Frage 9 – Tag 9: Welche*r Künstler*in inspiriert Sie am meisten?

Schwere Frage. Denn es sind so viele. Über die Jahre und Jahrzehnte haben sich meine Präferenzen aber auch immer wieder geändert. Von den alten großen Meistern des 14. bis 18. Jahrhunderts abgesehen und natürlich auch den häufig übersehenen Künstlerinnen, begleiten mich vor allem Camille Claudel, Käthe Kollwitz, Germaine Richier, Faith Wilding, Toko Shinoda, Ruth Duckworth, Lenore Tawney. Nur um mal einige der Künstlerinnen zu benennen.

Allerdings: zwei All-time-Favoriten sind für mich nach wie vor der deutsche Künstler Anselm Kiefer und die schwedische Künstlerin Hilma af Klint.

Wen ich aber auch besonders mag ist die deutsche Künstlerin Sonja Kalb, die mit ihren abstrakten Malereien Fantasiewelten aus der Natur erschafft, die genau meine Sprache sprechen. Ich kann mich sofort mit ihrer Kunst identifizieren, in die Farben eintauchen und neue Welten in ihnen erkennen.

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Ich habe keine wirklichen Geheimnisse in meiner Kunst. Jedenfalls nicht was die Techniken anbelangt. Ich erfinde das Rad auch nicht neu ;-).

Was man natürlich in ihnen sieht oder sehen möchte oder das was ich jetzt wirklich in ihnen sehe, das bleibt häufig mein Geheimnis. Etwas für mich Intimes. Es gehört gleichzeitig nur mir und doch auch dem/der Betrachter:in. Ich möchte da nichts vorgeben. Selbst wenn die Werke Titel haben. Es sind für mich eher Gedächtnisstützen und für die anderen Hinweisgeber. Und sobald sie die Titel lesen beginnt die Auseinandersetzung. Entweder Verwunderung oder eben die Suche nach ihren eigenen Erinnerungen und Erfahrungen zum jeweiligen Titel.

In meinen Intensivkursen gebe ich die „Werkzeuge“ an die Hand, vermittele Techniken die ich verwende in der Malerei und die unendlichen Möglichkeiten in dem Arbeiten mit Steinmehlen, Pigmenten und vielen anderen Materialien. Die Teilnehmer:innen wenden diese in ihrem eigenen Stil an. Meist kommen andere Künstler:innen in meine Intensivworkshops, die meine Techniken in ihre eigenen Werke integrieren möchten.

Es geht mir nicht darum, dass meine Werke kopiert oder genauso umgesetzt werden sollen wie ich es demonstriere, sondern darum den Teilnehmer:innen die Freude am Experimentieren zu vermitteln, die unendlichen Möglichkeiten der Materialien sowie der Techniken zu erkennen und für sich selbst zu transportieren.

In den Kursen und Workshops steht die Freude am Ausprobieren im Vordergrund, das eigene neugierige Entdecken, Testen, Umsetzen und Integrieren.

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Frage 6 – Tag 6: Sie malen ja nicht nur, sondern befassen sich auch mit Bildobjekten, Papierarbeiten und Skulpturen. Welcher Bereich ist Ihnen der wichtigste?

Das kann ich pauschal nicht sagen. Der Bereich, den ich am meisten „bediene“ ist wohl die Malerei oder die sichtbare Auseinandersetzung mit Steinmehlen und Pigmenten. Auch, weil sich hier vieles „schnell“ oder „schneller“ für mich umsetzen lässt.

Allerdings sind die Bildobjekte (oder Assemblagen wie einige sie auch benennen) für mich auch ein sehr wichtiger Bereich meines kreativen Schaffensprozesses. Sie stellen andere Herausforderungen an mich als die Malerei. Ein Bild kann sehr schnell erschaffen werden, jenachdem in welcher Stimmung ich bin und wie gut mein kreativer Flow ist. Die Bildobjekte erfordern jedoch mehr Planung, mehr Zeit, mehr Aufmerksamkeit. Mehr Innenschau, mehr Ruhe und Stille, mehr Aufarbeitung dessen worum es geht. Die Titel zu den Werken kommen mir fast „eingeflüstert“ vor, so als würden diese Bilder mit mir sprechen und mir sagen, wie sie genannt werden möchten. Das Arbeiten mit dem Ton, dem Brennen, dem Weiterverarbeiten ist filigran, zeitintensiv, weil man passgenau arbeiten muss. Hier entstehen vorab auch Skizzen, die kurz und knapp die Idee aufgreifen, die ich umsetzen möchte. Danach dauert das Erstellen eines Werk meist zwischen 2-8 Wochen.

Die Papierarbeiten wie auch die Objekte sind für mich alles Fortführungen, Verlängerungen meiner Malerei, alles greift ineinander und korrespondiert miteinander.

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Frage 5 – Tag 5: Wann ist ein Bild fertig oder eine Werkreihe? Können Sie das an etwas festmachen?

Wenn ich es fühle. Ich spüre immer wenn das Bild alles sagt, was es zu sagen hat. Das mag jetzt für den Betrachter nicht immer unmittelbar zugänglich sein, vor allem, wenn es sich um abstrakte Kunstwerke handelt.

Ein Thema, das sich vordergründig mit den Elementen wie Wasser, Feuer, Erde oder Luft beschäftigen mag, steht für mich symbolisch für innere Themen. Der tieferen Auseinandersetzung mit dem was die Elemente versinnbildlichen mögen. Leichtigkeit, Loslassen, Abschied, Trennung, Trauer, Frustration, Empörung…es sind nur Stichworte. Insgesamt geht es immer wieder um den Menschen, um menschliche Gefühle und das Aufarbeiten bestimmter Lebensthemen und Gefühle.

Die Bilder sprechen gewissermaßen zu mir und ich würde schon sagen, dass ich achtsam darauf lausche, was ein Bild mir sagen möchte. Es erzählt eine Geschichte. Es lädt ein, sich einzulassen, hinzuschauen, hinzuspüren und hinzuhören.

Die Geschichte ist wahrlich häufig die, die ich selbst erzählen möchte. Die sich aus meinen Gefühlen und Erinnerungen speist, aus dem was ich sichtbar machen möchte für den Betrachter, aber in erster Linie natürlich für mich selbst. Der Betrachter erkennt primär vielleicht Horizonte, Landstriche, Wasserwelten usw.

Ich wiederhole es immer, dass meine Bilder wie Tagebuchskizzen sind. Es sind Erinnerungsfragmente, festgehaltene Momente eines Gefühls oder einer Lebensstation. Vordergründig Erinnerungen daran wie den Sand unter den Füßen zu spüren oder die Seeluft einzuatmen, mit den Händen durch das hohe Gras zu fassen. Es sind Erinnerungen an Licht, wie es sich auf der Haut anfühlt oder durch die Bäume flackert. Wofür stehen diese Elemente jedoch? Welches Gefühl verbinde ich mit einer bestimmten Erinnerung? Das Gesehene und Erlebte wird hier erzählt und manchmal sagt mir das Bild selbst, wenn ich alles erzählt habe.

Dieses Werk beispielsweise: Kreta I. Es ist sehr impulsiv und kraftvoll entstanden, so als würde es quasi aus mir herausbrechen. Das ist aber auch genau die Energie und die Dynamik, die ich auf Kreta empfunden habe. Alles lebendig, quirlig, feurig, nach Außen strebend, geradezu explosiv. Es kam über mich wie ein Sturm und brach dann ab. Und das ist ein Beispiel für ein Werk, das an 2 Tagen geschaffen wurde. Aber gleichzeitig war ich sehr uneins mit dieser Insel, sie machte mich wütend, ohne dass ich greifen konnte, wieso dem so war. Und so entluden sich ebendiese Emotionen auf der Leinwand.

Deswegen hänge ich meine Bilder oft an die Wand auch und gerade im Atelier. Ich betrachte sie unter verschiedenen Lichteinflüssen, setze mich davor und betrachte sie lange, lasse sie auf mich wirken. Versuche selbst der Geschichte nachzuspüren und zu lauschen, die ich eben noch festhalten und erzählen wollte. Ich überprüfe meine Gefühle dazu, meine Eindrücke, das was das Bild in mir auslöst. Dies kann tage- oder wochenlang so gehen, manchmal stellt sich das Gefühl von Zufriedenheit sofort ein und ich kann die Bilder ruhen lassen. Aber das ist ein seltenes Vergnügen

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Frage 4 – Tag 4: Wo malen Sie am liebsten?

In der Natur. In der Stille. Oder umgeben von Natur und sehr gerne wochenlang am Stück in der Nähe von Öland in Schweden, was ich seit vielen Jahren jährlich wiederhole. Allerdings bin ich keine Plein Air Künstlerin im eigentlichen Sine. Es ist vielmehr so, dass das Haus oder das Atelier irgendwie umgeben sein sollten von Natur. So wie in Schweden. Mit Blick aus dem Atelier sehe ich den vor mir liegenden See, umgeben von einem dichten Wald. Immer wichtig jedoch: Ruhe. Laute Geräusche, andere Menschen, Reden, Lärm usw. werden von mir als störend empfunden. Die emotionellen Themen mit denen ich mich mitunter auseinandersetze erfordern eine gewisse Stille zur Innenschau, Ruhe zum Reflektieren.

In Visselhövede in meinem Atelier, das zwar ein ehemaliges Camp war, sehe ich auch Bäume und viel Grün.

Oder wenn ich zuhause male, dann auf der Terrasse und schaue von dort direkt in unseren Wald hinein, auf einen Schwimmteich.

Immer bin ich von Natur umgeben. Da wo ich es nicht war, konnte ich nicht gut künstlerisch tätig sein. Ich spürte dann immer eine Form von Blockade, denn auf Hauswände zu starren in ein Industriegebiet hinein ist für mich offenbar wenig inspirierend. Und dann helfen da auch meine Fotos und Erinnerungen wenig.

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Meine Arbeiten sind intuitiv-expressiv-abstrakte Strukturbilder. Ja ein sehr langes Wort….das aber nur ansatzweise erklärt, was ich mache. Seit 2012 arbeite ich mit verschiedensten Steinmehlen als Strukturgeber auf Leinwand oder Holz. Ich verfeinerte die Techniken und blieb dann  hauptsächlich bei Sumpfkalk- und Marmormehlstrukturen, die die Oberflächen häufig aufplatzen lassen und somit interessante haptische Bilder und Muster entstehen und erkennen lassen.

Ich arbeite ungeplant. Das heißt, es gibt vorab keine Skizze. Da ich stets seriell arbeite, mit in sich geschlossenen Werkreihen mit einem bestimmten Thema, gibt es nur die Entscheidung des Formats und der Anzahl der Leinwände.

Danach tauche ich in das von mir gewählte Thema ein und erstelle die häufig 3,6, 9 oder 12 Bilder parallel.

Die einzige Serie, die grösser ist, ist die in 2015 begonnene Werkserie „Inselstrukturen“, die inzwischen um die 30 Werke umfasst. Dies ist die einzige Serie, die ich über die Jahre fortsetze wie einen roten Faden.

Ich bearbeite meist ein Thema, eine Werkserie solange mit so vielen Bildwerken, bis ich das Gefühl habe, dass es ein in sich „rundes“ abgeschlossenes Format hat. Deswegen können etwaige vorab getroffene Stückzahlen an Leinwänden überworfen und auch spontan erweitert werden.

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