeit keine zündenden Gedanken ein.

Manuela: Von welchem Projekt „träumst“ du?

Jens: Von keinem. Ich kann im Rahmen meiner Möglichkeiten alles machen, was ich will.

Manuela: Wo kann man dich in diesem Jahr finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/
Kunsttagen….)

Jens: Da gibt es noch nichts Sicheres. Drei Ausstellungen sind angedacht und angefragt.

Manuela: Wo bist du online zu finden?

Jens: Nur im klassischen Internet: http://www.jens-kappenberg.de, http://www.jgegenwart7.de

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Im Jahr 2024 feierte der Schweizer Künstler Ugo Rondinone seine triumphale 30-jährige Retrospektive im Kunstmuseum Luzern. Wie eine Ode an die majestätischen, sich überlagernden Berge und das grüne Gelände der Schweiz mutete die Ausstellung an. Die Ausstellung zeigte seine frühen bis hin zu seinen aktuellsten Werke und spiegelt Themen wider, die ihn seit jeher inspirieren. Die gleiche Ehrfurcht vor der Natur, die seine großformatigen Schwarz-Weiß-Landschaftszeichnungen aus den 1990er Jahren inspirierte, belebt auch sein sehr beliebtes Werk „Seven Magic Mountains“, die leuchtenden Felsformationen, die seit 2016 die Wüste von Nevada zieren.

Der in Brunnen in der Schweiz geborene Multikünstler, dessen Eltern italienische Einwanderer aus der antiken Stadt Matera waren, ist international bekannt für sein Werk, das zeitgenössische Erfahrungen mit ursprünglichen Ursprüngen in Einklang bringt.

Mich fasziniert die künstlerische Vielfalt in seinem Schaffensspektrum. Malerei, Zeichnung, Skulpturen, Installation, Fotografie, Videokunst und Gedichte, umkreist Rondinone vielfältige Bereiche aus der Bildenden Kunst, die alle miteinander ein Gesamtkunstwerk ergeben.

Angetan haben es mir die fünf Steinfiguren aus dem Jahr 2023. „Ich vertraue auf Stein als Material, auf seine innewohnende Schönheit und Energie, seine strukturelle Qualität, seine Oberflächenbeschaffenheit und seine Fähigkeit, Zeit zu sammeln und zu verdichten“, sagte Rondinone.

Bild links: lines out to silence, 2003, pencil on paper, framed, 33 cm × 25 cm, Ugo Rondinone

Bild rechts: lines out to silence, 2003, pencil on paper, framed, 33 cm × 25 cm, Ugo Rondinone

Die fünf humanoiden Figuren aus Blaustein bestehen aus fünf massiven Platten, aber die subtilen Unterschiede zwischen einem geometrischen Blockkopf und einem traditionell proportionierten Schädel, der auf kräftigen Gliedmaßen ruht, verleihen jeder Figur eine ganz eigene Energie. Von den intimen Vögeln bis hin zu diesen massiven Figuren spielt der Künstler mit Dimensionen und verleiht all seinen Werken eine poetisch zurückhaltende Leidenschaft.

Atemlos machen die Installationen wie beispielsweise ‚Cry me a river‘, das Blitze und Blitzeinschläge charakterisiert. Oder ‚Human Sky One‘, das einen überdimensionierten schwebenden Menschen als Quasi-Wolke zeigt.

Weltweit sind seine Werke und Arbeiten neben zahlreichen Museen eben auch im öffentlichen Raum zu sehen.

Wer auf dem Laufenden bleiben und noch tiefere Einblicke in die Kunst Rondinone’s erhalten möchte oder wo Rondinones Werke zu sehen sind kann auf seine Website schauen oder bei Instagram.

Viel Freude beim Entdecken und Stöbern.

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Kate MccGwire (geb. 1964) ist eine britische Künstlerin, die in London lebt und ihre Kindheit in den Norfolk Broads verbrachte. MccGwires frühe Erinnerungen an diese einzigartige Landschaft, die von Feuchtgebieten, gewundenen Wasserwegen und der Tierwelt entlang der Gewässer der Region geprägt ist, bilden die Grundlage für ihre Arbeit, die von den Zyklen, Mustern und Dualitäten der Natur inspiriert ist.

Kate MccGwire verwendet Federn als ihr primäres Medium und durchläuft einen arbeitsintensiven Prozess des Sammelns, Sortierens und Reinigens ihrer Materialien, um muskulöse, sich windende Formen zu schaffen, die an klassische Skulpturen und Fabelwesen erinnern. Diese abstoßenden Strukturen erforschen die Dualitäten der Ästhetik, die gleichzeitig verführerisch und abstoßend ist, der Form, die gleichzeitig organisch und abstrakt ist, und der Bewegung, die fließend erscheint, aber statisch ist. Durch ihre Arbeit zelebriert MccGwire Federn, die normalerweise abgeworfen oder weggeworfen werden, als Medium, mit dem sie rätselhafte Anatomien artikuliert, die den physischen und introspektiven Raum erforschen.

Über ihre Verwendung von Federn als Metapher für das, was sie als „die Doppelzüngigkeit der Natur” bezeichnet, sagt Kate MccGwire: „Meine Arbeit ist inspiriert von den unglaublichen Mustern, die das Wasser bildet und die in einer Sekunde da sind und in der nächsten schon wieder verschwunden sind. Auf dem Wasser ist alles vergänglich, es ist schön, aber unter der Oberfläche lauern Gefahr und Verrat. Diese Dichotomie fasziniert mich.”

Kate MccGwire beschreibt ihren einzigartigen Federverarbeitungsprozess als fesselnd und hypnotisch: „Ich verliere mich stundenlang darin und arbeite instinktiv – man kann weder planen, wie man die Federn anordnet, noch kann man es wirklich jemandem beibringen. Jede Feder trägt zum Gesamtmuster eines Werkstücks bei, und es ist dieses implizite Gefühl der Bewegung in den wechselnden Farben und der sanften Krümmung jedes einzelnen Filaments, das das Werk zum Leben erweckt. Diese letzte Phase stützt sich auf die Rituale des Handwerks, auf die Verbindung zwischen Hand und Auge und auf die natürliche Serendipität, die entsteht, wenn man sich ganz darauf konzentriert, einer Idee Leben einzuhauchen.“

Bild links: MAELSTROM (Spring), 2024, Mixed media with rooster feathers in walnut frame, 82.4 x 82.4 cm

Bild rechts: SHIVER (Shift), 2024, Mixed media with magpie feathers in walnut frame, 23.4 x 36 x 4 cm

Kate MccGwire schloss 2004 ihr Studium am Royal College of Art mit einem MA in Bildhauerei ab und erwarb 2001 einen BFA am University College for the Creative Arts in Farnham. Ausgewählte Einzelausstellungen sind Menagerie, Harewood House, Leeds, Großbritannien (2020); Dichotomy, The Harley Gallery, Welbeck, Großbritannien (2018); Secrete, Galerie Huit, Kwun Tong, Hongkong (2016); Scissure, La Galerie Particulière, Paris, Frankreich (2018); „Covert“, Musée de la Chasse et de la Nature, Paris, Frankreich (2014); „Lure“, Cheongju International Craft Biennale, Südkorea (2013); „Host“, Pertwee, Anderson & Gold, London, Großbritannien (2011) und „Issue“, M2 Gallery, London, Großbritannien (2005).

Ihre Werke habe ich kürzlich auf Instagram wiederentdeckt und habe mich in ihrer detaillierten Arbeit verloren. Da ich es persönlich kenne, wie es ist etwas zu sammeln (in meinem Fall Steine, Federn, Blüten/Blätter), weiß ich, welche Ausdauer, Geduld und Hingabe darin stecken, die Federn zu sammeln, zu reinigen und so zu formen, wie sie für die Werke gebraucht und verwendet werden (sollen). Allein das fasziniert schon sehr, und wenn man dann teils die Dimensionen der Werke erkennt und diese einem bewusst werden, dann muss man wirklich sagen, dass das Ganze etwas Magisches hat, etwas wie einem Märchen, als würden Fabelwesen vor einem auftauchen, Drachen mit Gefieder, Schlangenwesen, die bezaubern. Und gleichzeitig wirken die Werke geradezu unwirklich.

Wer sich auch in ihrer Kunst verlieren möchte, kann auf ihrer Website stöbern, ihr auf Instagram folgen oder ein Interview mit ihr lesen.

Der Beitrag Monatsportrait: Kate MccGwire – Die Magierin der Federn erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

In liebevollem Gedenken an meinen Vater Wilfried (Mai 1944 – Juni 2025), der stets ein sehr großer Escher Fan gewesen ist und immer fasziniert blieb von dessen künstlerisch-geometrischem Können

M. C. Escher kam 1898 als jüngster von fünf Söhnen in Leeuwarden/ Niederlande zur Welt.

Escher begann 1919 ein Architekturstudium in Haarlem, das er schon nach einer Woche abbrach. Sein dortiger Lehrer Samuel Jessurun de Mesquita, ein portugiesischstämmiger Jude, erkannte die außerordentliche Begabung und unterrichtete ihn weiter in grafischen Techniken. Escher beherrschte bald die Holzschnitttechnik. Mesquitas starke Persönlichkeit hat großen Einfluss auf Eschers weitere Entwicklung zum Grafiker ausgeübt.

M.C. Eschers grafische Arbeiten machen nicht nur offensichtlichen Gebrauch von Geometrie, sondern bieten oft auch visuelle Metaphern für abstrakte mathematische Konzepte. Escher war fasziniert von – und ein Meister in der Darstellung von – Symmetrie, Dualität, Reflexion, Relativität, Rekursion, Dimension und topologischen Veränderungen. Immer wieder versuchte er, die Unendlichkeit einzufangen.

Ein Gebäude fasziniert ihn mehr als alle anderen: die Alhambra in Granada. Diese maurische Architektur ist voller subtiler, geometrischer Architekturmuster, die sich bis ins Unendliche vervielfältigen. Er ist wie verzaubert. Die Besonderheit der islamischen Kunst interessiert ihn besonders. Da es im Islam nur wenige figürliche Darstellungen gibt, bringen die Kunsthandwerker ihr ganzes Talent in organischen und geometrischen Mustern zum Ausdruck. Diese Motive sind oft von der Astronomie und den mathematischen Kenntnissen beeinflusst, ein Bereich, dem die arabischen Architekten des 14. Jahrhunderts besondere Bedeutung beimaßen. Es wurde klar, dass der Einfluss auf M.C. Escher bedeutend sein würde.

Seine bekanntesten Werke, die Escher nahezu den Status eines Popstars einbrachten, beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, optischer Täuschungen und multistabiler Wahrnehmungsphänomene. Man sieht Objekte oder Gebäude, die auf den ersten Blick natürlich zu sein scheinen, auf den zweiten aber vollkommen widersprüchlich sind („unmögliche Figuren“).

Foto links: Treppauf treppab von Escher Foto rechts: Detail aus Wasserfall von Escher

Die von Lionel Penrose 1958 entworfene unendliche Penrose-Treppe bildete die Grundlage zu Eschers Bild Wasserfall (1961). Es zeigt einen Wasserlauf, der sich von einem Wasserrad im Vordergrund im Zick-Zack vom Betrachter fortbewegt, jede Ecke Teil von insgesamt zwei Türmen auf Säulen. Schließlich läuft das Wasser als ein Wasserfall im Vordergrund nach unten und streicht über das Wasserrad vom Anfang und macht die Konstruktion scheinbar zu einem Perpetuum mobile. Das Wasser läuft größtenteils bergauf, gleichzeitig scheinbar in immer weitere Ferne, obwohl die Ecken des Wasserlaufs trotzdem abwechselnd in einem der beiden Türme liegen. Das Bild Treppauf Treppab (1960) zeigt eine auf ähnliche Weise konstruierte viereckige, endlose Treppe.

Erfahre mehr über M.C.Escher: M.C. Escher – The Official Website

Der Beitrag Monatsportrait: Maurits Cornelis Escher und die unmöglichen Figuren erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Die Kunst der koreanischen Künstlerin Hyun-sil Choi ist geprägt von der Anordnung kurzer gepunkteter Linien, die sich scheinbar unendlich oft wiederholen, und der Wiederholung ähnlicher Formen. Diese Elemente offenbaren subtile Unterschiede, heben die Einzigartigkeit jeder Form hervor und bringen uns dem Verständnis ihrer Formen näher. Durch das wiederholte Zeichnen dieser Formen läutert sie unsere Unvertrautheit mit Unterschieden und stärkt unsere Fähigkeit, heterogene Gefühle zu erkennen, so dass wir uns an Bilder gewöhnen können, die nicht spezifiziert werden können. Die Individualität der Linien, aus denen die Form besteht, verleiht jeder Form ihre Einzigartigkeit. Choi verwendet schwarze und weiße Farbflächen, die einen Widerhall im leeren Raum auf der Leinwand erzeugen, und die unterschiedlichen Materialien, Kohle und Ölstift, tragen zur Einzigartigkeit ihrer Arbeit bei. Ihre Zeichnungen schaffen Leerräume in Bereichen, in denen es keine Formen gibt, und dieser Leerraum entsteht durch die ungleichmäßige Dicke und Dichte der weißen Formen. Die Leerräume, die durch die schwarzen Formen, das Pinseln und Verschmieren entstehen, reflektieren sich gegenseitig wie Spiegel. Die Form provoziert die Vorstellungskraft im leeren Raum, und diese Vorstellungskraft wird in die Form zurück projiziert und gibt ihr eine neue Bedeutung. Der Prozess des Auslöschens von Bedeutung und des Erschaffens wird endlos wiederholt. (Quelle: Bethanien Berlin)

Mich fasziniert schon allein die Ausdauer und Geduld unendlich zahlreiche Punkte und Linien zu malen, ihre Werke sind für mich filigran und wirken vergänglich, weil auf zartem Papier erschaffen.

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Hannah Ehrlich, die 1981 in Atlanta (USA) geboren wurde, erforscht unverarbeitete Erfahrungen, gebrochene Erinnerungen, Bewältigungsmechanismen und die Feinheiten des menschlichen emotionalen Überlebens. Sie erforscht diese Themen durch einen Prozess, der von Natur aus anstrengend ist und durch Veränderung definiert ist, indem sie verschiedene textile Praktiken wie Weben, Häkeln, Makramee und Nähen vermischt und verzerrt. Sie verwendet Farbe, Farbstoff und Bleichmittel auf manipulierten Stoffen, um das Material von seinem ursprünglichen, erkennbaren Zustand zu verändern. So entsteht für den Betrachter ein ungewohnter Raum, der den Wunsch weckt, die Veränderung der Fasern in der Natur zu berühren und zu verstehen. Der Betrachter ist eingeladen, die Vergangenheit zusammenzusetzen und die Sehnsucht zu erkennen, ihr einen Sinn zu geben.

Ehrlich erhielt 2017 ihren BFA in Textil- und Faserkunst von der Lamar Dodd School of Art an der University of Georgia. Seit ihrem Abschluss arbeitet sie in ihrem Atelier in Atlanta, GA, und hat in zahlreichen Galerien im Südosten ausgestellt. Derzeit ist sie Artist in Residence bei der NARS Foundation in Brooklyn, NY. (Quelle: Hannah Ehrlich Website)

Mich sprechen ihre teils sehr weiträumigen Werke an, weil sie einerseits wie gewebte Bilder erscheinen, wie abstrakte Erinnerungen festgehalten mit Fasern und Stoffen, und andererseits wirken sie teils fließend, schwindend, schwebend. Sie laden definitiv dazu ein, sich einzulassen, richtig hinzuschauen und sich mitreißen zu lassen.

Ihrem Instagram Profil kann man hier folgen.

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Rolf: Dankeschön. Wer mehr weiß, sieht besser.

Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen bzw. einen Drang, der auf die Bilder und Werke übertragen werden musste?

Rolf: Meine Eltern hatten eine große Gärtnerei. Mit 14 Jahren durfte ich ein altes Moped in der Gärtnerei fahren, Platz war ja reichlich vorhanden. Irgendwann nervte das Geknattere meinen Papa. Ich bekam drei Liter Benzin für ein Bild in seiner großen Garage. Ohne Bild kein Moped! Nach vielen Figuren, die zum Teil auch wieder übermalt wurden, war das Benzin und das Rallyefahren Nebensache. Die erste, dauerhafte Konstante in meinem Leben war vorhanden.

Übrigens, meine Oma war Porzellanmalerin.

Manuela: Bis 2009 warst du hauptberuflich in eigener Steuerberaterkanzlei tätig, hast diese dann verkauft und hast dein Hobby, die Malerei zu deinem Beruf gemacht. Erzähle doch ein bisschen wie es dazu kam.

Rolf: Die Malerei war schon immer ein wichtiger Bestandteil in meinem Leben. Während des Studiums, später in der Selbständigkeit habe ich immer gemalt. Es war der nötige Ausgleich zum Beruf, beim Malen war man auf seiner „grünen Insel“, in einer anderen Welt. Bereits mit 29 Jahren habe ich meine Kanzlei gegründet. In ihr stellte ich ca. 20 Bilder aus, die regelmäßig durch neue Kunstwerke ersetzt wurden. Mit den Mandanten haben wir immer zuerst über die neuen Bilder gesprochen. Dadurch war das Eis gebrochen, sie öffneten sich. Das war auch wichtig, denn nur mit Informationen kann ich betriebswirtschaftlich und steuerlich gut helfen. Die Kunst war hier auch Mittel zum Zweck. Mein Beruf hat mir unheimlich viel Freude bereitet, war sehr erfolgreich, es fiel mir auch ziemlich leicht. Keines unserer beiden Kinder geht in diese Richtung. Irgendwann kam der Gedanke, einfach etwas ganz anderes zu machen. Hierzu braucht man natürlich Mut, keinen Übermut aber doch Wagemut und auch einen guten Taschenrechner. Mit 55 Jahren war es dann soweit, ein Nachfolger wurde gefunden, ich habe bei ihm noch zwei Jahre überleitend mitgearbeitet. Im Nachhinein war die Entscheidung vollkommen richtig, habe inzwischen nur noch ein „lachendes Auge“. Durch das bereits vorhandene Hobby war auch der Übergang vom Berufsleben hin zum Privatier sehr einfach.

Manuela: Deine Kunst kann man nicht einfach auf ein Genre festlegen. Du malst schon sehr lange und auf deiner Website kann man sehen, wie viele Bereiche es gibt. Diese Reihen haben so schillernde Namen wie ‚Barcodebilder‘, ‚Abstrakt und Abstrahierend‘, ‚Schön und Böse‘, ‚Zündholzbilder‘ und vieles mehr. Manchmal wirken die Werke surrealistisch, manchmal sehr realistisch und dann wieder wie du es selbst schreibst abstrahiert. Wie kommt es zu diesen Unterschieden?

Rolf: Das hängt mit meiner Neugierde auf Neues zusammen. Es muss auch für mich als Künstler noch interessant bleiben und nicht langweilig werden. Es gibt so viele Ideen, die man mit unterschiedlichen Techniken umsetzen kann.

Diese Vielfalt wird auch von den Besuchern meiner Ausstellungen bewundert. Sie können mit immer etwas Neuem rechnen.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie ist hier deine Herangehensweise? Wie sehen deine Arbeitsmethoden aus?

Rolf: Am Anfang ist die Idee, also ein Blitzgedanke, nachdem man handeln bzw. den man verwirklichen kann. Ideen existieren nur im Kopf, sie sind etwas Neues. Sie werden vor allem mit Kreativität und Neugierde verbunden. Kreativität bedeutet Veränderung, bedeutet die Perspektive zu wechseln. Aber eine Idee reicht an sich noch nicht aus, sie steht stets am Anfang. Der Sinn einer Idee ist ihre Verwirklichung.

Malen ist für mich pure Neugierde. Eine Idee führt zu einer anderen. Im Hinterkopf wird ständig an neuen Ideen gearbeitet, egal wo man ist, was man tut. Es läuft oft unbewusst, bis der Gedanke, das Bild plastisch vor einem erscheint. Es passiert im Kopf. Man muss nur genau beobachten und genau zuhören. Meine Bilder stehen somit am Ende einer Gedankenkette, eines Planes. Kunst lädt zum Entdecken ein. Mit meinen Bildern möchte ich Gedanken, Gefühle, Geschichten sichtbar machen, auf meine Weise: narrativ, ironisch und reduziert. Also nicht das Sichtbare abmalen, sondern einen Schritt weitergehen und Gedanken, Gefühle sichtbar machen und Geschichten erzählen. Ich möchte die Aufmerksamkeit der Bildbetrachter einen kleinen Moment fesseln, damit sie sich eigene Gedanken machen können, sie zum Entdecker werden. Ein bisschen Rätselhaftigkeit macht das Bild, die Bildgeschichte umso interessanter. Mit neugierigem Betrachten, mit Verstehen wollen wird die Idee greifbar und erfahrbar, sich wird sichtbar.

Zusammenfassend kann man das so erklären: Am Anfang war die Idee, die geht vom Kopf, über das Herz, durch die Hand, auf die Leinwand.

Manuela: Was malst du am Allerliebsten? Wo entstehen deine Werke?

Rolf: Es gibt keine Präferenzen. Meine Bilder entstehen in meinem Atelier, Skizzen auch im Urlaub.

Manuela: Was treibt dich in deiner Malerei an?

Rolf: Einfach nur die Lust!

Um was geht es beim Bildermalen und natürlich auch beim Betrachten der Kunstwerke? Das Beherrschen der Maltechnik, Farbverständnis sind natürlich eine solide Basis. Wem nützt aber eine perfekte Handhabung der Maltechnik, wenn die nötige Kreativität, die Neugierde auf Neues nicht vorhanden ist? Dann bleibt nur das Abmalen des Sichtbaren. Bei der Erfahrung von Schönheit kommt es nicht allein auf das „Wie“ an. Das „Was“ ist ebenso entscheidend, denn eine von allen Inhalten und Werten gänzlich abgelöste Schönheit verkommt zum Ornament und langweilt uns sehr schnell. Letztendlich geht es um die Freude am Gestalten, um Innovation, um Inspiration aber auch um Fehlertoleranz und Selbstvertrauen, kurz es geht um Lust.

Diese Lust hat etwas von Grenzenlosigkeit, von kreativem Reichtum. Es geht um die Perfektion des Weglassens und des Andeutens. Verborgenes soll aufgespürt werden. Ich liebe das Wechselspiel zwischen dem Offensichtlichen und dem Verborgenen. Man muss vor dem Bild innehalten, den Blick ruhen lassen, um so den verborgenen Sinn hinter den Dingen zu entdecken.

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, welche?  Und: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Rolf: Vorbilder habe ich keine. Bilder von Willi Baumeister und René Magritte schaue ich mir immer wieder gerne an.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Rolf: Zeit ist Luxus. Ich gönne mir etwas davon.

Manuela: Hast Du ein oder mehrere Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Rolf: Meine Bilder sollen mit dem geneigten Betrachter kommunizieren, wie es Worte allein nicht vermögen. Sie sollen aufschlussreich, anspruchsvoll, informativ, fesselnd und amüsant sein. Sie sollen erleuchten, sie können auch blenden. Kunst kann frische Ansichten und Ideen liefern und die Aufmerksamkeit auf das lenken, was sonst vielleicht unsichtbar bleibt. Meine Bilder sind ein Aufruf zum genauen Hinsehen. Sie enthalten einen beträchtlichen Anteil von spielerischer Fantasie.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus? Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst?

Rolf: Das ist ganz unterschiedlich. Wie oben bereits beschrieben, bin ich ja ein „Kopfmaler“. Inspirationen kommen durch Gespräche, durch Lesen eines Buches oder einer Zeitung, durch Musik hören, bei einer Wanderung, im Museum, beim Sport….

Was mache ich, wenn ich Inspirationen brauche: Einfach genau zuhören und beobachten.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du je bekommen hast?

Rolf: Erst letzte Woche von meiner sechsjährigen Enkelin, als sie zwei Bilder aus meiner Serie der „Schattenbilder“ betrachtet hat. Sie erkannte sofort, dass in den gemalten Schuhen eine unsichtbare Person steckt, diese aber trotzdem einen Schatten auf die nasse Straße wirft. Es war so schön, wie sie die Bilder mit kindlicher Neugierde beschrieb.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt?

Rolf: Wieviel Fragen kommen noch?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Rolf: Als ich mit meinen Gummistiefeln versehentlich in einen Kuhfladen getreten bin.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten! (oder kurz)

Rolf: Lebensfreude, Kreativität, Neugierde

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Rolf: An meinem letzten Bild aus der Werkreihe der „Highland-Cattle“: „Vorsicht im Kuhstall, der Bulle hat Durchfall“

Manuela: Von welchem Projekt träumst du?

Rolf: Ich träume nicht, ich mache es einfach

Manuela: Wo kann man dich und deine Kunst in diesem Jahr finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/ Kunsttagen….)

Rolf: Kunstmesse Schwäbisch Gmünd, Kulturmühle Rechberghausen, Obenhofener Kapelle/Göppingen, Schorndorfer Kunstnacht, Uhingen („Wer mehr weiß, sieht besser). Nächstes Jahr: Weinstadt, Fischen/Allgäu, Leonberg

Manuela: Wo bist du online zu finden? (Linkliste)

www.rolf-thuma.de

Rolf: Am Ende kommt der Schluss

Malen, zeichnen, musizieren, allgemein Kunst lehrt die Künstler Geduld. Denn diese braucht es, um das Wesen eines Bildes, eines Musikstückes kennenzulernen. Kunst lehrt einem Dinge bewusst zu machen. Man braucht regelmäßig einen zweiten Blick um seinen Horizont zu erweitern. Kunst ist etwas für die Seele, sie bringt einen immer dahin wo man vorher noch nicht war.

Der Beitrag Artist Talk: Rolf Thuma – narrative, ironische & reduzierte Kunst erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Am 9-12-2016 brachte ARTINA freundlicherweise also einen Artikel über mich heraus. Zu lesen hier.

Viel Freude.

Der Beitrag Künstlerportrait im Artina-Magazin erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.