„Das Werk von Herbert Eugen Wiegand zeichnet sich durch Skulpturen aus, die wie Zeichen im Raum wirken, und Drucke, die skulpturaler Physik vermitteln, die sich gegenseitig abhängig machen. Aus einer figurativen Tradition stammend, lokalisiert der Bildhauer seine Werke zwischen den Dimensionen des Raums und den archaischen Strukturen des Papiers. Auch Skulpturen und Objekte, oft in zeitlicher Nähe, finden Korrespondenz in grafischen Drucken, denen Herbert Eugen Wiegand gleich künstlerische Bedeutung beimisst. Seine bevorzugten Techniken sind Holzschnitte und Linoleumschnitte, die beide ein rationales bildliches Design erfordern. Linoleumschnitte ermöglichen ihm eine freiere, abstraktere Behandlung als Holzschnitte.

Hier entsteht eine Art Bindung zum Material, die Raum für bildliche Erkundungen bietet und gleichzeitig einen minimalistischen Ansatz in der Darstellung ermöglicht. Häufig sind die Druckblöcke, die Herbert Eugen Wiegand in Holzschnitten verwendet, bereits in Skulpturen verwendete Elemente, die durch den zweidimensionalen Abdruck eine neue Sichtbarkeitsstufe erreichen. Dadurch entwickelt sich ein direkter Dialog mit der Skulptur, in deren raumorientierte Wahrnehmung komplexe Bilder finden, die in der überlagerten Prägung des Holzschnitts innewohnen. Die grafischen Werke haben meist eine serielle Figur. Klar abgegrenzte Reproduktionen und Schilder, die an Piktogramme erinnern, werden dadurch fragmentarisch und in Auszügen verwendet. Der Versuch des Künstlers, Räumlichkeit und Zeitlichkeit in Beispielen sichtbar zu machen, gelingt als Abfolge gegenseitig zusammenhängender Bilder oft prozessueller Handlungen. Leibnitz‘ Theorien von Raum und Zeit finden eine Entsprechung auf der zweidimensionalen Ebene des Papiers. Raum als Ort der „Koexistenz und Gegenüberstellung von Dingen“ steht in Zusammenhang mit der Zeit als „Teilfolge und Abfolge der Dinge“.

Das ausschließlich räumliche Wahrnehmungsniveau der skulpturalen Objekte wird überwunden, indem bewusst die Ordnung von Raum und Zeit sichtbar gemacht wird. Die Arraying, Schichtungen, Transformationen und Variationen, die beim Druck auftreten, bilden ein Raum-Zeit-Kontinuum; Das bedeutet, dass sie dialektisch in ihren räumlichen und zeitlichen Dimensionen miteinander verbunden sind. Die methodische Behandlung des grafischen Materials zeigt eine enge Verwandtschaft mit filmischen Strukturen. Die bildliche Sprache wird scheinbar in Bewegung übersetzt und kann als szenische Anordnung von Einstellungen oder episodischen Sequenzen gelesen werden, die eine Rahmengeschichte paraphrasieren. In Anlehnung an Tarkowskys Aussage, dass Film als „Skulptur aus Zeit“ definiert wird, scheint es zu suggerieren, dass der Bildhauer die filmische Entfaltung bildlicher Konzepte als logische Konsequenz in den Ergebnissen seiner Objektversionen und seiner Druckserien erfasst. Eine bestimmte Idee, ein konzipiertes Design, kann ein spezielles Material für seine Umsetzung erfordern.

Der Bildhauer Herbert Eugen Wiegand hat eine gewisse Präferenz, eine fast familiäre Verbindung zum Holzmaterial. Fundstücke und Erinnerungsstücke wie Dielen, Bretter und Latten, die sichtbare Spuren alltäglichen Gebrauchs tragen, bieten einen Materialbestand, mit dem der Bildhauer seit Jahrzehnten arbeitet. Während das Holz selbst selten weitreichende physikalische Verarbeitung erfährt, konzentriert sich der Bildhauer auf die Oberflächen. Holzstücke werden ausgesägt, gebrochen, geschichtet, Schwalbenschwanz oder angrenzend und mit Farbe versehen. Die Art, wie sie neu geordnet sind, vermittelt ein gleichmäßiges Gleichgewicht aus Leichtigkeit und Schwere, Dichte und Zartheit zu gleichen Teilen. Gefundene Objekte bilden mobile Depots für immer neue mimetische, narrative und abstrakte Versionen von Objekten. Im Stil der Collagen experimentiert der Künstler mit Materialfragmenten und Ersatzmaterialien, die sich entwickeln ihre eigene Sprachform und einen direkten Blick auf das überraschende Potenzial des Vertrauten, auf die Magie der materiellen Realität. Herbert Eugen Wiegands Objekte sind Skulpturen sowohl im wörtlichen als auch im metaphysischen Sinne. Sie erzählen eine Geschichte, die eine Inszenierung ermöglicht, die auf verschiedene Arten gelesen werden kann. Anfang der 1980er Jahre dominierten bereits Objekte, die Figuren suggerierten und in Gruppen angeordnet waren, das Werk des Künstlers.

Die Art, wie sie angeordnet sind, lässt die stelenartigen Stücke des Ensembles, oft in Reihen aufgestellt, rhythmisch erscheinen. Einzelne Elemente nehmen nur eine passive Präsenz im Raum ein und beruhen in ihrer Wahrnehmungsperspektive auf ein dialogisches Netzwerk der Objektstücke. Objekte, die eine gewisse Körperlichkeit besitzen, aber dennoch konsequent einem Diskurs von Körpern entgehen. Bildliche Verzerrung einerseits und das Aufrufen objektiver Assoziationen andererseits sind charakteristische Elemente der Objektsprache, die in reliefähnlichen Werken wiederkehren. Besonders in den Skulpturengruppen scheinen die einzelnen Teile dazu bestimmt, miteinander zu interagieren. Ein Akt folgt dem nächsten; Wie dramaturgisch scheint der Künstler bewusst alle spielerischen Eigenschaften seiner einzelnen Elemente durchzugehen. Entsprechend ihren Möglichkeiten verhalten sie sich, als wären sie in einer Art Rollenspiel oder Drehbuch oder als folgten sie einer bestimmten Choreografie. Der Inhalt, dessen Andeutung durch eine gezielte Titelwahl gegeben wird, wird durch die Art und den Grad der aktiven Verbindung zwischen den einzelnen skulpturalen Elementen verstärkt. Allen Gruppen ist die starke dynamische Präsenz im Weltraum gemeinsam. Herbert Eugen Wiegand erfindet und entwirft ständig neue Ensembles, die nicht unbedingt als dreidimensionale Werke konzipiert und realisiert werden. Der objektartige Charakter findet sich auch in Werken, in denen organische Fundgegenstände (Algen) oder für den Alltag gedachte Objekte (Streichhölzer, Gartenschlauch) durch den Einsatz von Material einen neuen Charakter erhalten. Mit einem ironischen Blick vermittelt der Künstler eine verzerrte oder entfremdete Sicht auf die praktische und traditionelle Konnotation. Dem Betrachter wird eine neue Wahrnehmungsperspektive auf die funktionale Interpretation der verwendeten Materialien geboten, die der Künstler spielerisch inszeniert. Die „unangemessene“ Verwendung von Materialien verbirgt ihre normale Verwendung. Die Konfrontation mit diesem ungewohnten ästhetischen Abdruck schafft dadurch eine herausfordernde Ebene der Kommunikation zwischen Objekt, Künstler und Betrachter. (Von Petra Schmidt-Dreyblatt)

Kulturmühle Perwenitz e.V.
Perwenitzer Dorfstr. 1
14621 Schönwalde Glien / Ortsteil Perwenitz

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Schon ist diese Ausstellung wieder zu Ende und ich bedanke mich herzlich, Teil dieser wirklich interessanten Ausstellung an einem besonderen Ort gewesen zu sein.

Ich möchte mich an dieser Stelle bei Jana Schröder und Matthias Fitz für diese Möglichkeit bedanken, die mit ihrem Kunstprojekt WUNDEN.ART wichtige Impulse gesellschaftlich setzen!

Es war eine schöne Zeit und morgen besteht noch einmal die Möglichkeit die Atmosphäre und die Künstler:innen persönlich zu erleben.

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Ich berichtete schon von der Eröffnung am 29.05.2026 dort, bei der annähernd 200 Besucher:innen gekommen waren. Bei ausgelassener Stimmung wurde die Ausstellung eröffnet und es gab viele sehr gute Gespräche.

Die Presse berichtete: Große Resonanz auf Projekt „Radius 26 – Kunst aus der Region“

Am 14.6. erfolgte die Finissage mit kurzen Statements in denen alle anwesenden Künstler:innen ihre Arbeiten persönlich vorstellen konnten. Dabei gaben wir Einblicke in die Ideen hinter unseren Werken, den Entstehungsprozessen sowie die Wirkung und Fragen, die unsere Arbeiten beim Publikum auslösen sollten.

Es bot die Gelegenheit, einen vielfältigen Überblick über die Ausstellung und die daran beteiligten Künstler:innen zu vermitteln. Danach gab es noch Gelegenheit für persönliche Gespräche, ein Gruppenbild, Kaffee & Kuchen bevor die Bekanntgabe der Ergebnisse des Publikums-Votings in den Kategorien: „Innovation“, „Lebensnähe“, „Emotionalität“ und „Denkanstoß“ stattfand. Die Gewinner:innen erhalten ein Coaching durch Andrea Jacobi, KUNST-COACHING, zum Thema „Von Kunst leben“ und eine Jahresmitgliedschaft im Kunstverein Springhornhof.

Ich empfand es als bereichernd auch meinen Kolleg:innen zu lauschen, was sie über ihre Kunst zu sagen hatten, was sie antreibt, was sich in ihren Werken verbirgt und was sie aussagen möchten.

Und ich habe mich wahnsinnig darüber gefreut, dass ich den Hauptpreis des Publikums-Votings gewonnen habe. Vielen Dank für das entgegengebrachte Interesse, die Auseinandersetzung mit meinen Werken und das wohlwollende Pro für mich. D A N K E!

Es war für mich eine gelungene Überraschung und ich war sehr beseelt und dankbar dafür.

Die weiteren Gewinnerinnen waren Samiye Seperhirikia, Freda Heyden und Rita Dahlem.

Ich möchte mich an dieser Stelle noch einmal herzlich beim Springhornhof bedanken für die tolle Idee dieser Ausschreibungsausstellung, dann bei den 12 Mitgliedern des Vereins, die für die Künstler:innen gestimmt und diese ausgewählt haben, die dann anschließend ausstellen durften. Danke für die Organisation, die Helfer und dass alles so positiv für uns Künstler:innen gelaufen ist.

Für mich eine sehr schöne Erfahrung, auch wenn ich professionell gesehen über die letzten 15 Jahre schon an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen habe. Aber insgesamt war die Freude schon sehr groß über die mögliche Teilnahme mit meinen keramischen Bildobjekten und einer Papierarbeit.

Ich freue mich jetzt an die Jahresmitgliedschaft im Verein und das Kunst-Coaching durch Andrea Jacobi.

DANKE!

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Finissage (mit vorheriger Anmeldung) am 12.04.2026 um 15:00 Uhr

Stephan Peters wurde 1964 in Hamburg geboren und ist in Bremerhaven aufgewachsen. Nach seinem Maschinenbaustudium an der TU Clausthal arbeitete er 25 Jahre im Management für internationale Unternehmen. Wann immer es seine beruflichen Verpflichtungen zuließen, griff er zu Pinsel und Leinwand und malte oder zeichnete und fotografierte, ständig seinem Impuls zum visuellen Ausdruck folgend. So war seine Kunst stets ein wichtiger Gegenpol zu seinem Arbeitsalltag. 

Im Jahr 2024 entschied er sich schließlich, sich ganz der Kunst zu widmen und beendete sein berufliches Engagement. Sein künstlerischer Schwerpunkt ist zeitgenössische figurative Malerei mit narrativen Inhalten und symbolischer Bildsprache. Unter dem Arbeitstitel „Unexpected Joys“ entstand innerhalb eines Jahres eine Vielzahl von Arbeiten, die seine eigene und unsere kollektive Beziehung zu Tieren hinterfragt. Wie und wo begegnen wir eigentlich Tieren? Bei uns gehören zum Beispiel Tauben ganz selbstverständlich ins Stadtbild, in Australien sind es Papageien. Für andere Menschen können andere Tiere zu ihrem alltäglichen Leben gehören, während wir mit diesen nur über Medien oder in artifiziellen Orten wie Zoos in Kontakt kommen.

Als Leitfrage für die aktuelle Ausstellung könnte die Frage stehen, was wäre, wenn diese Räume miteinander verschmelzen? Wie könnten solche liminalen Orte aussehen? An der Schnittstelle von Realismus und Fantasie werden solche Schwellenorte und -räume skizziert. Diese Begegnungen können alltäglich erscheinen oder es wirkt, als seien manche Menschen erstaunt darüber, ihren Raum plötzlich zu teilen. Besonderes Interesse gilt Orten des Übergangs: Metros, Ausgänge, Stationen – Räume des Wartens. Gleichzeitig sind Tiere etwas Fantastisches und tragen ihre eigene Symbolik in sich. Wie würde eine Stadt aussehen, in der unterschiedliche Räume auf andere Weise bewohnt würden? (Quelle: Kunstverein Wunstorf)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Unexpected Joys | Kunstverein Wunstorf

Abtei, Wasserzucht 1, 31515 Wunstorf

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Die Ausstellung des Bremer Bildhauers Uwe Hansmann und mir ist noch bis zum 15.3.2026 in der Wassermühle in Sudweyhe zu sehen. Heute am 8.3.2026 kann man die Ausstellung ebenfalls zwischen 12-18 Uhr kostenlos besuchen.

Im Januar wurde diese eröffnet (ich berichtete) und seitdem ist die Zeit wirklich gerannt. Wo noch Winter herrschte, lugt nun der Frühling hervor. Doch was bleibt ist immer noch das Aroma dieser Ausstellung, die für uns zahlreiche positive Stimmen bedeutete, wirklich tolle Feedbacks und für Uwe und mich stets besonders bleiben wird.

Zum einen wegen der historischen Räumlichkeiten der alten Wassermühle, die mit viel Liebe zum Detail restauriert und dann für die Kunst zur Verfügung gestellt wurde und zum anderen, wegen der Thematik unserer Ausstellung und der gezeigten Vielfalt, die harmonisch ineinander greift.

Am 15.3.2026 findet ab 15h die Finissage zu dieser Ausstellung statt, und ist somit die letzte Möglichkeit uns Künstler:innen und unsere Werke zu sehen, mehr zu erfahren und zu erleben.

Adresse: Wassermühle Sudweyhe | Im Mühlengrunde 15 | 28844 Weyhe

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Die Ausstellung CUT & PASTE zeigt Arbeiten die alle eines verbindet – der Schnitt. Ob als Kontur, Linie oder Überschneidung, die Schnittkante wird zur Grenze, an der sich etwas verändert. Objekte werden aus der geschnittenen Fläche heraus in die räumliche Dimension entwickelt. Flächen und Grafisches entstehen durch Einsetzen und Überlagerung von Material. Das Spiel mit Schichten und Strukturen, Durchblicken, feiner Farbigkeit und Motiven ist das unerschöpflich Reizvolle für Franziska Zänker. In der Ausstellung werden die Räumlichkeiten – im weitesten Sinne angelehnt an das Rheinsberger Schloss – thematisch mit Papier- und Holzobjekten bespielt.

Franziska Zänker wurde 1976 in Halle/Saale geboren. Sie ließ sich zur Tischlerin ausbilden und studierte anschließend Holzgestaltung an der FH für Angewandte Kunst Schneeberg (Sachsen). Sie ist Diplom-Designerin sowie ausgebildete Kunsttherapeutin. Seit 20 Jahren lebt und arbeitet die Künstlerin in Neuruppin.

Weitere Informationen zur Ausstellung:tucholsky-museum.de/veranstaltungen/in-der-galerie.html

Kurt Tucholsky Literaturmuseum
Schloß 1 / Marstall
16831 Rheinsberg

Geöffnet von Dienstag bis Sonntag
und an Feiertagen
April bis Oktober 10:00–12:30 Uhr / 13:00–17:30 Uhr
November bis März 10:00–12:30 Uhr / 13:00–16:00 Uhr

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Der Bundesverband Bildender Künstlerinnen und Künstler / Landesverband Schleswig-Holstein (BBK-SH) veranstaltet jährlich an wechselnden Ausstellungsorten seine vielbeachtete Landesschau, anlässlich der die Mitglieder des Verbandes sowie Gäste eingeladen werden, sich im Vorwege zur Ausstellung mit ihren aktuellen Arbeiten einer Fachjury zu stellen.

Seit vielen Jahren richtet sich der besondere Fokus im Ausstellungsbetrieb des Ostholstein-Museums sowohl auf überregionale Ausstellungsthemen als auch auf die Kunst in Schleswig-Holstein – und damit verstärkt auch auf die aktuelle Bildende Kunst im Lande. Somit nimmt die Landesschau des BBK mittlerweile einen festen Platz im Ausstellungsprogramm des Eutiner Museums ein. Nach 2009, 2014 und 2020 findet die Landesschau nun bereits zum vierten Mal im Ostholstein-Museum statt.

Die siebenköpfige Jury hatte in der Vorbereitung zur Ausstellung die schwierige und verantwortungsvolle Aufgabe, aus von 205 Künstlerinnen und Künstlern eingereichten 493 Werken eine Auswahl aus den Bereichen Malerei, Grafik, Skulptur, Fotografie und Installation zu treffen, die nun in Eutin eindrucksvoll die Vielfältigkeit der aktuellen schleswig-holsteinischen Gegenwartskunst unter Beweis stellt. Die Besucherinnen und Besucher der 72. Landesschau erwartet ein qualitätvoller, spannender und repräsentativer Einblick in das aktuelle künstlerische Geschehen im Lande.

Im Rahmen der Finissage am Sonntag, den 25.1.2026, um 15.00 Uhr werden der Landesschau-Preis sowie der Förderpreis für junge Künstler/innen unter 35 Jahren verliehen. Neben diesen beiden Prämierungen wird dann auch der Publikumspreis bekannt gegeben.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein Katalog, der im Ostholstein-Museum Eutin und beim BBK-SH in Kiel für 10,00 Euro erhältlich ist.

Die Ausstellung wird gefördert durch das Ministerium für Allgemeine und Berufliche Bildung, Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Schleswig-Holstein und die Finanzgruppe der Sparkassenstiftung Schleswig-Holstein.

Öffnungszeiten:
Di – So/Feiertag: 11:00 – 17:00 Uhr
(24., 25. und 31. Dezember geschlossen)

Ostholstein-Museum Eutin
Schlossplatz 1
23701 Eutin

Weitere Informationen zur Ausstellung: Startseite / Ostholstein-Museum

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Am 26. Oktober 2025 fand die Finissage meiner Ausstellung ‚Erinnerungsfragmente‘ in der Abtei Wunstorf durch den gleichnamigen Verein statt. So viele Eindrücke, Erinnerungen, schöne Momente verbinde ich mit der Ausstellungszeit, vor allem mit der Verni- und Finissage.

Mein Mann war so frei einen Clip zu machen und so quasi mal durch die Ausstellung zu führen.

So können auch diejenigen, die nicht da waren einen kleinen Eindruck gewinnen.

Viel Freude!

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Die Ausstellung „rein pflanzlich & fein irden“ lädt ein, die Malereien, Druckwerke und Solarbilder von Daniela Köster einmal von der rein pflanzlichen Seite aus zu erforschen und die großen keramischen Stelen und Gefäße von Nele Zander mit feinem Blick und irdener Bodenständigkeit zu erleben.

Nele Zander beschreibt ihre plastischen Arbeiten als Ausschnitte einer unendlichen Spirale des Seins. Die reduzierten Formen ihrer Gefäße verkörpern Leichtigkeit und Eleganz. Besonders die aus zwei gewölbten Platten montierten Gefäße verströmen eine Dynamik, die an freien Tanz erinnert. Sie absolvierte ihr Studium der Freien Kunst Keramik am Institut für künstlerische Keramik in Höhr-Grenzhausen/Westerwald, ist auf diversen Ausstellungen in Deutschland und Korea vertreten und erhielt für ihre keramischen Großplastiken Auszeichnungen und Förderpreise. Nele Zander lebt und arbeitet in Fahrenholz bei Drage.

Den Pflanzen verbunden ist die in Raven lebende Künstlerin Daniela Köster. In ihren Malereien, die über- und unterirdisch durch verwobene Dickichte führen, leuchtet die

„Wilde Stille“ hervor, die eine geheimnisvolle Frische ausstrahlt und gleichzeitig auf einen unaufhaltsamen Verfall hinzudeuten scheint. „Dieser Zyklus von stiller und zugleich wilder Balance durchzieht meine Bildlandschaften von Lotusteich, Algenwelt und Wiesendickicht“, erklärt Daniela Köster, die an der renommierten Hamburger Hochschule für Design ihr Studium abschloss und an zahlreichen Ausstellungen beteiligt war.

Ganz besonders anmutig sind ihre Solarfotogramme, die fast wie Röntgenaufnahmen von filigranen Pflanzenteilen wirken und von der Künstlerin mittels direkter Sonnenbelichtung gefertigt werden. So ist jedes dieser “Blauen Wunder“ ein Unikat. Diese historische Technik, auch Cyanotypie genannt, wird durch die Arbeiten von Daniela Köster, zu neuem Leben erweckt.

Zur Eröffnung der Ausstellung am 08.11.2025 um 15:00 Uhr erwartet die Besucher ein Arrangement aus köstlichen Kostbarkeiten für Seele und Leib gebettet auf feinster Keramik. Um 16:00 Uhr sorgt die Band „Danke für die Blumen“ für deutsch-poetische Klangkunst im Raum.

(Die vier Bandmitglieder, aus Hamburg, die ihre Wurzeln in Bildender Kunst und klassischer Musik haben und vom Kunstlied bis Indierock alles zulassen, scheren sich nicht um Genregrenzen. Sie verschweißen kunstvoll Dichtung und Musik und lassen Lyrik im ursprünglichen Sinne entstehen, die ihr Publikum auch mal herausfordern will.)

Am 16.11.2025, zur Finissage, wird die Querflötenspielerin Cornelia Spanier aus Lüneburg auf ihre Weise in Resonanz mit den Kunstwerken gehen. („Etwas geschieht im Klang, er schwingt in uns nach und öffnet uns einen ureigenen inneren Raum, unspektakulär aber frei“, so die Musikerin.)

Die Ausstellung kann man am 08.und 09.11.2025 sowie am 15.11.und 16.11.2025, jeweils von 14:00 -18:00 Uhr besuchen. 

Nähere Informationen zu den Künstlerinnen finden Sie unter www.danielakoester.de und   

www.nele-zander-keramik.de

Nähere Informationen zur Ausstellung: Ausstellung im Haus des Gastes „rein pflanzlich & fein irden“ | Gemeinde Salzhausen

Datum:
Sa., 08.11.2025, 14:00 – 18:00 Uhr
Jede Woche am Samstag und Sonntag

Veranstalter: Gemeinde Salzhausen im Auftrag der Dr. Gerhard Denckmann Stiftung

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Ursula Achten/Papier, Jutta Becker/Keramik, Karin Flurer-Brünger/Keramik, Susanne Högner/Schmuck + Fotografie, Angela Johe/Keramik, Johanna Reutter/Textil, Rose Schrade/Schmuck +Objekt, Helga Weilacher-Stieler/Textil

Gäste: Annegret Borgwardt/Textil, Astrid Haas/Papier, Hanna Keller/Keramik, Caroline Seelinger/Keramik, Michaela Wiecek/Schmuck

HALBE SACHEN!
Wird Ihnen da etwas Unfertiges oder Halbseidenes präsentiert? Aber nicht doch!
Die Mitglieder der Gruppe Angewandte Kunst und ihre Gastkünstlerinnen werden Sie mit unterschiedlichen, witzigen und gedanklich verschlungenen Bezügen zu HALBEN SACHEN erstaunen und Ihnen kreative Ergänzungen anbieten.
Die Nägel haben also Köpfe und es bleibt nicht beim Stück-Werk.

Foto links: Halbe Sachen, Rose Schrade/Schmuck +Objekt, Die Halben (Pressefoto)

Foto rechts: Papierarbeit von Astrid Haas, Foto von Sarah Menges

Weitere Informationen zur Ausstellung: Aktuelle Ausstellungen, Lesungen, Konzerte – GEDOK Karlsruhe e.V.

GEDOK Künstlerinnenforum

Markgrafenstr.14, 76131 Karlsruhe

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