Die Sonderausstellung „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ erzählt erstmals die Geschichte der Meissener Porzellanmanufaktur in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts – vom Wiederaufbau nach Krieg und Teildemontage bis zum Ende der DDR. Im Zentrum steht das Künstlerkollektiv um Ludwig Zepner, Heinz Werner und Peter Strang, das diese Zeit besonders prägte. Ihre bekanntesten Entwürfe waren angeregt von tschechischen Trickfilmen, Inszenierungen des Berliner Ensembles oder literarischen Motiven wie 1001 Nacht. 

Erstmals zeichnet die Porzellansammlung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) die bemerkenswerte Geschichte der Porzellanmanufaktur Meissen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in einer großen Sonderausstellung nach – vom Wiederaufbau nach dem Zweiten Weltkrieg und der partiellen Demontage durch die sowjetische Besatzungsmacht bis in die letzten Jahre der DDR. Einst von August dem Starken als Porzellanschloss erträumt, bietet das an der Elbe gelegene Japanische Palais für die rund 450 Exponate der Schau „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ einen spannungsvollen Rahmen. Neben den Porzellanen selbst weiten Entwurfsskizzen, Zeichnungen, Theaterkostüme, Filmausschnitte und mehr den Blick auf die Meissener Manufaktur in der DDR-Zeit.  

Die Präsentation gliedert sich in sieben Kapitel, in deren Mittelpunkt das Künstlerkollektiv um Ludwig Zepner, Heinz Werner und Peter Strang steht. Diese drei Mitarbeiter der Manufaktur waren unter anderem von tschechischen Animationsfilmen, Theaterstücken des Berliner Ensembles oder literarischen Motiven wie „1001 Nacht“ inspiriert und sollten den politischen Auftrag erfüllen, „aus guter Tradition zu neuem Schaffen“ (Otto Grotewohl) zu finden. Die Schau beleuchtet die Herausforderungen, denen sich die Künstler angesichts dieser Ausgangslage stellen mussten, und die Freiheiten, die sie sich in ihrer Arbeit dennoch nehmen konnten. Der programmatische Anspruch, Porzellan für alle Bevölkerungsschichten zu produzieren, stand dabei der repräsentativen Exklusivität und den hohen Kosten des Produkts gegenüber. So blieb die große Barocktradition einflussreich, obwohl sie in vielerlei Hinsicht im Widerspruch zum sozialistischen Staatssystem stand. Monumentale Wandgemälde für den Palast der Republik oder das Haus der Ministerien in Berlin, über 20 großformatige Unikate und eine von Sigmund Jähn ins All mitgenommene Medaille zeigen nicht nur in der Ausstellung, dass Meissener Porzellan als Luxusprodukt nach wie vor hohes Ansehen genoss und politischen Stellenwert besaß.

Neben dem neuen künstlerischen Schaffen nimmt die Ausstellung auch die Meissener Betriebskultur in den Blick: Künstlerisch anspruchsvolle Fotoserien der 1950er- und späten 1980er-Jahre geben gleichermaßen bislang weitestgehend verborgene Einblicke in den Arbeitsalltag der größten Porzellanmanufaktur Europas wie die kommentierte Ausgabe des betriebsinternen Magazins „Manufaktur-Echo“. Daneben betrachtet die Ausstellung grundsätzliche Aspekte zur Bedeutung der Meissener Manufaktur für die Kunst- und Kulturgeschichte im Osten und Westen Deutschlands. Da ein Großteil des Porzellans gegen Devisen über die Grenzen der DDR hinaus vor allem in die Bundesrepublik Deutschland exportiert wurde, stellt sich etwa die Frage, was im eigenen Land verblieb und inwieweit Meissener Porzellan das kollektive Gedächtnis und die nationale Identität auf beiden Seiten der Mauer prägte. Stellvertretend für die internationalen Beziehungen der Manufaktur beschäftigt sich ein Raum mit den Reisen und intensiven Verbindungen des Meissener Künstlerkollektivs nach Japan. 

Ergänzend zu den Beständen der Dresdner Porzellansammlung und des Kooperationspartners, der Meissen Porzellan-Stiftung GmbH, vereint die Ausstellung Exponate von mehr als 30 öffentlichen und privaten Leihgebern. Dazu gehören unter anderem das Betriebsarchiv der Staatlichen Porzellan-Manufaktur Meissen GmbH, die Stadtmuseen Meißen und Berlin, das GRASSI Museum für Angewandte Kunst in Leipzig und die Sammlung Ulla und Hans-Jürgen Koch in Scheidegg. Zudem besteht seit April 2025 die Möglichkeit, persönliche Geschichten und Erinnerungsstücke mit der Porzellansammlung zu teilen. Alle Beiträge werden auf der SKD-Digitalplattform voices (voices.skd.museum) veröffentlicht, einige besondere Stücke im Japanischen Palais gezeigt, darunter eine Medaille aus dem Besitz der Eiskunstläuferin Katarina Witt. In dem Online-Portal stimmen im Laufe der Ausstellung zahlreiche weitere Angebote auf die Präsentation ein, darunter eine interaktive Karte zu Meissener Wandbildern im Dresdner und Meißener Stadtraum, und filmische Zeitzeugen-Interviews, die 2022 vom SKD-Jugendbeirat in der Meissner Manufaktur geführt wurden. 

Medien- und Mitmachstationen geben Besucherinnen und Besuchern praktische Eindrücke aus der Welt der Meissener Porzellanmanufaktur und machen das Schaffen der Künstlerinnen und Künstler der DDR erfahrbar. „Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR“ wird darüber hinaus von einem abwechslungsreichen Programm begleitet, das unter anderem Stadtspaziergänge, Livespeaker sowie Erzählcafés und Vorführungen zur Porzellanmalerei einschließt. Ein Highlight ist auch die Porzellanbegutachtung durch Expertinnen und Experten aus Museum und Kunsthandel am Sonntag, den 21. September 2025. 

Zur Ausstellung erscheint im Ch. Links Verlag der Begleitband „Die blauen Schwerter. Meissen in der DDR“ mit Beiträgen von Autorinnen und Autoren aus Wissenschaft und Kunst, Sammlerinnen und Sammlern sowie Zeitzeuginnen und -zeugen, herausgegeben von den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden, Julia Weber und Sebastian Bank, 280 Seiten, 28 € ISBN: 978-3-96289-238-8.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Japanisches Palais: Die blauen Schwerter – Meissen in der DDR

Japanisches Palais (Sonderausstellung)
Japanisches Palais
Palaisplatz 11
01097 Dresden

Öffnungszeiten

Mittwoch bis Sonntag 10 – 17 Uhr

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Unter dem Titel „Dieses ist das Bild der Welt, Die man für die beste hält“ (frei nach Johann Wolfgang von Goethe) zeigt die Kustodie der TUD im Kabinett der Galerie der Kustodie im Görges-Bau auf zwei Etagen zeitgenössische Positionen von der Installations- und Performancekünstlerin Sophie Lindner (Mai bis November 2025), dem Filmemacherinnen-Kollektiv Neozoon (November 2025 bis März 2026) und der Fotografin Andrea Grützner (März bis Juli 2026) im Dialog mit wissenschaftlichen Lehr- und Forschungsobjekten aus den universitären Sammlungen.

Das Potenzial künstlerischer Forschung für die Erschließung und Sichtbarmachung von universitären Lehr- und Forschungssammlungen konnte in den vergangenen fünfzehn Jahren in wissenschaftlichen Vorhaben und Ausstellungsprojekten dargelegt werden. Am Beispiel der an der Kustodie angedockten Artist in Residence-Programme wie dem Schaufler Lab@TU Dresden zu Künstlicher Intelligenz und Daten-Welten oder dem S+T+ARTS Ec(h)o-Programm sowie durchgeführten Ausstellungsprojekten wird offensichtlich, wie mit künstlerischen Mitteln wissenschaftliche Themenstellungen vor der Folie von Lehr- und Forschungsobjekten hinterfragt, kontextualisiert und im besten Fall um Erkenntnisgewinne erweitert werden. Künstlerisch-spekulative Forschung kann den lernenden und prozesshaften Charakter von Wissenschaft exemplarisch an historischem Sammlungsgut erfahrbar machen. Auf den ersten Blick haben die übergeordneten Themensetzungen der bei uns angedockten Residencies keinen Bezug zu den universitären Sammlungen. Sie verweisen vielmehr in die Informatik, in die Ingenieur- und Naturwissenschaften – flankiert von den wesentlichen kleineren Geistes- und Sozialwissenschaften bei uns in Dresden.

Die Vermutung liegt also nahe, dass die sich bewerbenden Künstler:innen vor allem an High Performance Computing und außergewöhnlichen Visualisierungspraxen interessiert sind, die sich vorrangig im Digitalen abspielen. Weit gefehlt! Unsere Erfahrung der vergangenen acht Jahre hat gezeigt, dass es gerade die Objekte aus den vielfältigen und hochkarätigen Sammlungen sind, welche die Künstler:innen begeistern und helfen, ihre Forschungsideen zu konkretisieren. Dabei sind die Sammlungsobjekte nicht einfach nur ein Vehikel, sondern in der Regel zentraler Forschungsgegenstand. Als materialisierte Wissenskörper dienen die Lehrobjekte dazu, Zukunftsforschung in eine Wissensgeschichte einzubetten und gleichwohl als eigenständiges künstlerisches Werk auch eine Vermittlungsfunktion zu übernehmen.

Wissenschaftliches Wissen erfährt in den vergangenen fünfzehn Jahren eine gesteigerte Aufmerksamkeit in der Öffentlichkeit, wenn politische Akteure Forschung, Expertise und Handlungsempfehlungen von der Wissenschaft ab- und einfordern oder gar in dieses Feld eingreifen. Universitäten und damit auch Universitätssammlungen sowie Kustodien sind hierbei extrem gefordert; im Zentrum steht die glaubhafte und nachvollziehbare Vermittlung wissenschaftlicher Fragestellungen, von Erkenntnissen und Debatten in die breite Gesellschaft. Der Rückgriff beziehungsweise die Aktivierung der Lehrobjekte im Kontext von künstlerischen Forschungsprogrammen wie bei uns an der Kustodie können folglich einen substantiellen Beitrag zur Etablierung der universitären Sammlungen als Forschungsinfrastruktur leisten.
So hat uns auch Gerfried Stocker, künstlerischer Geschäftsführer der Ars Electronica und Beiratsmitglied im Schaufler Lab@TU Dresden, bescheinigt, dass es gerade die Sammlungen unserer Universität sind, die uns ein Alleinstellungsmerkmal im Kontext wissenschaftlicher und transdisziplinärer Programme auf internationalem Niveau garantiert.

#1 Sophie Lindner: Celestial Classrooms – Sternwarten und das Planetarische

Mit Fotografien aus der Hermann-Krone-Sammlung des Instituts für Angewandte Physik (IAP) und Objekten aus der Astronomisch-Geodätischen Sammlung sowie der Kartographischen Sammlung, TUD
19. Mai bis 14. November 2025

Den Auftakt der Kabinettreihe macht die in Leipzig lebende Installations- und Performancekünstlerin Sophie Lindner. Fotografien, Zeichnungen, Objekte der Künstlerin sowie von ihr zusammengetragene Archivmaterialien aus ostdeutschen Sternwarten werden neben experimentellen Aufnahmen des Fotopioniers Hermann Krone und Objekten aus der Astronomisch-Geodätischen Sammlung sowie der Kartographischen Sammlung in einem installativen Arrangement präsentiert. Das materielle Erbe der Sternwarten in der DDR, die für einen ganz eigenen Kosmos von Wissensgeschichte und Gesellschaftspolitik im 20. Jahrhundert stehen, bindet Sophie Lindner bewusst in ihre Installationen ein, um geschichtliche Zusammenhänge von Transformation und Wissenstransfer deutlich zu machen.
Im Zentrum von Lindners „Environment Sternwarte“ steht die Frage nach dem Verhältnis von Mensch und Kosmos im Kontext von Wissenschaft und Kunst. Zur Diskussion gestellt werden künstlerisch-spekulative Aneignungspraxen von Weltbildern und Paradigmen für eine neu gedachte Planet-Mensch-Beziehung im Zeitalter des Anthropozäns. Die von ihr entwickelten Kunstfiguren wie die „Spirituelle Astronautin“ oder die „Planetary Nurses“ sorgen sich um das Wohlergehen planetarer Beziehungen, wenn sie versuchen, die Interaktion und Bezüglichkeit von Mensch und Erde in all ihren Ausprägungen sicht- und erlebbar zu machen. Als Stellvertreter:innen bzw. Repräsentant:innen einer neuen wissenden Entität pflanzen sie Obstbäume oder halten Ausschau nach dem Planetarischen. Letztlich versteht Sophie Lindner ihre künstlerische Praxis als Fortführung von Konzepten des Kosmologischen, die sie anekdotisch und poetisch in Objekt-Arrangements und performative Partizipationsformate überführt.
Die Faszination für den Planeten Erde und den Weltraum ist uralt. Schon in der Vorantike spielte die Kosmologie eine zentrale Rolle, um den eigenen Lebensraum und das Universum besser zu verstehen. Die Objekte und Lehrtafeln aus der Astronomisch-Geodätischen Sammlung, der Kartographischen Sammlung sowie der Hermann-Krone-Sammlung geben einen kleinen Einblick in die in der Wissenschaft und (akademischen) Ausbildung eingesetzten Instrumente und Materialien. Die Lehrobjekte dienten allerdings vorrangig dazu, dem Menschen den Kosmos zu erschließen und zielten nicht darauf ab, ein relationales Verhältnis im Sinne von „planetarisch denken“ (Claus Leggewie) abzubilden.

Sophie Lindner (*1990 in Jena, lebt und arbeitet in Leipzig) studierte von 2011 bis 2017 an der Hochschule für Bildende Künste (HfBK) Dresden in der Fachklasse von Prof. Ulrike Grossarth und absolviert seit 2024 ihr Meisterschülerstudium bei Prof. Stefanie Wenner. Lindner ist Mitglied des Kollektivs CindyCat, einer freien Gewerkschaft von Kulturarbeiter:innen (https://cindycat.net). Aktuell wirkt sie als künstlerische Dozentin an der HfBK Dresden. Ihre Werke wurden in zahlreichen Ausstellungen gezeigt und im Rahmen von Lecture-Performances aufgeführt; sie erhielt mehrere Förderpreise, unter anderem von der Liebelt-Stiftung Hamburg.

#2 Kollektiv Neozoon

Mit Lehrobjekten aus der Forstzoologie und Forstzoologischen Lehrsammlung der TUD
November 2025 bis März 2026

#3 Andrea Grützner

Mit Artefakten aus dem Herbarium Dresden und der Sammlung Bodenkunde, TUD
März bis Juli 2026

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungsreihe im Kabinett: Sophie Lindner, Neozoon, Andrea Grützner — Kustodie — TU Dresden

Bürogebäude Zellescher Weg (BZW), Eingang AZellescher Weg 17

01069 Dresden

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Tauche ein in eine Welt voller Emotionen, Geschichten und künstlerischer Tiefe! Die tunesische Künstlerin Rahma Ben Fredj lädt Dich ein, ihre Ausstellung ZERSTREUTE GEFÜHLE in der Full Moon Gallery zu entdecken. Vom 14. März bis zum 12. April 2025 kannst Du ihre abstrakten und surrealen Werke erleben, die von vergänglichem Glück, stillen Momenten und leidenschaftlichen Episoden ihres Lebens erzählen.

Rahma Ben Fredj, die seit 2017 in Deutschland lebt, hat schon als Kind begonnen, ihre Gefühle in Zeichnungen auszudrücken – damals ermutigt von ihrer Mutter. Heute ist sie nicht nur Malerin, sondern auch Schauspielerin, Regisseurin und Theatertänzerin. Für sie ist Kunst weit mehr als nur ein Ausdrucksmittel: Sie ist eine Begleiterin, ein Weg, die inneren Hürden des Lebens zu überwinden, und eine Möglichkeit, Menschen und ihre verborgenen Geschichten wirklich zu erkennen.

In ZERSTREUTE GEFÜHLE spiegeln ihre Werke die Höhen und Tiefen des Lebens wider. Farben, Formen und Strukturen verbinden sich zu emotionalen Geschichten, die Deine Fantasie anregen und Dich vielleicht an eigene Erlebnisse erinnern. Jedes Gemälde lädt dazu ein, innezuhalten, nachzudenken und neue Perspektiven zu entdecken.

Weitere Informationen zur Ausstellung: ZERSTREUTE GEFÜHLE – Full Moon

Full Moon Gallery | Hechtstraße 17 | 01097 Dresden

Sonntag – Donnerstag: 15:00 – 24:00 Uhr

Freitag – Samstag: 15:00 – 02:00 Uhr

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Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich des Illustrierens und der Fantasy-Malerei zu wählen?

Torsten: Ich habe schon immer gern gezeichnet und gemalt. Mein Bruder und ein Bekannter, der als Hobby-Künstler aktiv war, sind meine ersten Inspirationen für meinen künstlerischen Weg gewesen. Nach meinem Kunststudium in Dresden spezialisierte ich mich auf die Ölmalerei. Inhaltlich sind es die Bereiche Bildende Kunst, Fantasy-Art und Abenteuerthemen. Das ist für mich immer eine schöne Abwechslung. Auftragsarbeiten sind manchmal Illustrationen und daher bin ich dazu gekommen.

Die Fantasy-Art bietet ein großes Spektrum an Gestaltungselementen. Hier kommen Menschen, Pferde, Raubtiere, fantastische Wesen und Landschaften in Erscheinung. Fantasy-Filme und auch die Werke von Fantasy-Art-Künstlern haben mich schon lange geprägt.

Manuela: Schon vor und nach deinem Studium an der Hochschule der Bildenden Künste in Dresden hast du eine lebendige Vita erarbeitet. Seit vielen Jahren schon bist du tätig als Künstler und Illustrator, was würdest du sagen ist der Antrieb in deiner Kunst? Was bewegt dich?

Torsten: Ich möchte die eigenen Vorstellungen, meine Sicht auf die Welt oder auch meine Fantasie mit der Malerei bildlich darstellen.

Manuela: Du nimmst Auftragsarbeiten an, aber hast auch ganz eigene künstlerische Auseinandersetzungen. Wie gehst du an einen Auftrag heran und wie an eigene, persönlich inspirierte Arbeiten? Was davon machst du lieber?

Torsten: Der Unterschied ist, dass es bei Illustrationsaufträgen für z.B. Bücher oder Magazine klare inhaltliche Vorgaben gibt und bei Bildenden-Kunst-Motiven oder auch bei meinen eigenen Fantasy-Art-Themen habe ich inhaltlich freie Hand.

Eine Vorgabenliste kann bei der künstlerischen Umsetzung reizvoll sein, weil die einzelnen Bildelemente schon feststehen. Dabei muss ich eine gute Komposition und Farbgebung für diese Elemente finden.

Als Gegensatz macht es dann wieder Freude freie künstlerische Arbeiten anzupacken. Hier kommt zum Entstehungsprozess noch die Suche nach dem passenden Inhalt dazu.

Illustrationen und freie Arbeiten sind jeweils eine Herausforderung. Die freien Arbeiten sind mir lieber.

Linkes Bild: Im angespannten und entspannten Zustand | 2015 | Torsten Hermann

Rechtes Bild: Gedankenlabyrinth | 2017 | Torsten Hermann

Manuela: Wie entstand beispielsweise die Idee Karl May Bücher als Vorlage zu nutzen für deine Malerei oder was hat dich zur Fantasy Art geführt?

Torsten: In den 80iger Jahren habe ich mit großer Begeisterung Karl-May-Filme im Kino und Fernsehen gesehen und erst später vertiefte ich mich in die Wildwest-Bücher. Dabei war ich total fasziniert von den beschriebenen Figuren. Diese sahen laut Mays Beschreibungen oft völlig anders aus als die bekannten Filmfiguren der 60iger Jahre. Ebenso stimmten für mich oft die Darstellungen der Figuren bei anderen Illustratoren oder bei den Freilichtbühnen-Aufführungen nicht mit denen aus den Büchern überein. Das alles weckte 2006 in mir den Wunsch, die für mich wichtigsten Romanfiguren detailgetreuer mit Ölfarbe zu malen – streng nach Mays Beschreibungen.

In meiner Umgebung befinden sich die Museen, die sich thematisch mit Karl May befassen. Es folgten in den Museen und auch an anderen Orten Ausstellungen mit meinen Bildmotiven. In verschiedenen Druckerzeugnissen wurden diese veröffentlicht und das mündete dann 2014 in meinem Bildband. Auch jetzt noch male ich Aufträge zu Karl-May-Themen. Die Werke von verschiedenen Fantasy-Künstlern haben mich auf das Themengebiet der Fantasy-Art gebracht. Es ist eine große Möglichkeit, die eigene Fantasie auszubilden.

Manuela: Eines deiner aktuellsten Projekte war es ja für das Karl-May-Haus in Hohenstein-Ernstthal 4 Panoramamotive gemalt, die dort die Wände zieren, wie entstand dieses Projekt?

Torsten: Der Museumsleiter vom Karl-May-Haus kam mit dem Projekt auf mich zu. Ich malte diese vier Bildmotive jeweils auf Leinwand und sie wurden dann per Scan und Druck auf große Bannerplanen übertragen. Diese Planen bilden nun das Panorama im neuen Erweiterungsbau vom Karl-May-Haus.

Für die künstlerische Umsetzung der vier Bilder hatte ich sehr wenig Zeit. Karl May platzierte ich in seiner Heimat, im Wilden Westen und im Orient. Ein Motiv zeigt die Romanfigur Marah Durimeh, welche an die Abbildung des Karl-May-Illustrators Sascha Schneider erinnern sollte. Bei den Darstellungen von Karl May orientierte ich mich an Abbildungen des Karl-May-Illustrators Carl-Heinz Dömken. So waren die Vorgaben.

Die Panorama-Bildmotive entstanden 2021 | Torsten Hermann

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche?

Torsten: Seit meiner Jugend bin ich fasziniert von den künstlerischen Arbeiten von Renato Casaro und Sebastian Krüger. Später kamen die Alten Meister dazu. Es bereichert mich, Künstler kennenzulernen, die mich inspirieren.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Torsten: Die Kunst hat eine sehr große Bedeutung in meinem Leben.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Berichte doch ein wenig auch über deine Technik.

Torsten: Erst kommen unscharfe Ideen und diese verdichten sich nach und nach bis es dann soweit ist, dass ich entweder Skizzen mache oder gleich Pinsel und Farbe zur Hand nehme und loslege. Während des Malens komme ich immer tiefer In Resonanz mit dem Bildmotiv und dabei entstehen auch neue Gedanken für die weitere Umsetzung. Das ist alles ein langer Weg.

Meine Ölfarbentechnik ist eine Mischung aus Lasur- und Primamalerei. Während meines Kunststudiums lernte ich die Lasurmalerei der Alten Meister in einem speziellen Malkurs beim Studiengang der Restauratoren.

Manuela: Hast Du ein Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Torsten: Mit meinen künstlerischen Arbeiten im Bildenden Kunst-Bereich möchte ich gern zum Nachdenken und / oder auch zur Faszination anregen.

Ich hoffe sehr, dass es weiterhin eine Wertschätzung für handgemachte und selbst erdachte Kunst gibt, trotz der aufkommenden Möglichkeiten mit der Künstlichen Intelligenz im künstlerischen Sektor.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Torsten: Die große Inspirationsquelle für mich ist die Natur an sich – von den Farb- und Lichtspielen bis hin zu allen möglichen Formen. Auch die Werke anderer Künstler inspirieren mich. Die eigenen Erfahrungen von bisher gemalten Bildern sind dabei nicht zu vergessen. Ich lerne ja immer dazu. Diese Gesamtmischung der genannten Inspirationen sind bei der Entstehung der Bildmotive entscheidend. Dabei kommt es dann bei der künstlerischen Umsetzung zu einem Mix aus naturgetreuen und fantastischen Formen.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen usw. finden sich in deinen Werken wieder?

Torsten: Das alles ist ein Zusammenspiel und fließt bewusst und unbewusst in meine schöpferische Kreativität ein.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Torsten: Bei meiner ersten Ausstellung in Hohenstein-Ernstthal mit meinen Karl-May-Motiven gab es viele positive Reaktionen. Das hat mir den großen Schub gegeben, mit diesem Thema weiterzumachen.

Manuela: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Torsten: Da gibt es zu viele und es kommen immer wieder neue dazu.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht weiterkommst?

Torsten: Ich gehe in die Natur. Das gibt mir Kraft und Motivation.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Torsten: Die Suche nach Wahrhaftigkeit.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Torsten: Die Farbenvielfalt in der Herbstkulisse.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Faszination

Begeisterung

Naturliebe

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Torsten: Zurzeit arbeite ich gerade an einem Projekt für einen Fantasy-Kalender.

Manuela: Von welchem Projekt „träumst“ du?

Torsten: Ich möchte Motive über Dresden und Umgebung malen.

Manuela: Wo kann man dich in diesem Jahr finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/ Kunsttagen….)

Torsten: In der Arztpraxis “Elb-Aesthetic“ in Dresden sind auf mehreren Etagen 30 meiner Gemälde ausgestellt.

Manuela: Wo bist du online zu finden?(Linkliste zu Social Media bzw. Homepage)

Auf meiner Website: www.toher.de und auf Instagram: toherkunst

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„Tiefe und Fläche. Im Dialog: Wissenschaftli­che Tableaus und Olaf Holzapfel“

Mit Werken von Olaf Holzapfel und Karl-Heinz Adler, Veronika Beckh sowie Franz Erhard Walther. Ein Projekt der Kustodie der Technischen Universität Dresden in Kooperation mit der Hochschule für Bildende Künste Dresden

„Ausgangspunkt der Ausstellung „TIEFE UND FLÄCHE“ sind die über 40 universitären Lehr- und Forschungssammlungen der Technischen Universität Dresden und der Hochschule für Bildende Künste Dresden. Diese Sammlungen enthalten Modelle, Lehrtafeln, Moulagen, Präparate und Objekte weiterer Gattungen, die über die letzten 200 Jahre hinweg mit speziellen didaktischen oder wissenschaftlichen Absichten für die Lehre und Forschung angefertigt oder zusammengetragen wurden. Die Ausstellung setzt den Fokus auf die bisher wenig beleuchtete Gattung des Tableaus: Schautafeln oder -kästen mit Arrangements von Exponaten.
Im Zusammenspiel mit diesen „Objekt-Tableaus“ sind eigens für das Projekt geschaffene und arrangierte Werke des Künstlers Olaf Holzapfel (*1967 in Dresden, lebt in Berlin) zu sehen. Er zeigt neben Skulpturen, Gemälden, Werken mit Naturmaterialien wie den „Heubildern“ und Modellen der vergangenen 20 Jahre auch eine neue Fachwerk-Arbeit. Die Ausstellung beleuchtet aus mehreren Blickwinkeln das Tableau als Ordnungs- und Zeigeform sowie Holzapfels künstlerische Bezugnahme darauf. Diese Begegnung mit den historischen „Objekt-Tableaus“ eröffnet neue Perspektiven auf zeitgenössische Lebensräume und ihre Geschichte, auf jenes „Dazwischen“ (Olaf Holzapfel) im Verhältnis von Mensch, Natur, Ding und Zeit.“ (Quelle: TU Dresden)

Alle Fotos: Manuela Mordhorst, Oktober 2024

Die Räumlichkeiten des Oktagon sind es, die faszinieren, neben der Ausstellung natürlich. Doch faszinierend war für mich vor allem eben auch die Architektur,…die teils freigelegten historischen Elemente des Baus….

Weitere Informationen zur Ausstellung: „Tiefe und Fläche. Im Dialog: Wissenschaftliche Tableaus und Olaf Holzapfel“ — Kustodie — TU Dresden

27. September bis 1. Dezember 2024
Oktogon. Kunsthalle der Hochschule für Bildende Künste (HfBK) Dresden
Georg-Treu-Platz 1, 01067 Dresden
Öffnungszeiten: Di – So, 11 – 18 Uhr

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Mehr Informationen zu Royuschs Würfelspiel und dem Ablauf bekommt man hier:

Zurück also zu meiner gewürfelten 12. Gerade vor kurzem war ich in Dresden, um meine Ausstellung im Steigenberger aufzubauen und was mich immer wieder magisch anzieht ist die vom Hotel beinahe gegenüberliegende berühmte Frauenkirche:

Und auch wenn es ausschaut, als seien es 2 Bilder, es ist eine Collage

Gerade im Dämmerlicht und am Abend erscheint mir diese Kirche besonders anziehend.

Und wer Dresden noch nicht kennen sollte, ein Trip dorthin lohnt sich absolut. Die Altstadt besticht durch ihre reichhaltige Architektur, die wunderbaren Gebäude, die Kunst, die Elbe und vielem mehr.

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Hier ein kleiner Einblick in die Ausstellung:

Die neuesten Werke aus der 6teiligen Werkreihe ‚Paths are made by walking‘ sieht man ebenfalls in der Ausstellung

Blick vom Foyer aus nach oben auf die Empore zu meinen Bildern

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Darunter zahlreiche Zeichnungen und Skulpturen von Friedrich Press.

Friedrich Press (1904 – 1990) war einer der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts mit christlicher Thematik. Seine Kunst orientierte sich an Ernst Barlach und Käthe Kollwitz, seinen Stil entwickelte er ins Abstrakte oder Akzentuierte, aber noch Erkennbare. Friedrich Press war ein genialer Kirchenraumgestalter, der vorhandene Räume, das Licht und seine Werke darin verband. Er gestaltete evangelische und katholische Kirchenräume, seine Skulpturen spiegeln Glaube, Schmerz, Trauer, Liebe und Zweifel wider.

Friedrich Press besuchte nach seiner Ausbildung zum Holz- und Steinbildhauer in Münster von 1924 bis 1926 die Kunstgewerbeschule in Dortmund. Danach studierte er an der Kunstgewerbeschule Charlottenburg bei Hans Perathoner und an der Kunstakademie Dresden, unter anderem bei Georg Wrba.

Bis 1935 lebte Press als freischaffender Künstler nahe seiner Geburtsstadt. Sein erstes Atelier hatte er von Ostern 1931 bis 1935 im Burgturm der Burg Davensberg eingerichtet. In dieser Zeit schuf er seinen „Christuskopf“, der 1932 auf Ausstellungen in Münster und Berlin große Aufmerksamkeit erregte. Im gleichen Jahr schuf er für die im Ersten Weltkrieg gefallenen Schüler der Landwirtschaftsschule im St. Katharinenstift seiner Heimatstadt das Denkmal Soldat mit Pferd. Dieses befindet sich heute auf dem Friedhof von Ascheberg. Ab 1935 lebte und wirkte er in Dresden, 1935 heiratete er die Malerin und Textilgestalterin Elfriede Kiefer.

Press’ Werke stießen bald auf den Widerstand der Nationalsozialisten. Er erhielt keine öffentlichen Aufträge mehr, seine Kunst galt als „entartet“. Im Jahr 1933 wurde eine Ausstellung mit seinen Werken auf Betreiben der Nationalsozialisten geschlossen. Er blieb jedoch Mitglied der Reichskammer der bildenden Künste. Seine Teilnahme an sieben großen Ausstellungen ist sicher belegt, darunter 1941 und 1942 die Große Deutsche Kunstausstellung in München.

Friedrich Press gestaltete über 40 Kirchen in der DDR wie auch in Westdeutschland. Zu seinen bekanntesten Werken gehört die 1973 geschaffene Pietà in der Katholischen Hofkirche (Kathedrale) in Dresden, die größte Skulptur, die je aus Meißner Porzellan hergestellt wurde. Außerdem gibt es zahlreiche Wandbilder aus Meißner Porzellan vom Künstler, welche in und an öffentlichen Gebäuden zu finden sind. (Quelle: Wikipedia)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Veranstaltungen (hdk-dkk.de)

Dreikönigskirche – Haus der Kirche
Hauptstr. 23
01097 Dresden

Montag bis Freitag: 10 bis 18 Uhr
Samstag: geschlossen
Telefon: 0351 8124-0

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Ab dem 22.9.2024 bis zum 22.03.2025 sind meine Werke täglich kostenlos zu besichtigen und zu erwerben.

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