Sonderausstellung im Augusteum

Mit ihrer Ausstellung in Oldenburg kehrt Yenirce (*1992 in Qubînê) zurück in die Stadt, in der sie als Kind jesidischer Geflüchteter ihr erstes Zuhause in Deutschland fand. Diese biografische Verankerung bildet einen Resonanzraum für ihr künstlerisches Denken.

In den Installationen, Gemälden und Videowelten der Ausstel­lung verbindet Yenirce globale Themen wie Migration, feministi­sche Selbstbehauptung und mediale Machtstrukturen mit per­sönlichen Erinnerungen an konkrete Orte, Stimmen und Begeg­nungen. So inszeniert die Künstlerin ein prägendes Sammlungsstü­ck des Museums und Wandzeichnungen aus ihrer Jugend gleichwertig nebeneinander.

Im Zentrum ihrer Malereien steht eine Reihe unterschiedlicher Frauen, die Yenirces Entwicklung maßgeblich geprägt haben. Ob real oder ideell: Die Stimmen der Frauen aus Kunst und Litera­tur, Bildung und Politik verstärkt die Künstlerin in ihren Arbeiten zu einem kämpferischen und lebensfrohen „Chor der Frauen“. In den großflächigen Ölmalereien tauchen sie, mittels Siebdruck dargestellt, am Mikrofon sprechend, singend und applaudierend auf.

Schließlich interessiert sich Yenirce für einen gegenwärtigen Blick auf Oldenburg. Für ihre Videoarbeit lässt sie ihren Bruder, einen passionierten Läufer, durch die dunklen Straßen der Stadt rennen. Seine Stirnleuchte wirft nur einen kleinen Lichtpunkt, der keine klare Orientierung bietet, aber im­mer in Bewegung bleibt.

Der Ausstellungstitel „Werdegang“ wird wörtlich genommen. Das Gehen als Prozess des Werdens am Beispiel der Biografie der Künstlerin oder des Läufers im Video: Ihre Bewe­gungen treiben sie durch die Straßen Oldenburgs oder – im Falle der Künstlerin – aus Oldenburg hinaus in die weite Welt und wie­der zurück.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Leyla Yenirce – Landesmuseum Oldenburg

Landesmuseum
Kunst & Kultur
Oldenburg
Damm 1
26135 Oldenburg

Dienstag–Sonntag 10–18 Uhr

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Mit EMPTY VOID – Archäologie des Bewusstseins präsentiert das Syker Vorwerk das vielschichtige Werk von Hella Berent. Seit den 1970er Jahren entwickelt die Künstlerin eine konsequente Erweiterung der Zeichnung in den Raum. Aus Linien entstehen Installationen, Keramikskulpturen, Fotografien und Arbeiten auf Papier, in denen Material, Körper und Raum eng miteinander verbunden sind.
 
Der Ausstellungstitel EMPTY VOID bleibt bewusst unübersetzt. Während „Leere“ im Deutschen als Mangel verstanden wird, meint „void“ eine offene Weite. Leere ist hier kein Nichts, sondern Möglichkeit – ein Raum, der sich erst im Erleben entfaltet.

Der Untertitel Archäologie des Bewusstseins verweist auf das Freilegen von Schichten: Viele Arbeiten verbinden aktuelle Positionen mit frühen Werken und machen biografische wie kulturelle Spuren sichtbar.
Zentraler Ort der Ausstellung ist die Installation Ägyptische Zunge im Untergeschoss des Syker Vorwerks. Ausgangspunkt ist das Jahr 1979 – der Tod des Vaters und eine Reise nach Kairo. Fotografien, gebrannter Ton, eine Landkarte des Mittleren Ostens, Eisenkästen, Quarzsand und Teppiche verdichten sich zu einem Raum zwischen Dichte und Leere. Die Elemente Erde, Feuer, Luft und Wasser sind hier unmittelbar erfahrbar – im Material, im Brennprozess, im Hohlraum der Formen und im Bild des Mittelmeers. Geschichte wird nicht erzählt, sondern atmosphärisch spürbar.

Eine Arbeit im Obergeschoss knüpft an eine frühere Ausstellung Die Stelle (1981) an. An der Wand erscheinen eigene Haare der Künstlerin. Sie wirken wie Schriftzeichen – unlesbar und doch bedeutungstragend. Das Haar wird zur Zeichnung, zur Spur von Zeit und Biografie. Persönliche Geschichte materialisiert sich als Zeichen.

Schrift und Sprache spielen in der gesamten Ausstellung eine zentrale Rolle. Fotografien aus Japan zeigen Schrift als Bild. In der zweifarbigen Skulptur Twilight sind japanische Schriftzeichen eingeschrieben. Auch Gedichte, die ins Arabische übertragen wurden, erscheinen auf Plastiken. Sprache wird hier nicht erklärt, sondern sichtbar und erfahrbar gemacht.

Die Gouachen der Jahre 2019 bis 2026 auf Papieren aus Japan, Korea und China zeichnen sich durch eine besondere Leichtigkeit und Konzentration aus. Silber, Gold, Magenta, Schwarz und Blau setzen prägnante Akzente. Das Blau ist in Berents Werk zentral – nicht dekorativ, sondern raumbildend. Es erinnert an Horizont, Meer und Weite und Transzendenz.

Berents künstlerische Praxis ist geprägt von Aufenthalten in Italien, Ägypten, Indien, Iran, der Türkei, den USA und Japan. Diese transkulturellen Erfahrungen erscheinen nicht als Zitat, sondern als Teil eines kontinuierlichen künstlerischen Prozesses.

Hella Berents Werk ist besonders relevant, weil es transkulturelle Perspektiven eröffnet und die Verbindung von sinnlicher Materialität mit poetischem Denken über Wahrnehmung, Raum und kulturelle Identität erlebbar macht. In einer Zeit gesellschaftlicher Polarisierung zeigt die Ausstellung, wie Kunst Verständigung über Differenzen hinweg ermöglichen kann – über Sprachen, Kulturen und Weltbilder hinweg.

Hella Berent wurde 1948 in Thedinghausen geboren, wuchs in Bremen auf und lebt und arbeitet heute in Köln sowie international.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Aktuell – Syker Vorwerk

Anfahrtadresse

Waldstraße 76

D-28857 Syke

Öffnungszeiten

Mittwoch, Freitag, Samstag und Feiertage

14 bis 17 Uhr

Sonntag

12 bis 17 Uhr

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Derek Hess wurde 1964 in Cleveland geboren, sein Vater war Industriedesigner und unterrichtete am Cleveland Institute of Art. Die Kunst wurde ihm also schon „in die Wiege“ gelegt und in einem Haushalt, in dem sie eine große Rolle spielte, war es klar, daß auch Hess sich schon im frühesten Alter fürs Zeichnen interessierte. Immer schon waren es menschliche Formen und Körper, die ihn am meisten faszinierten. Viel an Inspiration gaben ihm in dieser Beziehung damals wie heute Gil Kane, ein amerikanischer Comic-Künstler und der deutsche Künstler Heinrich Kley.

Sein künstlerischer Weg begann in der Musikszene Clevelands mit dem gestalten von künstlerischen Rock Art Plakaten bevor er in die Welt der Fine Art gelangte. Ein langer Weg für ihn, aber letztendlich logischer Schritt, denn seine Studien des menschlichen Körpers und sein außergewöhnliches zeichnerisches Können sind längst weit über die Grenzen der Rock Art bekannt und anerkannt. Mittlerweile hat er in beiden Bereichen Fans und Sammler gefunden und gerade die Fans aus dem Musikbereich verehren ihn als absolutes Idol. Sie sind auch mit dafür verantwortlich das er wieder hier zu sehen ist, denn Hess bekam immer wieder Anfragen wann er endlich einmal wieder in Deutschland ausstellt.

Hess beschäftigt sich seit seiner Kindheit mit dem Zeichnen des menschlichen Körpers und hat auf diesem Gebiet eine Perfektion erlangt, die auch Professoren an deutschen Kunsthochschulen dazu bewegte, seine Werke im Unterricht zu analysieren. Das Pariser Louvre, die Rock’n’Roll Hall of Fame in Cleveland, als auch das Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg haben seit längerem mehrere von Hess‘ Werken in ihren Sammlungen. Er hat weltweit ausgestellt und Berichte über ihn sind in vielen Zeitungen und Magazinen veröffentlicht worden. (Quelle: Feinkunst Krüger)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Galerie Hamburg Feinkunst Krüger | Kunstgalerie & Kunsthandel seit 1998 | Junge zeitgenössische Kunst kaufen in Hamburg Innenstadt – Feinkunst Krüger

Feinkunst Krüger
Kohlhöfen 8
20355 Hamburg

Öffnungszeiten:
Donnerstag und Freitag: 12:00-19:00 Uhr
Samstag: 12:00-18:00 Uhr
oder nach Vereinbarung unter 040-31792158

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„…Ute Gallmeister begibt sich auf eine gleichsam archäologische Spurensuche nach dem Gewesenen, bei der benachbarte Assoziationen hinzutreten und die langsam wachsende Bildgestalt mehrfach verändern. Diesem ergebnisoffenen Arbeiten entspricht in den Bildern ein geschichteter Aufbau von locker strukturierten Flächen, die einander überlagern, sich wechselweise verdecken und freilegen – manchmal mit unvermittelt heftigem Gestus, als reiße etwas auf und bringe das ansonsten stabile Gefüge der Bilder ins Wanken. Ihr orthogonales Grundraster schafft Festigkeit, dabei ist die Malerei leicht, ja transparent. Ein immaterieller Raum wird suggeriert, wo Figur und Landschaft als Anlage in der Schwebe bleiben: in der Gestalt der großen, fast monumentalen Farbformen und der durch sie hindurch verlaufenden Konturen einer schemenhaften Figürlichkeit, die im offenen Bildraum verlischt, nicht ohne sich als Spur im Sinne eines Fadens, der der Wiederaufnahme harrt, auch weiterhin zu erkennen zu geben.“ (aus einem Text von Katrin Arrieta) (Quelle: Kunstraum Schwerin)

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Jannis Kustak studiert seit 2023 an der HAW Hamburg Illustration und ist in der Malereiklasse von Christian Hahn.

Kustak beschäftigt sich in seiner Malerei intensiv mit der Natur und betont dabei die Spannung zwischen Vergänglichkeit und Neuentstehung. Er verwendet expressive, absichtlich unnatürliche Farbpaletten und eine klare Konturführung, die seinen Arbeiten eine auffällige, fast grafische Wirkung verleihen.

Bild links: Kaventsmann | Jannis Kustak

Bild rechts: Windende Wurzeln | Jannis Kustak

Seine Werke bewegen sich zwischen zeichnerischer Präzision und klassischer Malerei, da er gleichzeitig malerische Tiefe und vielfältige Texturen nutzt. Ein zentraler Bestandteil seines malerischen Prozesses ist eine grundlegende Schicht aus Acrylfarbe, welche mit den darüber liegenden Ölfarbschichten interagiert. Diese untere Farbschicht scheint an einigen Stellen durch, erzeugt subtile Brüche und verleiht den Bildern eine dynamische Oberflächenbewegung. Kustak entwickelt aus Rindenstrukturen, Verästelungen und organischen Strukturen inspirierte komplexe Bildräume, die ineinandergreifen und sowohl naturalistische als auch abstrakte Qualitäten aufweisen. (Quelle: Studentenkunstmarkt)

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.waelderhaus.de/forum-wald/veranstaltungen/

WÄLDERHAUS
Am Inselpark 19
D-21109 Hamburg

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Ulli Böhmelmanns Objekte und Installationen entstehen in Wechselwirkung mit vorhandenen Räumen. Dabei bezieht die Künstlerin Besonderheiten der Architektur in ihre Installationen ein oder nimmt bisher nicht wahrgenommene Zwischenräume in den Fokus. Für die Galerie Peripherie realisiert sie ihre Installation „Blätter – Leaves 2“, ein hängendes Kunstwerk, bestehend aus hunderten hauchdünnen Porzellanblättern, die in Kooperation mit dem Museum Schloss Fürstenberg entstanden sind. Die schwebenden, gleichsam vom Wind durch die Luft gewirbelten Blattformen holen Luft und Bewegung rund um das Sudhaus in das Gebäude und machen sie sichtbar. (Quelle: galerie peripherie)


Zur Ausstellung und Ulli Böhmelmann
Der Kunstraum Galerie Peripherie ist ein Kubus mit der Kantenlänge 10m. Die Form, die mittige Säule und die zwei großen Facettenfenster geben dem Raum selbst eine starke eigene Präsenz. Schwerpunkt des Ausstellungsprogramms sind künstlerische Positionen, die sich mit der ortsspezifischen Architektur auseinandersetzen. In der jüngsten Zeit hat die Galerie verstärkt Künstler_innen präsentieren können, die im nationalen Kunstkontext bekannt sind.

Ulli Böhmelmann (*1970 in Mainz) begann ihre künstlerische Ausbildung in Mainz mit einer Lehre als Baukeramikerin und studierte im Anschluss an der HfK Bremen Freie Bildhauerei/ Keramik, das sich auf Porzellan und ortsspezifische Installationen konzentrierte. Bereits während ihres Studiums gewann sie den japanischen INAX Design Prize for European, der sie für drei Monate nach Japan führte. Ihre Werke wurden in Deutschland, Europa, Japan, Russland, Mauretanien (Afrika) und den USA gezeigt.

2025 hat Ulli Böhmelmann mit der ortsbezogenen Installation „Firmament“ den Luftraum der Festungskirche Ehrenbreitstein bei Koblenz bespielt.
Die Festung mit ihrem immensen Mauer-werk steht in schroffem Gegensatz zum Schaffen der Künstlerin. Ein auffälliges Merkmal der Anlage sind unzählige Rundbögen, die Fenster, Durchgänge und ehemalige Schießscharten einfassen oder überein-andergeschichtet den Mauern Festigkeit verleihen. Für den Luftraum der Festungs-kirche entwickelte Ulli Böhmelmann eine schwebende, transparente Architektur aus Papier, welche die vielfältigen Rundbögen des Bauwerks aufgreift und variiert. Die Ausstel-lung wurde u.a. vom Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V., München, und der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur gefördert.

2022 erarbeitete Böhmelmann im Auftrag des neu gegründeten Museum of Broadway in New York City die hängende Installation „Phantomenon“. Sie ist dauerhaft im „Phantom of the Opera“-Themenraum zu sehen und besteht aus 13.000 Kristallglasperlen, welche den Moment des zerspringenden Kronleuchters festhalten. Aus einem bestimmten Blickwinkel ist die Maske des Phantoms erkennbar.

Auszeichnungen / Förderungen / Stipendien / Preise
2025 Projektförderung durch Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur und Verein Ausstellungshaus für christliche Kunst e.V.
2023/24 Projektförderung durch die deutsche Botschaft in Mauretanien
2022 Auszeichnung der Freunde der artothek Köln e.V. für das Gesprächsforum „statements Köln“
2020/21/22 Künstlerstipendium NRW-Corona-Hilfe 
2015/16 Export-Förderung Internationale Kulturarbeit für die USA durch das Land NRW
2015 Projektförderung durch die Sparkassenstiftung Niedersachsen, die Stiftung Niedersachsen und die Stadtwerke Lehrte 
2009-11 Projektförderung durch das KULTURsekretariat NRW, den Ministerpräsidenten des Landes NRW, das Goethe Institut Moskau, Reisestipendium Russland durch die European Cultural Foundation, Niederlande   
2010 Arbeitsstipendium – AiR (Artist in Residence) Zehnthaus Jockgrim
2009 Ausstellungsförderung durch die Sparkassen-Kulturstiftungen Rheinland und Heinsberg 
2006+2009 Arbeitsstipendium – AiR Künstlergut Prösitz, D
2005 Katalogförderung durch das Land Rheinland-Pfalz, Ausstellungsförderung durch das Land Hessen 
2002 Burgund-Stipendium des Landes Rheinland-Pfalz
1998 Arbeitsstipendium – AiR Porzellanmanufaktur Nymphenburg
1994 INAX Design Prize and AiR, Tokoname, Japan

Weitere Informationen zur Ausstellung: peripherie. Die Galerie im Sudhaus / Tübingen

Galerie peripherie, Hechinger Straße 203, 72072 Tübingen

Öffnungszeiten: Do – So 17 – 20 Uhr

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Pilze eröffnen eine neue Materialwelt

Tanja Major lädt in ihrer Ausstellung dazu ein, die Pilzwelt als schöpferische, ökologische und ästhetische Kraft neu wahrzunehmen – als Resonanzraum, in dem Materie, Leben und Ideen miteinander verwoben sind.

Sie lässt aus handgeschöpftem Papier, das vollständig aus Pilzen besteht, teils fragile, teils skulpturale Arbeiten entstehen. Die Oberflächenstrukturen der ausgestellten Arbeiten scheinen zu pulsieren, als ob das Material selbst weiterlebt und die Beziehung zwischen künstlerischem Eingriff und natürlicher Evolution hinterfragt. Die Künstlerin eröffnet ein organisches Universum, in dem Pilze nicht nur Rohstoffe, sondern aktive Mitgestalter sind; als Inspiration, Farb- und Formgeber.

Mehr Infos zur Künstlerin unter http://www.fungi-paper.de

Weitere Informationen zur Ausstellung:

CafédotKom

Café & Kunstraum

Briennerstrasse 43
(im Hinterhof)

80333 München

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Willi Siber (*1949) hat keine Angst vor dem Neuen, dem Unbekannten, vor dem Austesten von Grenzen. Er spielt nicht nur mit Sehgewohnheiten und Erwartungen, sondern auch mit den klassischen Genres der Malerei und Skulptur. Seit über fünf Jahrzehnten beweist der Künstler enorme Vorstellungskraft, Mut und unstillbare Neugier hinsichtlich neuer technischer Möglichkeiten und Entwicklungen der Form- und Bildfindung – sei es in den filigranen Gitterobjekten oder dynamischen Stahlskulpturen, sei es in seinen raumgreifenden Wandobjekten oder reliefierten Tafelbildern. Schönheit, Perfektion, Sinnlichkeit und Ästhetik sind für ihn dabei wesentliche Aspekte.

Ob aus Holz, Epoxidharz oder Stahl – Willi Sibers Arbeiten ziehen die Betrachtenden unweigerlich in ihren Bann, faszinieren, überraschen, schaffen irritierende Wahrnehmungssituationen. So verleiht der Künstler den Werkoberflächen glänzende und spiegelnde Texturen, die das Licht reflektieren oder durchscheinen lassen.

Die Ausstellung „Cosmos Color“ in der kunsthalle weishaupt beleuchtet ab dem 26. Oktober 2025 in einer Einzelschau auf zwei Etagen das Oeuvre des renommierten Künstlers aus dem Oberschwäbischen.

kunsthalle weishaupt
Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1
89073 Ulm

Öffnungszeiten

Dienstag bis Sonntag: 11 bis 17 Uhr
jeden dritten Donnerstag im Monat 11 bis 20 Uhr
Montag geschlossen

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Mit einer Intervention von Gintar? Sokelyt?

Zum ersten Mal steht die intensive Lebens- und Schaffenszeit der letzten Jahre Wilhelm Lehmbrucks, einem der bedeutendsten Bildhauer seiner Generation, im Fokus einer Ausstellung. Geprägt von den Auswirkungen des Ersten Weltkriegs, beschäftigte er sich in Bildhauerei, Malerei und Grafik mit den existentiellen Fragen des Menschseins. Lehmbrucks Werke zeugen von Verzweiflung, aber auch von Mitgefühl und berühren heute, in Zeiten, die ebenfalls von Krieg, Zerstörung und Flucht geprägt sind, auf besondere Weise. 

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich und in Zusammenarbeit mit dem Lehmbruck Museum, Duisburg. In einer eigens für die Ausstellung konzipierten plastischen Intervention tritt die Künstlerin Gintar? Sokelyt? in einen Dialog mit Lehmbrucks Kunst.

Lehmbruck arbeitete in Plastik, Malerei und Grafik. Wie der Künstler es bereits zu Lebzeiten gehandhabt hat, präsentiert auch diese Ausstellung die Werke aller drei Medien gemeinsam. Insgesamt sind circa 70 seiner eigenen Werke und weitere Gemälde und Grafiken von Zeitgenossinnen zu sehen, die er persönlich gekannt hat und zu deren Arbeiten künstlerische Verwandtschaften bestehen. Als Vorstandsmitglied der Freien Secession stand er in Berlin im Austausch mit Künstlerinnen wie Otto Mueller, Karl Hofer und Käthe Kollwitz. Während seiner Zürcher Zeit knüpfte er Kontakte zu Alexej von Jawlensky und Kolleginnen der Dada-Bewegung. Davon, wie gut Lehmbruck im kulturellen Leben der Städte Berlin und Zürich vernetzt war, zeugen nicht zuletzt zahlreiche Porträts von Kulturschaffenden und Förderinnen, die ebenfalls in der Ausstellung gezeigt werden.

Wilhelm Lehmbruck. Ewig menschlich
26.3. – 28.6.2026
Kunstmuseum Moritzburg Halle
Friedemann-Bach-Platz 5
D-06108 Halle (Saale)
Tel.: +49-345-212590
Mo, Di + Do – So 10 – 18 Uhr
Eintritt: 8 €, erm. 5 €
www.kunstmuseum-moritzburg.de

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Mit der Ausstellung rückt Soyeon An (geb. 1988) die Formen und Ästhetik der traditionellen koreanischen Keramikkunst in den Mittelpunkt. ? (Hyeong) ist das koreanische Wort für „Form“, die in dieser Ausstellung besonders betrachtet wird. Anknüpfend an die Gestalt traditionell koreanischer Objekte, wie dem „Moon Jar“ oder den „Totems“ lässt die Künstlerin Formen entstehen, die von Imperfektion und Unvollkommenheit geprägt sind. Ohne Absicht oder Überhöhung offenbart sich eine stille Balance, in der Harmonie und Unregelmäßigkeit selbstverständlich nebeneinander bestehen.

In einigen Arbeiten zeigen sich zudem die feinen Linien des „Kintsugi“, der japanischen Tradition zerbrochene Keramik mit Gold oder Silber zu verbinden. Die Brüche werden nicht verborgen, sondern bewusst als „Narben“ hervorgehoben – als stille Spuren von Vergänglichkeit, Wandlung und unbeständiger Schönheit.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Soyeon An – ? – Die Schönheit der Unvollkommenheit – Gerhard-Marcks-Haus

Gerhard-Marcks-Haus
Am Wall 208
28195 Bremen

Öffnungszeiten

Dienstag – Sonntag 10 – 18 Uhr
Donnerstag 10 – 21 Uhr

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