Bremen ohne Weser? Unvorstellbar! Der rund 450 Kilometer lange Fluss prägt ganze Regionen, mehr als 40 Kilometer fließt er durch die Stadt. Wir spazieren an seinen Ufern, schwimmen in seinem Wasser, leben an und mit ihm. Doch wie geht es eigentlich der Weser selbst? Und wie verändert sich unser Blick auf sie, wenn wir sie nicht länger als Ressource, sondern als lebendiges Gegenüber begreifen? Die Ausstellung Wir sind der Fluss lädt dazu ein, die Weser und unsere Beziehung zu ihr in neuem Licht zu betrachten.

Im Zentrum steht eine raumgreifende Installation des Bremer Künstlers Felix Dreesen. Statt die Weser als idyllischen Naturraum zu zeigen, richtet Dreesen den Blick auf ihre Künstlichkeit: auf die vielen Eingriffe, welche Verlauf, Fließgeschwindigkeit, Ökosystem und Form geprägt haben. Mit Wasserbausteinen, Vliesen und weiteren Materialien aus dem Wasserbau entsteht eine stilisierte Nachbildung der Flusssohle. So wird erfahrbar, wie stark der Mensch die Weser gestaltet, nutzt und verändert.

Ergänzt wird die künstlerische Arbeit durch Stimmen von Menschen, für die die Weser eine besondere Bedeutung hat: Was verbinden sie mit der Weser? Was würde es bedeuten ihr eigene Rechte zuzusprechen? Und was wünschen sie sich für ihre Zukunft? Die Stimmen einer Binnenschifferin, eines Försters, einer Gewässerbiologin oder eines Dichters eröffnen selten gehörte und überraschende Perspektiven. In ihrer Gesamtheit zeigen sie, wie vielfältig die Sichtweisen auf die Weser sein können – und wie wichtig es ist, diese zusammenzubringen, damit die Interessen von Mensch und Fluss gewahrt bleiben.

Kuratiert von: Jessica Fritz, Valentina Rojas Loa und Felix Dreesen

Weitere Informationen zur Ausstellung: Wir sind der Fluss. Was uns mit der Weser verbindet 21.3.-23.8.2026 – Hafenmuseum Bremen

Hafenmuseum Bremen
Am Speicher XI 1
28217 Bremen

Öffnungszeiten

Dienstag

11:00 – 18:00 Uhr

Mittwoch

11:00 – 18:00 Uhr

Donnerstag

11:00 – 18:00 Uhr

Freitag

11:00 – 18:00 Uhr

Samstag

11:00 – 18:00 Uhr

Sonntag

11:00 – 18:00 Uhr

Aufgrund der Unwetterwarnung bleibt das Museum am Freitag, dem 9. Januar geschlossen.

Geöffnet an folgenden Feiertagen: Ostermontag, Christi Himmelfahrt, Pfingstmontag, 3. Oktober und 31. Oktober von 11:00 – 18:00 Uhr.
Schulklassen nach Anmeldung: Montag bis Freitag von 9:00 – 18:00 Uhr.

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Das Künstler:innenhaus Bremen präsentiert 2026 die erste institutionelle Einzelausstellung von Anita Esfandiari in Deutschland. Die malerische Praxis Esfandiaris konzentriert sich auf Figuren und Körper, die häufig in unkonventionellen Formen dargestellt und in Momenten von Bewegung oder Übergang festgehalten werden. Für das Projekt Buoyant Dribble begann Esfandiari mit einer gefundenen Fotografie, die junge Menschen beim Basketballspielen zeigt, und übersetzte diese in großformatige, skulpturale Gemälde. Jedes Bild fungiert als Aufzeichnung eines flüchtigen Moments, der durch kontinuierliche Verschiebungen von Bild, Landschaft und Bewegung weitergetragen wird. Durch die Fragmentierung eines bestehenden Bildes und dessen Erweiterung zu einer Sequenz innerhalb einer skulpturalen Malpraxis untersucht Esfandiari, wie gebrochene Gesten und verstreute Narrative alternative Zugänge zu Transformation eröffnen. Zeit, Geschichte und Handlungsmacht entfalten sich dabei nicht linear, sondern durch Schichtungen, Brüche und Wiederholungen.

Im Zentrum von Esfandiaris Gemälden stehen marginalisierte Körper sowie ephemere Momente alltäglicher Präsenz und Nähe. Die Arbeiten zeigen, wie Imagination, Sichtbarkeit und kleine transgressive Akte des Schaffens Gegennarrative hervorbringen können. Diese Formen des Widerstands sind nicht immer unmittelbar sichtbar, bleiben jedoch dauerhaft und wirksam: selbstbewusst und verletzlich zugleich, getragen durch Verbundenheit mit anderen. Solche verkörperten Beziehungen alltäglicher Präsenz fungieren sowohl als Motive als auch als konzeptuelle Grundlage von Esfandiaris Praxis und wirken als eigenständige, kraftvolle Ausdrucksformen. Die Darstellung von Körpern in Bewegung und ihrer sequenziellen Interaktion verweist somit nicht nur auf Freizeit oder Spiel, sondern auch auf eine Aneignung von Raum, eine Infragestellung normativer Strukturen und ein Plädoyer für geteilte Präsenz.

Anita Esfandiari wurde in Tehran, Iran, geboren und halt ihr Studium an der Städelschule in Frankfurt am Main in 2022 abgeschlossen, wo sie in der Klasse von Prof. Judith Hopf studiert hat. Zuvor studierte sie Malerei an der Art and Architecture – Islamic Azad University in Tehran und fokussiert sich in ihrer Praxis auf Bildhauerei, Malerei und Sound. Ausstellungen u.a. im SculptureCenter New York (2025), Frankfurter Kunstverein (2023), Opelvillen Rüsselsheim (2020), Abi Gallery and Delgosha Art Gallery, Tehran (2020), und Columbus Museum of Art, Ohio. Anita Esfandiari lebt und arbeitet zurzeit in Berlin. (Quelle: KH Bremen)

Kuratorin: Marie Oucherif

Weitere Informationen zur Ausstellung: KH Künstler:innenhaus Bremen e. V.

KH Künstler:innenhaus Bremen e. V.

Am Deich 68/69
28199 Bremen

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In der Schweiz gilt Maria Piniska-Beres (1931–1999) als Neuentdeckung, in ihrem Heimatland Polen ist sie längst als Pionierin berühmt. Das Kunstmuseum Luzern widmet der feministischen Künstlerin eine umfassende Retrospektive.

Piniska-Beres‘ künstlerisches Schaffen umfasst Skulpturen, Installationen und Performances, die sich kritisch mit Geschlechterrollen und Gesellschaftsstrukturen auseinandersetzen. Ihr Werk zeugt von den Erfahrungen einer Künstlerin, die sich während des Kalten Krieges aus dem Korsett gesellschaftlicher Zwänge und patriarchaler Ordnung befreit. Sie bricht mit den Konventionen ihrer traditionellen Ausbildung an der Akademie der Bildenden Künste in Krakau und entwickelt eine eigene Formsprache, in die sie weiche Materialien wie Schaumstoff integriert. Die Farbe Rosa ist dabei ihr Erkennungsmerkmal. Sie reagiert damit auf das im Kommunismus omnipräsente Rot und transportiert zugleich ihre feministische Botschaft. Ihre Skulpturen nehmen Raum ein, sind teils erotisch, subtil, doch gleichzeitig direkt und voller Ironie.

Kuratiert von Heike Munder und Jaros?aw Suchan in Kooperation mit Kunstmuseum Bochum, mitorganisiert durch Adam Mickiewicz Institut, mitfinanziert durch das Ministerium für Kultur und nationales Erbe der Republik Polen 

Weitere Informationen rund um die Ausstellung: Maria Piniska-Beres | Kunstmuseum Luzern

Kunstmuseum Luzern
Europaplatz 1
6002 Luzern
Schweiz

Dienstag bis Sonntag 11–18 Uhr
Mittwoch 11–19 Uhr

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Acht Mitglieder des Künstlervereins Vestjyllandsudstillingen zeigen Malerei, Skulptur, Keramik, Grafik und Installation.

Bibi Hansen. Sverre Tveito Holmen. Ole Holm Larsen. Michael Mørk. Laut J. K. Pedersen. Kate Skjerning. Bjarke Regn Svendsen. Ingrid Katrine Villesen.

Dies ist die erste Ausstellung einer Reihe, die die Westjütland-Ausstellung südlich der Grenze präsentiert. Die Westjütländische Ausstellung bringt professionelle, renommierte Künstler zusammen.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen 2026 | Mikkelberg

Mikkelberg, Zentrum für Nordische Kunst und Cricket
Horstedter Chaussee 1
D – 25856 Hattstedt

Öffnungszeiten
März – Dezember

Montag: geschlossen

Dienstag: geschlossen

Mittwoch: 10.-16.

Donnerstag: 10-16 Uhr

Freitag: geschlossen

Samstag: 12.-16.

Sonntage und Feiertage: 12.–16.

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Ich gab all meine Blätter

Ich gab all meine Blätter

Papiere

red mit euch

über Augen

red mit euch

aus meinem

Bauch heraus

hab keine Tinte mehr

zum Stopfen meiner Stimme

(Lorrie Jean-Louis, Aus dem Französischen (Québec) übersetzt von  Jennifer Dummer)

J’ai donné toutes mes feuilles

J’ai donné toutes mes feuilles
mes papiers

je vous parle
de mes yeux

je vous parle
à partir
de mon ventre

je n’ai plus d’encre
pour raccommoder ma voix

Aus: Main d’oeuvre, Montréal: Mémoire d’encrier, 2023, ISBN: 9782897129170, Audioproduktion: Productions Rhizome

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25.10.2025 – 15.02.2026 im Fotomuseum Winterthur /Schweiz

Das Fotomuseum Winterthur zeigt eine Sammlungspräsentation der besonderen Art: Im Ausstellungsraum treten Arbeiten der kanadischen, auf Barbados geborenen Künstlerin Kara Springer (*1980) in einen Austausch mit Werken aus der Sammlung des Museums. Durch gezielte Gegenüberstellungen entstehen unerwartete Verknüpfungen und fruchtbare Kontraste. Die Verbindungen zwischen den Arbeiten Springers und denjenigen aus der Sammlung zeigen sich auf unterschiedlichen Ebenen; sie wirken über inhaltliche und ästhetische Gemeinsamkeiten und Unterschiede und werden räumlich erfahrbar. 

Springer arbeitet mit Fotografie, Skulptur sowie ortsspezifischen Installationen. Sie setzt sich unter anderem mit Architektur und städtischer Infrastruktur sowie den Machtstrukturen, die sich darin widerspiegeln, auseinander. 

Die Präsentation befasst sich mit diasporischer Identität sowie den Wechselwirkungen zwischen dem menschlichen Eingreifen in die Natur und dem Einfluss, den die Natur im Gegenzug auf uns Menschen hat. Gezeigt werden unter anderem Werke aus der Sammlung des Fotomuseum Winterthur von Besma Ben Said, Tacita Dean, Olafur Eliasson, David Goldblatt, Roni Horn, Gordon Matta-Clark und Pipilotti Rist.

Das neue Ausstellungsformat Miteinander ist als Reihe konzipiert. Für diese verfolgt das Fotomuseum Winterthur in enger Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Kunstschaffenden die Aktivierung der Sammlung; in dieser ersten Ausgabe mit Springer. Da dies die erste institutionelle Präsentation der Künstlerin in der Schweiz ist, erweist sich die Kooperation nicht nur als Möglichkeit, die Sammlung des Museums (wieder) zu entdecken, sondern als erstmalige gezielte Begegnung mit dem vielseitigen Schaffen Springers. (Quelle: Fotomuseum Winterthur)

Über die Künstlerin

Die Künstlerin Kara Springer (*1980), geboren auf Barbados in der Karibik, lebt und arbeitet in New York und Toronto. In ihrer multimedialen Praxis – von Fotografie über Skulptur bis zu ortsspezifischen Installationen – befasst sie sich mit Machtstrukturen, diasporischen Erfahrungen sowie den Auswirkungen menschlicher Eingriffe in die Natur. Berge – als Orte der Zuflucht und des Widerstands – nehmen in Springers Arbeiten eine besondere Rolle ein. 

Springer studierte an der University of Toronto, an der ENSCI – Les Ateliers (Paris) sowie an der Tyler School of Art and Architecture der Temple University (Philadelphia). Ihre Arbeiten wurden unter anderem im Museum of Contemporary Art Toronto (MOCA Toronto), bei Artists Space (New York), im Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania (ICA Philadelphia), in der National Art Gallery of The Bahamas (NAGB), der National Gallery of Jamaica sowie im Museum Angewandte Kunst (Frankfurt am Main) ausgestellt. 

Sie ist Absolventin des Independent Study Program (ISP) am Whitney Museum of American Art und war Stipendiatin des Core Residency Program am Museum of Fine Arts, Houston. 

Weitere Informationen zur Ausstellung: (Mit)einander – Kara Springer und die Sammlung des Fotomuseum Winterthur – Fotomuseum Winterthur

Fotomuseum Winterthur
Grüzenstrasse 44 + 45
CH – 8400 Winterthur

Öffnungszeiten:

Dienstag / Donnerstag / Freitag 11:00–17:00
Mittwoch 11:00–20:00 (ab 17:00 mit freiem Eintritt)
Samstag / Sonntag: 11:00–18:00
Montag geschlossen

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Vaira Janz, Tamino Dathe, Marten Blatt, Stefanie Heinrich und Gretha Boenisch sind fünf Köpfe aus dem Bereich der Freien Kunst. Sie lernten sich während des Studiums an der Ottersberger Hochschule für Künste im Sozialen kennen und bilden nun, auch über das Studium hinaus, das Künstler:innenkollektiv „Krisel“.
Das Kollektiv zeichnet sich durch eine interdisziplinäre Zusammensetzung aus, es führt verschiedene Sichtweisen zusammen und macht die kreative Zusammenarbeit einzigartig. Es werden künstlerisch neue Ausdrucksformen in Malerei, Installation, Performance bis hin zu Film, Foto und digitalen Medien erforscht. Dabei werden
verschiedene Kompetenzen und interdisziplinäre (Berufs-) Erfahrungen der jeweiligen Personen eingebracht. Es wird gemeinsam ein Raum geschaffen, in dem Ideen wachsen, Perspektiven aufeinandertreffen und Grenzen überschritten werden.
Das Kriselkollektiv, eine junge Konstellation aus fünf Künstler:innen präsentiert seine Debüt-Ausstellung als respektvolle Brise durch die Gegenwart. In einer Zeit, in der Unsicherheit zu unserem Alltagsklang gehört, verweben die Künstlerinnen und Künstler persönliche Erfahrungen, kollektive Beobachtungen und experimentelle Formate zu einer kuratorischen Begegnung mit dem Fragmentarischen, dem Bruchstückhaften und dem Unfertigen.
Der Titel „Eine Brise Krisel“ deutet eine Stimmungsrichtung an: Eine Brise – leicht, unaufdringlich – die dennoch Wandel anklingen lässt; die Krise: ein inflationär benutzter Begriff als Zeichen für die Abweichung vom Geplanten. Die Werke der fünf Künstler:innen setzen sich mit diesem Spannungsverhältnis auseinander: Zwischen Stillstand und Aufbruch, zwischen Erinnerung und Gegenwart, zwischen Individuum und Gemeinschaft.
Jede:r eröffnet eine eigene Perspektive:
Ein emotionaler Blick auf das Alltägliche, das durch wiederkehrende Muster brüchig wird. Zentrale Fragen der Ausstellung drehen sich um: Wie verarbeiten Künstlerinnen und Künstler Krisenmomente? Welche Formen von Nähe entstehen innerhalb eines Kollektivs, dessen Stärke in der Diversität liegt? Und wie lässt sich Krise als kreativer Impuls verstehen, der neue Sichtweisen ermöglicht, statt zu lähmen?
Die Ausstellung lädt Besucherinnen und Besucher ein, die Brise Krisel als einen Prozess zu erleben: niemals endgültig, immer im Fluss, offen für Modifikationen und Dialog. Die Werke reagieren aufeinander, bauen Brücken, lösen Knirschen aus und erzeugen neue Verstrickungen aus Denken, Fühlen und Sichtbarkeit.
Kuratorisch wird der Fokus auf Transparenz, Kontextualisierung und Raum für Reflexion gelegt. Begleitende Gespräche, kurze Künstlergespräche und Publikationen liefern Einblicke in die Entstehung, die Motivationen und die gemeinschaftliche Arbeitsweise des Kollektivs. So wird die erste Ausstellung zu einer keimenden Plattform, auf der die Brise zur Stimme wird und die Krise zu einem gemeinsamen Erfahrungsraum. (Quelle: Kunstverein Rotenburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Junge Positionen: Eine Brise Krisel

Kunstverein Rotenburg

Nödenstraße 9
27356 Rotenburg (Wümme)
(gleich neben dem Erlebnisbad Ronolulu)

Öffnungszeiten

Samstag 14 bis 17 Uhr
Sonntag 11 bis 17 Uhr
(nur während der Ausstellungsphasen)

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„Uncanny“ ist ein Gefühl des „vertraut Fremden“. Es beschreibt jene eigentümliche Erfahrung, wenn etwas Alltägliches plötzlich fremd oder gar beunruhigend wirkt. Sigmund Freud wies darauf hin, dass dieses Gefühl oft daher rührt, dass etwas eigentlich Verdrängtes oder Vergessenes wieder an die Oberfläche tritt – sei es eine frühkindliche Erfahrung oder eine längst unterdrückte kulturelle Vorstellung. Das „Unheimliche“ ist daher nicht bloß Fremdheit, sondern die unerwartete Enthüllung von etwas Vertrautem. Es stört unsere gewohnte Beziehung zur Welt und verwandelt das Alltägliche ins Unheimliche. Vor diesem Hintergrund entfaltet Zhou Zhiyi ihre Arbeit. Mit Fotografie und Installation setzt sie sich mit dem Phänomen der Misogynie in der Gegenwart auseinander. Sie macht deutlich, dass Misogynie nicht nur ein individuelles psychologisches Problem ist, sondern tief in den gesellschaftlich-kulturellen Strukturen verankert liegt und durch Erziehung, Tradition und Machtverhältnisse ständig reproduziert wird. In ihren Werken tauchen immer wieder Zöpfe und langes Haar auf – Symbole für Frauen, die unter patriarchalen Ordnungen diszipliniert und kontrolliert werden. Diese scheinbar vertrauten Zeichen wirken im künstlerischen Kontext plötzlich anders: Sie offenbaren die verborgene Gewalt und die Geschlechtervorurteile, die unseren Alltag prägen.
Besonders hebt Zhiyi Zhou hervor, dass Misogynie nicht nur in männlichen Vorurteilen gegenüber Frauen existiert, sondern auch in der Abwertung und Feindseligkeit unter Frauen selbst. Solche internalisierten Vorurteile führen dazu, dass Frauen unbewusst patriarchale Logiken fortschreiben – gegen sich selbst wie auch gegen andere. Ihre Arbeiten erzeugen genau jenes Gefühl des „Unheimlichen“: Sie konfrontieren uns mit der Unruhe und den Widersprüchen, die unter der Oberfläche des Vertrauten verborgen liegen.
Diese Ausstellung handelt daher nicht allein von Frauenfragen, sondern auch von einer ästhetischen Erfahrung des Unheimlichen. Sie lässt uns in vertrauten Symbolen und Bildern die verdrängten gesellschaftlichen Wahrheiten erkennen – und fordert uns heraus, im Unbehagen und in der Reflexion die Beziehungen zwischen Menschen und Gesellschaft, Geschlecht und Macht neu zu überdenken.
Zhiyi Zhou wurde am 12. August 2000 in Shangrao, Jiangxi, China, geboren. 2018 schloss sie ihre Ausbildung an der Shangrao County No. 2 Middle School mit Schwerpunkt Kunst ab. 2019 studierte sie zunächst Deutsch an der Beijing International Studies University und zog im August desselben Jahres nach Deutschland, um ihr Kunststudium an der Hochschule für Künste im Sozialen Ottersberg zu beginnen. Seit 2020 arbeitet Zhiyi Zhou unter der künstlerischen Begleitung von Michael Dörner und nahm bereits an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teil. 2023 erhielt sie das
DAAD STIBET-Stipendium.
In ihrer künstlerischen Arbeit greift Zhiyi Zhou häufig persönliche Erfahrungen sowie Elemente der asiatischen Kultur auf, um ihre Kritik an der zeitgenössischen Gesellschaft und insbesondere an patriarchalen Strukturen zu formulieren. Ihre bevorzugten Medien sind Fotografie, KI-generierte Fotografie und künstlerische Installationen. Ziel ihrer Werke ist es, gesellschaftliche Missstände sichtbar zu machen, das Bewusstsein für soziale Fragen zu schärfen und kritische Reflexion anzuregen. (Quelle: Kunstverein Rotenburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Uncanny Junge Positionen Fotografie, Installation Bachelorabschlusspräsentation, HKS Ottersberg Zhiyi Zhou, Bremen und Ottersberg

Kunstverein Rotenburg

Nödenstraße 9
27356 Rotenburg (Wümme)
(gleich neben dem Erlebnisbad Ronolulu)

Öffnungszeiten

Samstag 14 bis 17 Uhr
Sonntag 11 bis 17 Uhr
(nur während der Ausstellungsphasen)

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Wolken und deren Spiel am Himmel faszinieren die Menschen seit jeher: Wir schauen verträumt zum Horizont, beobachten kontemplativ die vorbeiziehenden Wolken oder blicken neugierig nach oben, um Wetterumschwünge und drohendes Gewitter zu erkennen. Und so haben diese Ansammlungen von Dunst in der Luft stets auch Künstler*innen zu beeindruckenden Werken angeregt.

In der Renaissance und im Barock kamen Wolken vornehmlich als Symbol des Göttlichen zum Einsatz, während sie in der Romantik und im Impressionismus als eigenständiges Element ins Zentrum der atmosphärischen Landschaftsmalerei rückten. Diese Ausstellung in Kooperation mit der Kunsthalle Emden vereint Werke mehrerer Epochen mit Schwerpunkt auf der Kunst vom 19. bis zum 21. Jahrhundert. Die Gemälde, Grafiken, Fotografien, Installationen und Videoarbeiten greifen verschiedene Aspekte des Motivs Wolke auf – bis hin zu aktuellen Diskursen wie Klimawandel und Umweltschutz.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Vorschau – Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen

Städtische Galerie
Hauptstraße 60-64
74321 Bietigheim-Bissingen

Öffnungszeiten

Di, Mi, Fr 14–18 Uhr
Do 14–20 Uhr
Sa, So, Feiertage 11–18 Uhr
Mo geschlossen
26. Dez., 1. und 6. Jan. 11–18 Uhr
24., 25. und 31. Dez geschlossen

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Die in Zürich lebende Künstlerin Rachel Khedoori, deren Arbeiten Installation, Skulptur, Film und Fotografie miteinander verbinden, präsentiert neue und jüngere Werke ihres skulpturalen Schaffens im Dialog mit einigen älteren Arbeiten. Dazu zählt auch die frühe 16-mm-Filminstallation Pink Room.
Einige der Arbeiten bestehen aus fragilen Trägern wie Papier, die mit farbigen, enkaustischen Schichten überzogen und durch Harz stabilisiert sind; andere aus Materialien wie Bronze, Aluminium oder Gips. Sie evozieren traumartige Ansichten fragmentierter Räume und Architekturen, die in verschiedenen Stadien von Kollaps und Zerfall erscheinen; andere beziehen sich auf Formen, Apparate und Verfahren des Sehens, und verhandeln so das komplexe Verhältnis zwischen Bildproduktion und Wirklichkeitskonstruktion.

Die neuen Kompositionen Khedooris stehen nicht losgelöst von der Realität im Raum, sondern sind geprägt von einer Atmosphäre, die sich kaum von der politischen Gegenwart trennen lässt, in der sie entstehen. Ihre Fragilität ruft Vorstellungen auf, die über das Ausstellungssetting hinausreichen – beschädigte Fassaden, unterbrochene Infrastrukturen, Ordnungen, die ins Wanken geraten.

Solche Assoziationen drängen sich nicht als Behauptungen auf, sondern ergeben sich aus der Form der Arbeiten. Im Oeuvre der Künstlerin liefert ihr frühes „Iraq Book Project“ (2003–2010) einen möglichen Hinweis: Khedoori sammelte über mehrere Jahre Presseberichte aus westlichen und arabischen Quellen zum Irakkrieg, archivierte sie in Form von über 80 gebundenen Bänden und konfrontierte so die Unmöglichkeit eines kohärenten Narrativs mittels einer radikal materiellen Setzung. Auch hier: keine Auslegung, keine Symbolik, sondern lediglich eine Ordnung, die Brüche sichtbar macht. Die neue Werkgruppe ist stiller, sinnlicher — aber nicht unpolitisch. Sie fragt nicht nach konkreten Ereignissen, sondern lässt strukturelle Erschütterungen zur ästhetischen Methode werden.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Rachel Khedoori – null

Heidelberger Kunstverein e.V.
Hauptstraße 97
D-69117 Heidelberg

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