Die drei Studierenden der „Hochschule für Künste in Bremen“ (HfK), behandeln auf verschiedene Arten ein ähnliches Thema: Plastiken schaffen die ihren Ursprung in der Natur, oft in der tierischen Welt, haben. Die entstandenen Wesen unterscheiden sich dann aber entschieden voreinander, was vor allem den verschiedenen formalen Vorstellungen der dreien geschuldet ist. Die Plastiken, die entstehen, sind mal nahe an ihrem Ursprung, mal aber dessen Übersetzung in eine reduzierte, mehr oder weniger organische Form. Durch völlig unterschiedliche Materialien in denen sie dargestellt sind, sprechen sie von einer zeitgenössischen Haltung in der Kunst – das Material, dass mich umgibt, wird unmittelbar für die gestalterischen Prozesse eingesetzt. So wird z. B. Bauschaum, Zeitungspapier, Karton, Äste oder Ähnliches in die Arbeit eingebaut. Dies beeinflusst dann den Charakter der Arbeit und zeigt einen wichtigen Aspekt. Bei diesen drei Studierenden geht es um Offenheit und auch um die Suche nach einer eigenen Formsprache.
Hendriks Cordes Skulpturen entstehen im Spannungsfeld zwischen spielerischem modellieren und präziser Formgebung. Pralle Volumen und körperhafte Formungen verweilen bewusst in Unklarheit. Sie scheinen eigenartig vertraut und fremd zugleich.
Als gelernter Geigenbauer hat die bildhauerische Arbeit von Simon Wohlgemuth ihren Anfang in der Bearbeitung von Holz. Die dabei erworbenen Fertigkeiten wendet er nun auch in der Arbeit mit anderen Medien an. Auch im Rahmen seiner Arbeit mit Bronze kommen viele verschiedenen Techniken und Ausgangsmaterialien zum Einsatz, aus denen sich meist Tiermotive ergeben.
Die Themen, die Merle Tatoli beschäftigen, drehen sich meist um (alltägliche) existenzielle und identitätsbezogene Fragen, insbesondere im Kontext psychischer Krisen. In dieser Verflechtung richtet sie ihren Fokus immer wieder auf die Tiefen der emotionalen Ebene, versucht sie zu ergründen und auszudrücken. Ihre Arbeiten versteht sie als Dialog zwischen sich selbst und der entstandenen Skulptur. (Quelle: Kunstverein Rotenburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Bachelorabschlusspräsentation, HFK Bremen

Kunstverein Rotenburg

Nödenstraße 9
27356 Rotenburg (Wümme)
(gleich neben dem Erlebnisbad Ronolulu)

Öffnungszeiten

Samstag 14 bis 17 Uhr
Sonntag 11 bis 17 Uhr
(nur während der Ausstellungsphasen)

Der Beitrag Tipp: Junge Positionen – Gestalten gestalten erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

„[prompt] – Künstlerische Positionen zu Künstlicher Intelligenz“
In Kooperation mit der Literarischen Gesellschaft Lüneburg und dem Literaturbüro Lüneburg im Heinrich-Heine-Haus mit der Veranstaltungsreihe „Digitale Welten“

Künstler:innen:
Martin Bäuml | J.Georg Brandt | Uwe de Witt | Nina Heinzel | Sascha Rosemarie Höfer | Gudrun Jakubeit | Britta Ruge

Vernissage: 30.05.2026 um 17 Uhr – Mit einem Input von J.Georg Brandt

Die Künstler:innen werfen in den Genres Fotografie, Installationen, Malerei, Objekte, Video und performativer Beratung den Blick auf das Spannungsfeld von Kunst und KI. Was kann Kunst, was KI nicht kann?
In den Werken werden Fragen nach Autorschaft aufgeworfen, nach ästhetischer und ethischer Verantwortung, nach dem Verhältnis von Daten, Dokumentation und (Lebens-) Wirklichkeit, nach dem Besonderen künstlerischen Denkens und Ausdrucks, nach Befürchtungen und nach der unvollkommenen „Maschine“ KI und Macht/Ohnmacht.

Ort: Heinrich-Heine-Haus, Am Ochsenmarkt 1a, Lüneburg
Dauer: 31.05-21.06.2026
Öffnungszeiten: Mittwochs, samstags und sonntags 12-18 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert durch Gerstaecker.

Der Beitrag Tipp: [prompt] – Künstlerische Positionen zu Künstlicher Intelligenz erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Zur Vernissage gibt es ein Künstlergespräch mit den Ausstellenden.
Die Ausstellung ist ein Satellit der Jahresausstellung DIA’26 (20. Jubiläum), Fakultät Gestaltung der Hochschule Wismar.
(https://fg.hs-wismar.de/fakultaet/aktuelles/veranstaltungen/detail/n/jahresausstellung-dia26-jubilaeum-news-gestaltungwismar/

Unter dem Titel „Schimmernde Steine“ versammelt die Ausstellung Schmuck, Installation und Grafik von Alumni und Studierenden der Fakultät Gestaltung an der Hochschule Wismar aus den letzten 20 Jahren.
Der Titel bezieht sich auf eine im Studium erarbeitete Installation von Anne Lengnink „Die Schimmernden Steine“ und erzählt mit Text, Video und einem schmuckhaften Objekt vom Kindsein und Erwachsenwerden, vom Erinnern und Vergessen sowie von Träumen, Wünschen und was davon bleibt. Große Träume begleiten das Studium und müssen sich nach dem Studium in der Realität behaupten. Ecken und Kanten schleifen sich ab, Türen öffnen sich, individuelle Wege werden beschritten, Chancen eröffnet und ergriffen.
In der Ausstellung werden Studienprojekte und Abschlussarbeiten aktuellen Positionen der Schmuckschaffenden gegenübergestellt und verdeutlichen das Profil der Ausbildung sowie die verschiedenen Karrierewege. Maria Konschake z.B. wählt die akademische Laufbahn und promoviert in Belgien. Ihre künstlerische Forschung setzt sie in schmuckhafte Objekte und Installationen um. Friedericke Bogunski wiederum widmet sich nach dem Studium der Jugendarbeit und Kunstvermittlung. Sie „möchte die ‚trojanischen Kunstpferde‘ ins Rollen bringen und mutige Mitgestalter von Morgen schaffen“. Mandy Rasch hat sich dem Emaillieren verschrieben. Sie entwirft kleine und große Stücke aus Emaille und leitet in Erfurt die Künstlerischen Werkstätten. Die Leidenschaft für Tattoo führt Linda Siebke zu ihrer Diplomarbeit „Ein Leben – eine Linie“ und später in Berlin zu einem angesagten Studio für Tätowierkunst. So wie Stefan Pejunk in Wismar oder Patricia Wiekowski-Simmgen in Lübeck haben sich Andere den Traum von einem eigenen Studio mit und ohne Galerie erfüllt und fertigen individuellen Schmuck.
Prof. Andrea Wippermann und Dipl.Des. Jens Eichhof, die die Studierenden während des Studiums begleiteten, komplettieren die Ausstellung mit eigenen Arbeiten. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. (Quelle: Kunstverein Wiligrad)

Weitere Informationen zur Ausstellung: »SCHIMMERNDE STEINE« Schmuck • Installationen • Grafik | Kunstverein Wiligrad

Kunstverein Wiligrad e.V.
Wiligrader Straße 16a
im Maschinenhaus am Schloss Wiligrad
19069 Lübstorf

Öffnungszeiten

Di–Fr 10–17 Uhr
Sa–So & Feiertags 11–17 Uhr

Der Beitrag Tipp: »SCHIMMERNDE STEINE« Schmuck • Installationen • Grafik erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Samen bilden die Grundlage unseres Lebens. Die Ausstellung Seeds. Reclaiming Roots, Sowing Futures erkundet die vielschichtigen Bedeutungen von Samen und Saatgut als Spiegel unseres Verhältnisses zur Erde und zueinander. Werke von vierzehn internationalen Künstler*innen erzählen vom Verschwinden und Bewahren, von Verlust und Regeneration, vom Potenzial des Sorgens und des gemeinsamen Wachsens. Die Ausstellung schlägt Brücken zwischen Kunst, Ökologie und Aktivismus und lädt zur Reflexion über mögliche Zukünfte ein.

Samen bilden die Grundlage unseres Lebens. Sie versorgen uns mit Nahrung und Rohstoffen, verkörpern biologische Vielfalt, bewahren und tradieren regionales Wissen und kulturelles Erbe und stehen für Hoffnung, Wandel und Erneuerung. Die Ausstellung ist Teil der Klima Biennale Wien und erkundet die vielschichtigen Bedeutungen von Samen und Saatgut als Spiegel unseres Verhältnisses zur Erde und zueinander.

Für die vierzehn internationalen Künstler*innen der Ausstellung ist das Samenkorn Ausgangspunkt für ihre Untersuchungen aus ökologischer, kulturhistorischer wie symbolischer Perspektive. Aus unterschiedlichen geografischen und kulturellen Kontexten heraus entstanden, thematisieren die versammelten Werke Migration und Kolonialismus, indigenes Wissen und Biodiversität, Agrarwirtschaft und Ernährungssouveränität, aber auch Widerstand, Selbstermächtigung, solidarische Praxis und regenerative Zukünfte. 

Die Ausstellung Seeds. Reclaiming Roots, Sowing Futures schlägt Brücken zwischen Kunst, Ökologie und Aktivismus. Die Skulpturen, Installationen, Fotografien und Videoarbeiten erzählen vom Verschwinden und Bewahren, von Verlust und Regeneration, vom poetischen wie politischen Potenzial des Sorgens und des gemeinsamen Wachsens. So wie ein Samenkorn Erbe und Potenzial, Geschichten und Zukünfte in sich trägt, entfalten sich in der Ausstellung vielfältige Narrative, die die Verflechtungen und die Komplexität der globalen Klimakrise greifbar machen und dazu einladen, über mögliche Zukünfte zu reflektieren. (Quelle: Kunsthaus Wien)

Künstler*innen:
Ackroyd & Harvey, Maria Thereza Alves, Alexandra Baumgartner, Tue Greenfort, Kapwani Kiwanga, Dominique Koch, Jumana Manna, Christian Kosmas Mayer, Marzia Migliora, Lucia Pizzani, Michaela Putz, Cecilia Vicuña, Munem Wasif

Kuratorin
Sophie Haslinger

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation bei Spector Books, Leipzig.

Die Ausstellung findet im Rahmen der Klima Biennale Wien statt. 

Weitere Informationen zur Ausstellung: Seeds | KunstHausWien — Museum Hundertwasser

Kunst Haus Wien
Untere Weißgerberstraße 13
1030 Wien

• ÖffnungszeitenTäglich geöffnet von 10.00 bis 18.00 UhrKassaschluss: 30 Minuten vor Museumsschluss.

Der Beitrag Tipp: Seeds. Reclaiming Roots, Sowing Futures erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Ulli Böhmelmanns Objekte und Installationen entstehen in Wechselwirkung mit vorhandenen Räumen. Dabei bezieht die Künstlerin Besonderheiten der Architektur in ihre Installationen ein oder nimmt bisher nicht wahrgenommene Zwischenräume in den Fokus. Für die Galerie Peripherie realisiert sie ihre Installation „Blätter – Leaves 2“, ein hängendes Kunstwerk, bestehend aus hunderten hauchdünnen Porzellanblättern, die in Kooperation mit dem Museum Schloss Fürstenberg entstanden sind. Die schwebenden, gleichsam vom Wind durch die Luft gewirbelten Blattformen holen Luft und Bewegung rund um das Sudhaus in das Gebäude und machen sie sichtbar. (Quelle: galerie peripherie)


Zur Ausstellung und Ulli Böhmelmann
Der Kunstraum Galerie Peripherie ist ein Kubus mit der Kantenlänge 10m. Die Form, die mittige Säule und die zwei großen Facettenfenster geben dem Raum selbst eine starke eigene Präsenz. Schwerpunkt des Ausstellungsprogramms sind künstlerische Positionen, die sich mit der ortsspezifischen Architektur auseinandersetzen. In der jüngsten Zeit hat die Galerie verstärkt Künstler_innen präsentieren können, die im nationalen Kunstkontext bekannt sind.

Ulli Böhmelmann (*1970 in Mainz) begann ihre künstlerische Ausbildung in Mainz mit einer Lehre als Baukeramikerin und studierte im Anschluss an der HfK Bremen Freie Bildhauerei/ Keramik, das sich auf Porzellan und ortsspezifische Installationen konzentrierte. Bereits während ihres Studiums gewann sie den japanischen INAX Design Prize for European, der sie für drei Monate nach Japan führte. Ihre Werke wurden in Deutschland, Europa, Japan, Russland, Mauretanien (Afrika) und den USA gezeigt.

2025 hat Ulli Böhmelmann mit der ortsbezogenen Installation „Firmament“ den Luftraum der Festungskirche Ehrenbreitstein bei Koblenz bespielt.
Die Festung mit ihrem immensen Mauer-werk steht in schroffem Gegensatz zum Schaffen der Künstlerin. Ein auffälliges Merkmal der Anlage sind unzählige Rundbögen, die Fenster, Durchgänge und ehemalige Schießscharten einfassen oder überein-andergeschichtet den Mauern Festigkeit verleihen. Für den Luftraum der Festungs-kirche entwickelte Ulli Böhmelmann eine schwebende, transparente Architektur aus Papier, welche die vielfältigen Rundbögen des Bauwerks aufgreift und variiert. Die Ausstel-lung wurde u.a. vom Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V., München, und der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur gefördert.

2022 erarbeitete Böhmelmann im Auftrag des neu gegründeten Museum of Broadway in New York City die hängende Installation „Phantomenon“. Sie ist dauerhaft im „Phantom of the Opera“-Themenraum zu sehen und besteht aus 13.000 Kristallglasperlen, welche den Moment des zerspringenden Kronleuchters festhalten. Aus einem bestimmten Blickwinkel ist die Maske des Phantoms erkennbar.

Auszeichnungen / Förderungen / Stipendien / Preise
2025 Projektförderung durch Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur und Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V.
2023/24 Projektförderung durch die deutsche Botschaft in Mauretanien
2022 Auszeichnung der Freunde der artothek Köln e.V. für das Gesprächsforum „statements Köln“
2020/21/22 Künstlerstipendium NRW-Corona-Hilfe 
2015/16 Export-Förderung Internationale Kulturarbeit für die USA durch das Land NRW
2015 Projektförderung durch die Sparkassenstiftung Niedersachsen, die Stiftung Niedersachsen und die Stadtwerke Lehrte 
2009-11 Projektförderung durch das KULTURsekretariat NRW, den Ministerpräsidenten des Landes NRW, das Goethe Institut Moskau, Reisestipendium Russland durch die European Cultural Foundation, Niederlande   
2010 Arbeitsstipendium – AiR (Artist in Residence) Zehnthaus Jockgrim
2009 Ausstellungsförderung durch die Sparkassen-Kulturstiftungen Rheinland und Heinsberg 
2006+2009 Arbeitsstipendium – AiR Künstlergut Prösitz, D
2005 Katalogförderung durch das Land Rheinland-Pfalz, Ausstellungsförderung durch das Land Hessen 
2002 Burgund-Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz
1998 Arbeitsstipendium – AiR Porzellanmanufaktur Nymphenburg
1994 INAX Design Prize and AiR, Tokoname, Japan

Weitere Informationen zur Ausstellung: peripherie. Die Galerie im Sudhaus / Tübingen

Galerie peripherie, Hechinger Straße 203, 72072 Tübingen

Öffnungszeiten: Do – So 17 – 20 Uhr

Der Beitrag Tipp: ULLI BÖHMELMANN – Blätter erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Women in the Dark“ ist ein internationales, partizipatives und transdisziplinäres Kunstprojekt der Schweizer Künstlerin Franziska Greber, das sich gegen Diskriminierung und Gewalt richtet. Es trägt die Stimmen von Frauen weltweit in die Öffentlichkeit. Das Projekt wurde 2016 in Simbabwe initiiert und wird seither in China, Indien, Chile, Mauritius, den Seychellen, der Schweiz und in Deutschland umgesetzt.

In enger Kooperation mit Frauen- und Menschenrechtsorganisationen ermutigt Franziska Greber Frauen, ihre Erfahrungen, Verletzungen, aber auch Hoffnungen und Forderungen mit rotem Permanentstift auf weiße Blusen oder andere landestypische Kleider zu schreiben – beispielsweise Schals in Indien. Mit den beschrifteten Kleidungsstücken schafft die Künstlerin raumgreifende Installationen.

In der Kunsthalle Erfurt ist „Women in the Dark“ nun in einer erweiterten Form zu sehen. In vielfältigen Installationen, Objekten, Videos und Audiobeiträgen werden die Erzählungen der Frauen und das Thema im Ausstellungsraum unmittelbar erfahrbar.

Allein in Deutschland schrieben 690 Frauen aus rund 150 Organisationen in 12 Bundesländern ihre Botschaften in 40 Sprachen auf. Diese sind in einem Buch in der Originalsprache und deutschen Übersetzung zu lesen.

2023 wurde „Women in the Dark“ mit dem deutschen Kunstpreis The Power of the Arts ausgezeichnet. 

Die Ausstellung ist eine Kooperation der Kunsthalle Erfurt mit der Künstlerin Franziska Greber, der Beauftragten für die Gleichstellung von Frau und Mann des Freistaats Thüringen sowie Women in the Dark Deutschland e.V.. (Quelle: Kunsthalle Erfurt)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Franziska Greber: Women in the Dark – Aufruhr des Schweigens | Kunstmuseen Erfurt

Veranstaltungsort: Kunsthalle Erfurt, Fischmarkt 7, 99084 Erfurt

Öffnungszeiten
Dienstag – Sonntag von 11 – 18 Uhr (auch feiertags)
Donnerstag von 11 – 22 Uhr (auch feiertags)

Der Beitrag Tipp: Women in the Dark – Aufruhr des Schweigens erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Die Ausstellung präsentiert Werke, die Sprache, Grenzen und Machtstrukturen befragen in direktem Dialog mit Joseph Beuys und der Sammlung Marx. Damit hebt sie ein zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs hervor: der künstlerische Austausch als Fundament seit der Museumsgründung.

Shilpa Gupta wurde 1976 in Mumbai geboren. Von 1992 bis 1997 studierte sie Bildhauerei an der Sir J. J. School of Fine Arts. 

Ihre Installationen gehen über traditionelle Galerieräume hinaus, mit Projekten wie „Someone Else“ (2011), das eine Bibliothek mit 100 anonym oder unter Pseudonymen geschriebenen zeigt und in öffentlichen Bibliotheken auf der ganzen Welt ausgestellt wird. Gupta hat auch Lichtinstallationen für den Außenbereich geschaffen, wie „I live under your sky too“ (2004) und „My East is Your West“ (2014), eine animierte Lichtinstallation mit den Worten „My East is Your West“, die in einer nichtlinearen Anordnung beleuchtet werden.

2025 wurde sie mit dem Possehl-Preis für internationale Kunst 2025 ausgezeichnet. Gupta ist nach Doris Salcedo und Matt Mullican der dritte Künstler, der den Preis gewinnt, der alle drei Jahre vergeben wird. Im Jahr 2024 wurde sie von der Asia Society mit dem „Path Breakers Award“ ausgezeichnet. Im Jahr 2019 wurde Gupta mit dem GQ Cultural Provocateur Award ausgezeichnet; 2018 wurde sie von India Today zur New Media Artist of the Year gekürt.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.smb.museum/museen-einrichtungen/hamburger-bahnhof/ausstellungen/detail/shilpa-gupta/

Eingang für Besuchende

Invalidenstraße 50
10557 Berlin

Öffnungszeiten

Der Beitrag Tipp: Shilpa Gupta im Hamburger Bahnhof Berlin erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Die Galerie Judin freut sich, Plein soleil zu präsentieren, Zilla Leuteneggers erste Einzelausstellung in der Galerie. Die Künstlerin nutzt die lichtdurchflutete Architektur unseres Hauptausstellungsraums, der einst als Druckhalle für die Zeitung Tagesspiegel erbaut wurde, und vereint Installationen, Videoprojektionen und Monotypien, wodurch sie den Raum in eine Abfolge experimenteller Umgebungen verwandelt.

Die Ausstellung entfaltet sich als psychologische und räumliche Reise durch das Leben des Alter Egos Z der Künstlerin, wobei Licht als zentrales thematisches und formales Element im Mittelpunkt steht, nicht nur konzeptionell, sondern auch architektonisch, da die markanten Oberlichter die Wahrnehmung des Raumes entscheidend prägen.

Das Psychogramm, das Leutenegger mit ihrer Installation zeichnet, stellt die Dialektik von Licht und Schatten in den Vordergrund. Anstatt ihr Alter Ego als vollständig artikuliertes Subjekt – die metaphorische Lichtquelle – zu präsentieren, offenbart die Künstlerin dessen Spuren: die Schatten, die ein Leben wirft, seine Gesten und Stimmungen. Die abwesende Figur wird durch Fragmente und Eindrücke angedeutet, und wir, die Betrachter, sind eingeladen, am Prozess der Bedeutungsfindung teilzunehmen. Im Laufe dieses Ratespiels werden die eigenen Projektionen und Assoziationen der Betrachter Teil des Werks und erweitern das Feld der Schatten.

Tauchen wir also ein in diese Begegnung! Wie enge Freunde oder Familienmitglieder betreten wir das „Zuhause“ der Figur durch die Waschküche, einen Übergangsraum und intimen Ort, der uns in den häuslichen Kosmos der Protagonistin einführt. Wir umgehen ein weißes Hemd, das an einer Wäscheleine hängt und den Körper der abwesenden Figur heraufbeschwört, während es deren Konturen nachzeichnet. In der gesamten Installation entfalten sich poetische Momente der Ablenkung und Konzentration, des Lebensgenusses und der Ausdauer. Ein Tonfall fröhlicher Melancholie durchzieht die Ausstellung und wirkt fast wie eine akustische Unterströmung. Monotypien – einzigartige Drucke, die aus spiegelverkehrt bemalten Schablonen hergestellt werden – umreißen Innenräume und dienen als Kontrapunkt zur Außenwelt, die in erster Linie durch das einfallende Licht und das daraus resultierende Schattenspiel definiert ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung: 2026 Zilla Leutenegger: Plein soleil · Galerie Judin

Mercator Höfe
Potsdamer Strasse 83
10785 Berlin

+49 30 39 40 48 40
info@galeriejudin.com

Viewing hours
Tuesday – Saturday
11.00 – 18.00
or by appointment

Der Beitrag Mein Tipp: Zilla Leutenegger – Plein soleil erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Die poetische Gruppenausstellung Falscher Marmor und glühende Sterne zeigt mit rund 40 Werken vier künstlerische Positionen aus Norditalien, die für die Zusammenführung von Emotion und Rationalität stehen. In Malereien, Papierarbeiten, Skulpturen und raumgreifenden Installationen verhandeln sie zentrale und gleichsam zeitlose Themen wie Natur, Energie, Mythos und Mimesis.

Alle vier Künstler:innen bewegen sich dabei in ihrer je eigenen Herangehensweise zwischen Diskurs und Intuition, Anschauung und Begriff, Gefühl und Verstand.
Die Ausstellung kombiniert Sammlungswerke aus den 1970er Jahren der drei renommierten, zuweilen der Arte Povera zugerechneten Künstler Marco Gastini, Giuseppe Spagnulo und Gilberto Zorio mit einer umfassenden Querschnitts-Präsentation der aufstrebenden Künstlerin Linda Carrara.

Kurator: Holger Kube Ventura
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Wienand Verlag sowie ein kostenloser Kurzführer

Ein umfangreiches Programm begleitet die Ausstellung.

Noch mehr Kunst aus Italien – Kooperation mit dem SCHAUWERK Sindelfingen:
Mit dem Erwerb einer Eintrittskarte für Falscher Marmor und glühende Sterne erhalten Sie einen Gutschein für einen kostenlosen Besuch der Ausstellung Mario Schifano: When I remember, die vom 19.10.2025 bis 21.06.2026 im SCHAUWERK Sindelfingen zu sehen ist.
(Ausgenommen von der Aktion ist der kostenfreie Donnerstag im Kunstmuseum Reutlingen).

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunstmuseum Reutlingen | Falscher Marmor und glühende Sterne

Kunstmuseum Reutlingen | konkret

Eberhardstraße 14
Wandel-Hallen
72764 Reutlingen
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag / Feiertag: 11–17 Uhr, Donnerstag (freier Eintritt): 11–20 Uhr
Mon­tag, Heiligabend, Silvester und Kar­frei­tag geschlossen

Der Beitrag Tipp: Falscher Marmor und glühende Sterne – Ausstellung Kunstmuseum Reutlingen erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Die in Zürich lebende Künstlerin Rachel Khedoori, deren Arbeiten Installation, Skulptur, Film und Fotografie miteinander verbinden, präsentiert neue und jüngere Werke ihres skulpturalen Schaffens im Dialog mit einigen älteren Arbeiten. Dazu zählt auch die frühe 16-mm-Filminstallation Pink Room.
Einige der Arbeiten bestehen aus fragilen Trägern wie Papier, die mit farbigen, enkaustischen Schichten überzogen und durch Harz stabilisiert sind; andere aus Materialien wie Bronze, Aluminium oder Gips. Sie evozieren traumartige Ansichten fragmentierter Räume und Architekturen, die in verschiedenen Stadien von Kollaps und Zerfall erscheinen; andere beziehen sich auf Formen, Apparate und Verfahren des Sehens, und verhandeln so das komplexe Verhältnis zwischen Bildproduktion und Wirklichkeitskonstruktion.

Die neuen Kompositionen Khedooris stehen nicht losgelöst von der Realität im Raum, sondern sind geprägt von einer Atmosphäre, die sich kaum von der politischen Gegenwart trennen lässt, in der sie entstehen. Ihre Fragilität ruft Vorstellungen auf, die über das Ausstellungssetting hinausreichen – beschädigte Fassaden, unterbrochene Infrastrukturen, Ordnungen, die ins Wanken geraten.

Solche Assoziationen drängen sich nicht als Behauptungen auf, sondern ergeben sich aus der Form der Arbeiten. Im Oeuvre der Künstlerin liefert ihr frühes „Iraq Book Project“ (2003–2010) einen möglichen Hinweis: Khedoori sammelte über mehrere Jahre Presseberichte aus westlichen und arabischen Quellen zum Irakkrieg, archivierte sie in Form von über 80 gebundenen Bänden und konfrontierte so die Unmöglichkeit eines kohärenten Narrativs mittels einer radikal materiellen Setzung. Auch hier: keine Auslegung, keine Symbolik, sondern lediglich eine Ordnung, die Brüche sichtbar macht. Die neue Werkgruppe ist stiller, sinnlicher — aber nicht unpolitisch. Sie fragt nicht nach konkreten Ereignissen, sondern lässt strukturelle Erschütterungen zur ästhetischen Methode werden.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Rachel Khedoori – null

Heidelberger Kunstverein e.V.
Hauptstraße 97
D-69117 Heidelberg

Der Beitrag Tipp: Rachel Khedoori präsentiert ihre Kunst im Kunstverein Heidelberg erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.