Eine meiner aktuellen jungen favorisierten Künstlerinnen ist Eva Lause. Ihre Werke sprechen mich sehr an! Vor allem ihre Installationen, die auch wie Kokons anmuten und einladen ganz viel zu entdecken und zu reflektieren, faszinieren mich.

Daher ist es umso schöner zu sehen, dass sie nun in der BBK Galerie in Oldenburg ausstellen wird.

Eva Lause (*1991 in Georgsmarienhütte) lebt und arbeitet in Osnabrück. In ihrer künstlerischen Praxis setzt sie sich mit gesellschaftlichen und körperbezogenen Fragestellungen auseinander. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen präsentiert, darunter im Kunstverein Kreis Gütersloh, in der KunstHalle im Kulturbahnhof Cloppenburg, im Kunstquartier Bethanien in Berlin, in der xpon-art gallery in Hamburg sowie in der Kunsthalle Osnabrück. Werke von Lause befinden sich in vielen privaten Sammlungen sowie in der öffentlichen Sammlung der Kunsthalle Osnabrück. Im Jahr 2022 wurde sie für den Kunstförderpreis der Ingeborg-Sieber-Stiftung nominiert und erhielt zudem ein Atelierstipendium im Atelierhaus Hasemauer (Egerlandstiftung, Osnabrück). 2023 erhielt sie eine Projektförderung der Stadt Osnabrück und realisierte das Projekt „Das Unsichtbare sichtbar machen“, das sich mit chronischen Erkrankungen auseinandersetzt. 2025 nahm sie an der International Artists Residency Wedemark teil.

In ihren Zeichnungen und Plastiken beschäftigt sich Eva Lause mit körperlichen sowie kognitiven Transformationsprozessen im Kontext chronischer Erkrankungen. Sie verdichtet eigene Erfahrungen und Beobachtungen zu einer reduzierten, aber zugleich offenen Bildsprache, die sich u.a. zwischen Verletzlichkeit und Stärke sowie Schönheit und Grausamkeit bewegt. Dabei begreift sie körperliche Veränderung oder Einschränkungen stets als immanenter Teil des menschlichen Lebenszyklus. (Quelle: BBK Oldenburg)

Eröffnung: Sonntag 12.07.2026 um 11:00 Uhr in der BBK Galerie.
Begrüßung und Einführung: Petra Timmas und Katrin Lazaruk
Tanz-Performance: Vanessa Konzok
Ausstellungsdauer: 12.07.2026 bis 16.08.2026

Weitere Informationen zur Ausstellung: Eva Lause – Bezirksgruppe Oldenburg

BBK-Geschäftsstelle und BBK-Galerie

Peterstr. 1
26121 Oldenburg

Öffnungszeiten:

Di, Mi, Do 14 – 17 Uhr
während der Ausstellungen auch
So 11 – 14 Uhr
An Feiertagen bleibt die BBK-Galerie geschlossen.

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Im Jahr 2026 widmet das Museum Ludwig in Köln anlässlich seines 50-jährigen Jubiläums der legendären japanischen Künstlerin Yayoi Kusama eine große Ausstellung.

Kusama (*1929, Matsumoto) zählt zu den bekanntesten Künstler*innen unserer Zeit. Ihre ikonischen Polka Dots, ihre Kürbisskulpturen und ihre verspiegelten Infinity Rooms sind zu einer Art Markenzeichen geworden und tauchen millionenfach in den Sozialen Medien auf. Die Ausstellung nimmt die Besucher*innen mit auf eine spannende Reise durch Kusamas gesamtes Schaffen mit über 300 Arbeiten, von der ersten Zeichnung von ca. 1934 bis heute, und durch eine Vielzahl künstlerischer Medien, wie Malerei, Zeichnung, Skulptur, Installation, Mode, Performance und Literatur.

Über die gesamte Wechselausstellungsfläche des Museum Ludwig hinaus wird die groß angelegte Ausstellung auch weitere Bereiche des Hauses wie die Dachterrasse mit Domblick bespielen. Eine neue, eigens für die Ausstellung konzipierte immersive Rauminstallation mit integriertem Infinity Mirror Room wird den größten Saal des Museums füllen. Darüber hinaus werden frühe ikonische Arbeiten, wie Kusamas erste, 1963 entstandene Installation Aggregation: One Thousand Boats Show zu sehen sein.

Im Zentrum von Kusamas Werk stehen die Natur in ihrem ständigen Wandel, Werden und Vergehen sowie die Unendlichkeit des Universums, in der alles Existierende sich letztlich auflöst. Die Punktemuster (Polka Dots), mit denen die Künstlerin Gegenstände und Menschen überzieht, sind ebenso Ausdruck dieser Weltsicht wie ihre Unendlichkeits-Spiegelräume.

Erlebnisse ihrer Kindheit, darunter Halluzinationen, in denen sie den eigenen Körper und die Umgebung von Punkten, Blüten und anderen Wiederholungsmustern überwuchert wahrnahm, durchziehen Kusamas gesamtes Schaffen. Fragilität und Auslöschung sind gleichermaßen Teil dieser Erfahrungen wie die Teilhabe und Verschmelzung mit einem großen Ganzen. Ihre Kunst ist für Kusama Lebensnotwendigkeit, jedes ihrer Werke auch eine Auseinandersetzung mit sich selbst.

Nach Kindheit und Jugend im ländlichen, patriarchalisch geprägten Japan der Nachkriegszeit entflieht Kusama der Enge und geht in den späten 1950er Jahren ins New York der Flower Power-Bewegung und des Vietnamkriegs; dort bezieht sie politisch Stellung und macht Schlagzeilen mit provokanten Happenings. 1973 kehrt Kusama nach Japan zurück und verarbeitet ihre existentiellen Ängste in oft schonungslosen Romanen und Gedichten. In ihrem kraftvollen Alterswerk erschafft sie wiederum lebensvolle und farbenprächtige Bilderzyklen.

Ihren roten Faden beschreibt Kusama, wenn sie sagt: „In meinen mehr als siebzig Jahren als Künstlerin habe ich immer Ehrfurcht vor dem Wunder des Lebens gehabt. Mehr als alles andere hat mich dieser starke Sinn für die Lebenskraft im künstlerischen Ausdruck unterstützt und mir Kraft gegeben, Gefühle von Depression, Hoffnungslosigkeit und Traurigkeit zu überwinden. Ich habe mich von meinem Glauben an diese Kraft leiten lassen.“

Yayoi Kusama wird vom Museum Ludwig in Zusammenarbeit mit der Fondation Beyeler, Riehen/Basel (12. Oktober 2025 – 25. Januar 2026) und dem Stedelijk Museum Amsterdam (12. September 2026 – 17. Januar 2027) organisiert. 

In der Kölner Station der Ausstellung werden einige große installative Arbeiten gezeigt, die nicht Teil der Ausstellung in Basel sind, wie Kusamas erste, 1963 entstandene Installation Aggregation: One Thousand Boats Show, das Environment I’m Here but Nothing (2000/2026), ein in Schwarzlicht getauchter Wohnraum mit zahllosen fluoreszierenden Klebepunktenund die imposanten bunt bemalten Bronze-Blumen Flowers That Speak All about My Heart Given to the Sky, die auf der Dachterrasse des Museum Ludwig installiert werden.

Kurator: Stephan Diederich

Die Ausstellung in Köln wird ermöglicht durch das Engagement des Leading Partners des Museum Ludwig, der Peter und Irene Ludwig Stiftung, dem Excellence Partner Mazda, dem Landschaftsverband Rheinland (LVR) und der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e.V..

Musum Ludwig

Museum Ludwig 
Heinrich-Böll-Platz 
50667 Köln

Öffnungszeiten

Dienstag – Donnerstag (inkl. Feiertage): 10 – 18h 
Freitag – Sonntag (inkl. Feiertage): 10 – 20h (Die Ständige Sammlung schließt um 18h.)
Jeden 1. Donnerstag im Monat: 10 – 22h
Montags geschlossen (außer an Feiertagen)

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Die drei Studierenden der „Hochschule für Künste in Bremen“ (HfK), behandeln auf verschiedene Arten ein ähnliches Thema: Plastiken schaffen die ihren Ursprung in der Natur, oft in der tierischen Welt, haben. Die entstandenen Wesen unterscheiden sich dann aber entschieden voreinander, was vor allem den verschiedenen formalen Vorstellungen der dreien geschuldet ist. Die Plastiken, die entstehen, sind mal nahe an ihrem Ursprung, mal aber dessen Übersetzung in eine reduzierte, mehr oder weniger organische Form. Durch völlig unterschiedliche Materialien in denen sie dargestellt sind, sprechen sie von einer zeitgenössischen Haltung in der Kunst – das Material, dass mich umgibt, wird unmittelbar für die gestalterischen Prozesse eingesetzt. So wird z. B. Bauschaum, Zeitungspapier, Karton, Äste oder Ähnliches in die Arbeit eingebaut. Dies beeinflusst dann den Charakter der Arbeit und zeigt einen wichtigen Aspekt. Bei diesen drei Studierenden geht es um Offenheit und auch um die Suche nach einer eigenen Formsprache.
Hendriks Cordes Skulpturen entstehen im Spannungsfeld zwischen spielerischem modellieren und präziser Formgebung. Pralle Volumen und körperhafte Formungen verweilen bewusst in Unklarheit. Sie scheinen eigenartig vertraut und fremd zugleich.
Als gelernter Geigenbauer hat die bildhauerische Arbeit von Simon Wohlgemuth ihren Anfang in der Bearbeitung von Holz. Die dabei erworbenen Fertigkeiten wendet er nun auch in der Arbeit mit anderen Medien an. Auch im Rahmen seiner Arbeit mit Bronze kommen viele verschiedenen Techniken und Ausgangsmaterialien zum Einsatz, aus denen sich meist Tiermotive ergeben.
Die Themen, die Merle Tatoli beschäftigen, drehen sich meist um (alltägliche) existenzielle und identitätsbezogene Fragen, insbesondere im Kontext psychischer Krisen. In dieser Verflechtung richtet sie ihren Fokus immer wieder auf die Tiefen der emotionalen Ebene, versucht sie zu ergründen und auszudrücken. Ihre Arbeiten versteht sie als Dialog zwischen sich selbst und der entstandenen Skulptur. (Quelle: Kunstverein Rotenburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Bachelorabschlusspräsentation, HFK Bremen

Kunstverein Rotenburg

Nödenstraße 9
27356 Rotenburg (Wümme)
(gleich neben dem Erlebnisbad Ronolulu)

Öffnungszeiten

Samstag 14 bis 17 Uhr
Sonntag 11 bis 17 Uhr
(nur während der Ausstellungsphasen)

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„[prompt] – Künstlerische Positionen zu Künstlicher Intelligenz“
In Kooperation mit der Literarischen Gesellschaft Lüneburg und dem Literaturbüro Lüneburg im Heinrich-Heine-Haus mit der Veranstaltungsreihe „Digitale Welten“

Künstler:innen:
Martin Bäuml | J.Georg Brandt | Uwe de Witt | Nina Heinzel | Sascha Rosemarie Höfer | Gudrun Jakubeit | Britta Ruge

Vernissage: 30.05.2026 um 17 Uhr – Mit einem Input von J.Georg Brandt

Die Künstler:innen werfen in den Genres Fotografie, Installationen, Malerei, Objekte, Video und performativer Beratung den Blick auf das Spannungsfeld von Kunst und KI. Was kann Kunst, was KI nicht kann?
In den Werken werden Fragen nach Autorschaft aufgeworfen, nach ästhetischer und ethischer Verantwortung, nach dem Verhältnis von Daten, Dokumentation und (Lebens-) Wirklichkeit, nach dem Besonderen künstlerischen Denkens und Ausdrucks, nach Befürchtungen und nach der unvollkommenen „Maschine“ KI und Macht/Ohnmacht.

Ort: Heinrich-Heine-Haus, Am Ochsenmarkt 1a, Lüneburg
Dauer: 31.05-21.06.2026
Öffnungszeiten: Mittwochs, samstags und sonntags 12-18 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert durch Gerstaecker.

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Zur Vernissage gibt es ein Künstlergespräch mit den Ausstellenden.
Die Ausstellung ist ein Satellit der Jahresausstellung DIA’26 (20. Jubiläum), Fakultät Gestaltung der Hochschule Wismar.
(https://fg.hs-wismar.de/fakultaet/aktuelles/veranstaltungen/detail/n/jahresausstellung-dia26-jubilaeum-news-gestaltungwismar/

Unter dem Titel „Schimmernde Steine“ versammelt die Ausstellung Schmuck, Installation und Grafik von Alumni und Studierenden der Fakultät Gestaltung an der Hochschule Wismar aus den letzten 20 Jahren.
Der Titel bezieht sich auf eine im Studium erarbeitete Installation von Anne Lengnink „Die Schimmernden Steine“ und erzählt mit Text, Video und einem schmuckhaften Objekt vom Kindsein und Erwachsenwerden, vom Erinnern und Vergessen sowie von Träumen, Wünschen und was davon bleibt. Große Träume begleiten das Studium und müssen sich nach dem Studium in der Realität behaupten. Ecken und Kanten schleifen sich ab, Türen öffnen sich, individuelle Wege werden beschritten, Chancen eröffnet und ergriffen.
In der Ausstellung werden Studienprojekte und Abschlussarbeiten aktuellen Positionen der Schmuckschaffenden gegenübergestellt und verdeutlichen das Profil der Ausbildung sowie die verschiedenen Karrierewege. Maria Konschake z.B. wählt die akademische Laufbahn und promoviert in Belgien. Ihre künstlerische Forschung setzt sie in schmuckhafte Objekte und Installationen um. Friedericke Bogunski wiederum widmet sich nach dem Studium der Jugendarbeit und Kunstvermittlung. Sie „möchte die ‚trojanischen Kunstpferde‘ ins Rollen bringen und mutige Mitgestalter von Morgen schaffen“. Mandy Rasch hat sich dem Emaillieren verschrieben. Sie entwirft kleine und große Stücke aus Emaille und leitet in Erfurt die Künstlerischen Werkstätten. Die Leidenschaft für Tattoo führt Linda Siebke zu ihrer Diplomarbeit „Ein Leben – eine Linie“ und später in Berlin zu einem angesagten Studio für Tätowierkunst. So wie Stefan Pejunk in Wismar oder Patricia Wiekowski-Simmgen in Lübeck haben sich Andere den Traum von einem eigenen Studio mit und ohne Galerie erfüllt und fertigen individuellen Schmuck.
Prof. Andrea Wippermann und Dipl.Des. Jens Eichhof, die die Studierenden während des Studiums begleiteten, komplettieren die Ausstellung mit eigenen Arbeiten. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog. (Quelle: Kunstverein Wiligrad)

Weitere Informationen zur Ausstellung: »SCHIMMERNDE STEINE« Schmuck • Installationen • Grafik | Kunstverein Wiligrad

Kunstverein Wiligrad e.V.
Wiligrader Straße 16a
im Maschinenhaus am Schloss Wiligrad
19069 Lübstorf

Öffnungszeiten

Di–Fr 10–17 Uhr
Sa–So & Feiertags 11–17 Uhr

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Samen bilden die Grundlage unseres Lebens. Die Ausstellung Seeds. Reclaiming Roots, Sowing Futures erkundet die vielschichtigen Bedeutungen von Samen und Saatgut als Spiegel unseres Verhältnisses zur Erde und zueinander. Werke von vierzehn internationalen Künstler*innen erzählen vom Verschwinden und Bewahren, von Verlust und Regeneration, vom Potenzial des Sorgens und des gemeinsamen Wachsens. Die Ausstellung schlägt Brücken zwischen Kunst, Ökologie und Aktivismus und lädt zur Reflexion über mögliche Zukünfte ein.

Samen bilden die Grundlage unseres Lebens. Sie versorgen uns mit Nahrung und Rohstoffen, verkörpern biologische Vielfalt, bewahren und tradieren regionales Wissen und kulturelles Erbe und stehen für Hoffnung, Wandel und Erneuerung. Die Ausstellung ist Teil der Klima Biennale Wien und erkundet die vielschichtigen Bedeutungen von Samen und Saatgut als Spiegel unseres Verhältnisses zur Erde und zueinander.

Für die vierzehn internationalen Künstler*innen der Ausstellung ist das Samenkorn Ausgangspunkt für ihre Untersuchungen aus ökologischer, kulturhistorischer wie symbolischer Perspektive. Aus unterschiedlichen geografischen und kulturellen Kontexten heraus entstanden, thematisieren die versammelten Werke Migration und Kolonialismus, indigenes Wissen und Biodiversität, Agrarwirtschaft und Ernährungssouveränität, aber auch Widerstand, Selbstermächtigung, solidarische Praxis und regenerative Zukünfte. 

Die Ausstellung Seeds. Reclaiming Roots, Sowing Futures schlägt Brücken zwischen Kunst, Ökologie und Aktivismus. Die Skulpturen, Installationen, Fotografien und Videoarbeiten erzählen vom Verschwinden und Bewahren, von Verlust und Regeneration, vom poetischen wie politischen Potenzial des Sorgens und des gemeinsamen Wachsens. So wie ein Samenkorn Erbe und Potenzial, Geschichten und Zukünfte in sich trägt, entfalten sich in der Ausstellung vielfältige Narrative, die die Verflechtungen und die Komplexität der globalen Klimakrise greifbar machen und dazu einladen, über mögliche Zukünfte zu reflektieren. (Quelle: Kunsthaus Wien)

Künstler*innen:
Ackroyd & Harvey, Maria Thereza Alves, Alexandra Baumgartner, Tue Greenfort, Kapwani Kiwanga, Dominique Koch, Jumana Manna, Christian Kosmas Mayer, Marzia Migliora, Lucia Pizzani, Michaela Putz, Cecilia Vicuña, Munem Wasif

Kuratorin
Sophie Haslinger

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation bei Spector Books, Leipzig.

Die Ausstellung findet im Rahmen der Klima Biennale Wien statt. 

Weitere Informationen zur Ausstellung: Seeds | KunstHausWien — Museum Hundertwasser

Kunst Haus Wien
Untere Weißgerberstraße 13
1030 Wien

• ÖffnungszeitenTäglich geöffnet von 10.00 bis 18.00 UhrKassaschluss: 30 Minuten vor Museumsschluss.

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Ulli Böhmelmanns Objekte und Installationen entstehen in Wechselwirkung mit vorhandenen Räumen. Dabei bezieht die Künstlerin Besonderheiten der Architektur in ihre Installationen ein oder nimmt bisher nicht wahrgenommene Zwischenräume in den Fokus. Für die Galerie Peripherie realisiert sie ihre Installation „Blätter – Leaves 2“, ein hängendes Kunstwerk, bestehend aus hunderten hauchdünnen Porzellanblättern, die in Kooperation mit dem Museum Schloss Fürstenberg entstanden sind. Die schwebenden, gleichsam vom Wind durch die Luft gewirbelten Blattformen holen Luft und Bewegung rund um das Sudhaus in das Gebäude und machen sie sichtbar. (Quelle: galerie peripherie)


Zur Ausstellung und Ulli Böhmelmann
Der Kunstraum Galerie Peripherie ist ein Kubus mit der Kantenlänge 10m. Die Form, die mittige Säule und die zwei großen Facettenfenster geben dem Raum selbst eine starke eigene Präsenz. Schwerpunkt des Ausstellungsprogramms sind künstlerische Positionen, die sich mit der ortsspezifischen Architektur auseinandersetzen. In der jüngsten Zeit hat die Galerie verstärkt Künstler_innen präsentieren können, die im nationalen Kunstkontext bekannt sind.

Ulli Böhmelmann (*1970 in Mainz) begann ihre künstlerische Ausbildung in Mainz mit einer Lehre als Baukeramikerin und studierte im Anschluss an der HfK Bremen Freie Bildhauerei/ Keramik, das sich auf Porzellan und ortsspezifische Installationen konzentrierte. Bereits während ihres Studiums gewann sie den japanischen INAX Design Prize for European, der sie für drei Monate nach Japan führte. Ihre Werke wurden in Deutschland, Europa, Japan, Russland, Mauretanien (Afrika) und den USA gezeigt.

2025 hat Ulli Böhmelmann mit der ortsbezogenen Installation „Firmament“ den Luftraum der Festungskirche Ehrenbreitstein bei Koblenz bespielt.
Die Festung mit ihrem immensen Mauer-werk steht in schroffem Gegensatz zum Schaffen der Künstlerin. Ein auffälliges Merkmal der Anlage sind unzählige Rundbögen, die Fenster, Durchgänge und ehemalige Schießscharten einfassen oder überein-andergeschichtet den Mauern Festigkeit verleihen. Für den Luftraum der Festungs-kirche entwickelte Ulli Böhmelmann eine schwebende, transparente Architektur aus Papier, welche die vielfältigen Rundbögen des Bauwerks aufgreift und variiert. Die Ausstel-lung wurde u.a. vom Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V., München, und der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur gefördert.

2022 erarbeitete Böhmelmann im Auftrag des neu gegründeten Museum of Broadway in New York City die hängende Installation „Phantomenon“. Sie ist dauerhaft im „Phantom of the Opera“-Themenraum zu sehen und besteht aus 13.000 Kristallglasperlen, welche den Moment des zerspringenden Kronleuchters festhalten. Aus einem bestimmten Blickwinkel ist die Maske des Phantoms erkennbar.

Auszeichnungen / Förderungen / Stipendien / Preise
2025 Projektförderung durch Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur und Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V.
2023/24 Projektförderung durch die deutsche Botschaft in Mauretanien
2022 Auszeichnung der Freunde der artothek Köln e.V. für das Gesprächsforum „statements Köln“
2020/21/22 Künstlerstipendium NRW-Corona-Hilfe 
2015/16 Export-Förderung Internationale Kulturarbeit für die USA durch das Land NRW
2015 Projektförderung durch die Sparkassenstiftung Niedersachsen, die Stiftung Niedersachsen und die Stadtwerke Lehrte 
2009-11 Projektförderung durch das KULTURsekretariat NRW, den Ministerpräsidenten des Landes NRW, das Goethe Institut Moskau, Reisestipendium Russland durch die European Cultural Foundation, Niederlande   
2010 Arbeitsstipendium – AiR (Artist in Residence) Zehnthaus Jockgrim
2009 Ausstellungsförderung durch die Sparkassen-Kulturstiftungen Rheinland und Heinsberg 
2006+2009 Arbeitsstipendium – AiR Künstlergut Prösitz, D
2005 Katalogförderung durch das Land Rheinland-Pfalz, Ausstellungsförderung durch das Land Hessen 
2002 Burgund-Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz
1998 Arbeitsstipendium – AiR Porzellanmanufaktur Nymphenburg
1994 INAX Design Prize and AiR, Tokoname, Japan

Weitere Informationen zur Ausstellung: peripherie. Die Galerie im Sudhaus / Tübingen

Galerie peripherie, Hechinger Straße 203, 72072 Tübingen

Öffnungszeiten: Do – So 17 – 20 Uhr

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Women in the Dark“ ist ein internationales, partizipatives und transdisziplinäres Kunstprojekt der Schweizer Künstlerin Franziska Greber, das sich gegen Diskriminierung und Gewalt richtet. Es trägt die Stimmen von Frauen weltweit in die Öffentlichkeit. Das Projekt wurde 2016 in Simbabwe initiiert und wird seither in China, Indien, Chile, Mauritius, den Seychellen, der Schweiz und in Deutschland umgesetzt.

In enger Kooperation mit Frauen- und Menschenrechtsorganisationen ermutigt Franziska Greber Frauen, ihre Erfahrungen, Verletzungen, aber auch Hoffnungen und Forderungen mit rotem Permanentstift auf weiße Blusen oder andere landestypische Kleider zu schreiben – beispielsweise Schals in Indien. Mit den beschrifteten Kleidungsstücken schafft die Künstlerin raumgreifende Installationen.

In der Kunsthalle Erfurt ist „Women in the Dark“ nun in einer erweiterten Form zu sehen. In vielfältigen Installationen, Objekten, Videos und Audiobeiträgen werden die Erzählungen der Frauen und das Thema im Ausstellungsraum unmittelbar erfahrbar.

Allein in Deutschland schrieben 690 Frauen aus rund 150 Organisationen in 12 Bundesländern ihre Botschaften in 40 Sprachen auf. Diese sind in einem Buch in der Originalsprache und deutschen Übersetzung zu lesen.

2023 wurde „Women in the Dark“ mit dem deutschen Kunstpreis The Power of the Arts ausgezeichnet. 

Die Ausstellung ist eine Kooperation der Kunsthalle Erfurt mit der Künstlerin Franziska Greber, der Beauftragten für die Gleichstellung von Frau und Mann des Freistaats Thüringen sowie Women in the Dark Deutschland e.V.. (Quelle: Kunsthalle Erfurt)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Franziska Greber: Women in the Dark – Aufruhr des Schweigens | Kunstmuseen Erfurt

Veranstaltungsort: Kunsthalle Erfurt, Fischmarkt 7, 99084 Erfurt

Öffnungszeiten
Dienstag – Sonntag von 11 – 18 Uhr (auch feiertags)
Donnerstag von 11 – 22 Uhr (auch feiertags)

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Die Ausstellung präsentiert Werke, die Sprache, Grenzen und Machtstrukturen befragen in direktem Dialog mit Joseph Beuys und der Sammlung Marx. Damit hebt sie ein zentrales Thema des Hamburger Bahnhofs hervor: der künstlerische Austausch als Fundament seit der Museumsgründung.

Shilpa Gupta wurde 1976 in Mumbai geboren. Von 1992 bis 1997 studierte sie Bildhauerei an der Sir J. J. School of Fine Arts. 

Ihre Installationen gehen über traditionelle Galerieräume hinaus, mit Projekten wie „Someone Else“ (2011), das eine Bibliothek mit 100 anonym oder unter Pseudonymen geschriebenen zeigt und in öffentlichen Bibliotheken auf der ganzen Welt ausgestellt wird. Gupta hat auch Lichtinstallationen für den Außenbereich geschaffen, wie „I live under your sky too“ (2004) und „My East is Your West“ (2014), eine animierte Lichtinstallation mit den Worten „My East is Your West“, die in einer nichtlinearen Anordnung beleuchtet werden.

2025 wurde sie mit dem Possehl-Preis für internationale Kunst 2025 ausgezeichnet. Gupta ist nach Doris Salcedo und Matt Mullican der dritte Künstler, der den Preis gewinnt, der alle drei Jahre vergeben wird. Im Jahr 2024 wurde sie von der Asia Society mit dem „Path Breakers Award“ ausgezeichnet. Im Jahr 2019 wurde Gupta mit dem GQ Cultural Provocateur Award ausgezeichnet; 2018 wurde sie von India Today zur New Media Artist of the Year gekürt.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.smb.museum/museen-einrichtungen/hamburger-bahnhof/ausstellungen/detail/shilpa-gupta/

Eingang für Besuchende

Invalidenstraße 50
10557 Berlin

Öffnungszeiten

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Die Galerie Judin freut sich, Plein soleil zu präsentieren, Zilla Leuteneggers erste Einzelausstellung in der Galerie. Die Künstlerin nutzt die lichtdurchflutete Architektur unseres Hauptausstellungsraums, der einst als Druckhalle für die Zeitung Tagesspiegel erbaut wurde, und vereint Installationen, Videoprojektionen und Monotypien, wodurch sie den Raum in eine Abfolge experimenteller Umgebungen verwandelt.

Die Ausstellung entfaltet sich als psychologische und räumliche Reise durch das Leben des Alter Egos Z der Künstlerin, wobei Licht als zentrales thematisches und formales Element im Mittelpunkt steht, nicht nur konzeptionell, sondern auch architektonisch, da die markanten Oberlichter die Wahrnehmung des Raumes entscheidend prägen.

Das Psychogramm, das Leutenegger mit ihrer Installation zeichnet, stellt die Dialektik von Licht und Schatten in den Vordergrund. Anstatt ihr Alter Ego als vollständig artikuliertes Subjekt – die metaphorische Lichtquelle – zu präsentieren, offenbart die Künstlerin dessen Spuren: die Schatten, die ein Leben wirft, seine Gesten und Stimmungen. Die abwesende Figur wird durch Fragmente und Eindrücke angedeutet, und wir, die Betrachter, sind eingeladen, am Prozess der Bedeutungsfindung teilzunehmen. Im Laufe dieses Ratespiels werden die eigenen Projektionen und Assoziationen der Betrachter Teil des Werks und erweitern das Feld der Schatten.

Tauchen wir also ein in diese Begegnung! Wie enge Freunde oder Familienmitglieder betreten wir das „Zuhause“ der Figur durch die Waschküche, einen Übergangsraum und intimen Ort, der uns in den häuslichen Kosmos der Protagonistin einführt. Wir umgehen ein weißes Hemd, das an einer Wäscheleine hängt und den Körper der abwesenden Figur heraufbeschwört, während es deren Konturen nachzeichnet. In der gesamten Installation entfalten sich poetische Momente der Ablenkung und Konzentration, des Lebensgenusses und der Ausdauer. Ein Tonfall fröhlicher Melancholie durchzieht die Ausstellung und wirkt fast wie eine akustische Unterströmung. Monotypien – einzigartige Drucke, die aus spiegelverkehrt bemalten Schablonen hergestellt werden – umreißen Innenräume und dienen als Kontrapunkt zur Außenwelt, die in erster Linie durch das einfallende Licht und das daraus resultierende Schattenspiel definiert ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung: 2026 Zilla Leutenegger: Plein soleil · Galerie Judin

Mercator Höfe
Potsdamer Strasse 83
10785 Berlin

+49 30 39 40 48 40
info@galeriejudin.com

Viewing hours
Tuesday – Saturday
11.00 – 18.00
or by appointment

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