Der Weg, die Identität & Einflüsse

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen, wie du zur Kunst gekommen bist und ob du eine klassische Ausbildung hast? Hast du eine klassische textile oder künstlerische Ausbildung absolviert? Und falls nicht, durch wen wurdest du inspiriert? Gibt oder gab es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben? Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Ursula: Ich lebe und arbeite im niedersächsischen Heidekreis. Hauptberuflich arbeite ich als Beraterin für mittelständische und nachhaltig orientierte Unternehmen und Organisationen und führe Förderprojekte mit Kommunen, Verbänden und Stiftungen durch.

Ich habe schon als Jugendliche textile Techniken geliebt und gestrickt, gestickt und genäht. Damals habe ich vor allem bunte Bildmotive aus Zeitschriften nachgestickt, und erste Experimente mit abstrakter Stickerei gemacht – als Dekoration für Kissen, Kleidung oder Lavendelbeutelchen. Mit dem Studium und Eintritt in das Berufsleben blieb dieses Hobby über Jahre hintenangestellt. Mitte 30 startete ich neu. Es war eine Zeit des Umbruchs in meinem Leben, und ich wollte viele Gedanken in meinem Inneren mit Nadel und Faden ausdrücken.  

Ursula Heimann: Licht am Horizont, 2025

Seit 2023 widme ich mich wieder regelmäßig der textilen Kunst, insbesondere dem freien, künstlerischen Sticken. Seitdem beschäftige ich mich auch sehr intensiv mit zeitgenössischen Textilkünstlern wie Jordan Nasser, Britta Marakat Labba, Lotte Bach, Claude Como und vielen anderen. Meine textilen und konzeptionellen Fähigkeiten habe ich mir über Jahre im zielgerichteten Selbststudium erarbeitet und durch spezialisierte Kurse ergänzt – unter anderem in diesem Jahr an der Royal School of Needlework in London und im Kloster Mariensee bei Hannover.

Prägend waren für mich auch Erfahrungen aus meiner Kindheit und Jugend. Meine Mutter hatte viel Freude daran, Kleidung oder Dekorationsstücke aus textilen Techniken herzustellen, sei es Sticken, Stricken, Häkeln oder Klöppeln. Mein Vater, der Kunsterzieher war, hat uns Kindern die klassische Moderne des 20. Jahrhunderts nahegebracht. Gerade die expressionistische und die abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts begeistern mich bis heute. Auch internationale Lebensstationen haben meinen Blick auf die textile Kunst geprägt: Das Aufwachsen auf den Kanarischen Inseln, mein Schuljahr in USA sowie 15 Jahre Leben und Arbeiten in Mexiko und Lateinamerika haben mir textile Traditionen eröffnet, die mich beeindruckt und  beeinflusst haben. Inzwischen habe ich eine kleine Sammlung von schönen Kleidungsstücken, Schals, Umschlagtüchern, Taschen und Decken aufgebaut, die mir viel Freude macht.

Foto links: Die blaue Stunde, in der Ausstellung Radius26, Springhornhof 2026

Foto rechts: Gruppenfoto der Teilnehmer:innen der Radius 26 Ausstellung

Die Ausstellung Radius 26 im niedersächsischen Kunstverein Springhornhof, bei der ich im Juni 2026 drei meiner textilen Graphiken ausstellen durfte, gaben mir in den letzten Monaten nochmal einen wunderbaren Anstoß zu einer weiteren Entwicklung meiner textilen Kunst.

Material, Haptik & Handwerk

Foto links: Ursula Heimann Zuversicht 2024

Foto rechts: Ursula Heimann Mandala – Kreuzstich 2002

Manuela: Was reizt dich an Textilien, wie wählst du Materialien aus und welche Rolle spielt die Haptik?

Ursula: Ich habe immer schon Stoffe und Garne geliebt, entweder solche aus kostbaren Materialen, wie Seide oder Leinen oder Materialien in leuchtenden, strahlenden Farben. Noch heute schaue ich mir gerne Regale voller Wolle oder Nähgarn an und begeistere mich für die Vielfalt der Materialien, ihrer Haptik und ihrer Farbschattierungen.

Meine textilen Arbeiten habe ich zu textile Graphiken weiterentwickelt. Hier kommt es auf Komposition, Farbe und Rhythmus an und zugleich auf Verfremdung, Struktur und die Kombination von Stichen.  Als Bildträger nutze ich grobmaschige AIDA-Stoffe. Ihre Rasterstruktur dient zugleich als grafisches Element und erzeugt Muster und Verfremdungseffekte, die Stickereien wie haptisch erfahrbare Graphiken wirken lassen. 

Garne aus Wolle, Baumwolle oder Seide finde ich in Fachgeschäften in Deutschland und auf Reisen. Dieses Jahr habe ich mich intensiv auf Materialien für die Goldstickerei konzentriert, da ich intensive Recherchen zu dieser alten, traditionellen Technik durchgeführt habe und auch einen Kurs zu kreativer Goldstickerei an der traditionsreichen Londoner Royal School of Needlework belegt habe.  Im niedersächsischen Kloster Mariensee habe ich in einem Kurs den mittelalterlichen Klosterstich gelernt, eine sehr alte, für Bildteppiche genutzte flächige Sticktechnik.

Inspiration & Werkprozess

Manuela: Wie entsteht ein Kunstwerk von der Idee bis zum fertigen Stoffbild und welche Inhalte fließen ein?

Ursula: Meine Arbeiten entwickeln sich aus der Freude am Spiel mit Sticktechniken, Form, Farbe und Rhythmus. Die Themen meiner textilen Graphiken spiegeln eigene Erfahrungen und Gefühle wider, die viele Menschen ähnlich kennen oder aber beschäftigen sich in künstlerischer Weise mit den Themen, die mein berufliches Leben prägen, wie kulturelle Vielfalt, Nachhaltigkeit und Zukunftsfragen.

Der Entstehungsprozess beginnt meist mit einer thematischen Idee vereint mit Gedanken zu Rhythmus, Farben und Formen. Ich skizziere verschiedene Ideen und probiere Materialien, Stiche und Farben aus, bevor ich das eigentliche Werk beginne.

Ich arbeite gerne mit den grobgewebten Aida-Stoffen, weil sie die graphische Verfremdung meiner Motive und Ideen wundervoll ermöglichen und unterstützen.  Auf dem Gewebe entsteht das Motiv Stich für Stich. Aus der Ferne wirken die Flächen verdichtet; aus der Nähe lösen sie sich in Raster und einzelne Stiche auf.

In diesem Jahr haben mich besonders die historischen Techniken des Klosterstichs, der Goldstickerei und der farbigen Schwarzstickerei fasziniert und zu Kunstwerken inspiriert.

Foto links: Ursula Heimann – Fru?hling 2025

Foto rechts: Mustertuch Goldstickerei 1 – Der blaue Planet

Raum, Zeit & Resonanz

Manuela: Woran arbeitest du gerade, wo entstehen deine Werke und was war die schönste Reaktion auf deine Kunst?

Ursula: Meine Werke entstehen meist im Heidekreis, wo ich lebe. Aber auch auf Reisen arbeite ich daran, besonders wenn ich in Mexiko, meiner zweiten Heimat, bin. Die Arbeit mit Textilien und präzisen Stichen erfordert Fokussierung und gibt mir gleichzeitig einen Rahmen, um gedanklich tief in ein Thema einzutauchen und es künstlerisch umzusetzen.

Aktuell arbeite ich an einer großformatigen textilen Grafik mit dem Titel Paradies. Darin benutze ich einen verfremdeten Plattstich genauso wie Klosterstich und Elemente der Schwarzstickerei und der Goldstickerei. Das Werk wird durch ein zweites zu einem Diptychon erweitert werden, der das Spannungsfeld zwischen Natur und Mensch beleuchten wird.

Ich liebe es sehr, freie Minuten neben dem Beruf mit dem Material, den Farben und Formen zu verbringen. Und ich freue mich im Entstehungsprozess sehr daran, wie ein Werk wächst und die Idee sichtbar wird, die dahintersteckt.

Die schönste Resonanz auf meine Kunst bisher war die Tatsache, dass die Jury des Kunstvereins Springhornhof 3 meiner Werke aus 70 anonymisierten Einreichungen für die Ausstellung Radius 26 ausgewählt hat. Auch der kollegiale Austausch mit anderen Künstler*innen der Ausstellung hat mich in jüngster Zeit sehr geprägt.

Ganz besonders gefreut hat mich deine Einladung, liebe Manuela, zu diesem Artist Talk und dazu, bei einer Gruppenausstellung in Lüneburg im März 2027 einige meiner textilen Graphiken zu zeigen. Bis dahin möchte ich den oben erwähnten neuen Diptychon fertig haben und ihn dort zeigen.

Kunstauffassung & Zeitgeist

Foto links: Ursula Heimann Stele Kreuzstich 2002

Foto rechts: Ursula Heimann Geometrische Phantasie 3 – Kreuzstich 2001

Manuela: Wie blickst du auf die Wiederentdeckung der Textilkunst und was bedeutet Kunst für dich in drei Worten?

Ursula: Dass Textilkunst und textiles Kunsthandwerk zur Zeit wieder stark im Kommen sind freut mich sehr. Der Umstand, dass textile Kunst im zeitgenössischen Kunst-Diskurs wieder wahrgenommen wird, war aus meiner Sicht überfällig. Lange galt textile Kunst nicht als „richtige Kunst“. Das hat dazu geführt, dass textile Künstler*innen wenig Beachtung erhielten, obwohl ihre Werke anderen großen Künstler*innen der bildenden Kunst in nichts nachstehen. 

Die Trennung zwischen „Freier Kunst“ und „Kunsthandwerk“ hatten schon das Bauhaus und weitere Kunst-Strömungen im frühen 20. Jahrhundert aufgelöst. Und tatsächlich ist viel der als „Kunsthandwerk“ belächelten textilen Kunst künstlerisch von sehr hohem Niveau. Eine Künstlerin, die ich in dieser Hinsicht in diesem Jahr für mich entdeckt habe ist Lotte Bach, die – in ihrem Falle aus einer religiösen Haltung heraus – erstaunliche Bildteppiche und Paramente entworfen und mit einer unglaublich kreativen Vielfalt von Stichen und Techniken umgesetzt hat.

Zur Zeit bewegen mich besonders folgende Fragen: Wie kann ich Gefühle durch textile Techniken ausdrücken und wie kann ich Gedanken zu aktuellen und zukunftsorientierten Themen in textilen Graphiken umsetzen, und mit ihren Farben, Formen und Strukturen eine Vielzahl von unterschiedlichsten Menschen berühren?

Kunst ist in drei Worten gefasst für mich: Farbe, Form und Rhythmus.

Ausblick & Kontakt

Manuela: Wo kann man deine Werke als Nächstes sehen und wo findet man dich online?

Ursula: Im Sommer 2026 waren drei meiner Werke in der Gruppenausstellung Radius 26 des Kunstvereins Springhornhof zu sehen.

Für 2027 ist eine Gruppenausstellung im Avacon Center Lüneburg geplant zu der du mich eingeladen hast.

Mein digitaler Auftritt befindet sich hier: http://www.ursulaheimann.art/

Anfragen sind derzeit direkt per E-Mail möglich.

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?

Dennis: Mein Name ist Dennis Henke, ich bin 41 Jahre alt und lebe wieder in meiner Heimatstadt Rotenburg Wümme. Nach einer Ausbildung zum technischen Zeichner im Yachtbau und zuletzt 12 Jahren als Konstrukteur im Kreuzfahrtschiffbau habe ich mir Rotenburg ausgesucht für eine Phase der Besinnung und die Konzentration auf meine künstlerische Entwicklung.

Schon in meiner Jugend war die Malerei meine Form der Kommunikation. Während andere über Worte kommunizierten, habe ich Bilder geschaffen. Angefangen an Wänden, später auf Gegenständen, dann Zeichnungen und seit 2009 male ich auf Leinwand.

Nach dem Verlust meines Arbeitsplatzes und der kurz danach erfolgten Autismus-Spektrum-Störungs-Diagnose habe ich begonnen, meine Arbeiten zu zeigen. Es gab irgendwie nichts mehr zu verlieren und das war ausschlaggebend für die Suche nach Resonanz.

Bis heute verstehe ich meine Malerei als einen Dialog — über persönliche Erfahrungen, gesellschaftliche Muster und die Frage, was uns prägt und was wir hinter uns lassen.

Manuela: Auf deiner Homepage erfährt man ein wenig zu deinem Werdegang. Und zum Beispiel auch, dass du eine Asperger-Autismus-Form hast, die bei dir erst mit 40 Jahren entdeckt wurde. Inwieweit hat dies dein Leben vor der Diagnose gekennzeichnet und danach?

Dennis: Schon lange vor der Diagnose habe ich die Welt oft sehr intensiv über Muster, Strukturen und Details wahrgenommen. Die Malerei war für mich deshalb immer auch eine Form, Eindrücke zu ordnen und auszudrücken. Ich hatte in meinem Leben nie einen Platz in der Gesellschaft. Früher hieß Autismus mal Wrong-planet-syndrom, das trifft mein Erleben eigentlich sehr gut. Diese Isolation und mein Anderssein habe ich lange mit Substanzen betäubt und hatte mehrere psychosomatische Krankenhausaufenthalte.

Echter Austausch war immer nur mit sehr wenigen Menschen möglich und ich habe mein ganzes Leben maskiert und mich an vermeintliche Erwartungen anderer anzupassen. Erfahrungen wie zum Beispiel Mobbing sind typisch bei ASS und ziehen sich durch mein ganzes Leben. Um Konflikten aus dem Weg zu gehen bin ich Perfektionist geworden und habe für die Arbeit immer 150% meiner vorhandenen Energie eingesetzt..

Rückblickend konnte ich Erfahrungen, Reaktionen und Schwierigkeiten nach der Diagnose besser einordnen. Die chronische Depression hat sich dadurch in Luft aufgelöst. Die Erkenntnis, dass ich dafür nichts kann, dass ich einfach anders bin, hat mich frei gemacht. Zum ersten Mal in meinem Leben konnte ich mich akzeptieren. Was alles nach meinem Umzug passiert ist fühlt sich an wie ein Traum. Der erste Schritt war es meine Bilder Ende 2024 zum ersten Mal öffentlich auf Instagram zu zeigen. Durch die großartige Resonanz ist eine Berliner Agentur auf mich aufmerksam geworden, mit der ich meine künstlerische Position gefunden habe. Das hat mich motiviert weiter zu machen und mir ist dann mein Atelier im ArtOutlet, die Dauer(nd)Ausstellung in Visselhövede zugeflogen.

Das Beste daran ist, dass ich dort zum ersten Mal endlich Menschen getroffen habe, die mich so annehmen können wie ich bin, trotz meiner Neurodiversität.

Manuela: Wie entsteht ein Bild? Denkst du in fertigen Bildern, die du nur noch „abzeichnest“, oder entwickelt sich das Werk spontan während des Malens?

Dennis: Nach einer langen Phase des Experimentierens habe ich mich mittlerweile auf die Arbeit in Serien konzentriert. Das Kernthema konnte ich dabei durch mein eigenes Erleben konzentrieren von Wahrnehmung und deren Verschiebung im Spannungsfeld zwischen Individuum und Gesellschaft.

Jede Serie hat einen eigenen Prozess und ist ein anderer Aspekt der gleichen Untersuchung.

In meiner Serie ‚End of the world (neurodiverse Perspektive)‘ arbeite ich figurativ. Dafür entwickle ich die Idee in meinem Kopf und mache eine Arbeitsskizze. Es soll Missstände in der Gesellschaft aus meiner Sicht darstellen, nicht bewertend, einfach beobachtend.

Die Serie ‚Unspoken Feelings‘ fokussiert sich ausschließlich auf emotionale Wahrnehmung. Ich übersetze ein unausgesprochenes Gefühl in einen Arbeitstitel und ordne diesem Gefühl eine Farbpalette zu. Der Prozess ist dann vollkommen intuitiv geführt aus meinem Unterbewusstsein. Ich versuche während des Malens nicht nachzudenken.

Meine Serie ‚Redifining old patterns‘ habe ich nach 28 Werken eingestellt. Da habe ich alte Muster mit Sprühfarbe auf die Leinwand übertragen. Symbolische und neoexpressionistische Eingriffe darüber entstanden spontan und stehen für die Möglichkeiten der Veränderung in der Gegenwart.

Die aktuellste Serie heißt ‚Metaconsciousness‘ und die ersten acht Kapitel habe ich komplett in meinem aktuellen autistischen Burnout gemalt. Die Serie knüpft an die Werkreihe ‚Neudefinition alter Muster‘ an und verschiebt den Fokus von der Beobachtung gesellschaftlicher Strukturen auf die Bedingungen ihrer Transformation. Im Zentrum steht die Frage, welche Formen von Wahrnehmung, Reflexion und Bewusstheit erforderlich sind, um über etablierte Denk- und Handlungsmuster hinauszugelangen. Hier arbeite ich intuitiv in zwei Ebenen, die sich gegenseitig beeinflussen.

Manuela: Inwiefern verarbeitest du mit deiner Kunst dein eigenes Leben und deine Wahrnehmung?

Dennis: Meine Arbeiten entstehen nicht aus konkreten Ereignissen, sondern aus Erfahrungen, Wahrnehmungen und Fragen, die mich über längere Zeit begleiten. Viele Bilder beschäftigen sich mit Mustern, Erwartungen und Symbolen, die wir aus unserem Umfeld übernehmen und die unser Denken prägen.

Meine eigene Wahrnehmung spielt dabei eine wichtige Rolle. Ich nehme Strukturen, Wiederholungen und Spannungen oft sehr bewusst wahr. In der Malerei werden diese Eindrücke sichtbar und verwandeln sich in Schichten, Zeichen und Überlagerungen. So wird die Kunst für mich zu einer Möglichkeit, persönliche Erfahrungen mit größeren gesellschaftlichen Themen zu verbinden.

Manuela: Kannst du durch deine Kunst Dinge ausdrücken, die mit Worten schwer zu beschreiben sind?

Dennis: Ja. Für mich beginnt Kunst oft dort, wo Sprache an ihre Grenzen stößt. Für mich persönlich ist die Malerei die Alternative zur Sprache. Ich bin damit wesentlich direkter und konkreter, als ich mich sprachlich ausdrücken könnte.

Manuela: Wie ordnest du selbst deine Kunst ein? (Gibt es einen Zeitbezug? Wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen bildenden Kunst? Was ist deine eigene Kunst für dich?)

Dennis: Meine Kunst entsteht aus einer inneren Notwendigkeit. Es ist kein Wunsch vorhanden auf aktuelle Kunstströmungen zu reagieren; meine eigene Authentizität steht klar im Fokus. Gleichzeitig berührt sie Themen, die auch in der zeitgenössischen Kunst relevant sind:

Identität, Erinnerung, gesellschaftliche Prägungen und der Wandel von Bedeutung.

Bild links: Aus der Werkreihe ‚Unspoken feelings‘: Grounding | 2025 | Dennis Henke

Bild rechts: Aus der Werkreihe ‚Unspoken feelings‘: Gednakenkarusell | 2026 | Dennis Henke

In der Rezension zu ‚Unspoken feelings‘ wird mir eine hohe Aktualität bestätigt. Ich sehe meine Arbeit daher weniger als Kommentar zur Kunstwelt, sondern als eigenständigen Beitrag zu Fragen, die viele Menschen bewegen.

Kunst ist für mich eine Form der Kommunikation. Schon als Jugendlicher habe ich über Bilder Dinge ausgedrückt, für die ich keine Worte hatte. Daran hat sich bis heute nichts geändert.

Meine Arbeiten helfen mir, Wahrnehmungen, Erfahrungen und innere Konflikte sichtbar zu machen. Gleichzeitig sind sie eine Einladung zum Dialog. Was als sehr persönliche Suche beginnt, wird durch Begegnungen mit anderen zu etwas Gemeinsamen.

Deshalb ist Kunst für mich Ausdruck, Erkenntnis und Resonanz zugleich.

Manuela: Welche persönlichen, (oder politischen, sozialen, psychologischen, umweltbedingten) oder andere Themen sind für dich als Künstler in deiner eigenen Kunst wichtig? Was ist dir in deiner Kunst besonders wichtig und was möchtest du dem Betrachter mitteilen?

Dennis: Mich interessiert, wie persönliche und gesellschaftliche Muster entstehen, welche Sicherheit sie geben und an welchem Punkt sie beginnen uns zu begrenzen. Ich möchte dem Betrachter keine fertigen Antworten vermitteln. Vielmehr möchte ich Räume öffnen, in denen eigene Erfahrungen, Erinnerungen und Fragen sichtbar werden.

Meine Bilder bewegen sich deshalb oft zwischen Verlust und Aufbruch, zwischen dem, was wir übernehmen, und dem, was wir hinter uns lassen. Ein wichtiges Anliegen meiner Arbeiten ist die Sichtbarkeit von Vielfalt, Inklusion und Gleichbehandlung. Jeder Mensch bringt eigene Erfahrungen, Wahrnehmungen und Perspektiven mit. Mich interessiert, wie gesellschaftliche Muster Zugehörigkeit schaffen können, aber auch, wie sie Menschen ausgrenzen.

Meine Arbeiten laden dazu ein, Gewohntes zu hinterfragen und unterschiedlichen Lebensrealitäten mit Offenheit zu begegnen. Für mich beginnt Inklusion dort, wo Menschen nicht an Erwartungen angepasst werden müssen, sondern in ihrer Individualität anerkannt werden.

Manuela: Wie empfindest du den Kontakt zum Publikum? Ist die Kunst für dich ein Weg, „ohne Worte“ mit der Gesellschaft in Beziehung zu treten?

Dennis: Lange Zeit habe ich für mich alleine gemalt und niemandem Bilder gezeigt. Der Kontakt zum Publikum ist für mich etwas ganz besonderes und zu erleben, dass Menschen ganz eigene Zugänge zu meinen Arbeiten finden berührt mich. Resonanz und Dialog sind Erfahrungen, die mir in meinem Leben gefehlt haben. In Menschengruppen bin ich aufgrund von Reizüberflutung verloren und verstehe nichts mehr bei Störgeräuschen. Dafür erfreuen mich Rückmeldungen zu meinen Werken im direkten Austausch umso mehr.

Manuela: Ganz oft haben Künstler:innen das Problem, sich als “nicht gut genug” zu empfinden und trauen sich erst gar nicht, ihre Werke anderen zu zeigen.  Wie stehst du dazu?

Dennis: Selbstzweifel prägen mein ganzes Leben und ich kann das gut nachvollziehen. Meine Malerei war immer etwas Privates und ich hatte lange gar nicht darüber nachgedacht, ob das jemanden interessieren könnte. Meine kreative Begabung kann ich mittlerweile annehmen und ich stehe voll hinter meiner Kunst, trotz ständiger Selbstkritik. Die Zusammenarbeit in 2025 mit der Künstleragentur hat mir das nötige Selbstbewusstsein gegeben. Die Schwierigkeiten sind bei mir im Sozialen angesiedelt aufgrund der Behinderung, daher zweifele ich eher am Leben und der Gesellschaft, nicht an meiner Kunst.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Dennis: Beim Malen öffnet sich für mich ein Raum jenseits von Zeit und Sorgen, in dem ich die Gegenwart intensiv erlebe. Ich arbeite in einem Hyperfokus und empfinde dabei eine außergewöhnliche Klarheit.

Dieser Zustand kann über viele Stunden anhalten – manchmal bis zu 15 Stunden. In dieser Zeit spielt mein Autismus für mich keine Rolle mehr; ich bin frei.

Es gibt nur noch den Dialog zwischen mir, der Farbe und der Leinwand. Die Außenwelt tritt in den Hintergrund. In diesen Momenten gibt es keine Filter zwischen meiner Wahrnehmung und der Leinwand. Vielleicht liegt genau darin die Authentizität meiner Bilder.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten und warum? Gib uns doch bitte einen kleinen Einblick zu deiner Motivation.

Dennis: Acrylfarben sind mein bevorzugtes Medium. Ich schätze ihre Klarheit, ihre Leuchtkraft und vor allem die kurze Trocknungszeit. Längere Unterbrechungen, wie sie beispielsweise bei Ölfarbe entstehen, würden meinen Arbeitsfluss stören und zu stark beeinflussen.

An zweiter Stelle steht Tinte. Durch meine Ausbildung als Technischer Zeichner habe ich eine besondere Beziehung zu präzisen Linien und grafischen Strukturen entwickelt. Diese Vorliebe fließt bis heute in meine Arbeiten ein.

Gouache nutze ich ergänzend. Ihre stumpferen, samtigen Farbtöne schaffen Kontraste zu den intensiven Acrylfarben und ermöglichen es mir, einzelne Bereiche eines Werkes gezielt zu akzentuieren.

Manuela: Ich möchte dich gerne nach deiner aktuellen Werkreihe „Metaconsciousness“ also Metabewusstsein befragen, die mich persönlich besonders angesprochen hat. Wie bist du hier vorgegangen, welche Materialien, Farben usw. hast du gewählt und wieso, was stellen die Linien und Farbhintergründe für dich dar?

Dennis: „Metaconsciousness“ ist aus meiner vorherigen Werkreihe „Redifining old patterns“ hervorgegangen. Während ich mich dort mit bestehenden Denk- und Verhaltensmustern auseinandergesetzt habe, stellt die neue Serie eine andere Frage: Was muss im Bewusstsein geschehen, damit wir solche Muster überhaupt erkennen und verändern können?

Aufgrund der neuen Fragestellung habe ich die Serie „Redifing old patterns“ nach 28 Werken eingestellt.

Die Grundlage für die Serie „Metaconsciousness“ enstand während meines autistischen Burnouts, mit dem ich noch lerne umzugehen. Es unterscheidet sich von einem klassischen Burnout. Er entsteht häufig durch eine über lange Zeit anhaltende Überforderung, das ständige Anpassen an die Umwelt sowie eine hohe sensorische und soziale Belastung. Bei mir sind im letzten Jahr viele positive Veränderungen eingetreten und ich glaube mein Nervensystem wurde bei der Verarbeitung und der Einordnung davon überlastet.

Für mich wurde diese Zeit zum Ausgangspunkt einer intensiven Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Bewusstsein und Veränderung.

Malen wurde für mich die Möglichkeit, diese Veränderungen nicht nur zu verarbeiten, sondern sie bewusst zu untersuchen und zu visualisieren. Jedes Bild der Serie ist wie ein Kapitel einer fiktiven wissenschaftlichen Forschungsarbeit über Wahrnehmung, Kognition und Bewusstsein.

Der wissenschaftlich anmutende Aufbau ist dabei bewusst gewählt. Er schafft Distanz zu den eigenen Erfahrungen und eröffnet gleichzeitig einen Raum, sie systematisch zu betrachten.

Ich arbeite ausschließlich mit Acrylfarben, weil sie meinem Arbeitsprozess entsprechen und mir ermöglichen mich klar auszudrücken. Die kurzen Trocknungszeiten erlauben es mir, Gedanken unmittelbar auf die Leinwand zu übertragen und verschiedene Ebenen Schritt für Schritt miteinander zu verbinden. Die Farbflächen stellen keine Landschaften oder konkreten Objekte dar. Sie stehen für dynamische Zustände, emotionale Spannungsfelder und die Komplexität innere Prozesse.

Die Raster und Linien haben sich im Laufe der Serie bereits weiterentwickelt. Anfangs lagen sie als ordnende Struktur über dem Bild. Mit jedem Kapitel wurden sie stärker Teil der Malerei selbst und begannen, mit den Farbflächen zu verschmelzen. Für mich symbolisieren sie die Wechselwirkung zwischen Ordnung und Veränderung – zwischen dem Versuch, Wahrnehmung zu strukturieren, und der Erkenntnis, dass sich auch diese Strukturen ständig weiterentwickeln.

Der Titel „Metaconsciousness“ beschreibt deshalb keinen bestimmten Bewusstseinszustand. Er steht für die Fähigkeit, das eigene Denken und Erleben zu beobachten, zu hinterfragen und dadurch Veränderung überhaupt erst zuzulassen. Ich glaube, dass persönliche Entwicklung erst möglich wird, wenn wir lernen, unser eigenes Bewusstsein zu reflektieren. Genau dieser Gedanke bildet den Kern der  gesamten Werkreihe.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Dennis: Ich habe selten das Gefühl, auf eine Idee warten zu müssen. Mein Kopf arbeitet permanent auf Hochtouren. Ich stelle ständig Zusammenhänge her, analysiere, hinterfrage und denke in Mustern.

Durch meinen fehlenden Reizfilter nehme ich deutlich mehr Informationen wahr, als ich gleichzeitig verarbeiten kann. Das kann sehr belastend sein, eröffnet aber auch ungewöhnliche Blickwinkel.

Ungerechtigkeit, Widersprüche oder ungelöste Fragen beschäftigen mich oft so lange, bis ich einen Weg finde, sie einzuordnen. Ich verarbeite und kommuniziere überwiegend visuell. Malerei ist für mich deshalb weit mehr als ein kreatives Medium – sie ist ein Werkzeug, um komplexe Gedanken und Wahrnehmungen sichtbar zu machen.

Meine Werke entstehen nicht aus einem spontanen Einfall, sondern aus einem langen inneren Prozess. Irgendwann verdichten sich Gedanken, Beobachtungen und Erfahrungen zu einem Punkt, an dem sie eine visuelle Form verlangen, Erst dann beginne ich zu malen, Jede Arbeit beantwortet eine Frage und wirft gleichzeitig die nächste auf.

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Dennis: Ich mache mir nicht viel aus Besitz. Ich bin froh, wenn ich am Monatsende meine Rechnungen bezahlen kann. Es gibt nicht wirklich viel, dass glücklich macht auf dieser Welt und einen Preis hat.

Farben und Leinwände schließe ich da aus. Meine Wohnung hängt bereits voller eigener Arbeiten, dazu kommen einige kleinere Werke befreundeter zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler sowie eine Postkartensammlung mit Arbeiten, die mich inspirieren.

Wenn ich mich entscheiden müsste, wäre es wahrscheinlich ein Pollock. Ich suche gerne und automatisch nach Mustern, und ich glaube, mein Kopf wäre dort ständig beschäftigt – auf eine ruhige, fast friedliche Weise. Ich würde ihn wohl über das Bett hängen, für schlaflose Nächte.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Dennis: Ich male seit 2009 auf Leinwand und habe das immer für mich alleine in meinem Wohnzimmer gemacht. Seit Januar 2025 arbeite ich in meinem Atelier im Artoulet, die Dauer(nd)Ausstellung in Visselhövede. Hier kann ich Techniken mit viel Farbe ausprobieren und mich kreativ austoben.

Die Teilhabe an einer kreativen Gemeinschaft hat mein Leben sehr stark bereichert. Das Atelier ist ein Wohlfühlort für mich geworden. Parallel dazu habe ich mir noch ein Studio in meinem Wohnzimmer in Rotenburg eingerichtet.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Dennis: Das ist bei mir verschieden und hängt direkt mit meinem Lebensweg zusammen. Generell habe ich gelernt, dass es bisher immer nur Krisen in meinem Leben gegeben hat, wenn ich nicht gemalt habe. Über die Malerei bin ich jedes Mal wieder daraus gekommen.

Als ich Ende 2024 meinen Job aufgegeben habe um mich der Malerei zu widmen, hat das eine kreative Explosion ausgelöst und ich hatte nichts anderes mehr im Kopf. Am ersten Tag in meinem Atelier habe ich total das Zeitgefühl verloren und ich habe 12 Stunden gearbeitet. Darauf folgten sehr intensive Wochen und Monate in der Transfergesellschaft, die ich für meine künstlerische Praxis mit bis zu 80 Wochenstunden im Atelier verwendet habe. Rückblickend war das die beste Zeit meines Lebens. Die Sorgen waren weit weg und ich konnte mich kreativ ausdrücken und experimentieren. In dieser Zeit habe ich dann auch meine künstlerische Position gefunden in Zusammenarbeit mit einer Künstleragentur.

Aktuell bin ich in der Tagesklinik um meinen autistischen Burnout zu kurieren, jetzt gelingt es mir aber morgens 1-2 Stunden zu arbeiten und mein aktuelles Erleben malerisch zu dokumentieren.

Im nächsten Schritt werde ich mir dann eine Routine erarbeiten, die genügend Zeit für die künstlerische Praxis freihält, wo sich dem aber nicht wieder alles unterordnet, wie es die letzten 1,5 Jahre war. Wie genau ein gesundes Maß aussehen kann, erarbeite ich mir gerade.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Dennis: Ich habe tatsächlich eine Sammelleidenschaft für Farbe und sobald ich Farbe sehe, die ich noch nicht kenne, nehme ich die mit. Experimentieren und praktisch ausprobieren ist etwas, das ich liebe.

Prinzipiell würde ich gerne auf größeren Leinwänden arbeiten, das hängt gerade noch an der Logistik und ich muss noch darüber nachdenken, wie ich das umsetze.

Durch Ergotherapie bin ich immer mal wieder mit Bildhauerei in Kontakt gekommen. Ich denke, dass das ein Thema für mich werden könnte. Ich habe bereits Ton und Speckstein kennengelernt und die Arbeit macht mir Spaß, der Kern bleibt aber die Malerei.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Dennis: Ich denke, die Tatsache, dass ich male habe ich meiner Mutter zu verdanken. Meine erste Erinnerung daran ist, dass ich als Kind ihr bei einem Zeichenkurs auf Mallorca zugesehen habe. Sie hat, soweit ich mich erinnere, eine Windmühle unter freiem Himmel gezeichnet.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Dennis: Vor kurzem gab es einen Vortrag über Farbtheorie und ich durfte den Raum mit meinen Bildern ausstatten. Im Gespräch sollte zum Abschluss jeder etwas zu zwei von meinen Werken sagen und das zuvor gelernte über Farbe dabei anwenden. Das war dann ein schönes Kompliment zu merken, dass meine Werke tatsächlich verstanden werden und die Wirkung auf die Betrachter mit meiner Intention übereinstimmt.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Dennis: Ich habe schon seit der frühesten Kindheit gemalt, aber bis zu meinem 40. Lebensjahr habe ich meine Werke eigentlich keinem Menschen gezeigt. Meine ersten beiden Bilder, die ich tatsächlich in einer Ausstellung hatte, hingen im Stadtmuseum in Meppen, bei einer Ausstellung zu dem Thema Mut. Das hat sich über die ambulante Wohnbetreuung ergeben, die mich damals auf dem Weg zu meiner Autismus Diagnose begleitet hat. Ich denke, dass hat dann auch die Weichen gestellt, dass ich mich überhaupt getraut habe mich zu zeigen, als Mensch und als Künstler.

Manuela: Was bewegt dich gerade?

Dennis: Mich bewegt gerade vor allem die Frage, wie ich nach meinem autistischen Burnout meinen Weg als Künstler und als Mensch weitergehen kann.

Die letzten Monate haben mein Leben grundlegend verändert. Ich musste akzeptieren, dass vieles, was für andere selbstverständlich ist, für mich anders funktioniert und das es Schwierigkeiten gibt, die für andere tatsächlich nicht nachvollziehbar sind. Gleichzeitig habe ich durch diese Zeit begonnen, meine Wahrnehmung bewusster zu verstehen und ihr in meiner Kunst einen Raum zu geben.

Ich befinde mich aktuell in einer psychiatrischen Tagesklinik und hoffe, in den kommenden Monaten weitere Antworten zu finden – nicht nur auf diagnostische Fragen, sondern vor allem darauf, wie ich langfristig ein Leben gestalten kann, das zu mir passt.

Trotz aller Herausforderungen habe ich etwas Wertvolles entdeckt: Kunst ist für mich weit mehr als ein Beruf oder ein Ausdrucksmittel. Sie ist eine Form des Denkens, der Kommunikation, ein Werkzeug, um Wahrnehmung zu erforschen, und manchmal auch ein Ort, an dem ich für einen Moment ganz bei mir selbst sein kann.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Dennis. Meine größte Inspiration war mein autistischer Burnout. Er hat meine Wahrnehmung so grundlegend verändert, dass ich begonnen habe, sie malerisch zu untersuchen. Reize, Strukturen und innere Zustände wurden intensiver und gleichzeitig schwerer einzuordnen während dieser Zeit.

Aus diesem Versuch, die eigene Wahrnehmung und das innere Erleben zu verstehen, ist die Serie Metaconsciousness entstanden. Die Bilder sind keine direkten Darstellungen des Burnouts, sondern eher eine fiktive wissenschaftliche Untersuchung darüber, wie Bewusstsein, Ordnung und Instabilität miteinander in Beziehung stehen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Dennis: Kommunikation. Verbindung. Entwicklung.

Manuela. Woran arbeitest du im Augenblick?

Dennis. Derzeit arbeite ich an neuen Werken zu meiner Serie ‚Unspoken Feelings‘. Die Werke dokumentieren meine aktuelle Lebenssituation und helfen mir, meine inneren Erfahrungen zu visualisieren und einzuordnen. Die Bilder entstehen als unmittelbare Auseinandersetzung mit dem, was sich oft nur schwer in Worte fassen lässt.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Dennis: In diesem Jahr sind zwei weitere Ausstellungen im Artoutlet in Visselhövede geplant, an denen ich teilnehme und mein Atelier öffne. Darüber hinaus laufen derzeit Bewerbungen für weitere Ausstellungsprojekte.

Gleichzeitig erlebe ich, dass meine Behinderung viele Dinge komplizierter macht – vom Netzwerken bis zur Teilnahme an Veranstaltungen. Umso wichtiger ist es für mich, meinen eigenen Weg als Künstler konsequent weiterzugehen und meine Arbeiten Schritt für Schritt einem größeren Publikum zugänglich zu machen.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

www.dennishenke.art

www.instagram.com/dennishenke.art

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Manuela: Stelle dich doch bitte kurz vor, wo lebst und arbeitest du, seit wann machst du Kunst?

Jens: Liebe Manuela, vielen Dank für die Gelegenheit mich in deinem Artist Talk vorzustellen. Ich bin Jens Kappenberg, lebe und arbeitete in Bergedorf im Osten von Hamburg.

Seit 1973 male ich regelmäßig in verschiedenen wasserlöslichen Techniken auf Papier. Aufgewachsen bin ich in Aumühle noch etwas weiter östlich im Sachsenwald in Schleswig-Holstein. Das erwähne ich nur, weil viele meiner Motive hierher stammen (Gründerzeitvillen, Kirchen, Bismarckdenkmäler, etc.), die ich auch gern direkt im Freien in plein air Manier gemalt habe.

Ich habe als Physiker in der Umweltforschung gearbeitet und mich dort mit Strömungen und Transportvorgängen in Tideflüssen (Elbe) beschäftigt. Dies war kein reiner Brotberuf. Ich habe auch die wissenschaftliche Arbeit geliebt. Eine Stunde am Morgen vor der Arbeit, die Wochenenden und Ferien waren dann für die Kunst (und das restliche Leben) da.

Manuela: Wie kamst du zur Kunst? Was zog dich hier an?

Jens: Ich habe schon in meiner Schulzeit gern gemalt und später dann in einer kleinen Zeitschrift das Layout und die Abbildungen gemacht. Zwischen Abitur und Studium hatte ich etwas mehr Zeit und begann (weg vom Tuschkasten) mit Gouache-Farben auf Papier zu arbeiten. Das Papier habe ich dann mit Patex auf Spanplatten geklebt, risikoreich aber
immer erfolgreich.

1975 bin ich der Kunstgemeinschaft Sachsenwald in Reinbek beigetreten und war dort bis zu ihrer Auflösung 2013 aktiv. Danach haben wir aus 7 ehemaligen Mitgliedern die Gruppe gegenwART7 gegründet.

Manuela: Du bist Autodidakt und hast dir seit 1973 eine besondere Bildsprache mit Aquarell und wasserlöslichen Farben erarbeitet. Etwas, was mich ganz besonders fasziniert und interessiert. Du lässt facetten- und detailreiche Welten entstehen. Warum hast du dich gerade darauf spezialisiert?

Jens: Ich war es gewohnt auf Papier zu arbeiten und habe dann ganz unterschiedliche Papiersorten und ihre Interaktion mit Wasser wasserlöslichen Farben kennengelernt. Zuerst habe ich auf Tiefdruckpapier gemalt (war auch billiger). Wie gesagt begonnen haben ich mit Gouachefarben (die nannten sich damals Gummi-Leim-Tempera), habe
dann aber 1979 mit Aquarellfarben experimentiert. Fasziniert haben mich dabei die Möglichkeiten der Lasur und die immer etwas mattere Farbgebung gegenüber Acryl und Öl: Die Farbe wird vom Papier aufgesaugt und liegt nicht wie eine Haut darüber. Die klassische Arbeitsweise (rette den weißen Hintergrund durch Aussparen oder Maskieren)
fand ich für meine Ziele nicht so prickelnd und bin dann gleich mit Deckweiß zu Mischtechniken übergegangen.

Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich der Malerei zu erkunden?

Jens: Wie schon im Voraus gesagt,das Malen ist für mich immer eine ganz normale Angelegenheit gewesen, in der ich Eindrücke verarbeite (aus Literatur, Musik und Umwelt).

Manuela: Du arbeitest auch mit Mischtechniken und Tiefdruck, den du überzeichnest. Bitte erkläre doch hier ein wenig, was hierbei den besonderen Reiz für dich ausmacht? Sind die Arbeiten immer monochrom? Und was macht den Reiz aus?

Jens: Ich habe nicht die technischen Möglichkeiten in meinem Atelier Tiefdruck (Radierungen) zu machen. Auf entsprechenden Kursen hat mich besonders die Aquatinta Technik fasziniert, weil man nur erahnt, was man da produziert, bis der Druck erfolgt. Diese Zufälle kann man dann gestalten, in dem man mit Tinte oder Farbstift in das Gedruckte zeichnet. Ich bleibe dabei lieber bei schwarzen oder grauen Stiften, weil die sich besser mit dem Druck
verbinden: Farbe braucht es hier nicht.

Manuela: Wenn man sich deine Bildtitel anschaut, dann stößt man auf spirituell anmutende Begriffe, die wirken als seien sie teils der Bibel entnommen und teils an spirituelle Welten/Portale erinnern mögen. Was hat es damit auf sich?

Jens: Mit der Bibel bin ich nicht so vertraut und bin mir auch nicht sicher, was ich unter spirituell verstehen soll (sicherlich nicht etwas was mit Kirche und institutioneller Religion zu tun hat). Ich versuche im Vertrauten das Ungewöhnliche und Geheimnisvolle zu finden.

Manuela: Du arbeitest auch projektbezogen. Auf deiner Website kann man u.a. das Projekt Requiem einsehen. Die Titel sind auf Latein, leider fehlt hier mehr Information, wie es zu diesem Projekt gekommen ist und was dich antreibt. Kannst du ein wenig Einblick in dieses Projekt geben? Was auffällig ist, wie detailreich diese Werke sind. Man muss sich schon Zeit nehmen sie zu betrachten, weil man immer wieder mehr und mehr darin entdeckt. Wieviel Zeit wendest du auf für ein Bild?

Jens: Das Requiem Projekt basiert auf der katholischen Totenmesse, die mit den Worten „requiem aeternam dona eiis domine“ (Gib ihnen ewige Ruhe, Herr) beginnt. Ursprünglich konnte man das Requiem (gegen Bezahlung) für verstorbene Angehörige lesen lassen, um deren Aufenthalt im Fegefeuer zu verkürzen. Der Text (ein Gedicht aus Versen) wurde immer wieder vertont und enthält für mich inspirierende Passagen und Bilder auch aus der Apokalypse, die durch die Musik intensiviert werden. Am Weltende passiert dann schon so einiges, zum Beispiel am „dies irae“ (Tag des Zorns).

Meine Bilder brauchen Zeit, einmal wegen der Details, aber auch weil nicht schon bei Beginn ein vollständiges Konzept habe. In der Regel gibt es keine Vorzeichnung (außer bei Landschaften und Auftragsarbeiten), das Bild entwickelt sich auch assoziativ. Ich arbeite an mehreren Arbeiten gleichzeitig, aber ein bis zwei Monate braucht ein Bild mindestens.

Manuela: Wenn man sich deine Texte durchliest, wie sie beispielsweise unter Projekten zu finden sind, dann lese ich da viel Poetisches heraus. Etwas Feinsinniges, das geradezu lyrisch etwas beschreibt. Wie im Projekt Friedrichsruh. Deine Werke dazu und der Text ergeben ein besonderes Gesamtbild, das man sofort nachempfinden kann, wenn man sich darauf einlässt. Wie kommt es zu diesen Projekten? Denkst du sie dir selbst aus? Sind sie an Ausschreibungen angeknüpft? Was bewegt dich hier?

Jens: Das Projekt Friedrichsruh war eine Gemeinschaftsausstellung von gegenwART7 in der dortigen Bismarckstiftung. Den Text dazu sollte man nicht total ernst nehmen, er ist auch eine Persiflage im Stil von H.P. Lovecraft.

Die anderen Projekte habe ich mir selbst ausgedacht, teilweise basierend auf äußeren Anregungen z.B. einem Musikstück wie Hector Berliozs Symphonie fantastique. Das Stück hat ein außermusikalisches Programm und besteht aus 5 Sätzen, die ich in 5 Bilder umgesetzt habe, z.B. die Ballszene des zweiten Satzes.

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche?

Jens: Eher Anregungen als direkte Vorbilder: William Turner, Max Ernst, Dorothea Tanning,
Richard Oelze, die Wiener und Leipziger Fantasten.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Jens: Für die eigene Arbeit spendiere ich mehrere Stunden am Tag. Aber ich besuche auch viele
Ausstellungen (meist in Hamburg) und arbeite in Orgateams und Juries mit.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Berichte doch ein wenig
auch über deine Technik.

Jens: Mein Vorgehen beruht auf der Kombination von „Zufall und Notwendigkeit“ (Jaques Monod). In der Regel starte ich mit Zufallsverfahren: Viel Wasser, viel Farbe, flüssig und aus Tuben, Kleckse, Dripping, etc. Nach dem Trocknen mache ich zielgerichtet etwas aus den zufälligen Strukturen (ähnlich wie bei den Radierungen), zeichne mit dem Pinsel oder Stiften. Auch der Airbrush kommt zum Einsatz.

Foto links: Stillleben im Fenster | 2019 | Jens_Kappenberg

Foto rechts: Seestueck | 2017 | Jens_Kappenberg

Manuela: Hast Du ein Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Jens: Reines Vergnügen, mir zu gefallen.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Jens: Alles, was ich wahrnehme, Literatur, Musik.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen
usw. finden sich in deinen Werken wieder?

Jens: Wahrscheinlich eine ganze Menge, aber unbewusst.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast? Und was
die Schlimmste?

Jens: Positive Reaktionen sind immer Interesse und Gepräche (durchaus auch kritische) über die Arbeiten. Das führt dann manchmal auch zu Einladungen für zukünftige Ausstellungen und Kooperationen mit anderen Künstlern.
Negativ ist für mich Desinteresse, aber nicht jeder Mensch interessiert sich für Kunst und meine ist schon fordernd: So was hängt man sich nicht so einfach übers Sofa.

Manuela: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Jens: Sobald ich eines gefunden habe, entdecke ich ein neues dazu, das mich noch mehr beeindruckt.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht
weiterkommst?

Jens: Ich arbeite immer parallel an mehren, teils auch technisch sehr unterschiedlichen Bildern. Wenn es in einem gerade nicht mehr weitergeht, geht es meistens in einem der anderen. Spaziergänge und Radtouren helfen auch.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade beweg

Jens: Wann hören diese ganzen Kriege auf?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Jens: Eine Landschaft in Schleswig-Holstein.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Jens: Überraschung immer wieder.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Jens: An einigen liegengebliebenen Bilder, in denen ich noch Potential sehe. Das Projekt Requiem will ich noch weiter führen. Es fallen mir aber zu den noch zu bebildernden Texten zur Zeit keine zündenden Gedanken ein.

Manuela: Von welchem Projekt „träumst“ du?

Jens: Von keinem. Ich kann im Rahmen meiner Möglichkeiten alles machen, was ich will.

Manuela: Wo kann man dich in diesem Jahr finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/
Kunsttagen….)

Jens: Da gibt es noch nichts Sicheres. Drei Ausstellungen sind angedacht und angefragt.

Manuela: Wo bist du online zu finden?

Jens: Nur im klassischen Internet: http://www.jens-kappenberg.de, http://www.jgegenwart7.de

Der Beitrag Artist Talk: Jens Kappenberg – Die Kunst im Zufall und der Notwendigkeit erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen? Woher stammst du und wo lebst du?

Gabriele: Mein Name ist Gabriele Kubitschek. Ich bin Bildende Künstlerin und Autorin und wohne die
meiste Zeit des Jahres in München, pendle aber während des Jahres zwischen München und Puerto de la Cruz auf Teneriffa. Geboren und aufgewachsen bin ich nahe der österreichischen Grenze in einem kleinen Dorf im Berchtesgadener Land mit viel Platz für Abenteuer.

Manuela: Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist und was du beruflich
vor deinem Leben als Künstlerin getan hast.

Gabriele: Kreativ zu sein und etwas mit den eigenen Händen zu gestalten gehörte in meiner Familie ganz selbstverständlich zum Alltag. Meine Großmutter erzählte Geschichten und schrieb Gedichte, meine Mutter liebte die Bauernmalerei. So war mir lange nicht bewusst, dass meine eigene Freude am Gestalten ein besonderes Talent sein könnte.
Mein beruflicher Weg begann zunächst in der Pädagogik. Nach meiner Ausbildung zur Erzieherin und
einer Weiterbildung in Logopädie entwickelte ich 2001 mein kreativpädagogisches Konzept „BIM-BAM
BINI“ zur Kunst- und Sprachförderung für Kinder.
Erst nach einem Burnout im Jahr 2006 entschied ich mich, meinen eigenen künstlerischen Weg
konsequent zu gehen.

Manuela: Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen?

Gabriele: Ja – das war Florenz. Kurz nach meiner Ausbildung zur Erzieherin verbrachte ich 1983 einige Monate
dort, um Italienisch zu lernen. Diese Stadt hat mich tief beeindruckt. Überall begegnete mir Kunst, in Museen, auf der Ponte Vecchio, in Galerien und im öffentlichen Raum.
Diese Atmosphäre hat mich sehr inspiriert. Zurück in München begann ich wieder intensiv zu malen, zunächst für mich selbst und später auch für Freunde. Parallel zu meiner Arbeit als Erzieherin bereitete ich mich auf ein Kunststudium vor, besuchte die Zeilerschule in München und ging regelmäßig auf Ausstellungen. In dieser Zeit lernte ich unter anderem den Maler Rudolf Ortner, Heidi Reubelt (Modezeichnung) und Rudi Seitz (Schule der Fantasie) kennen, die mir wichtige künstlerische Impulse für meinen Weg gaben.
Kurz vor der Aufnahmeprüfung stellte ich mir jedoch noch einmal die grundsätzliche Frage, ob mein Weg tatsächlich über die Kunstakademie führen soll. Letztlich habe ich mich dagegen entschieden.
Einerseits fand ich das Studium an der Akademie super spannend und gleichzeitig bin eher ein Freigeist und suche gerne meinen ganz eigenen Weg auch in der Kunst. Rückblickend denke ich, dass diese Entscheidung richtig war, auch wenn sie sicher nicht der leichtere Weg war.

Manuela: 2007 hast du eine Künstlergruppe ins Leben gerufen. Wie ging es von da an für dich künstlerisch weiter?

Gabriele: 2007 gründeten wir, zwölf Künstler und Künstlerinnen aus Haidhausen, die Gruppe 1Stein28. Wir
waren eine bunte und lebendige Gemeinschaft aus MalerInnen, Bildhauern und FotografInnen. Im Winter waren die Atelierräume eisig kalt, aber für uns alle war es ein großes Glück, überhaupt ein bezahlbares eigenes Atelier im Herzen von München zu haben. 2012 waren wir mittlerweile 20 KünstlerInnen, doch im Herbst des selben Jahres wurde unser
Pachtvertrag leider nicht mehr verlängert und so mussten wir die Räume aufgeben und die Gruppe
zerstreute sich von München bis Amerika.

Manuela: Wie ordnest du deine Kunst ein? Womit beschäftigst du dich thematisch in deinem Schaffen?

Gabriele: Ich sehe mich als zeitgenössische, abstrakte Künstlerin. Ich liebe es experimentell, vielschichtig und
prozessorientiert zu malen. Meine Arbeit ist inspiriert von der Natur und eher kontemplativ. Als zeitgenössische Malerin fasziniert mich das Leise, die Zwischentöne im Leben, das, was wir oft eher fühlen als sehen. In meinen abstrakten Werken geht es um Atmosphäre, um Wandlungsprozesse und um unsere Verbindung mit der Natur die uns erdet. Dabei interessiert mich weniger das realistische Abbilden der Natur und ihren Rhythmen als vielmehr die Atmosphäre, die sie in uns auslösen kann.

Künstlerisch zu arbeiten bedeutet für mich auch die Fragen der Zeit wahrzunehmen und sie in den eigenen Werken zu reflektieren, wie beispielsweise aktuell in der Serie: Lebenslinien. Meine Vision ist es, Kunst zu gestalten, die Räume verwandelt und harmonisiert. Die sie zu Räumen werden lässt in denen Menschen neue Energie und innere Ruhe finden können.

Foto links: Gesammelte Zeit II | Semiabstraktes Blumenbild | Gabriele Kubitschek

Foto rechts: Kunst fürs Kinderzimmer1: Schlaf gut | Acryl auf Leinwand | Gabriele Kubitschek

Manuela: Du lebst nicht nur in München, sondern auch in Puerto de la Cruz auf Teneriffa. Auch dein Ausstellungsleben teilst du auf diese beiden Metropolen/Städte auf. Wie kam es dazu?

Gabriele: Mein Mann und ich suchten ein winterwarmes Reiseziel das nicht zu weit von Deutschland entfernt ist.
So kamen wir durch den Tipp von Freunden nach Teneriffa. Es war nie geplant dass wir die Reise wiederholen, doch die Insel hat uns beide begeistert und so kommen wir immer wieder gerne. Das Angebot in Puerto de la Cruz auf Teneriffa 2022 auszustellen kam im Herbst 2021. Darüber habe ich mich sehr gefreut, vor allem auch deshalb, weil mich die besondere Geschichte des Museums Westerdahl seit unserem ersten Besuch fasziniert hat.

Manuela: Hat das Leben auf Teneriffa einen signifikanten Einfluss auf deinen Schaffensprozess?

Gabriele: Ja, ich denke schon. Wenn ich auf der Insel bin, so direkt am Meer, schätze ich vor allem die Weite. Die
wuchernde Kraft der Natur, ihre Farbenpracht und dieses so besondere Licht Teneriffas, sie fließen ganz sicher mit in meine Kunst ein, auch wenn ich wieder in München bin. Gleichzeitig fehlt mir auf der Insel aber auch die erdige Kraft der bayerischen Berge und Seen, die Stille des Winters und die besinnliche Ruhe in der Adventszeit. Im Grunde bewegt sich mein Leben ständig zwischen zwei Welten die ziemlich unterschiedlich sind. Ich versuche von jeder das mit in meine Kunst hinein zu nehmen, was mir am wichtigsten ist. Von Bayern eher das Ruhige und erdig Traditionelle und von Spanien das bunte, lebhafte und fröhliche Miteinander.

Manuela: In deiner überwiegend abstrakten Kunst sieht man neben Stille und Ruhe auch Lebendigkeit, Farbigkeit und Dynamik. Was bewegt dich, was treibt dich an, wie würdest du selbst deine Malerei beschreiben wollen?

Gabriele: Ich arbeite heute bewusst semiabstrakt, mit stark abstrahierten Motiven, die an Blumen, Gärten oder
Meereslandschaften erinnern. Farben spielen dabei eine zentrale Rolle. Farbe ist Schwingung und trägt Emotionen, Stimmungen und Erinnerungen in sich, sie macht das Unsichtbare für den Betrachtenden fühlbarer. Außerdem liebe ich es Materialien, Farben und Symbole mit einander auf der Leinwand oder auf Papier zu verweben.
Meine frühen Arbeiten waren stärker naturalistisch und nach außen gerichtet. In den letzten 30 Jahren hat sich meine Bildsprache aber zunehmend auf das Wesentliche reduziert. Heute geht es mir um kraftvoll stille Momente, um innere Einkehr und den Frieden mit sich selbst.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein?

Gabriele: Das Gefühl in mir selber ausgeglichen zu sein ist mir beim Malen sehr wichtig. Deshalb sind die frühen
Morgenstunden für mich so kostbar. Sie schenken mir, trotz all dem ganz normalen Trubel, einen harmonischen und ruhigen Einstieg in den Tag. Ich bin generell eher eine Frühaufsteherin. Auf Teneriffa starte ich den Tag mit einem Spaziergang am Meer entlang; in München beginne ich meist mit einer großen Kanne grünem Tee und einer kurzen
Meditation auf dem Balkon. Wenn ich anschließend spüre, dass ich trotzdem innerlich noch nicht im Gleichgewicht bin, erledige ich zuerst lieber anstehende Büroaufgaben und erst anschließend gehe ich an eine Leinwand. Ich denke,
dass meine Stimmung meinen malerischen Ausdruck direkt beeinflusst, und deshalb ist es mir wichtig
erst innerlich zur Ruhe zu kommen.

Foto links: Bluetentraum rosa | 2025 | Gabriele_Kubitschek

Foto rechts: Roter Mohn l | 2011 | Gabriele Kubitschek

Manuela: Wie entstehen deine Werke? Mit welchen Materialien arbeitest du?

Gabriele: Meine Werke entstehen meist in Acryl- und Aquarelltechnik, gerne auch in Mixed-Media-Art. Ich liebe
es Farben und Materialien mit den Händen zu spüren. Für den Gestaltungsprozess nutze ich deshalb die unterschiedlichsten Malwerkzeuge, von Küchenschwämmen, Naturmaterialien bis hin zu feinen chinesischen Kalligraphiepinseln. Wenn ich länger nicht male oder zeichne, habe ich das Gefühl danach „hungrig“ zu sein. Nach dem
Gestaltungsprozess, den Farben und der Bewegung im Malen. Ich muss einfach malen, egal ob auf Papier oder Leinwand, sonst fehlt mir etwas Essenzielles. Wenn ich mir unklar bin, mit welcher Farbe ich ein neues Werk beginnen soll, grundiere ich zuerst die neue Leinwand, oder skizziere einen freien „Strichsalat“ als Vorarbeit auf Papier. So kann ich mich in ein neues Thema leichter hinein finden und mich darauf konzentrieren. Doch wenn ich dabei schon zu
Beginn einer ganz genauen, festen Vorstellung folgen möchte funktioniert der Malprozess nicht. Manchmal wache ich morgens mit der Vorstellung zu einem neuen Werk auf das mich vollkommen begeistert. Ich starte dann voller Motivation und jedes Mal, selbst wenn es dokorativ ist, fehlt dem Bild dann etwas. Erst wenn ich auf das Bild selbst höre, mich von ihm führen lasse, dabei spielerischer werde, erreiche ich die Harmonie, den Ausdruck den ich suche.
Da ich immer Schicht für Schicht lasierend arbeite sind Serien von drei bis zwölf Werken sinnvoll. Das hat den Vorteil, dass wenn das eine Bild noch trocknet ich schon am nächsten weiterarbeiten kann.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Gabriele: Wenn ich in München bin und es das Wetter zulässt, male ich vor allem im Garten oder auf der kleinen
Loggia meiner Wohnung. Auf Teneriffa habe ich einen Teil unseres Balkons zu einem mobilen Atelier ausgebaut. Durch den ständigen Wechsel unserer Wohnorte ist es in München leider schwierig, ein zusätzliches Atelier zu mieten.
Skizzen und Ideen für neue Serien entstehen meist draußen, im lebendigen Gewusel eines Cafés, unterwegs im Bus oder in der Natur. Dafür habe ich stets ein kleines Skizzenbuch und einen Stift mit dabei. Wenn mich ein bestimmtes Thema besonders beschäftigt, sammele ich so Eindrücke, Ideen und Impulse wie ein Eichhörnchen und bringe sie später vorsortiert in meine direkte Atelierarbeit ein.

Foto links: Gabriele Kubitschek in ihrem Atelier in Puerto de la Curz/ Teneriffa | 2025

Foto rechts: Gabriele Kubitschek, Foto von Stefanie Grindinger

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Gabriele: In meinen Anfangsjahren dachte ich, nur klassische Ölmalerei sei „echte“ Kunst. Doch der Geruch von
Terpentin war mir immer unangenehm, und im Laufe der Jahre habe ich Schritt für Schritt gelernt, mich von diesem Denkmuster zu lösen und meiner eigenen Experimentierfreude zu vertrauen. Ich liebe es Farben und natürliche Naturmaterialien mit unterschiedlichen Techniken auf Leinwand oder Papier zu verbinden. Aktuell interessiert mich besonders wie ich aus Pflanzen und Blüten Pigmente zum malen herstellen kann.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Gabriele: Kunst ist mein Lebenselexier, sie begleitet mein Leben und ist stets präsent. Wenn ich länger nicht
malen kann, dann werden ich innerlich unruhig. Es macht mich einfach glücklich zu malen und zu gestalten.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Gabriele: Meine Mutter hat mich sicher mit ihrer Liebe zur Natur und Bauernmalerei geprägt. Wesentlich für meinen künstlerischen Weg waren auch meine Lehrer Rudolf Ortner und Heidi Reubelt. Rudolf Ortner, als ehemaliger Bauhausschüler, vermittelte mir viel über Farbkomposition und verbindende Strukturen, und Heidi Reubelts hat mich für figuratives Zeichnen begeistert. Und nicht zuletzt, habe ich in den Aktzeichenkursen der Zeilerschule in München zum ersten Mal wirklich verstanden was Zeichnen bedeutet. Als Künstler inspirieren mich immer wieder William Turner, Claude Monet, Enrico Della Torre oder die amerikanische Künstlerin Barbara Rogers. Doch es gibt in jeder Ausstellung die ich besuche neue Eindrücke die ich daraus mit nehme und die meine Entwicklung mit beeinflussen.
Neben diesen künstlerischen Einflüssen haben mich aber auch Persönlichkeiten wie Marc Aurel, Viktor
Frankl und Janusz Korczak durch ihre Haltung und ihren Blick auf das Leben inspiriert.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß und was fordert dich am meisten heraus?

Gabriele: Am meisten Freude bereitet mir die Lebendigkeit und Kraft, die im Gestaltungsprozess selbst steckt.
Wichtig sind mir auch die Gespräche mit Menschen die sich mit meiner Kunst beschäftigen. Und oft kommt es mir so vor, als ob ich für Freunde male. Von denen ich manche schon kenne und andere noch nicht.
Meine größte Herausforderung in der Malerei ist es, meinen eigenen Perfektionismus loszulassen. Den Punkt zuzulassen wann sich ein Kunstwerk rund und harmonisch anfühlt um es zum richtigen Zeitpunkt abzuschließen.

Foto links: Kunst mit Kindern | Gabriele Kubitschek

Foto rechts: Kunst für Kinder Apfelbäumchen mit Wiege | Gabriele Kubitschek

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Gabriele: Besonders berührt haben mich bisher zwei Reaktionen auf meine Arbeit. Die erste war ein Zeitungsartikel anlässlich meiner Auszeichnung im Jahr 2012. Darin hieß es: „Von besonders innovativer Herangehensweise zeugt das Werk von Gabriele Kubitschek, die als Erste aufs Siegerpodest stieg. Die freischaffende Künstlerin erhielt für ihr Wandobjekt MitEinAnder … Die Botschaft: Im Miteinander gemeinsam sein, rund werden, zusammenwachsen und sich dabei im MitEinAnder neu erfinden.“

Die zweite Erfahrung machte ich 2022 während meiner Ausstellung Alma de Flores in Puerto de la Cruz. Während der Corona-Maßnahmen durften jeweils nur zwei bis drei Personen mit Maske die Ausstellungsräume betreten. Eine Besucherin kam eine Woche lang täglich, um vor einer kleinen Flusslandschaft zu stehen und das Bild still zu betrachten. In der folgenden Woche entschied sie sich, das Werk zu kaufen. Als ich sie fragte, warum sie dieses Bild gewählt hat, sah sie mich mit Tränen in den Augen an und sagte:
„Es verschafft mir Luft. Es ist wunderbar.“ Dieser Moment hat mich tief berührt. Mir wurde bewusst, dass ein Bild manchmal mehr sein kann als ein Kunstwerk, es kann Hoffnung schenken.

Oberhaching · Wieder Kunstpreis vergeben | Wochenanzeiger

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Gabriele: Die Ausstellung Alma de Flores 2022 war für mich ein wirklicher Schlüsselmoment. Zum ersten Mal spürte ich die tiefere Wirkung meiner Gemälde auf Menschen und, dass sie weit mehr bewirken können als nur als Raumdekoration zu dienen. Die Gespräche mit Besucherinnen und Besuchern aus Ländern von Estland bis Brasilien zeigten mir, dass Kunst Menschen auf einer sehr persönlichen und tiefen Ebene verbindet. Nationalität spielt dabei keine Rolle; Kunst ist für mich eine Sprache die direkt von Herz zu Herz verbindet.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt.

Gabriele: In den letzten Tagen ist eine liebe Malerfreundin, Hildegard Brutar, hier auf Teneriffa verstorben. So
beschäftigt mich das Thema: Abschied und Freundschaft, gerade ganz besonders.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Gabriele: Jeder Augenblick bringt die Möglichkeit für eine neue Inspiration. Das Leben kommt mir vor wie ein
großer, weiter Fluss, der ständig neue Ideen und Inspirationen mit sich bringt. Mal sind es die Farben draußen in der Natur und dann wieder Gerüche wie frisch gemähtes Gras oder das Rauschen des Windes in den Blättern oder das Meer.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Gabriele: Liebe zum Leben

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Gabriele: Außer der neuen Serie von: „Geschichten hinter dem Gartenzaun IV.“ aktualisiere ich gerade meine Atelier Webseite. Dann steht noch die Erweiterung meines Bilderbuch`s: Die Regenbogen Blume, auf dem Plan. Ich möchte es in Spanisch, Italienisch und Schwedisch übersetzen lassen. Und natürlich freue mich schon auf meine kreative Frauengruppe hier in Puerto ab Januar 2026.

Foto links: Geschichten hinter dem Gartenzaun Nr. 13, Mischtechnik, Gabriele Kubitschek

Manuela: Welches war dein bislang schönstes Projekt?

Gabriele: Es gab schon viele schöne Projekte und Momente in meinem Leben, doch mein schönstes Projekt ist
wohl immer das, an dem ich gerade arbeite

Manuela: Welche Frage habe ich dir hier nicht gestellt?

Gabriele: Was vielleicht noch interessant für die LeserInnen sein könnte ist, dass es mir Mensch und Künstlerin
wichtig ist mich sozial zu engagieren. Dazu gehören beispielsweise die Familienprojekte hier auf Teneriffa die mein Mann und ich seit über 10 Jahren unterstützen. Oder die Kunstauktionen von Round Table 13 (Künstler helfen Kindern) bei der ich regelmäßig seit 2008 teilnehme.

Manuela: Deine nächsten Projekte, wo kann man dich und deine Kunst in diesem Jahr sehen?

Gabriele: Die Werke an denen ich gerade hier auf Teneriffa arbeite sind noch bis Ende März 2026 in Puerto de la
Cruz zu sehen. In München läuft aktuell noch meine Einzelausstellung: Ein „Hauch von Sommer“, in der Arztpraxis von Frau Dr. Fassnacht (Haidhausen). Aktuelle Informationen zu Ausstellungen und Projekten gibt es immer in meinem monatlichen Atelierbrief. Ich freue mich immer über Interesse an meiner Arbeit.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Gabriele: Website –>Gabriele Kubitschek. Bildende abstrakte Künstlerin und Autorin

Instagram –>Instagram

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?

Martina: Mein Name ist Martina Kelting, ich bin 1965 in Hamburg geboren, bin verheiratet, habe zwei erwachsene Söhne und 3 Enkel. Ich lebe und arbeite in Hamburg.

Manuela: Man erfährt auf deiner Website leider wenig zu deiner Motivation für deine Kunst. Schenke uns doch bitte einen kleinen Einblick.

Martina: Seitdem ich einmal mit dem Malen begonnen habe, kann man nicht mehr „normal“ durch die Welt gehen. Ich betrachtet vieles nur noch durch die Brille eines Malers. Wenn ich einen Film sehe, gucke ich z.B. auf die Gesichter der Schauspieler, wie sehen die Augen aus? Wo ist der Schatten an der Nasenwurzel? Wie funktioniert die Nase? Wie ist der Mund? Wie kommt das Licht? Da sind so viele Bilder.

Manuela: Hast du eine formale Ausbildung absolviert oder bist du Autodidaktin?

Martina: Sowohl als auch. Gelernt habe ich den Beruf der Chemielaborantin, aber als ich vor etwa zwanzig Jahren über einen Flyer vom Kunsthaus Schenefeld gestolpert bin, habe ich dort eine klassische Malausbildung begonnen.

Farbe mischen, Formen erkennen, Licht und Schatten, Kugeln, Kegel, Zylinder, Glas, Stein, Stoff.

Schnell reichten mir zwei Stunden Kurs die Woche nicht mehr aus. Ich wechselte in eine Ateliergemeinschaft, in der ich bis heute jede Woche male. Außerdem buche bis heute immer wieder  verschiedene Seminare zur Weiterbildung, z.B. in Hamburg, auf dem Scheersberg oder in Bad Reichenhall.

Manuela: Welche Themen sind für dich als Künstlerin wichtig?

Martina: Ich bin eine realistische Malerin.

Meine ersten Motive habe ich in Hamburg gefunden. Ich fotografiere typische Hamburger Impressionen, Architektur, Spiegelungen, Kind und Kegel um sie später zu malen. Viele dieser Hamburg-Bilder sind haptisch, grundiert mit Plakaten, Zetteln und Fetzten, abgerissen, abgekratzt, aufgelesen im Schanzenviertel oder in Ottensen. Sie sind großformatig und farbintensiv.

Foto links: Strand Pauli | Martina Kelting | 2013

Foto rechts: Motorroller | Martina Kelting | 2013

Seit 2010 hat die figürliche Malerei ganz langsam mein Interesse geweckt. Tanzende, stehende oder liegende Körper, sitzend, hockend, bekleidet oder auch nicht. Dynamisch, raumgreifend, farbintensiv. Gerne nach Model gemalt.

Im Laufe der Zeit wollte ich dann immer genauer schauen, verstehen, widergeben. Portraits so malen, dass der/die Porträtierte erkannt wird. Dafür nutze ich dann Fotos vom Model.

Foto links: Kristina | Martina Kelting | 2016

Foto rechts: Duo | Martina Kelting | 2018

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Martina: Wenn ich male ist alles andere um mich herum vergessen. Es ist immer wie eine kleine Auszeit vom Alltag. Ich male gerne sieben Stunden durchgehend. Das ist für mich die optimale Zeit.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten?

Martina: Ich nutze sehr gerne Kohle, weil sie so schön fließt, schwarz ist, schmiert. Und ich mag sehr dicken, schwarzen Edding, weil der Strich dann einfach da ist. Auch Ölpastellkreiden finde ich klasse um Linien oder auch Flächen auf meiner Leinwand zu setzen.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus? Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Martina: Manchmal inspirieren mich besondere Ereignisse, wie z.B. Corona zu einer Serie von Bildern. Oder ich nehme mir, in einem sechstägigen Seminar, mal eine Reihe von Obst- und Gemüsestillleben vor, gemalt in Öl, auf kleiner Leinwand.

Ich male hauptsächlich auf Leinwand. Ist sie neu wird sie schnell mit Farben, Linien und Strichen „grundiert“. Ich nutze auch sehr gerne alte Bilder zum Übermalen, wobei ich diese nicht erst weiß grundiere, sondern wirklich über das alte Bild arbeite, wobei durchaus Teile des alten Bildes sichtbar bleiben können. Das finde ich inspirierend.

Foto links: Corona | Martina Kelting | 2021

Foto rechts: Cherries | Martina Kelting | 2023

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Martina: Ich male jede Woche in einer Ateliergemeinschaft, habe aber auch in meinem Haus ein Atelier eingerichtet. Und nach wie vor entstehen auch viele Bilder auf Seminaren/Malreisen.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Martina: Nein. Ich nutze zusätzlich zu Acryl- auch Ölfarben, aber ansonsten habe ich das Gefühl mich zu verzetteln, wenn ich weitere Techniken nutze. Vielleicht, wenn mir mal die Ideen für Bilder ausgehen.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Martina: Ja, natürlich. Zuerst einmal die verschiedenen Dozenten, bei denen ich gemalt habe. Da wären Marianne Elliott-Schmitz vom Kunsthaus Schenefeld und auch Isabella Moog zu nennen.

Und dann gibt es natürlich andere Künstler, wie z.B. Edward B. Gordon, dem ich interessiert bei Instagram folge.

Manuela: Was war deine schönste Reaktion auf deine Kunst, die du bekommen hast?

Martina: Gerade kürzlich hat eine Freundin von ihrem Lebensgefährten ein Bild von mir geschenkt bekommen, welches sie, nach einer Ausstellung, fast drei Jahre in ihrem Kopf hatte. Sie hat sich sooooo sehr darüber gefreut, das war toll.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Martina: Ich habe gerade an einem Seminar zum Thema abstrakte Malerei teilgenommen. Das fand ich sehr inspirierend. Mal sehen, was das mit mir macht.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Martina: Zurzeit versuche ich in meinen figürlichen Bildern wieder freier zu werden, nicht so genau zu malen, lieber den Ausdruck/die Haltung in den Vordergrund zu stellen. Das ist für mich schwierig, denn ich gucke ja so gerne so genau J

Foto links: Akt, nach hinten kniend | Martina Kelting | 2026

Foto rechts: Frauke, abstrakt | Martina Kelting | 2026

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Martina: Zurzeit habe ich keine Ausstellung geplant. Das finde ich, nachdem ich in den letzten Jahren doch recht viele Ausstellungen hatte, sehr angenehm. Aber natürlich kann man mich online finden.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Martina: Ich habe eine Homepage, martina-kelting.de. Dort zeige ich alle, aktuell vorhandenen, Bilder. Und es gibt natürlich auch Hinweise auf anstehende Ausstellungen.

Außerdem nutze ich Instagram, martina_kelting heißt mein Account.

Foto links: Skaten | Martina Kelting | 2025

Foto rechts: Werft | Martina Kelting | 2025

Der Beitrag Artist Talk: Martina Kelting – Zwischen Realismus und Abstraktion erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Jürgen: Hallo liebe Manuela. Vielen Dank für dein Interesse an meiner Kunst und dass du darüber schreiben möchtest! In erster Linie wird es vermutlich um meine zurückliegende Ausstellung WIE DIE MÖWE FLIEGT  Oktober / November 2025 im Museum Modern Art in Hünfeld gehen. Ich freue mich sehr, dass du sie besucht hast!

WIE DIE MÖWE FLIEGT: Die Geschichte einer Ausstellung…

Manuela: Stelle dich doch bitte kurz vor, wo lebst und arbeitest du, seit wann machst du Kunst?

Jürgen: „Wo anders könnte man heute noch neue Kontinente entdecken, als in der Kunst…“

Ich bin Jürgen Hohmann, lebe in einer hessischen Kleinstadt mit Museum. Dort befindet sich auch mein Atelier.

Seit wann ich Kunst mache? Nun, wenn diese Frage kommt antworte ich immer:  „Ich habe nie damit aufgehört.“ Ja ich denke das innere Kind trägt lebenslang ganz entschieden zur eigenen Kunstentwicklung bei. Anfang der 2000er Jahre absolvierte ich ein Kunststudium am Institut für bildende Kunst / IBKK in Bochum, Mitglied im Fuldaer Kunstverein sowie im Bund internationaler Künstler.

Manuela: Wie kamst du überhaupt zur Kunst und wie kam es dazu, dass du ein Kunststudium bei der IBKK absolviert hast?

Jürgen: Ich bin sogar überzeugt, dass in jedem von uns ein individuelles Kunstverständnis schlummert welches all unsere Lebensentscheidungen beeinflusst. Doch da war mehr. Ich schaute mich natürlich beizeiten nach einem geeigneten Weg um, mein kreatives Potential schulisch zu fördern. Der Grund warum meine Wahl dann auf das IBKK fiel, war unter anderem weil diese Schule genau meinen Vorstellungen entsprach. Hier wurde durch anerkannte Künstler wie auch Professoren sehr nah an der Praxis gelehrt. Grafik Design, Technische Illustration, Malerei, Bildhauerei, Öffentlichkeitsarbeit und Kunstrecht neben regem Austausch und Vermittlung mit der realen Kunstwelt draußen

Manuela: Mit deinem Namen verbunden sind diese 3 Begriffe: Maler, Illustrator, Geschichtenerzähler. Kannst du ein wenig mehr darüber sagen? Du flanierst mit deiner Kunst zwischen Hyperrealismus, beinahe abstrakte Landschaften, Ölmalerei, Fotorealismus, Illustration, Texten, Aquarell, Portraits, Comic/ Cartoons, Installation, also zwischen den Arbeitsstilen & -techniken ebenso wie durch die Genres. Möchtest du dich nicht festlegen?

Jürgen: Das Motto meiner letzten großen Ausstellung WIE DIE MÖWE FLIEGT lautete: „An guten Bildern hängen auch immer gute Geschichten.“ Es geht um Geschichten die uns umgeben und durchfließen.

Als Künstler holt man Phantasie in die Wirklichkeit hinüber, transformiert Gedachtes in (be)greifbare Kunst. Meine Palette muss also möglichst breit gefächert sein um all den Themen gerecht zu werden. Von Airbrush bis Ziehfeder – genutzt wird einfach alles was mir in die Finger kommt (manchmal auch die Finger selbst) es gibt nichts was nicht erlaubt wäre! Obwohl ich mir durchaus bewusst bin, dass diese Einstellung auf Kosten meines Wiedererkennungswertes geht- eine Beschränkung auf nur eine Technik / Stil würde mich beim erzählen dieser Geschichten bloß unnötig einschränken.

Es ist gut, wenn man dem Betrachter Raum für eigene Interpretation lassen kann, er soll Freude am Erkunden und Entdecken haben. Manchmal ist es hingegen wichtig für eine Bildaussage dass die Botschaft sehr präzise und ohne diesen Spielraum erklärt wird. Wenn ich frei arbeiten kann, mische ich gerne die Maltechniken, experimentiere.

SPÄTUNERWARTETES NACHLEUCHTEN ist so ein Mix aus Acrylmalerei und Airbrush  Technik.

In der Vergangenheit habe ich auch zahlreiche humoristische Upcycling Objekte geschaffen. Ja und immer mehr Raum nimmt in meinem Wirken Geschriebenes ein. Gedichte, Anekdoten, Geschichten eben…

Ich schreibe schon, solange ich denken kann. Das Jonglieren mit Worten finde ich sehr spannend. Schrift ist ein ideales Medium um mein bildnerisches Werk zu ergänzen.  

Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich des Illustrierens und der Malerei zu erkunden?

Jürgen: Bewusstes beobachten und darüber denken ist mir anscheinend in die Wiege gelegt worden…  Ich war immer dieser stille Typ, der lieber gezeichnet hat als seine Zeit auf dem Fußballplatz zu verbringen. Klar entwickelt man seine eigene Handschrift, seinen Stil irgendwann wenn man über so lange Zeit motiviert und fleißig genug an eine Sache herangeht. (Denn auch wenn man sich in mehreren Genres bewegt, gibt es ihn- diesen einen eigenen Stil.)

Manuela: Vor einigen Monaten hast du deine erste große Ausstellung im Museum für Moderne Kunst in Hünfeld einem breiteren Publikum gezeigt.  Mir fiel beim Besuch der Ausstellung auf, dass jeder Raum so wirkte, als seien deine Werke auf den jeweiligen Raum zugeschnitten gewesen. Was hast du dir selbst bei der Gestaltung dieser Ausstellung gedacht zumal man viele unterschiedliche Stilrichtungen feststellen konnte?

Jürgen: Genau genommen war es bereits meine dritte Einzelausstellung… Tatsächlich habe ich eine Unzahl an Museen und Galerien, auch Ausstellungen vieler Kollegen besucht und selbst an mittlerweile knapp siebzig Gemeinschaftsausstellungen mitgewirkt, man bekommt automatisch ein Gespür für das Präsentieren von Kunstwerken.

Auch war mir das Museum vertraut, ich kannte die Räume gut und ich hatte ausreichend Zeit für die Vorbereitungen. Die Auswahl der meisten Exponate stand also bereits fest bevor es überhaupt losging, die Schau war schließlich als Retrospektive gedacht. Einige Werke mussten jedoch extra angefertigt werden. So entstand in den  Sommermonaten ein 16qm großes Leinwandbild, welches wegen seiner enormen Größe im Garten gemalt werden musste.

WIE DIE MÖWE FLIEGT sollte anders werden. Sollte aus dem bunten Leben erzählen. Verspielt, überraschend, leicht aber auch kraftvoll, und etwas traurig. Ich wollte die Menschen berühren. Und sie waren eingeladen selbst mitzumachen, sollten Teil davon werden. Einer von zwei ehemaligen Gasometern auf dem Museumsgelände beherbergte das interaktive Projekt mit dem schlichten  Titel  MENSCHEN.

Hier durften sich die Besucher selbst kreativ einbringen indem sie den zwölf übergroß und realistisch gemalten ´´Alltagsgesichtern´´ ihre eigenverfassten Kommentare, Texte, Zeichnungen oder was auch immer anhängen konnten. Da kam so einiges menschliches zusammen. (Donnerwetter). Obwohl ich anfangs skeptisch war, hatten dann schließlich doch alle Spaß beim mitgestalten. Dieses Experiment war ein voller Erfolg und ich möchte das Projekt später andernorts weiterführen. 

Bild links: TOVES HÄNDE, Freihandzeichnung / Pastellkreide, 50 x 70 cm, Jürgen Hohmann

Bild rechts: DIE FRAU MIT DEM STEIN AUF DEM KOPF, Illustration / Airbrush und Acryl, 70 x 100 cm

Manuela: Deine Kunst machte auf mich den Eindruck teils eines gewissen Humors, der jeweils hinter bestimmten Arbeiten hervorblitzte, wie „ernst“ ist deine Kunst und dein Anliegen dahinter?

Jürgen: Humor ist mir ausgesprochen wichtig. Die Dinge des täglichen Lebens werden uns von den Medien sowieso schon stocknüchtern genug um die Ohren gehauen. Ja es scheint mir fast so, als wollte man uns Angst machen. Da tut es gut wenn mal ein Künstler kommt und sofern möglich, mit zwinkerndem Auge, den sich immer enger zusammenziehenden Horizont wieder etwas weitet. (Das ist auch Aufgabe der Kunst – Unkonventionelles denken, neue Wege aufzeigen. Impulse setzen, Mut machen…)

Denn das war die MÖWE. Ich wollte die Leute auf liebevolle Weise zum Nachdenken verführen, sie für einen Moment zu Ruhe und Besonnenheit finden lassen.

Ich nehme die Sache aber durchaus sehr ernst. Der andere – der dunkle Gasometer, war gefüllt mit sehr besonnenen, teils melancholisch stimmenden Werken, das Leben auch in seinen tiefgründigen ernsthaften Facetten zeigend. Auffallende Stille prägte diesen Raum.

Dem fotorealistisch gemalten Bild mit dem kantigen Titel: FLIEG IKARUS, FLIEG MIT MIR! zum Beispiel war eine Erläuterung angefügt, in welchem klar wurde dass der Junge im Grunde gar keine Wahl hatte. Er musste einfach für den vorgegebenen Ausgang seiner Geschichte scheitern…

Solche Texte gab es auch für  viele der anderen Illustrationen. Die beigefügten Erläuterungen halfen übrigens sehr, meine Bildintentionen verständlich zu machen.

Manuela: Warum hast du keine Website, auf der man mehr von deiner Kunst und über dich erfahren kann? Möchtest du ein wenig mysteriös und geheimnisvoll bleiben?

Jürgen: Der Grund warum ich noch keine Website habe? Ich gebe zu, ich habe das sträflich vernachlässigt. Es wird sich sicher bald ändern. Trotzdem wurde in der Vergangenheit einiges an Mühe und Zeit investiert um immerhin auf Social Media präsent zu sein.

Leute für die meine Kunst wichtig ist, werden zu gegebener Zeit auch über sie stolpern. So ist das mit dieser Geschichte eben…

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche? Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Jürgen: Ich kenne sehr viele wirklich gute Werke und deren Schöpfer. Wen sollte ich nennen? So viele großartige Künstler in allen Epochen – Es gehört wirklich einiges dazu, angesichts solcher Brillanz nicht zu resignieren und selbst frech weiter zu machen… 

Ich liebe es, überrascht zu werden. in einem Museum auf ein unerwartetes grandioses Stück zu stoßen, welches einem dann schlichtweg die Sprache verschlägt.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Jürgen: Allerdings bin ich wie die meisten von uns nicht hauptberuflich Künstler. Das funktioniert (jedenfalls im Moment) noch nicht. Mein ursprünglicher Beruf trägt mich und kommt mir überdies in meiner Kunst zugute. Um hochwertige Ergebnisse zu erzielen, schränke ich sonstige private Betätigungen auf ein Minimum ein, sodass mir ausreichend Zeit für meine kreative Seite bleibt.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Berichte doch ein wenig auch über deine Technik.

Jürgen: Also. Zunächst ist da ein Gedanke. Je nachdem entsteht oft nach Wochen erst ein genaueres Bild. Eine gewisse Reifezeit ist wichtig, man sollte nichts überstürzen. Das Werk nimmt zunächst im Kopf Gestalt an. Vieles wird sich in diesem Stadium noch ändern, bevor die Art der Umsetzung entschieden wird. (Was will ich wie am verständlichsten an den Mann bringen?)

Parallel wird über das zu behandelnde Thema recherchiert, Skizzen werden angefertigt. Es kommt vor, dass ich Modelle oder sonstiges Reverenzmaterial besorgen muss. Die Inspiration kommt mit der Zeit auf unterschiedlichsten Wegen zu mir, ich muss nur die Augen offen halten.

Wenn alles steht, kann es endlich losgehen! Von jetzt an ist vieles routiniertes Arbeiten nach einem vorgegebenen Drehbuch – bis zu jenem magischen Augenblick an dem es vollendet ist.

(So ist es jedenfalls bei den aufwendigen Illustrationen. Male ich Landschaften oder Tiere etc. in Öl, Acryl oder Aquarell (Prima Malerei), gehe ich hingegen sehr beherzt und spontan vor.) Und nein- ich nutze keine KI!

Manuela: Hast Du ein Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Jürgen: Als ich jung war, wollte ich tatsächlich mal das eine wichtige große Bild malen. Es sind viele Bilder geworden. Viele Gespräche. Viele Menschen. Viele Orte. Selbstverständlich möchte ich etwas bewegen. Durch die Unabhängigkeit vom Kunstbetrieb habe ich den Luxus wirklich das zu machen, was mir am Herzen liegt. Eben einer sehr nervösen Zeit etwas Aufmerksamkeit, Ruhe, Humor und vor allem positives Denken entgegenzusetzen.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Jürgen: Ja, was lässt mich meine Ideen haben? Douglas Adams sagte  mal, er habe seine Ideen aus einem Kaufhaus in Cleveland… (Ob das stimmt?) Keine Ahnung ob man lernen kann Ideen zu haben. Bei mir jedenfalls kommen sie regelmäßig reingeflattert…

Dann muss ich sie gleich irgendwo notieren, sonst sind sie genauso schnell wieder verschwunden wie sie gekommen sind! Habe jedenfalls schon sehr, sehr viele gesammelt, werde wohl nur einen Bruchteil davon umsetzen können.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen usw. finden sich in deinen Werken wieder?

Jürgen: „Ohne die Schule des Lebens ist das wichtigste Kunststudium vergebens.“

Es ist natürlich ideal, wenn man weiß, wovon man spricht. Wenn man wirklich was zu sagen hat. (Und das auch darf.) Die superheftigen Themen die unter den Nägeln brennen, die persönlichen Erlebnisse in denen man selbst mittendrin steckt oder steckte sind natürlich am ehesten geeignet um starke Resultate zu erzielen…

Die MÖWE war voll von sehr ureigenen Erfahrungen und Ansichten. Ja es hat sich gezeigt, dass gerade diese beim Publikum die meisten Fragen aufwarfen.

Der brennende Esel ist so ein Bild.

Eine Metapher. Jener graue Geselle, der da stoisch dieses farbenfrohe, kreative Inferno auf seinem Rücken (er)trägt, bin in diesem Falle ich selbst. (Oder es könnte jeder andere sein, der sich in dieser Darstellung eingefangen findet.) Die bunten Flammen können alles Mögliche symbolisieren. Sie stehen für die großen Aufgaben des Lebens, an denen jeder von uns zu knabbern hat, die jeder mit sich herumschleppt…

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast? Und was die Schlimmste?

Jürgen: Eine schöne Begebenheit ereignete sich tatsächlich überraschend beim Examen. Ein Professor sagte damals anerkennend: „ (…) Dieser Mann ist ein Künstler.“ (Ging natürlich runter wie Öl damals und war Ansporn genug um weiterzumachen!)

Unschön hingegen ist, wenn die Leute sich keine Zeit nehmen hinzuschauen. Es ist immer sehr schade wenn sie die oft in monatelanger Arbeit entstandenen Werke gar nicht richtig beachten und ruhelos von einem zum nächsten Exponat hetzen.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht weiterkommst?

Jürgen: Ich unterbreche die Arbeit. Die Lösung kommt mit ein wenig Abstand irgendwann. Nur Geduld!

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Jürgen: Wie viele Tropfen braucht es, wenn es ein Meer sein will? (WIE DIE MÖWE FLIEGT)

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Jürgen: Menschen. Immer wieder Menschen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Jürgen: Kreativität Entwicklung Kommunikation

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Jürgen: Nach der MÖWE wird einiges anders werden. Diese Ausstellung steht für das Ende eines Abschnitts. Ich denke es ist an der Zeit für größere Serien und Themenreihen.

Zunächst will ich mich aber mit einem Skizzenbuch, handelnd von einer gewissen kleinen Seefahrt belohnen…

Manuela: Von welchem Projekt „träumst“ du?

Jürgen: Da gibt es im Norden eine große alte Kathedrale… Ein sehr besonderer Raum. Dort würde ich gerne einige ausgewählte Stücke zeigen…

Manuela: Wo kann man dich in diesem Jahr 2026 finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/ Kunsttagen….)

Jürgen: Eigentlich läuft ständig irgendwas. Gemeinschaftsausstellungen mit den Vereinen in und über die Region hinaus, ganz sicher aber wieder im Ruhrgebiet. Genaues ist noch gar nicht raus. Das Projekt ´´Katalog´´ will auch endlich angegangen sein.

Manuela: Wo bist du online zu finden?

Jürgen: Auf Instagram habe ich einen Account unter der Adresse kunst­­-juergen-hohmann. Dort kann man neben aktuellen Beiträgen auch viele Bilder und Texte zur Ausstellung WIE DIE MÖWE FLIEGT im Museum Modern Art in Hünfeld sehen.

Dankeschön.

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Manuela: Kannst du dich bitte einmal kurz vorstellen? Woher stammst du und wo lebst du?

Kristina: Mein Name ist Kristina Künzel und ich bin als Musikerin im Bereich Folk und Mittelaltermusik tätig. Ursprünglich komme ich von der schleswig-holsteinischen Ostseeküste. Inzwischen wohne ich in Otter, am Rand der Lüneburger Heide.

Manuela: Erzähle doch ein wenig, wie du zur Musik gekommen bist und was du beruflich vor deinem Leben als Künstlerin getan hast. Berichte doch gerne, wie es sich für dich ergab neben dem Beruf den künstlerischen Weg einzuschlagen.

Kristina: Musik habe ich mein ganzes Leben von klein auf gemacht. Es ging los mit Flöten, Gitarre, Posaune, Didgeridoo, bis ich schließlich zum Dudelsack kam. Bevor ich hauptberuflich als Musikerin tätig wurde, war ich Grafikdesignerin. In die Tätigkeit als freiberufliche Musikerin bin ich so reingerutscht. Erst hatte ich als Gastmusikerin ein paar Konzerte parallel zu meinem Vollzeitjob. Dann habe ich mir eine Teilzeitstelle gesucht und die Musik parallel weiter ausgebaut: ich habe ein festes Bandprojekt gefunden, mehr Workshops gegeben und mit Unterrichten angefangen bis ich schließlich die Teilzeitstelle gekündigt habe.

Manuela: Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die musikalische Laufbahn einzuschlagen?

Kristina: Genau genommen gab es sogar zwei Ereignisse. Das erste Ereignis war die bereits erwähnte Gastmusikerschaft bei einer relativ bekannten Band, Schandmaul. Dadurch habe ich gemerkt: ich kann das. Ich kann professionell Musik machen und ich habe Spaß daran. Das zweite waren die Bedingungen unter denen Grafikdesignern arbeiten: trotz Teilzeitstelle war ich teilweise bis 3 Uhr nachts in der Agentur. Dazu war ich irgendwann nicht mehr bereit, da stehe ich lieber bis 3 Uhr nachts auf Workshopwochenenden als Sessionspielerin bereit.

Manuela: Wie hat dein Umfeld deine Leidenschaft für die Musik beeinflusst und/oder aufgenommen?

Kristina: Als Kind haben meine Eltern den Instrumentalunterricht gefördert. Ansonsten kam gerade beim Dudelsack das Thema auf: „kannst du nicht einmal was Richtiges spielen?“ Aber inzwischen hat sich das gewandelt, es wird als spannend empfunden, was ich mache, auch wenn viele nicht nachvollziehen können, was ich für ein Leben führe und dass es durchaus auch anstrengend und als Job ernst zu nehmen ist: die Wochenenden unterwegs, innerhalb der Woche meistens zu Hause.

Manuela: Deiner Website konnte ich entnehmen, dass du noch in 2 weiteren Gruppierungen spielst neben deiner Solokarriere und dass die Bereiche teilweise sehr unterschiedlich sind. Was ist dabei für dich das Herausforderndste und was machst du am liebsten?

Kristina: Die beiden Projekte unterscheiden sich hauptsächlich in der Art der Veranstaltungen auf denen wir spielen und die Art und Weise wie wir uns jeweils darstellen. Ich denke das Herausforderndste ist es, die einzelnen Termine unter einen Hut zu bekommen, denn alle meine Kollegen haben ja auch noch unterschiedliche Projekte. Außerdem muss ich dadurch eine Menge Repertoire und Arrangements lernen und ich mag es nicht, bei Konzerten einen Notenständer vor der Nase zu haben. Mir fällt es aber relativ leicht, mich musikalisch anzupassen. Ich lerne auch leicht die Melodien auswendig, so dass mich die Menge nicht überfordert.

Manuela: Du lebst in der wunderschönen Lüneburger Heide und gibst Konzerte in alten Heidekapellen. Wie kam es zu dieser Idee und diesem Projekt, in wechselnden Kapellen einmal im Monat ein Stück zu komponieren und zu spielen?

Kristina: Die Initialzündung gab dafür die Beerdigung meiner Mutter: ich habe ein Stück während der Bestattungsfeier für sie improvisiert und daraus wollte ich gerne was Schönes erschaffen und nicht in der traurigen Erinnerung bleiben. Also habe ich versucht, mich späte an die Improvisation zu erinnern und daraus ein Stück zu schreiben, das erste der ganzen reihe. Der vRest entstand dann aus einem Corona-Projekt. Wir Musiker konnten über viele viele Monate nicht unserem Broterwerb nachgehen und es war eigentlich ein permanentes auf-der-Suche-sein nach Möglichkeiten wie man trotzdem Musik machen kann und eventuell ein wenig Geld verdient. Das Projekt wurde mit einem Stipendium von der Gema gefördert.

Manuela: Du komponierst auch selbst, wie sieht dein typischer Songwriting-Prozess aus und was treibt dich an? Wie würdest du deinen kreativen Prozess beschreiben? Gibt es ein Ritual, das du hast, wenn du neue Musik schreibst?

Kristina: Die Stücke entstehen entweder wenn ich improvisiere, also einfach spiele was gerade durch mich raus möchte oder auch beim Spazieren gehen, dann summe und singe ich oft vor mich hin. In beiden Varianten sind es erst einmal die absoluten Rohfassungen die ich erst einmal als Audioaufnahme festhalte. Dann mache ich mich ans Feintuning. Entweder direkt am Instrument oder auch (im selteneren Fall) indem ich die Noten zu den Rohfassungen aufschreibe und dann optimiere. In jedem Fall steht am Ende das Stück auf einem Notenblatt, manchmal kommt noch eine zweite oder dritte Stimme hinzu oder es wird auch gleich eine Arrangementidee dazugeschrieben.

Manuela: Was sind die größten musikalischen Einflüsse für deine Arbeit, und gibt es Künstlerinnen, die dich besonders inspirieren?

Kristina: Ich interessiere mich grundsätzlich für Folkmusik aus Europa, am meisten aus Nordeuropa und Deutschland. Für die Entwicklung meiner eigenen Stücke beeinflusst mich das allerdings weniger, für die allgemeine Arbeit inspiriert es mich ganz sicher. Da die Folkmusik in Deutschland ein Terrain ist, an deren Verbreitung und Anerkennung wir in der Szene gerade erst arbeiten, ist das nichts woran ich mich inspirieren lassen kann, sondern an dessen Entwicklung ich mit beteiligt bin.

Manuela: Wie bringst du deine persönlichen Emotionen und Erfahrungen in deiner Musik ein?

Kristina: Da die meisten Stücke aus der Improvisation entstehen, sind sie stark von dem jeweiligen Moment geprägt, in dem sie entstehen, mit allen gerade vorherrschenden Emotionen und den Erfahrungen die ich da vielleicht gerade verarbeite.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Stücke/ Kompositionen oder Konzerte aus?

Kristina: Natur und Ruhe. Wenn ichgestresst bin bzw. viel auf dem Zettel habe, dann kommt es etwas in den Hintergrund, die Stücke zu entwickeln. Wenn es um Arrangements in den Bands geht, dann sind wir daran meistens alle beteiligt, dafür gehen wir in den Austausch und probieren aus, was passt. Wir brainstormen dann sozusagen musikalisch.

Manuela: Wenn du deine Musik mit einem Bild, einer Farbe oder einem Gefühl beschreiben müsstest, welche(s) würdest du wählen?

Kristina: Mein Motto lautet „pipes for good vibes“ und das ist es auch, was ich mit der Musik vermitteln möchte: eine gute Schwingung. Das Bild dass ich mit meiner Solomusik am meisten verbinde ist der Fliegenpilz.

Manuela: Du trittst ja auch auf, mit den anderen Bands, Konstellationen und Solo. Für welche Anlässe wirst du oder werdet ihr gebucht?

Kristina: Das geht von Privatveranstaltungen (Hochzeiten, Geburtstage, Bestattungen) über Konzerte bei kleineren und größeren Veranstaltungen bis hin zu kleineren und größeren Folk-Festivals und mittelalterlichen Veranstaltungen.

Manuela: Was möchtest du, dass die Zuhörerinnen aus deiner Musik mitnehmen?

Kristina: Raus aus dem Schubladen denken und Offenheit. Als Dudelsackspielerin habe ich immer wieder damit zu tun, dass die Menschen denken, er kommt aus Schottland. Das stimmt aber nicht, der Dudelsack war und ist vom nahen Osten aus in ganz Europa verbreitet. Außerdem spiele ich mit Silja auch Klezmerstücke, also jiddische Musik, auf dem Dudelsack. Das finden viele Traditionalisten auch erst einmal etwas seltsam. Aber warum nicht? Die. Musikanten haben sich immer international ausgetauscht, sind viel gewandert, waren open-minded, das möchte ich auch heute vermitteln. Ich arbeite genreübergreigfend zwischen Folk und mittelalterlicher Musik, auch da eine Toleranz und eine Begeisterung für die unterschiedlichen Genres zu haben und das jeweils andere nicht zu verurteilen liegt mir am Herzen.

Manuela: Spielst du auch noch andere Instrumente?

Kristina: Ja, ich spiele auch Nyckelharpa (ein schwedischen Streichinstrument), singe auch und spiele etwas Flöte.

Manuela: Was sind die größten Herausforderungen für professionelle Musikerinnen heute?

Kristina: Die Schwierigkeit an gut bezahlte Konzerte zu kommen und das Sterben der kleineren Veranstaltungsorte. Die Menschen gehen seit der Pandemie weniger zu kleineren Konzerten (da spreche ich von Bühnen bis ca. 150 Personen im Publikum). Dadurch schließen viele dieser Veranstaltungsorte oder verlagern den Fokus ihres Programms. Hinzu kommt, dass die oft von Ehrenamtlichen geführt werden, die auch älter werden und oft keine Nachfolger mehr finden.

Manuela: Welche Bedeutung haben soziale Medien für deine Arbeit und die Kommunikation mit deinen Fans?

Kristina: Zu den Sozialen Medien habe ich eine schwierige Beziehung. Ich nutze sie, weil ich muss, weil es wichtig ist, um im Gespräch zu bleiben. Natürlich auch, weil ich mich freue zu zeigen, was wir mit unseren Bands oder auch ich Neues habe: Aber ich habe keine wirklich Freude daran. Ich bin auch nicht der Typ, der jeden Tag was postet oder ständig alle an meinem Privatleben teilhaben lässt. Aber ich bekomme immer wieder die Rückmeldung, dass viele über meine Videos auf mich gestoßen sind. Social Media Präsenz muss als Musiker/als Band heutzutage einfach sein. Alleine schont damit Veranstalter in ihrer Werbung unsere Profile verlinken können.

Manuela: Wie hat sich deine Musik im Laufe der Zeit entwickelt?

Kristina: Ich denke ich bin selbstbewusster geworden, in dem was ich tue und das spiegelt sich auch in meiner Musik wieder.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt die Musik in deinem Leben ein?

Kristina: Schwer zu sagen, man macht als Musikerin ja nicht nur Musik, aber die Musik bestimmt mein Leben in allem was ich tue.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Musik und dein Schaffen beeinflusst haben?

Kristina: Eigentlich alle Dozenten, bei denen ich im Laufe meines Musikerdaseins Workshops genommen habe:Jon Swayne, Olle Gällmo, Anders Norde, Callum Armstrong, Julien Barbances, Ralf Gehler, Johan Hedin …

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß und was fordert dich am meistenheraus?

Kristina: Am meisten Spaß macht mir alles, was direkt mit Musik zu tun hat. Am herausforderndsten, weil es mir am schwersten fällt, ist die Social Media Arbeit und die oft knappe Zeit.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Musik, die Du bekommen hast?

Kristina: Die schönsten Reaktionen sind jeweils die, wenn nach einem Konzert jemand ankommt und sagt: Danke, das habe ich jetzt gebraucht, deine Musik hat mein Herz geöffnet.

Manuela: Gibt es ein bestimmtes Projekt oder Ziel, das du in den nächsten fünf Jahren erreichen möchtest?

Kristina: Ich habe gerade angefangen, Musiktherapie zu studieren, dort meinen Abschluss zu machen ist mein Ziel für 2028.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Kristina: Es ist nicht unbedingt eine Frage, aber ich habe das Gefühl, dass viele Menschen in den letzten Jahren/Monaten immer rücksichtsloser werden. Das bewegt mich sehr …

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Kristina: Mein Studium beschäftigt mich gerade sehr. Ich denke, dass auch meine Musik in Zukunft davon inspiriert sein wird.

Manuela: Was ist Musik für dich? In 3 Worten!

Kristina: Leben, Kommunikation, Heilung

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Kristina: Für das Studium muss ich meine Gitarren- und Klavierspielfähigkeiten wieder auffrischen und ausbauen, außerdem muss ich für das Studium auch Schlagzeug spielen. Das heißt: ich bin gerade viel am Üben.

Manuela: Welches war dein bislang schönstes Projekt?

Kristina: Das ist gar nicht so leicht zu sagen, alle Projekte haben bzw. hatten ihre starken Seiten. Die beiden Projekte , die aktuell neben meinem Solo-Projekt laufen, sind aber die, bei denen ich mich momentan am meisten angekommen fühle. Silja, weil es musikalisch genau das ist, was ich machen möchte, nämlich mit Musik Grenzen und Vorurteile überwinden und die Ähnlichkeiten zwischen der deutschen und der jüdischen Kultur, in unserem Fall natürlich der Musik, aufzeigen. Und Satolstelamanderfanz, weil es hier so vielfältig ist und wir zusammen eine unglaubliche Spielfreude haben.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Kooperationen, Konzerte, Termine. Wo kann man dich in diesemund kommenden Jahr sehen?

Kristina: Anfang Januar kann man mich als Dozentin für Tanzmusik und Tanz in Nürnberg erleben. Im März kommen dann ein paar Konzerttermine mit Silja, bzw. spielen wir dann auch teilweise zum Tanz. Der Sommer ist für Satolstelamanderfanz reserviert, da werden bis März die Termine für das Jahr gefixt. Im Herbst finden dann wieder Konzerte mit Silja statt, eines auch ganz in der Nähe in Handeloh. Außerdem gebe ich dann von einem wunderbaren Puppentheater in Northeim einen Dudelsackkurs, der auch für Anfänger geeignet ist. Eine Anmeldung ist bereits jetzt möglich

Alle Termine findet man auf meiner Website unter https://musik.kristinakuenzel.de/shows/

Außerdem bin ich im Orgateam für das nord folk festival im Goldbekhaus in Hamburg, das im Herbst stattfindet, dort sind bereits in Planung für die nächste Ausgabe. Nach dem Festival ist vor dem Festival.

Mit Satolstelamanderfanz planen wir ein neues Album. Wann das erscheinen wird ist noch unklar, aber wir beginnen nächstes Jahr mit den Aufnahmen.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

https://kristinakuenzel.de

https://www.facebook.com/kristinakuenzel.music

https://www.youtube.com/channel/UCVzWls1Iyf41mafxR1sFolQ

https://www.instagram.com/kristinakuenzel

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Merete: Ich habe an der Universität Hildesheim angewandte Kulturwissenschaften studiert, damals nannte sich der Studiengang noch Kulturpädagogik. Ich hatte als Hauptfach Bildende Kunst und dazu Pädagogik und Psychologie als wissenschaftliche Bezugsfächer. Diese Kombination aus künstlerischer Praxis und Wissenschaft war zu der Zeit ziemlich einzigartig. Begonnen hatte ich das Studium eigentlich mit dem Ziel, Museumspädagogin zu werden, aber das breite Angebot der Inhalte hat mich von diesem ersten Plan etwas abgebracht. Ich habe viel Druckgraphik gemacht, vor allem Lithographie und Siebdruck und habe das auch sehr genossen. Aber ich glaube, im Grunde steckte da noch kein wirkliches künstlerisches Bedürfnis dahinter. Ich mochte die Arbeit in der Druckwerkstatt, das gemeinsame Arbeiten mit anderen. Aber es war durchaus nicht so, dass ich da einen überwältigenden künstlerischen Drang verspürt hätte, und es war auch durchaus nicht so, dass sich meine Arbeiten durch große Eindrücklichkeit oder besonderen Ausdruck oder Originalität ausgezeichnet hätten. Nach dem Studium bin ich in meinem Arbeitsleben in pädagogisch-psychologischen Kontexten unterwegs gewesen. Die Bildende Kunst hat sehr lange Zeit gar keine Rolle mehr für mich gespielt.

Vor ca. 20 Jahren habe ich angefangen, für mich selbst kleine Collagen zu basteln. Das war einfach nur für mich selbst. Ich erinnere mich auch nicht mehr, warum ich damit eigentlich angefangen habe. Und das Ganze hat mich dann relativ schnell auch eher genervt, weil diese Papierschnipsel nicht wollten, wie ich wollte. Die waren zu klein oder zu groß, passten nicht richtig zusammen… Ich hab zum Beispiel versucht, bestimmte Papierteile dann am Kopierer zu vergrößern oder zu verkleinern, damit sie so waren, wie ich sie in dem Moment brauchte. Also wollte ich einerseits gern mit Dingen arbeiten, die schon existieren und sie in neue Kontexte bringen, andererseits wollte ich aber auch mehr Kontrolle über die Papierschnipsel und mich nicht so sehr ihren Vorgaben anpassen. Da habe ich angefangen, digital zu arbeiten – und zum allerersten Mal in meinem Leben hatte ich da das deutliche Gefühl: Dies ist mein Medium! Hier kann ich mich so ausdrücken, wie ich es mir vorstelle. Hier kann ich Bilder zusammenstellen, für die meine handwerklichen Fähigkeiten in reiner Malerei nicht ausreichen würden. Das war supertoll für mich. Da stand mir plötzlich ein ganzes Universum an Bildern zu Verfügung, mit denen ich innerhalb des Bildbearbeitungsprogramms machen konnte, was ich wollte und was ich gerade brauchte – was ja vorher mit den Papierbildern nicht der Fall gewesen war.

An diesen „Collagen“ habe ich lange Zeit viel Freude gehabt. Das war ein Hobby für mich, was ich sehr genossen habe. Ich habe einfach lustige, surreale Bilder gemacht, die mit mir, meiner Familie und meinen Freunden zu tun hatten. Es hat mir auch Freude gemacht, mich tiefer in das Bildbearbeitungsprogramm hineinzuwühlen. Das geht für mich am besten, wenn ich selbstbestimmt lernen kann. 

2020 kam dann Corona. Zum einen war die Welt nicht mehr so, wie sie vorher war. Viele neue Themen, Fragen, Erfahrungen, die allen Angst gemacht haben. Zum anderen gab es plötzlich viel freie Zeit, und man musste selbst zusehen, wie man seinen Tag mit Sinn erfüllt. Es hört sich komisch an, aber für mich war die Zeit eigentlich sehr gut. Ich hab viel gelesen, viel gelernt. Ich mochte auch das Alleinsein gern. Und ich hab gemerkt, dass mir die Arbeit mit den Collagen Halt gibt. Ich hatte das Gefühl, dass diese Sachen sinnvoll sind und dass sie mich trösten. Wenn ringsherum alles zu bedrängend wurde, wusste ich, wo ich hingehen und mich wohlfühlen kann – an meinen Schreibtisch. Da ich mehr als vorher gemacht habe, wurden meine Arbeiten besser. Zum einen konnte ich besser mit der Technik umgehen, zum anderen habe ich viel über Komposition und Bildaufbau gelernt. Ich habe meine bunten Bilder drastisch reduziert, und plötzlich hatten sie mehr zu sagen. Es sind dann auch Bilder entstanden, die nicht mehr nur mit mir oder meiner Familie zu tun hatten. Und plötzlich war ich an dem Punkt, dass ich diese neuen Sachen gern einer Öffentlichkeit zeigen wollte. Bei uns in Feldberg fand genau in dem Jahr eine Ausstellung „Augenmerk Collage“ statt, wo fünf Künstlerinnen unterschiedliche Wege der Collage präsentiert haben. Da war ich dabei. Das war sehr toll für mich, und ich habe auch positive Resonanz bekommen.

Gleichzeitig war ich ab da von den Ausdrucken meiner digitalen Arbeiten fast immer enttäuscht. Sie waren mir zu zweidimensional. Es fehlte Haptik, Textur, Materialität. Ich habe nach Wegen gesucht, die Drucke zum Beispiel mit Acrylfarben irgendwie „aufzupeppen“, was aber nie funktioniert hat. Die Bilder waren am PC entstanden und waren auch fertig. Sie waren am Bildschirm schön, aber fast nie in der Realität. Und auch die Frage des „Unikats“ war im Kontext der digitalen Arbeit ein Problem.

Ab da ist es Schritt für Schritt weitergegangen. Ich habe mir Unterricht besorgt, zum Beispiel in Woserin bei Sabine Puschmann, die immer sehr tolle Dozenten und Dozentinnen gewinnt. Bei Sabine, bei Cordula Kagemann, Carola Czempik und Eva Kalien habe ich neue Ansätze kennengelernt. Diese Welt von konkreten Farben und Materialien hat mich sehr begeistert. Das waren auch Herangehensweisen und Techniken, die ich damals im Studium nie erlebt habe.

Zu Hause habe ich dann an meinem eigenen Weg weitergefeilt und Wege gefunden, wie ich fotografische Anteile mit malerischen verbinden kann. Und es war ein riesiger Unterschied zu meiner bisherigen Arbeitsweise zu spüren. Am PC lässt sich alles rückgängig machen. Vielleicht habe ich zwei Tage Arbeitszeit umsonst verbracht, aber alles lässt sich auslöschen und von vorn beginnen. Es gibt keine „Fehler“. Das ist in der Malerei ganz anders. Da sind meine Handlungen mit echten Entscheidungen und echten Risiken verbunden, und ich kann tatsächlich scheitern. Ich komme manchmal wirklich nassgeschwitzt aus dem Atelier, weil mich etwas so aufgeregt oder angestrengt hat.

Manuela: Wie bildete sich die Idee deines ganz eigenen Stils heraus, historische Fotografien zu nutzen und diese in abstrakte Werke einzuarbeiten?

Merete: In manchen Seminaren habe ich schon rein abstrakt gearbeitet, vor allem wenn es darum geht, eine Technik oder ein Material näher zu ergründen. Der Lernprozess ist mir total wichtig, aber ich merke, dass mich Arbeiten ohne jeden figurativen Anteil langweilen. Ich will nicht sagen, dass ich unbedingt Geschichten erzählen will. Die erzählerischen Impulse in meinen Arbeiten führen ja meist nicht weit, sie sind nur der Anfang von irgendetwas. Aber ganz ohne dies Anfänge geht es irgendwie nicht. Die Arbeit mit den Fotos ist mir sehr wichtig. Ich benutzte Fotografien nicht in ihrer Dinglichkeit, ich klebe kein altes Foto in meine Arbeit ein, sondern immer nur einen Abdruck – aber trotzdem gerät so eine Art „Artefakt“ in das Bild hinein. Der Bruchteil eines Moments, der irgendwann einmal tatsächlich stattgefunden hat. Gemalte Porträts betrachtet man oft unter dem Aspekt, wie das Bild hergestellt wurde, bei Fotografien geht es eher um die Frage, wer die dargestellte Person ist. Und das ist auch die Frage, die ich für den Betrachtenden in den Vordergrund rücken möchte. Auf der anderen Seite bringen die Fotos ihren eigenen Kontext mit, den ich nie ganz ausmerzen kann. Und die Reste des ursprünglichen Zusammenhangs sorgen für eine Fremdheit, ein Verrückt-Sein in meinen Bilder, das ich sehr liebe. So hatte ich ein Foto von einer Krankenschwester, die eine Spritze aufzog. Da ich den gesamten Kontext, den umgebenden Raum und auch die Spritze aus dem Foto wegradiert habe, ist eine sehr eigenartige Handbewegung übriggeblieben, die ich mir nie hätte ausdenken können. Genau diese Bewegung verleiht dem Bild nun etwas Rätselhaftes, nicht Deutbares, was mir sehr wichtig ist.

Manuela: Deine Kunst könnte leicht mit einer Art Collagekunst verwechselt werden, aber das ist sie nicht. Auch wenn du transparente Papiere (auf denen die Fotografien sichtbar sind) auf der Leinwand aufgetragen werden findet ja vielmehr eine Verschmelzung von Papier und Hintergrund/Leinwand statt. Die Fotografien fügen sich deckungsgleich und schier unsichtbar in die bearbeitete Leinwand ein und erwecken sie praktisch zum Leben, kannst du ein wenig zu deinem Schaffensprozess erklären?

Merete: Ja, das ist mir wichtig, dass die Bildanteile nicht wie meist in Collagen mit schroffen Brüchen nebeneinander stehen, sondern dass sie sich überlagern, verschmelzen und zu einem ganz neuen Amalgam werden. Das hat mich damals auch an den Papierschnipseln genervt, da das dort nie so gelingen wollte, wie ich es gern gehabt hätte. Meine Herangehensweise möchte ich hier nicht so völlig transparent machen. Es sind verschiedene Arbeitsschritte mit intuitiv-abstrakten Malphasen, danach bearbeite ich Untergründe und Fotos am PC, bringe sie mit bestimmten Papieren auf den Bildträger zurück und male dann wieder weiter. Es entsteht damit eine Arbeitsweise, wo manche Phasen sehr vom Zufall bestimmt werden und ich Ergebnisse gar nicht kontrollieren kann, dann kommen Phasen, wo ich sehr viel entscheide und kontrolliere. Dieser Wechsel ist für mich wie ein Dialog mit dem Bild und mit der Arbeit, den ich sehr mag. Für mich selbst bezeichne ich meine Arbeitsweise als „Malerei“, es ist inzwischen ein malerischer Ansatz, der absolut im Vordergrund steht.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Merete: In Gedanken bin ich eigentlich fast ständig mit meiner Kunst beschäftigt. Da bin ich auch nochmal wieder bei diesem „Trost“-Thema. Ich weiß, dass ich mich in meinen Gedanken jederzeit an einen guten Ort zurückziehen kann, wenn ich das brauche. Es gibt immer etwas Schönes in mir, was auf mich wartet. — Im Außen wechselt es sehr. Ich habe Phasen, wo ich viel Zeit zum Malen und künstlerischen Arbeiten habe, dann aber auch Wochen oder sogar Monate, wo ich zu fast gar nichts komme. Ich arbeite daran, dass solche Phasen in der Zukunft nicht mehr so lange andauern. Auf jeden Fall ist die Kunst zum ersten Mal in meinem Leben eine Arbeit, die ich zunächst nur mit mir selbst und nur für mich selbst mache. Ich habe sonst immer Tätigkeiten gemacht, die nur im Dialog mit anderen möglich sind. In der Kunst bin ich erst einmal allein – und das ist großartig.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Merete: Sinnhaftigkeit, Entwicklung, Loslassen

Manuela: Wie ordnest du deine Kunst ein? Gibt es einen Zeitbezug? Wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen Malerei? Was ist deine eigene Kunst für dich?

Merete: Ja, die Frage, ob meine Sachen „zeitgenössisch“ sind, die stelle ich mir selbst auch oft. Rein technisch finde ich mich zum Beispiel bei Max Ernst wieder, weil ich selbst auch vom Zufall bestimmte Ansätze wie die Decalcomanie nutze. Ansonsten mag ich die verrückten, überwältigenden Welten von Jonas Burgert sehr – und ein paar meiner Heldinnen sind Kiki Smith, Nancy Spero oder Lorna Simpson. Ich mache gewiss keine politisch-feministische Kunst, aber „Emanzipation“ im Sinne von „Selbstauslotung“ und „Selbstwerdung“ ist ein ganz zentraler Begriff für mich. In dem Kontext sind mir weibliche Sichtweisen und Standpunkte sehr wichtig.

Manuela: Du bist ganz frisch in diesem Jahr von der GEDOK Mecklenburg-Vorpommern e.V. aufgenommen worden. Meine herzliche Gratulation dazu! Was hat sich für dich dadurch verändert?

Merete: Dass ich mich viel im Selbststudium weiterentwickelt und keine Akademie besucht habe, damit habe ich kein Problem. Was mir aber immer wieder fehlt, ist der Austausch mit Kolleginnen und Kollegen. Deshalb bin ich über die Aufnahme in die Gedok MV sehr froh. Im Herbst haben wir gerade gemeinsam ein Arbeitswochenende verbracht – mit vielen Gesprächen und Diskussionen und für mich mit vielen künstlerischen Impulsen. Von solchen Begegnungen zehre ich lange. Im nächsten Jahr feiert die Gedok ihr hundertjähriges Bestehen, dazu wird es in Schwerin eine Gruppenausstellung geben. Darauf freue ich mich sehr. Leider ist Mecklenburg ein so großes Bundesland. Wir wohnen alle weit verstreut, mal eben auf einen Kaffee vorbeikommen ist kaum möglich.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Merete: Im Sommer hatte ich in der Galerie 149 in Bremerhaven meine Ausstellung „Zundersaat“ – eine Truppe gut ausgebildeter Spezialistinnen versorgt uns mit Energie und sät Substanzen aus, die uns helfen, uns weniger ausgeliefert und machtlos zu fühlen. Im Gästebuch stand dazu: „Erwarten wir alles – selbst das Gute!“ Da dachte ich, wenn meine Bilder diesen Gedanken in Gang setzen und befeuern, dann haben sie wirklich einen guten Job gemacht.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Merete: In der Feldberger Seenlandschaft, wo ich lebe, gibt es – wie der Name schon sagt, viele Seen, glasklar und wunderschön. Der für mich schönste See ist der Schmale Luzin. Das Schwimmen im Sommer ist ganz wichtig für mich. Zum einen bietet es mir den einzigen Ort auf der Welt, wo ich mich allein und ohne Hilfsmittel in alle Richtungen dreidimensional bewegen kann. Das ist doch ein tolles Erlebnis, einfach so auf dem Kopf schweben zu können! Zum anderen lassen sich da so viele verschiedene sinnliche Eindrücke und Ideen verfolgen. Was lebt da unter mir? Seejungfrauen oder Monster? Was ist Tiefe? Direkt 10 cm unter mir fängt eine völlig unbekannte Welt an, und Faszination und Unheimliches liegen sehr eng beieinander! Das Thema finde ich superspannend, und daran arbeite ich gerade. Es gibt ein Zitat von Jacques Costeau, dem Meeresforscher: „Unter Wasser wird der Mensch ein Erzengel“. Das bringt für mich die Vielschichtigkeit des Themas auf den Punkt. Mal sehen, wo ich lande.

Manuela: Welche Frage habe ich dir hier nicht gestellt?

Merete: Vielleicht die Frage, wie es mir mit dem Status „Spätzünderin“ geht? Oft verbindet man mit dem Begriff „Künstlerin“ ja die Vorstellung von einer großen, tiefen Berufung. Als glaubhafte Künstlerin sollte ich doch bitte schon mit drei Jahren alle Wände meines Elternhauses vollgemalt und tiefe Verzückung beim Betrachten von Bildbänden verspürt haben, oder? Ich bin jetzt sechzig und hatte meine erste Ausstellung vor fünf Jahren. Da wundern sich manche Leute schon. Ich selbst bin da mit mir einig, ich weiß ja, wie mein Lebensweg verlaufen ist. Aber ab und zu wird mir die Frage gestellt, warum die Kunst nicht früher in meinem Leben aufgetaucht ist.  Einmal ist mir ganz spontan die Antwort herausgerutscht: „Ich hatte zu tun“. Das war gar nicht flapsig gemeint, sondern hat es einfach gut getroffen. Und dabei habe ich ja auch gute Vorbilder wie Grandma Moses und Carmen Herrera! Wenn ich so um mich schaue, bereiten sich viele Bekannte und Freunde allmählich auf ihre Rente vor. Ich selbst habe das Gefühl, dass ich gerade erst anfange. Mir gefällt das. Ich weiß, dass ich nicht mehr so wahnsinnig viel  Zeit habe – zwanzig Jahre vergehen wie im Flug. – Darum bin ich jetzt sehr fokussiert und zielstrebig, viel mehr als ich es in meinem bisherigen Leben je gewesen bin. Das ist für mich selbst ganz merkwürdig.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr (2026) noch sehen?

Merete: Aktuell läuft in der Alten Kachelofenfabrik Neustrelitz meine Ausstellung „Da unten ist Licht“, die noch bis zum 08. Februar zu sehen ist. Vom 15. April bis zum 10. Mai bin ich in Kiel in der Galerie Ute Brennwald. Und vom 13.09. bis zum 22.11. findet im Schleswig-Holstein-Haus in Schwerin die Ausstellung der Gedok „Chronos & Kairos“ statt, wo ich auch dabei sein werde.

Manuela: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Merete: Meine Homepage findest Du unter www.meretedekruyf.de und bei Instagram ist es @meretedekruyf.

Vielen Dank, liebe Merete, dass du dir die Zeit genommen hast an diesem Artist Talk teilzunehmen. Dir weiterhin alles Gute für dein Schaffen!

Für alle, die noch nicht genug haben können sich hier eine kleine Reportage über Merete de Kruyf anschauen.

Der Beitrag Artist Talk: Merete de Kruyf und ihre vielschichtigen Bilderwelten erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Uwe: Hallo Manuela! Freue mich, dass wir uns im Haus des Gastes in Salzhausen kennengelernt haben. Gerne nehme ich deine Einladung zum Artist-Talk an und beantworte deine Fragen

Manuela: Du bist ja Designer, Illustrator und Künstler und hast Grafikdesign in Hannover studiert. Wieso hast du genau diesen Studiengang gewählt und wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Was davon ist dein Hauptberuf oder „bedienst“ du alle 3 Bereiche
gleichermaßen?

Uwe: Direkt nach dem Studium habe ich als Junior Art Director in einer Werbeagentur angefangen. Das war 1994 und in der Zeit veränderte sich das Berufsfeld des Grafik-Designers. Die Computer hielten verstärkt Einzug und die goldene Ära des Desktop Publishings (DTP) begann. Ich zog damals für den Job von Hannover nach Lüneburg. In Hannover hatte ich Grafik-Design-Informatik studiert. Eine Kombination aus Grafik und Computerstuff. Der Studiengang war neu, und ich fand es sinnvoll, den Informatikaspekt mit einzubeziehen.

Nach dem Grundstudium habe ich mich auf Illustration spezialisiert und konnte experimentell und frei arbeiten. An den Bereichen Schrift/Kalligraphie und Illustration/Comic hatte ich große Freude, und die Profs haben mich toll unterstützt und mir freie Hand gelassen. Aktzeichnen und ein Storyboardkurs sorgten ebenfalls für Begeisterung. Das war damals sehr motivierend: sich weiterentwickeln, neue Techniken erlernen und kreativ arbeiten. Während des Hauptstudiums habe ich dann u.a. mein erstes Comic gezeichnet (nach einer Kurzgeschichte von Patricia Highsmith). Als Diplomthema übertrug ich eine Romanvorlage von Ray Bradbury in Filmdesign. Also Illustrationen von wichtigen Szenen, Storyboards, Set Designs und Props/Requisiten entwickeln. Zum Ende des Studiums hatte ich einige Ausstellungen in Cafés und Kneipen mit freikünstlerischen Sachen (abstrakt, Kalligraphie, Radierungen). Höhepunkt in dieser Zeit: eine Ausstellung im Foyer für junge Kunst/Vereins- und Westbank und meine Diplomarbeit exposed in Kyoto/Japan

AUSBILDUNG vorher. Step back in time. Während meiner Lehre zum Energieanlagenelektroniker bei VW Emden wurde intern mein Zeichentalent entdeckt und genutzt, um Cartoons für die Unfallverhütungsvorschriften und Glückwunschkarten für Ausbilder und Vorgesetzte zu erstellen. Da tauchte mehrfach die Frage auf, warum ich eine Ausbildung zum Elektriker mache und nicht Zeichner werde…? Tja, das hatte ich nie als Beruf gesehen, aber bei näherer Betrachtung stimmte das: Schaltungen bauen war ok, beim Zeichnen war Leidenschaft im Spiel. Die Elektro-Ausbildung habe ich abgeschlossen und mich dann auf einen Studienplatz für Grafik-Design beworben. In Hannover hat‘s geklappt.

Manuela: Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die
künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen diesen Bereich zu wählen?

Uwe: Ein spezieller Moment war in meiner Grundschulzeit im Kunstunterricht. Die Aufgabe lautete: Einen Begriff visuell darstellen. Ich entschied mich für „Energie“. (Bsp. anbei) Auf das entstandene Bild ist die Lehrerin sehr abgefahren und hat mich dafür vor der Klasse über den grünen Klee gelobt. Sicher ein motivierendes und glückliches Ereignis.

Manuela: Seit wie vielen Jahren schon bist du tätig als Designer/ Illustrator/ Künstler? Berichte
doch etwas aus deinem beruflichen Leben.

Uwe: Selbstständig bin ich seit 1996. Ich habe damals mit Becker Illustrators in Hamburg zusammengearbeitet. Eine Illustratorenrepräsentanz, die Aufträge an geeignete Zeichner vermittelte. Ich zeichnete Storyboards und Visuals für zumeist Hamburger Werbeagenturen. Damals stand die Globalisierung durch Internet und E-Mail noch bevor und alles war Old School: Zeichnungen per Hand mit Bleistift und Marker, Abstimmung per Fax und Telefon, fertige Bilder mit Kurier oder persönlich in der Agentur abliefern.

Digitale Revolution und Globalisierung sollten diese Arbeitsweise in den nächsten Jahren dann aber komplett verändern.

Manuela: Was war dein erster Job in der Branche?

Uwe: Ein Storyboard für Mercedes, damals Renommee-Kunde der Werbegentur Springer und Jacoby. CD Suse Uhlenbrock hat mich dazu gebrieft (…erklärt, was auf den Bildern zu sehen sein soll.) Okay, soweit klar. Wir brauchen dann allerdings alles komplett bis übermorgen früh. Schluck…na dann! 

Link zum Clip von damals:

So war das dann oft: enge Timings und auch ein hoher Anspruch an die Illustrationen.

Manuela: Wenn man sich deine Website anschaut oder auch dein Instagramprofil, dann fallen
einem da unmittelbar die Comics ins Auge. Mich haben vor allem die düster wirkenden
Illustrationen dazu fasziniert. Beispielsweise von „Spawn“ oder „Haunt“. Was spricht dich
selbst am Thema ‚Comics‘ an.

Uwe: Comics habe ich schon immer gerne gelesen. Als Kind fasziniert von Marvel Comics (damals erschienen beim Williams Verlag), Tex Willer und Kobra, flammte das Interesse verstärkt in den 90ern wieder auf. Zu der Zeit erfand Todd McFarlane Spawn und gründete mit Zeichnerkollegen Image Comics. Eine Art Gegenentwurf zu Marvel und DC, die den Zeichnern keine Rechte an den von ihnen gezeichneten Figuren einräumten. Bei Image Comics war das anders. 

Überhaupt war die Comic-Szene weltweit zu der Zeit sehr vielfältig und progressiv. Mit unterschiedlichsten Stilen und Zeichnern. Im Trivial Book Shop (Comicladen in Hannover) war ich dementsprechend oft zu Gast und checkte die neuesten Trends. Nach dem Studium hörte ich über einen Freund von Extrem Erfolgreich Enterprises (kurz EEE), einem neu gegründeten Comicverlag von Comic-Fan und Ärzte Schlagzeuger Bela B. Ich hatte so 3-4 Seiten einer nicht zuende gedachten Science Fiction-/Horrorstory gemalt und herumliegen. Da das thematisch gut in das Programm von EEE passte, schickte ich denen das in Kopie.  Kurz darauf ein Anruf: Cool die Seiten! Wann ist die Story fertig? Wir möchten das veröffentlichen… Im Jahr 2000 erschien dann BLASTED! mein Comic-Debüt bei EEE. 2002 der Folgeband IDIOT CITY (Zeichnungen: ich, Story: Andreas Dierßen) auch bei EEE. Die Resonanz darauf war insgesamt gut, aber wirtschaftlich gesehen funktionierten meine Werbejobs besser. Bis 2010 traten die Comics somit erstmal in den Hintergrund, auch weil ich mittlerweile eine Familie zu ernähren hatte.

Dann besuchte ich MADE in Berlin. Da waren viele namhafte Comiczeichner und Concept Artists für einen Workshop versammelt, und ich bekam wieder Lust auf‘s Comiczeichnen. Als Forum dafür rief ich einen BLOG ins Leben, später ging das dann in meinen Instagram-Auftritt über (@uwedewitt, Spacelord: Künstlername aus der Bowlinggruppe).

EXKURS: Während dieser Zeit gab es einige Wettbewerbe und Stoff für Verschwörungstheorien..;-). Wenn dich das interessiert, kann ich davon berichten, glaube aber, dass das hier zu weit führt und zu kleinteilig wird.

Manuela: Ein Aspekt deines Wirkens, welchen man auf deiner Website findet ist die Rubrik
‚Storyboards‘. Dort findet man Szenen für u.a. Autowerbung. Gib uns doch einen kleinen
Einblick, wie sich das Arbeiten hier gestaltet. Sind dies Auftragsarbeiten gewesen für die
verschiedenen Marken oder Sender?

Uwe: Storyboards sind wie kleine Comics, die den Werbespot, den sich die Agentur ausdenkt, bebildern.  Meistens um den Kunden zu überzeugen, manchmal auch als Planungshilfe für Kameramann und Regisseur (Shooting-Board). Diese Jobs habe ich für Werbung und für Filme gemacht. Als Auftragsarbeiten.

Manuela: Du erschaffst auch Werke mit Acryl und teils digital, was sind deine Kriterien
auszuwählen, mit welcher Art Material du arbeitest? Was treibt dich hier an? Wie erklärst
du deinen Arbeitsprozess jemandem, der keine Design-Erfahrung hat?

Uwe: Wenn ich effektiv und schnell arbeiten möchte, ist digital unschlagbar. Auch im weiteren Verlauf bezogen auf eventuelle Korrekturen etc. Das Malen ist für mich eine sinnliche Erfahrung, bei der ich gerne analog arbeite. Sozusagen mit den Händen im Material. Ich versuche meinen Bildern Tiefe zu geben. Über Struktur, Form, Farbe.

Bild links: Lago | 2023 | Uwe de Witt – Bild rechts: Ohne Titel | 2008 | Uwe de Witt

Manchmal mische ich auch analoge Zeichnung mit digitaler Nachbearbeitung (Architekturmotive). 

Links: Auf dem Meere, Uwe de Witt rechts: In der Techt, Uwe de Witt

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Was ist für dich die
wichtigste Botschaft in deiner Kunst? Berichte doch ein wenig.

Uwe: Bei den freikünstlerischen Arbeiten gibt es für mich den komplett freien Bereich der Abstraktion. Und dann die konzeptorientierte Kunst. Meistens eine Idee, die ich über Bilder o.ä. erzählen möchte. 

Da bin ich froh, dass ich über eine hohe Bandbreite an Ausdrucksmöglichkeiten verfüge. So muss ich nicht soviel über die Umsetzung nachdenken und kann viele Ideen zulassen.

Die Botschaft findet sich meist in der spezifischen Idee. Meine Kunst sollte idealerweise entertainen und darf gerne Humor/Ironie enthalten.

Manuela: In deiner Ausstellung in Salzhausen kürzlich (zusammen mit Volker Stamer) warst du
thematisch ganz bei Heinrich Heine. Was hat dich bewogen dich so intensiv mit Heinrich
Heine auseinanderzusetzen und dann diese sehr zeitintensiven detaillierten Werke mit
viel Handschrift zu schaffen?

Uwe: Ich wollte mehr über Heine erfahren und habe mich mit seinem Wintermärchen beschäftigt. Ein wichtiges Werk mit etwas Umfang und teilweise zeitgenössisch übertragbar. Nach einer Gruppenausstellung zum Thema Heine, zu der ich mein „The End of Romance“-Kreuz beisteuerte, war ich neugierig geworden und die Winterreise erwies sich als interessant.

Manuela: Worin siehst du für dich selbst den Unterschied zwischen Grafik, Illustration und
deiner Kunst? Welcher Bereich zieht dich am meisten an, welcher Bereich fordert dich
heraus und/ oder siehst du einen Unterschied darin was du tust um Geld zu verdienen
und dem was du für dich machst aus rein künstlerischer freier Sicht? Bzw. Du hast eine
gute Symbiose geschaffen. Du kannst künstlerisch aktiv sein, aber auch als Designer deine
Kunst verkaufen und einsetzen. Richtig?

Uwe: Ja, genau. Ich sehe das als Symbiose. Die Jobs bringen das nötige Geld, sorgen aber auch für Weiterentwicklung der künstlerischen Fähigkeiten.

Manuela: Was sagst du zu dem Satz: „Als Künstler kann man kein Geld verdienen.“ Wie war oder ist es bei dir zu Hause?

Uwe: Je spezifischer und persönlicher das Thema ist, umso schwieriger lassen sich die Bilder vermarkten. War bei mir zumindest bisher so.  Wenn ich mit konzeptionellen Ideen arbeite, komme ich zwar zu einer plakativen Umsetzung mit spannenden Motiven, die aber meist eher verstörend wirken und nicht besonders anheimelnd.  Ist ja auch gut, aber in meiner Range schlecht „kommerziell auswertbar“.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Uwe: Ich bin eigentlich rund um die Uhr im Kunst-Game. Wenn nicht aktiv am iPad, Pinsel oder Filzstift, dann zwischendurch, manchmal gedankenverloren, auf der Suche nach Ideen und Inspiration..:-)

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Uwe: Filme, Politik, Musik, Kultur. Daraus entstehen für mich Ideen.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen
usw. finden sich in deinen Zeichnungen/ Werken und Illustrationen usw. wieder?

Uwe: In den kommerziellen Auftragsarbeiten bin ich nicht so persönlich. In meiner Kunst schon.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Uwe: Eine Reaktion über die ich mich gefreut habe, war die Verblüffung der Kunstfreunde über meine Arbeit zur Gruppenausstellung „Lebensräume“. Die gezeigten, gemalten Wohnzimmer, vordergründig belanglos, entpuppten sich als Wohnungen von Serienkillern. Nach Tatortfotos gemalt. Das hatte durch einen begleitenden Zeitungsartikel, der den Hintergrund erhellte, zusätzlich einen richtig tollen Plot-Twist-Effekt..:-)

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht
weiterkommst?

Uwe: Ich arbeite meistens parallel an verschiedenen Sachen. Komme ich bei einem Werk nicht weiter, widme ich mich erstmal einer anderen Zielsetzung.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt?

Uwe: Was ist gerade in der Welt los…?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Uwe: Eine Pommes-Schale.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Uwe: Persönlich, vielschichtig, unterhaltsam

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Uwe: Comic „Retrograd“ Heft 3 von 5. Kleine Kunst-Formate für Verkaufsveranstaltungen im November und Dezember

Manuela: Gibt es gerade ein spannendes Projekt, das du momentan umsetzt? Oder ein Ziel, das
du unbedingt erreichen magst?

Uwe: Die „Retrograd“-Comic-Serie sollte idealerweise zum Comic Salon Erlangen im Juni 2026 fertig sein.

Manuela: Wo kann man dich und deine Kunst in diesem und kommenden Jahr finden (auf
welchen Ausstellungen/ Messen/ Kunsttagen….)

Uwe: 2025: Kunstkiosk am Salzmuseum und Avacon Lüneburg (noch bis 01/2026). 2026: 80 Jahre BBK Lüneburg, Kulturbäckerei

Manuela: Wo bist du online zu finden?(Linkliste zu Social Media bzw. Homepage)

Uwe: Website: www.uwedewitt.com

Website BBK: https://www.bbk-lueneburg.de/uwe-de-witt/

Instagram: @uwedewitt

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Manuela: Kannst du dich bitte vorstellen? Erzähle doch ein bisschen wie du zur Kunst, zur Illustration und zur Collage gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf des Grafikers einzuschlagen?

Matthias: Ja, gerne. Ich freue mich übrigens über dein Projekt, da ist viel Wertschätzung und Offenheit drin. Wir sind uns ja sehr zufällig begegnet. Ich hatte mich bei dir bedankt für eine Warnung, die du im Internet vor Betrügern auf dem Kunstmarkt ausgesprochen hattest. Ich mag Zufälle. Manche Zufälle fühlen sich an als würden Fäden eines ansonsten unsichtbaren Gewebes plötzlich aufleuchten. Ein Gewebe aus Bedeutung.

Zurück zu deiner Frage: ich wohne mit meinem fast zehnjährigen Sohn in einem Dorf im Osten von Stuttgart. Ich mag es hier. In meinem Leben habe ich immer an irgendwelchen kreativen Projekten gearbeitet. Malerei, Texte, digitale Collagen und seit mehr als vier Jahren schreibe ich Lieder.

Mit Collagen habe ich erstmals im Alter von 16 gearbeitet. Mein Vater hatte ein Fotolabor im Keller. Im roten Dämmerlicht entwickelte ich dort meine Fotos in Chemiebädern mit aufregenden Gerüchen. Dann habe ich die Fotos im Copyshop vervielfältigt und zu ersten Architekturcollagen zusammengeklebt. Ich empfand meine Kunst als absolut bedeutsam und war sehr verwundert, dass ich in Galerien dafür nur ein sehr freundliches Lächeln erhalten habe. Etwa 2 Jahrzehnte ruhte die Arbeit nach dieser kurzen stürmischen Anfangsphase. Dann eröffnete mir die digitale Bildbearbeitung neue Möglichkeiten. Die Arbeit an Collagen hat mich immer fasziniert. Ich schaffe eine Realität, die das Innere mit dem Äußeren verbindet. Die Logik der Entstehung einer Collage ist eher wie im Traum. Eine Matrix aus Assoziationen. Ich liebe das.

Manuela: Wie war dein Einstieg in die Branche und was war dein erster Job? Erinnerst du dich noch?

Matthias: Ich habe das nicht als Einstieg in eine Branche erlebt. Die ersten Jahre habe ich einfach
nur an immer neuen Collagen gearbeitet. Ich war getrieben, ich musste das machen. Erst 2015 kam es zu einem kleinen Durchbruch. Irgendwie verbreiteten sich meine Architekturcollagen plötzlich rasend im Netz. Zeitungen wie der Guardian oder auch die Vogue baten mich um Interviews. Ich war darauf nicht vorbereitet. Der Hype verpuffte sehr schnell und ich habe finanziell nur minimal davon profitiert. Aber es hat mir die Gewissheit gegeben, dass meine Bilder tatsächlich wirken. Manchmal habe ich kleine Illustrationsjobs, verkaufe hier und da ein Bild, zum Beispiel als Buchcover. Ich war oft frustriert.

Manuela: Was ist deine eigene Kunst für dich?

Matthias: Puh. Es ist eine Form von Magie. Kunst bringt mich in Verbindung mit einem Teil meiner selbst, der das „allgemein Menschliche“ ist oder das „allgemein Lebendige. Auf jeden Fall ist es der Zugang zu einer tiefen Welt ohne Worte. Aber wer will, kann meine Bilder auch als bloße ästhetische Spielerei sehen – was sie aber nicht sind.  

Manuela: Wie und wann hast du dein künstlerisches Handwerk gelernt?

Matthias: Learning by doing. Meine ersten Collagen waren eher skurril als wirklich interessant. Aber zum Glück war mir das nicht bewusst. Kunst zu studieren wäre für mich nie infrage gekommen. Ich kann nur den radikal eigenen Weg gehen. Leider verschließt das viele Türen. Insbesondere die von Galerien.

Manuela: Du hast ja viele Talente und Fähigkeiten. Du bist Fotograf und Grafiker. Hast du hier den ganz klassischen Weg eingeschlagen in deiner Entwicklung und Ausübung dieser beiden Berufe?

Matthias: Wohl eher nicht. Ursprünglich hatte ich vor, in der Entwicklungshilfe zu arbeiten. Aus verschiedenen Gründen habe ich dann im Laufe des Studiums meinen Platz in diesem Bereich nicht mehr gesehen. Also kam ich auf die Idee, etwas „Vernünftiges“ zu machen und habe BWL studiert und habe es tatsächlich zum Diplomkaufmann geschafft. Aber das war es dann mit der Vernunft. Ich hatte ein Jobangebot bei American Express. Als ich das Gebäude betrat und durch die Bürolandschaft schritt, war mir klar, dass ich dort erfrieren würde. Zum Entsetzten meiner damaligen Frau habe ich abgelehnt. Ich habe dann einige Jahre irgendwelche Jobs gemacht, habe 2 Jahre für den Otto-Versand im telefonischen Kundendienst gearbeitet. Erst 2009 fing ich mit dem Grafik-Design Studium an. Das war eine gute Idee. Seit meinem Abschluss arbeite ich als freiberuflicher Grafiker. Fotograf bin ich aber nicht. Ich fotografiere nur die Einzelbilder für meine Collagen. Da muss man nicht viel können.

Manuela: Deine Collagen sind besonders ansprechend, weil sie einladen vieles in ihnen zu entdecken. Wie entstehen deine Ideen für diese? Spontan, intuitiv, geplant? Berichte doch gerne./ Wie arbeitest Du? Kannst Du uns etwas über den Entstehungsprozess deiner Arbeit erzählen?/ Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Matthias: Die Ideen kommen oft beim Fotografieren. Gerade bei Gebäuden habe ich regelmäßig  Visionen von einer Anordnung, einer abstrakten Form, einer Formensprache. Ich mag Häuser, denen man ihre Geschichte ansieht. Ich sehe in ihnen eine Art Persönlichkeit. Die Gebäude oder auch Gegenstände, die mich begeistern, sind für Andere oft eher unscheinbar und uninteressant.
Ich habe ein Archiv aus eigenen Bildern, die ich auf kleinen Fotoreisen aufgenommen habe. Wenn ich an einem Bild arbeite, durchforste ich dieses Archiv wieder und wieder. Was passt zusammen? Passt das rostige Rohr zu dem fliegenden Palast? Bis zu einem bestimmten Punkt wirken meine Collagen zufällig und wahrscheinlich eher uninspiriert. Erst wenn ich dann ein entscheidendes Bildelement gestaltet habe, kommt der Durchbruch. Dann scheint seine endgültige Form durch, und ich habe eine starke Vision, wohin das Bild will. Und dann gestaltet es sich meist wie von selbst. Diese letzte Phase ist sehr schön, ich höre oft laute Musik, wenn ich mit Photoshop die einzelnen Elemente zu einem Gesamtgebilde verbinde. Heraus kommt so etwas wie ein Kurzgedicht aus Formen. Der Inhalt mancher Arbeiten mag zu Geschichten anregen. Ich fände das sehr schön. Der Titel des Bildes ist meist ein Vorschlag zur erzählerischen Ausgestaltung. Aber festgelegte Inhalte oder Botschaften gibt es nicht. Ich bin übrigens – anders als sonst im Leben – in der Kunst eher perfektionistisch.

Bild links: Das Märchen von der wundersamen Hand | 2019 | Matthias Jung

Bild rechts: Betonpredigt | 2024 | Matthias Jung

Manuela: Auf welchen Themenbereich hast du dich spezialisiert? Wie würdest du deinen Stil beschreiben?

Matthias: Mein Stil ist keine bewusste Entscheidung, ich mache meine Kunst nicht in dem Bewusstsein, einen Markt zu bearbeiten. Ich würde auch nie auf die Idee kommen, mich irgendeinem „Ismus“ anzunähern oder „zeitgenössisch“ zu sein. „Formpoesie“ wäre ein schönes Wort für meinen Stil. Manche „Kunstexperten“ nehmen einen poetischen Ansatz oft nicht ernst. Sie vermuten dahinter vielleicht eine Flucht ins Gemütliche oder so. Davon distanziere ich mich. Schönheit kann sehr existentiell sein. Aber nicht alle meine Bilder sind klassisch schön, manche sind sehr düster und einsam.

Manuela: Erfährt man durch Kunst mehr von seinem Leben?

Matthias: Das ist eine gute Frage. Ich kann das nur für mich beantworten. Wenn ich an einem Bild arbeite, dann fühlt sich das sinnvoll an. Ich bin hoch konzentriert und doch weit weg an einem friedlichen inneren Ort. Ich schöpfe aus einem Bereich, in dem es keine Worte gibt. Das ist intim, gleichzeitig nah am allgemein Menschlichen. Ich fühle mich dann mit mir selbst im Reinen. Ich kann etwas schöpfen ohne mich auf einer sozialen Bühne darstellen zu müssen. Ich glaube, das ist für mich sehr tröstlich, denn soziale Bühnen strengen mich an. Ich scheitere oft an ihnen.

Manuela: Was hat deine Kreativität im Laufe der Jahre bereichert? Bist du im Laufe der Jahre besser geworden? Wie siehst du dein weiteres künstlerisches Schaffen, wohin geht die Reise?

Matthias: Es braucht einfach einige Jahre, um der künstlerischen Intuition durch Erfahrung Futter zu geben. Klar bin ich besser geworden. Aber ich glaube, die Fähigkeiten erreichen irgendwann ein Plateau. Dann kann ich natürlich wieder Neuland erschließen. Ich schreibe ja auch Lieder. Da bin ich im Moment noch in einer früheren Phase. Es ist aufregend zu sehen, dass ich plötzlich neue Dinge kann, dass sich mein Blick geschärft hat. Die Saat geht auf. Aber im Unterschied zum echten Bauern, weiß ich nicht, welche Früchte ich am Ende ernte. Das ist cool, aber man muss auf jeden Fall dranbleiben. Selbstüberschätzung kann dabei eine hilfreiche Illusion sein. Am Ende ist man vielleicht wirklich so gut wie man dachte, von Anfang an zu sein.  

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Matthias: Ja, ich würde gerne Malerei mit Collagen verbinden. Ich könnte meine Bilder in schwarzweiß auf Aquarellpapier ausdrucken und sie dann colorieren und mit gemalten Formen kombinieren.  Das ist allerdings ein Aufwand, den ich bisher scheue.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Matthias: Sehr viel Raum. Im Moment ist es allerdings die Musik. Ich muss mich ständig vor mir selbst für die wertvollen Stunden rechtfertigen, in denen ich ja auch Geld verdienen könnte. Collagen würde ich sehr gerne wieder machen, es mangelt auch nicht an Ideen. Die Zeit wird kommen. Meist mache ich mehrere Bilder direkt hintereinander.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß?

Matthias: Ganz bei mir zu sein, der Schönheit zu dienen, etwas Neues zu schöpfen, in Bildern zu schwelgen, unter Strom zu stehen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Matthias: Wenn mir Kunden sagen, dass sie ein Bild emotional berührt. Wenn es sie zum Beispiel an die Fantasien ihrer Kindheit erinnern. Die französische Künstlerin AM Higgins hat ihr neues Album mit meiner Kunst bebildert. Auf ihrer Tour durch Deutschland kam sie auf dem Weg von Leipzig nach Zürich mit Ihrem Freund zum Kaffeetrinken vorbei. Das hat mich berührt.  

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Matthias: Künstlerische Vorbilder habe ich eigentlich nicht. Mit Ausnahme von Paul Klee vielleicht. Ausstellungen inspirieren mich aber tatsächlich regelmäßig. Es ist wichtig zu sehen, wie andere Menschen sich durch Kunst ausdrücken – das erweitert die eigenen Möglichkeiten. Davon abgesehen ist es einfach ein Genuss.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Matthias: Oh, sehr viele Fragen. Offen gesagt, haben die wenigsten davon mit Kunst im engeren Sinne zu tun. Was mich gerade umtreibt, ist die Frage, was Menschen im Innersten dazu bewegt, links oder rechts zu denken. Beides scheint archaische Anziehungskräfte auf uns zu haben. Und grundsätzlich: welche Aufgabe hat Kultur? Wie kann sie sich ändern? Warum scheint sie uns gerade zu bremsen, wenn es darum geht, die Lebensgrundlagen auf unserem Planeten zu schützen oder uns gegenseitig für unser Menschsein wertzuschätzen?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Matthias: Ich war gerade im Nationalpark Hainich. Da verwildert ein ehemaliger Truppenübungsplatz seit Jahrzehnten vor sich hin. Eine Landschaft zu sehen, die nicht zum Betriebsgelände der Menschheits-AG gehört, das ist eine Wohltat für meine Augen. Überhaupt ist es schön, auf kleinen Pfaden durch den Wald zu gehen. Ich würde gerne mal wieder eine lange Wanderung unternehmen. Am liebsten mit meiner kleinen Klappgitarre und Fotoapparat. Irgendwo Richtung Meer. Und wenn ich zurück bin mache ich aus den vielen Bildern neue Collagen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Matthias: Magie, Seele, Wahrheit

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Matthias: Gerade gestalte ich zum Beispiel ein CD-Booklet für eine Ensemble alter Musik. Außerdem bereite ich einen regelmäßigen Instagram-Auftritt vor. Ich will raus aus meiner Nische, in die mich unter anderem meine Introvertiertheit geführt hat. Und ich nehme eigene Lieder als Videos auf. Es wäre toll, Bilder und Musik miteinander auf der Bühne zu verbinden.

Manuela: Von welchem Projekt träumst du?

Matthias: Ich möchte meine Kunst erlebbar machen. In Zeiten perfekter KI-Bilder gehen meine Collagen einfach unter. Ich möchte sie mit Leben, mit Persönlichkeit füllen. Kunst bedeutet ja nicht mit einem Feuerwerk visueller Reize zu beeindrucken. Das kann KI wirklich besser. Kunst ist etwas Nahrhaftes, kein Snickers. Irgendwann möchte ich, wie schon erwähnt. In einem Bühnenprogramm Musik und Kunst gemeinsam erlebbar machen. Eingebettet in sehr grundlegende Gedanken über unsere Welt. Dazu muss ich mir tatsächlich etwas in den Arsch treten. Denn ich träume sehr gerne einfach vor mich hin.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Matthias: Tatsächlich im Moment nur online. Aber das soll so nicht bleiben. Ich freue mich sehr über Feedback, Tipps und nette Worte. Begegnungen sind wichtig. Folgt mir auf Insta.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Matthias: Instagram: zabadu_matthias, www.zabadu.de. Künstlerseite auf www.artmajeur.com www.artmo.com und www.singulart.com

Lieber Matthias, vielen Dank für deine Zeit und die Auseinandersetzung mit deiner Arbeit. Dir weiterhin viel Erfolg und alles Gute für dein Schaffen!

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