Es mag andere Keramiker schaudern, betrachtet man Farbe und Material der Objekte/Disjekte Bernd Fischers. Für Dogmatiker sind es Zumutungen, für ihn gewonnene Freiheiten – auch hierin wird die Tiefe seines Bruchs mit früheren
Konventionen deutlich. Aus Paperclay sind jene Arbeiten, ein Mischmaterial aus Ton und Zellstoff, das die unendliche Formbarkeit der keramischen Masse wahrt, zugleich aber nach dem Brand Dichte und Schwere von Keramik missen lässt, gewissermaßen von keramischer Charakterlosigkeit ist. Bernd Fischer gesteht, dass es gerade dies
Hybride des Materials ist, was ihm zupass kommt: Nicht Keramik und doch Keramik.

Aus nichts anderem als aus Keramik können seine Arbeiten sein, und zugleich sollen sie den Aspekt von Keramik nicht herausstellen. Undogmatischer noch seine Verwendung von Farbe: Es ist die durch keine Glasur erreichbare Nuancierung und Neutralität dünn gelaufener, eingetrockneter, selten auch in tonal überraschend sich mischenden Schichten aufgetragener Tusche, wegbrennbar im ärgsten Falle wieder: Gewagt – doch sage niemand, das Schöne müsse ewig sein.

Anlässlich des 40. Geburtstags der Städtischen Galerie im Königin-Christinen-Haus Zeven, findet am 19. April eine Jubiläumsveranstaltung statt. Zu den Programmpunkten zählt unter anderem eine Live-Töpfer-Vorführung des Künstlers Bernd Fischer.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Städtische Galerie

Königin-Christinen-Haus

Lindenstraße 11

27404 Zeven

ÖFFNUNGSZEITEN:
Donnerstag 14:30 bis 17:30 Uhr
Sonntag 14:30 bis 17:30 Uhr

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Anna Stüdeli lebt und arbeitet in Berlin. In ihrer künstlerischen Praxis setzt sie sich mit visueller Kultur, Werbebildern und gegenwärtiger Konsumästhetik auseinander. Ausgangspunkt ihrer Arbeiten sind häufig Bildwelten aus dem öffentlichen Raum, die sie fotografisch aneignet, fragmentiert und in neue formale sowie inhaltliche Zusammenhänge überführt. Dabei interessiert sie sich für Oberflächen, Bildträger und die Mechanismen visueller Verführung ebenso wie für die Frage, wie Bilder unsere Wahrnehmung prägen.

In früheren Werkkomplexen untersuchte Anna Stüdeli insbesondere Werbeplakate als Schnittstellen zwischen Bild und Material, zwischen Illusion und Realität. Durch Vergrößerung, Schichtung, Reißen und skulpturale Bearbeitung entstanden Arbeiten, in denen sich Anziehung und Irritation, Schönheit und Bruch, Oberfläche und Körperlichkeit überlagern. Das Bild erscheint dabei nicht allein als Darstellung, sondern auch als materieller Träger, als Projektionsfläche und als Schauplatz gesellschaftlicher Einschreibungen.

Mit ihrer neuen Werkserie „You are my love, my angel“ erweitert Anna Stüdeli diese Auseinandersetzung. Angeregt durch eine China Reise im Jahr 2025 richtet sie ihren Blick auf Bildwelten, die über klassische Werbung hinausgehen und gegenwärtige Konsumlogiken in verdichteter Form sichtbar machen. Im Zentrum steht dabei eine Cutesy Ästhetik, die als weichgezeichnete Oberfläche in einer von Unsicherheit und Überforderung geprägten Gegenwart besondere Wirksamkeit entfaltet. Anna Stüdeli untersucht diese visuellen Strategien nicht nur als Formen ästhetischer Verführung, sondern auch als Ausdruck einer Bildkultur. (Quelle: Drewes Galerie Hamburg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Drewes | Galerie: HAMBURG: ANNA STÜDELI – SOLO

Drewes | Galerie

Brandshofer Deich 52
20539 Hamburg

Opening hours
Tue. – Wed. 12–6 pm
and by appointment

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Die Galerie Judin freut sich, Plein soleil zu präsentieren, Zilla Leuteneggers erste Einzelausstellung in der Galerie. Die Künstlerin nutzt die lichtdurchflutete Architektur unseres Hauptausstellungsraums, der einst als Druckhalle für die Zeitung Tagesspiegel erbaut wurde, und vereint Installationen, Videoprojektionen und Monotypien, wodurch sie den Raum in eine Abfolge experimenteller Umgebungen verwandelt.

Die Ausstellung entfaltet sich als psychologische und räumliche Reise durch das Leben des Alter Egos Z der Künstlerin, wobei Licht als zentrales thematisches und formales Element im Mittelpunkt steht, nicht nur konzeptionell, sondern auch architektonisch, da die markanten Oberlichter die Wahrnehmung des Raumes entscheidend prägen.

Das Psychogramm, das Leutenegger mit ihrer Installation zeichnet, stellt die Dialektik von Licht und Schatten in den Vordergrund. Anstatt ihr Alter Ego als vollständig artikuliertes Subjekt – die metaphorische Lichtquelle – zu präsentieren, offenbart die Künstlerin dessen Spuren: die Schatten, die ein Leben wirft, seine Gesten und Stimmungen. Die abwesende Figur wird durch Fragmente und Eindrücke angedeutet, und wir, die Betrachter, sind eingeladen, am Prozess der Bedeutungsfindung teilzunehmen. Im Laufe dieses Ratespiels werden die eigenen Projektionen und Assoziationen der Betrachter Teil des Werks und erweitern das Feld der Schatten.

Tauchen wir also ein in diese Begegnung! Wie enge Freunde oder Familienmitglieder betreten wir das „Zuhause“ der Figur durch die Waschküche, einen Übergangsraum und intimen Ort, der uns in den häuslichen Kosmos der Protagonistin einführt. Wir umgehen ein weißes Hemd, das an einer Wäscheleine hängt und den Körper der abwesenden Figur heraufbeschwört, während es deren Konturen nachzeichnet. In der gesamten Installation entfalten sich poetische Momente der Ablenkung und Konzentration, des Lebensgenusses und der Ausdauer. Ein Tonfall fröhlicher Melancholie durchzieht die Ausstellung und wirkt fast wie eine akustische Unterströmung. Monotypien – einzigartige Drucke, die aus spiegelverkehrt bemalten Schablonen hergestellt werden – umreißen Innenräume und dienen als Kontrapunkt zur Außenwelt, die in erster Linie durch das einfallende Licht und das daraus resultierende Schattenspiel definiert ist.

Weitere Informationen zur Ausstellung: 2026 Zilla Leutenegger: Plein soleil · Galerie Judin

Mercator Höfe
Potsdamer Strasse 83
10785 Berlin

+49 30 39 40 48 40
info@galeriejudin.com

Viewing hours
Tuesday – Saturday
11.00 – 18.00
or by appointment

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RAYMOND | SCHWIEKER | HAUPT

Vor gut dreißig Jahren fanden drei junge Kunststudenten ihren Weg in die Ateliergemeinschaft s.k.a.m. e.v. (beim Trichter 2 / Reeperbahn 1) ungefähr zur gleichen Zeit begann Till F.E. Haupt mit seinem fotografischen Tagebuch ‚days in a life‘. Till Schwieker stieg vom Zeichnen auf Drucke und Objekte um und Alexander Raymond entwickelte seinen unverkennbaren Stil. Dreißig Jahre später „aktualisieren“ sie diese Freundschaft mit einer Intervention im xpon-art:

Das S.K.A.M. war ein ungewöhnliches Großatelier, beim Trichter 1 an der Reeperbahn, ein imposanter Raum einer ehemaligen Bowling-Halle. Er ist ein noch heute legendärer Ort der Kunst Produktion, auch wenn alles nach rund zwanzig Jahren 2009 abgerissen und durch die vermutlich hässlichsten Neubauten der Stadt der tanzenden Türme ersetzt wurde.

Tatsächlich reicht die gemeinsame Bekanntschaft der Künstler Till F.E. Haupt, Till Schwieker und Alexander Raymond in etwa dreißig Jahre zurück in diesem Ort. Aber auch die Räume der hier angezeigten Ausstellung der xpon-art gallery sind in einem speziellen Sinn dafür prädestiniert, Stätte der gemeinsamen Ausstellung zu sein. 

Wenn von Lebenszeit die rede ist, muss zuerst vom werk till f.e. haupts gesprochen werden. Es ist eine Personifikation von Zeit in ihrer individuellsten Weise, wenn Haupt sich selbst täglich in immer wieder ähnlicher Form fotografisch abbildet. Die in den seit 1995 entstehenden Selbstbildern der „days in a life“ offenbarten Veränderungen von Erscheinung und Antlitz finden ihr Gegenstück in seinem gleichmäßig fokussierten Blick in die Kamera. Auf andere Weise ist Haupts eigener Blick in die Welt zu lesen: seine Körperkamera, die als Bodycam funktionierende Lochkamera zeichnet auf, was sie über 24 Stunden sieht, dieses aber als Bild des Zeitverlaufs – in den hell-dunklen Schlieren verbergen sich daher ein Fülle von fotografisch erfassten Ereignissen, die aber nunmehr in ihrem verwehten Schatten sichtbar sind. Seine Position der „real live art“, die letztlich das Leben mit dem Aktivismus verbindet, vereinigt also nicht nur das präzise Ergebnis, das entlarvende der Zeit und ihre Bestandsaufnahme aller Materie. Sondern auch das Fließende und Flüchtige; das, was nicht festzuhalten ist. 

Der Künstler Alexander Raymond arbeitet an einer Art von Malerei, die im Prinzip gegenständlich ist, sich aber mit ihren komplexen Oberflächen und ihren Techniken als eine durchaus komplizierte Sache erweist. Die Bilder erinnern an die kubistische Formelsprache, wobei sie allerdings mit ihren Puppen- und Fetischfiguren auch surrealistische Anmutungen besitzen. Vieles erscheint als Überblendung von Gegenständen, aber auch der malerischen Texturen. Perspektiven und Größenverhältnisse der gemalten Objekt Welt müssen sich nicht immer nach der Realität richten, wenn sie auch auf das präziseste bis in die Dreidimensionalität ihr nachempfunden sind. Denn Raymond arbeitet zwar entschieden mit seiner Imagination, aber seine Personage ist oft, wenn auch nicht immer, zuvor aus Holz oder aus Wellpappe gebaut, damit sie unmittelbar und direkt als Modell wirken kann. Den Bildern ist in ihrer möglichen Überschärfe mittels malerischer Techniken auch so etwas wie ein filmischer Aspekt der Zeit und Bewegung eigen. 

Mit einer anderen Art Spiel mit dem Dreidimensionalen arbeitet Till Schwieker. während er in seinem früheren Werk das Phänomen der Zeit im Fokus hatte, tritt der Raum seit längerem an diese Stelle. Er ist dabei nicht nur an den spezifischen Eigenheiten etwa von Kastenformen, sondern vielmehr an der menschlichen Wahrnehmung ihrer räumlichen Erscheinung interessiert. So versetzt er seine Motive – Architektur Fragmente, Möbel oder Kisten – in ein Spannungsfeld der Anschauungen, indem er mit Reliefs arbeitet, die eine ganz eigene perspektivische Ansicht der Dinge liefern. Mittels feiner Holz Bearbeitung entstehen Details, die das Innerste nach außen tragen – aber auch gegenteilig zur flächigen Zeichnung geraten können. Sein Werk ist daher Relief und Bild, Zeichnung und Skulptur gleichzeitig. Wie Raymond arbeitet Schwieker hier auch mit dem Illusionismus dessen, was etwas vorgibt zu sein, aber auch etwas anderes ist. 

Die gemeinsame Ausstellung findet hier in der Stadt in ziemlich einzigartigen Räumen statt. Die xpon-art gallery ist selbst eine Art time capsule: die wie vor unbestimmter Zeit zurückgelassenen, rohen und sehr spezifischen Räume laden dazu ein, sie mit der eigenen Geschichte, mit der eigenen Zeit zu füllen. (Text: Peter Boué)

öffnungszeit ::: sa.-di. ab 18:00 – 21:00 uhr

künstlergespräch ::: sonntag 14.12.2025 um 17:00 uhr

finissage ::: so. 11.01.2026 von 11 – 16 uhr 

Weitere Informationen zur Galerie und Ausstellung: xpon-art

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Malte Brekenfeld wurde im Jahr 1966 in Teterow geboren. Die Stadt liegt ein paar Kilometer südöstlich von Rostock in der schönsten Landschaft der Mecklenburgischen Schweiz, die die letzte Eiszeit zurückließ. Er machte dort sein Abitur, ging zur Armee, wie es üblich war. Im Jahr 1986 begann er ein Studium der Biologie an der Ernst-Moritz-Arndt-Universität Greifswald. Weil er die Natur und vor allem – als passionierter Angler – die Fische liebte, meinte er, in diesem Fach richtig zu sein. Es war ein Irrtum. So begann er gegen den Widerstand seiner Eltern im Jahr 1988 das Studium Grafikdesign an der Kunsthochschule Berlin/Weißensee, schloss es mit Diplom 1993 ab. Seitdem ist er freiberuflich tätig.

Er erhielt Stipendien (Arbeitsreisen nach England und Indien)  und diverse Preise, ist Mitbegründer von „Kunst auf Kreuzfahrtschiffen“. Wer wusste schon, dass die Aida-Flotte einen Art-Manager beschäftigt?  Ist aber so. Weil die Leute im Urlaub großzügiger sind und an einem See-Tag auch mal gewillt, sich der Kunst anzunähern, funktioniert das gut, wie Brekenfeld erzählt.

Auf folgende Kunst können Sie sich freuen:

Giclée-Drucke von MALTE BREKENFELD 
Porzellan von SYLVIA LUDWIG
Kunstkalender & Radierungen von CHRISTIAN HEINZE
Skulpturen Bronze & Eiche von NANDO KALLWEIT
Kunstbücher & Bilder von RANDO GESCHEWSKI
Gedicht-Bücher von MANUELA MORITZ
Holzobjekte von HOLGER KLAIBER
Bilder und Grafiken von SABINE NAUMANN
Porzellanbilder & Porzellan von ULRIKE BESELER
Figürliche Keramik von FRIEDEMANN HENSCHEL
Schmuck & Porzellan von SUSANNE MÜCKET
Mixed-Media-Collagen von KATHRIN CHRISTOPH

Galerie Martina Fregin

Hageböcker Straße 10
18273 Güstrow

Öffnungszeiten

Mittwoch 13–16 Uhr
Donnerstag & Freitag 10–13 Uhr | 15–17 Uhr
Samstag 11–14 Uhr
Sonntag bis Dienstag geschlossen

Termine auch nach telefonischer Vereinbarung

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Sehr geehrt fühle ich mich, dass ich vom Galeristen Franz N. Kröger eingeladen wurde mit 5 Werken in seiner Winterausstellung seiner an der Ostsee gelegenen Galerie zu partizipieren. Werke bekannter Künstler:innen finden sich in seinen wunderbaren Räumlichkeiten und ich bin sehr dankbar, dass ich Teil dieser besonderen Ausstellung sein werde.

Die Eröffnung zur Ausstellung findet am 3. Advent, dem 14.12.2025 um 14h statt, auch ich bin persönlich anwesend und freue mich über Besucher:innen.

Die Ausstellung kann bis Ende Februar 2026 besucht werden.

Galerie Kröger

Franz N. Kröger
Dünenstraße 11
18225 Kühlungsborn

Öffnungszeiten:

Mittwoch 12.00 – 16.00 Uhr
Donnerstag 12.00 – 17.00 Uhr
Freitag 12.00 – 16.00 Uhr
Samstag 12.00 – 17.00 Uhr
Sonntag 12.00 – 15.00 Uhr

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Ute Naue-Müller (*1960 Dresden, Mitglied im AIC Académie Internationale de Ceramique), lässt zum 65. Geburtstag in aktuellen Arbeiten aus Ton und auf Papier eine eigene Geschichte ihres Kindseins aufleben. Ihr vorgestellter Ding-Kosmos der Kinderjahre bringt scheinbar Verlorenes, fast Vergessenes in Form zahlreicher bezaubernder Kleinodien hervor und erinnert gleichzeitig an das gefühlte Glück, aber auch an die Daseinsangst des eigenen Starts in die vorgefundene Welt.

Stephanie Marx (*1975 Dresden, Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, dort Werkstattleiterin für Holzschnitt), zeigt anlässlich ihres 50. Geburtstages neu gearbeitete Holzschnitte, die sich stimmungsvollen Landschaften widmen und humorvoll-hintersinnige Geschöpfe in Linolschnitt/-stichen. 

geöffnet Mi bis Fr 11 – 19 + Sa 11 – 16 Uhr | Schließzeit: 21.12. 2025 – 1.1. 2026 
Onlineshop für Malerei-Grafik-Plastik + Preislisten: www.kunstausstellung-kuehl.de
KUNSTAUSSTELLUNG KÜHL private Galerie und Kunsthandel seit 1924 
Nordstraße 5 | 01099 Dresden | t 0351 – 804 55 88 | info@kunstausstellung-kuehl.de 

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.kunstausstellung-kuehl.de/

Galerie Kühl, Nordstraße 5 | 01099 Dresden

• ÖFFNUNGSZEITEN
• MI–FR 11–19 UHR
• SA 11–16 UHR

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Stefanie Hollerbach (*2000) ist eine faszinierende Künstlerin, deren Arbeiten sich durch eine feine Sinnlichkeit, eine präzise Formensprache und ein außergewöhnliches Gespür für Materialität auszeichnen. Ihre facettenreichen Werke sind geprägt von einer tiefen Auseinandersetzung mit verschiedenen Medien – von Malerei über Skulptur bis hin zu Installationen – und verweisen häufig auf Architekturformen, Alltagsobjekte und technische Artefakte.

„Es sind oft Momente, die wir kennen, in denen wir es als selbstverständlich ansehen, das Etwas halten kann, stabil ist oder leicht ist. Ich habe Interesse daran, diese Selbstverständlichkeiten in meinen Arbeiten aufzulösen und zu verändern. Es ist auch ein Gedankenspiel, das ich mit diesen beiden Materialeigenschaften – Leichtigkeit und Stabilität – habe, wenn sie aufeinandertreffen.“ (Stefanie Hollerbach, 2025)

Stefanie Hollerbach lebt und arbeitet in Dresden. Seit 2019 studiert sie Bildende Kunst an der HfBK Dresden in der Klasse von Alicja Kwade. Februar – August 2023 UMPRUM Akademie für Kunst, Architektur und Design Prag.

In ihren Werken beschäftigt sich Stefanie Hollerbach mit Objekten, deren Plastizität und dekonstruiert zugleich die gemalte Illusion. In den Skulpturen taucht immer wieder das Motiv der Linie auf. Durch die zeichnerische Anmutung wird der Raum zur Bildfläche. Ihre künstlerische Praxis weist eine bewusste Interpretationsfreiheit auf, die eher mit subtilen Andeutungen als eindeutigen Aussagen spielt. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit der materiellen Welt der Dinge, wobei der Fokus vor allem auf Details liegt, die im Alltag vorkommen, aber oft übersehen werden. In Anspielungen auf Artefakte, Architekturen und Materialeigenschaften hinterfragen die Arbeiten meist Paradoxien und Autonomien. Mechanische und physikalische Vorgänge werden angedeutet und dekonstruiert – wie aus dem Gedächtnis heraus bilden sie ihre eigene reduzierte Formensprache. (Quelle: Galerie Gebr. Lehmann)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Galerie Gebr. Lehmann / Stefanie Hollerbach / cv

Galerie Gebr. Lehmann, Neustädter Markt 11/12. 01097 Dresden

Öffnungszeiten

Mi – Fr 11:00 – 18:00 / Sa 12:00 – 16:00

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Andrej Becker ist ein in Deutschland lebender Künstler, dessen Gemälde national und in Spanien ausgestellt wurden. Durch seine künstlerische Praxis bemüht er sich, seine Begeisterung und Bewunderung für die Schönheit der Welt zu zeigen und zu vermitteln. Becker kreiert in unterschiedlichen Stilen und mit unterschiedlichen Techniken. Sein bevorzugtes Medium sind jedoch Öle auf Leinwand.

Samstag, 08.11.2025 um 16:00 Uhr Galerie Kulturboden Scharnebeck
Bardowicker Str. 221379 Scharnebeck
(hinter dem Gemeindehaus)

Begrüßung: Hans-Georg Führinger, Bürgermeister
Begrüßung im Namen des Künstlers: Artur Reglin
Künstlergespräch: Andrej Becker
Kulturbeauftragte: Dorothee Voermanek

Öffnungszeiten: Sa 15:00 – 17:00, So 11:00 – 13:00 Uhr

Barrierefreier Zugang zum Kulturboden durch die Liftanlage an der Rückseite des Gebäudes.

Eine Veranstaltung der Gemeinde Scharnebeck. Gefördert durch die Sparkassenstiftung Lüneburg.

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Am 7. November präsentiert die Affenfaust Galerie eine dialogische Ausstellung von Elena Bulycheva und Nico Sawatzki. Beide Künstler:innen verstehen Malerei als einen instabilen Prozess: Die Leinwandoberfläche ist kein fixes Trägermedium, sondern ein Ort, an dem sich Konstruktion und Zerstörung, Intimität und Entfremdung überschneiden.

Elena Bulycheva
Die künstlerische Praxis von Elena Bulycheva gründet auf einem erweiterten Verständnis von Malerei, das durch den radikalen Akt des Waschens entwickelt wird. An der Schnittstelle von feministischer Theorie, performativer Materialität und der Geschichte der Shaped-Canvas-Malerei untersucht ihre Forschung die Transformation der Malerei durch Zerstörung, Fürsorge und häusliche Arbeit. Dabei werden die Hierarchie der Form sowie die Unsichtbarkeit reproduktiver Arbeit hinterfragt.
Sie bezieht sich dabei unter anderem auf Mierle Laderman Ukeles’ Maintenance Art, Frank Stellas Untersuchungen zur Shaped Canvas sowie auf Gotthard Graubners Erkundungen von Weichheit und dem Körper der Malerei.
Durch experimentelle Studioarbeit – das Waschen von Leinwänden in Haushaltsmaschinen und die Erweiterung des konventionellen Rahmens der Malerei hin zu Shaped-Canvas-Formaten und weichen Skulpturen – setzt sich die Forschung mit der historischen Verkennung weiblicher Malerei auseinander. Gleichzeitig werden neue Wege der Abstraktion erprobt, etwa durch den Einsatz von Spray- und Graffititechniken, um Abstraktion neu zu denken und die Form der Leinwand neu zu konfigurieren. Letztlich zielt die Arbeit darauf ab, neue Möglichkeiten für die Malerei als Ort feministischer Kritik und materieller Transformation vorzuschlagen.

Nico Sawatzki
1984 in Regensburg geboren, entstammt Nico Sawatzki der Graffiti-Kultur und hat eine eigenständige Bildsprache entwickelt, die zwischen Abstraktion und Figuration oszilliert. Seine Malereien entstehen durch wiederholtes Auftragen und partielles Entfernen von Sprühfarbe und Acryl. Diese Technik erzeugt vielschichtige Strukturen mit plötzlichen Tiefen, Tonmodulationen und räumlichen Brüchen. Die entstehenden Oberflächen formen imaginierte Bildräume, die zwischen Verdichtung und Auflösung schweben.
Sawatzkis Arbeitsweise lässt sich als Auseinandersetzung mit „mentalen Landschaften“ verstehen: Erinnerungen an Licht, Kindheitserfahrungen, Gerüche und flüchtige Empfindungen treten in malerischer Form hervor. Seine Bilder funktionieren weniger als Darstellungen fester Szenen, sondern vielmehr als Filter, durch die Atmosphäre und Erinnerung spürbar werden. In jüngeren Arbeiten entstehen zarte, fast romantische Harmonien aus Blau, Rosa und Pastelltönen. Sie evozieren Himmel und atmosphärische Räume, die die urbanen Ursprünge seiner Praxis transzendieren und zugleich mit ihnen verbunden bleiben.

Gemeinsamer Kontext
Die Ausstellung vereint zwei Ansätze, die sich zwar in ihrer Methode unterscheiden, jedoch auf eine gemeinsame Frage zulaufen: Was geschieht mit der Malerei, wenn ihre Oberfläche destabilisiert wird? Bulycheva unterwandert das Bild durch Waschen und Erosion, Sawatzki durch Schichtung, Abtragung und atmosphärische Überlagerung.
Gemeinsam öffnen ihre Werke die Malerei als ein verletzliches, offenes und wandelbares Medium. Die Oberfläche ist hier keine Grenze, sondern eine Schwelle – ein Ort des ständigen Wandels, an dem sich urbane Spuren und Landschaften, Fürsorge und Reduktion, Zerstörung und Erneuerung begegnen.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Elena Bulycheva & Nico Sawatzki ‚Grenze als Schwelle‘ | Affenfaust Galerie Hamburg

Affenfaust Galerie
Paul-Roosen-Straße 43
22767 Hamburg

Öffnungszeiten: Mittwoch – Sonntag, 12-18 Uhr.

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