Wenn Kunst auf florale Poesie trifft, ist es wieder so weit: Palastblühen kehrt im Frühjahr 2026 in den Kunstpalast zurück. Bereits zum dritten Mal verwandeln floristische Kompositionen den Sammlungsrundgang in ein lebendiges Gesamtkunstwerk – farbenfroh, duftend und vergänglich schön. Inmitten der Werke aus Malerei, Skulptur, Design und Glas eröffnen Blumenarrangements neue Blickwinkel, schaffen visuelle Korrespondenzen und setzen sinnliche Akzente.

Auch im nächsten Jahr treten Düsseldorfer Florist*innen mit ihren Interpretationen in den Dialog mit der Sammlung: Mal augenzwinkernd, mal kontemplativ, mal dramatisch entfalten sie in ihren Arbeiten eine ganz eigene Erzählung. Dabei entstehen temporäre Installationen, die den Raum verwandeln – überraschend, atmosphärisch und stets im Rhythmus der Natur.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Palastblühen 2026 – Kunstpalast Düsseldorf

Kunstpalast

Ehrenhof 4-5

40479 Düsseldorf

Öffnungszeiten

Di – So: 11:00 – 18:00

Do: 11:00 – 21:00

Mo: geschlossen

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Uwe: Hallo Manuela! Freue mich, dass wir uns im Haus des Gastes in Salzhausen kennengelernt haben. Gerne nehme ich deine Einladung zum Artist-Talk an und beantworte deine Fragen

Manuela: Du bist ja Designer, Illustrator und Künstler und hast Grafikdesign in Hannover studiert. Wieso hast du genau diesen Studiengang gewählt und wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Was davon ist dein Hauptberuf oder „bedienst“ du alle 3 Bereiche
gleichermaßen?

Uwe: Direkt nach dem Studium habe ich als Junior Art Director in einer Werbeagentur angefangen. Das war 1994 und in der Zeit veränderte sich das Berufsfeld des Grafik-Designers. Die Computer hielten verstärkt Einzug und die goldene Ära des Desktop Publishings (DTP) begann. Ich zog damals für den Job von Hannover nach Lüneburg. In Hannover hatte ich Grafik-Design-Informatik studiert. Eine Kombination aus Grafik und Computerstuff. Der Studiengang war neu, und ich fand es sinnvoll, den Informatikaspekt mit einzubeziehen.

Nach dem Grundstudium habe ich mich auf Illustration spezialisiert und konnte experimentell und frei arbeiten. An den Bereichen Schrift/Kalligraphie und Illustration/Comic hatte ich große Freude, und die Profs haben mich toll unterstützt und mir freie Hand gelassen. Aktzeichnen und ein Storyboardkurs sorgten ebenfalls für Begeisterung. Das war damals sehr motivierend: sich weiterentwickeln, neue Techniken erlernen und kreativ arbeiten. Während des Hauptstudiums habe ich dann u.a. mein erstes Comic gezeichnet (nach einer Kurzgeschichte von Patricia Highsmith). Als Diplomthema übertrug ich eine Romanvorlage von Ray Bradbury in Filmdesign. Also Illustrationen von wichtigen Szenen, Storyboards, Set Designs und Props/Requisiten entwickeln. Zum Ende des Studiums hatte ich einige Ausstellungen in Cafés und Kneipen mit freikünstlerischen Sachen (abstrakt, Kalligraphie, Radierungen). Höhepunkt in dieser Zeit: eine Ausstellung im Foyer für junge Kunst/Vereins- und Westbank und meine Diplomarbeit exposed in Kyoto/Japan

AUSBILDUNG vorher. Step back in time. Während meiner Lehre zum Energieanlagenelektroniker bei VW Emden wurde intern mein Zeichentalent entdeckt und genutzt, um Cartoons für die Unfallverhütungsvorschriften und Glückwunschkarten für Ausbilder und Vorgesetzte zu erstellen. Da tauchte mehrfach die Frage auf, warum ich eine Ausbildung zum Elektriker mache und nicht Zeichner werde…? Tja, das hatte ich nie als Beruf gesehen, aber bei näherer Betrachtung stimmte das: Schaltungen bauen war ok, beim Zeichnen war Leidenschaft im Spiel. Die Elektro-Ausbildung habe ich abgeschlossen und mich dann auf einen Studienplatz für Grafik-Design beworben. In Hannover hat‘s geklappt.

Manuela: Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die
künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen diesen Bereich zu wählen?

Uwe: Ein spezieller Moment war in meiner Grundschulzeit im Kunstunterricht. Die Aufgabe lautete: Einen Begriff visuell darstellen. Ich entschied mich für „Energie“. (Bsp. anbei) Auf das entstandene Bild ist die Lehrerin sehr abgefahren und hat mich dafür vor der Klasse über den grünen Klee gelobt. Sicher ein motivierendes und glückliches Ereignis.

Manuela: Seit wie vielen Jahren schon bist du tätig als Designer/ Illustrator/ Künstler? Berichte
doch etwas aus deinem beruflichen Leben.

Uwe: Selbstständig bin ich seit 1996. Ich habe damals mit Becker Illustrators in Hamburg zusammengearbeitet. Eine Illustratorenrepräsentanz, die Aufträge an geeignete Zeichner vermittelte. Ich zeichnete Storyboards und Visuals für zumeist Hamburger Werbeagenturen. Damals stand die Globalisierung durch Internet und E-Mail noch bevor und alles war Old School: Zeichnungen per Hand mit Bleistift und Marker, Abstimmung per Fax und Telefon, fertige Bilder mit Kurier oder persönlich in der Agentur abliefern.

Digitale Revolution und Globalisierung sollten diese Arbeitsweise in den nächsten Jahren dann aber komplett verändern.

Manuela: Was war dein erster Job in der Branche?

Uwe: Ein Storyboard für Mercedes, damals Renommee-Kunde der Werbegentur Springer und Jacoby. CD Suse Uhlenbrock hat mich dazu gebrieft (…erklärt, was auf den Bildern zu sehen sein soll.) Okay, soweit klar. Wir brauchen dann allerdings alles komplett bis übermorgen früh. Schluck…na dann! 

Link zum Clip von damals:

So war das dann oft: enge Timings und auch ein hoher Anspruch an die Illustrationen.

Manuela: Wenn man sich deine Website anschaut oder auch dein Instagramprofil, dann fallen
einem da unmittelbar die Comics ins Auge. Mich haben vor allem die düster wirkenden
Illustrationen dazu fasziniert. Beispielsweise von „Spawn“ oder „Haunt“. Was spricht dich
selbst am Thema ‚Comics‘ an.

Uwe: Comics habe ich schon immer gerne gelesen. Als Kind fasziniert von Marvel Comics (damals erschienen beim Williams Verlag), Tex Willer und Kobra, flammte das Interesse verstärkt in den 90ern wieder auf. Zu der Zeit erfand Todd McFarlane Spawn und gründete mit Zeichnerkollegen Image Comics. Eine Art Gegenentwurf zu Marvel und DC, die den Zeichnern keine Rechte an den von ihnen gezeichneten Figuren einräumten. Bei Image Comics war das anders. 

Überhaupt war die Comic-Szene weltweit zu der Zeit sehr vielfältig und progressiv. Mit unterschiedlichsten Stilen und Zeichnern. Im Trivial Book Shop (Comicladen in Hannover) war ich dementsprechend oft zu Gast und checkte die neuesten Trends. Nach dem Studium hörte ich über einen Freund von Extrem Erfolgreich Enterprises (kurz EEE), einem neu gegründeten Comicverlag von Comic-Fan und Ärzte Schlagzeuger Bela B. Ich hatte so 3-4 Seiten einer nicht zuende gedachten Science Fiction-/Horrorstory gemalt und herumliegen. Da das thematisch gut in das Programm von EEE passte, schickte ich denen das in Kopie.  Kurz darauf ein Anruf: Cool die Seiten! Wann ist die Story fertig? Wir möchten das veröffentlichen… Im Jahr 2000 erschien dann BLASTED! mein Comic-Debüt bei EEE. 2002 der Folgeband IDIOT CITY (Zeichnungen: ich, Story: Andreas Dierßen) auch bei EEE. Die Resonanz darauf war insgesamt gut, aber wirtschaftlich gesehen funktionierten meine Werbejobs besser. Bis 2010 traten die Comics somit erstmal in den Hintergrund, auch weil ich mittlerweile eine Familie zu ernähren hatte.

Dann besuchte ich MADE in Berlin. Da waren viele namhafte Comiczeichner und Concept Artists für einen Workshop versammelt, und ich bekam wieder Lust auf‘s Comiczeichnen. Als Forum dafür rief ich einen BLOG ins Leben, später ging das dann in meinen Instagram-Auftritt über (@uwedewitt, Spacelord: Künstlername aus der Bowlinggruppe).

EXKURS: Während dieser Zeit gab es einige Wettbewerbe und Stoff für Verschwörungstheorien..;-). Wenn dich das interessiert, kann ich davon berichten, glaube aber, dass das hier zu weit führt und zu kleinteilig wird.

Manuela: Ein Aspekt deines Wirkens, welchen man auf deiner Website findet ist die Rubrik
‚Storyboards‘. Dort findet man Szenen für u.a. Autowerbung. Gib uns doch einen kleinen
Einblick, wie sich das Arbeiten hier gestaltet. Sind dies Auftragsarbeiten gewesen für die
verschiedenen Marken oder Sender?

Uwe: Storyboards sind wie kleine Comics, die den Werbespot, den sich die Agentur ausdenkt, bebildern.  Meistens um den Kunden zu überzeugen, manchmal auch als Planungshilfe für Kameramann und Regisseur (Shooting-Board). Diese Jobs habe ich für Werbung und für Filme gemacht. Als Auftragsarbeiten.

Manuela: Du erschaffst auch Werke mit Acryl und teils digital, was sind deine Kriterien
auszuwählen, mit welcher Art Material du arbeitest? Was treibt dich hier an? Wie erklärst
du deinen Arbeitsprozess jemandem, der keine Design-Erfahrung hat?

Uwe: Wenn ich effektiv und schnell arbeiten möchte, ist digital unschlagbar. Auch im weiteren Verlauf bezogen auf eventuelle Korrekturen etc. Das Malen ist für mich eine sinnliche Erfahrung, bei der ich gerne analog arbeite. Sozusagen mit den Händen im Material. Ich versuche meinen Bildern Tiefe zu geben. Über Struktur, Form, Farbe.

Bild links: Lago | 2023 | Uwe de Witt – Bild rechts: Ohne Titel | 2008 | Uwe de Witt

Manchmal mische ich auch analoge Zeichnung mit digitaler Nachbearbeitung (Architekturmotive). 

Links: Auf dem Meere, Uwe de Witt rechts: In der Techt, Uwe de Witt

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Was ist für dich die
wichtigste Botschaft in deiner Kunst? Berichte doch ein wenig.

Uwe: Bei den freikünstlerischen Arbeiten gibt es für mich den komplett freien Bereich der Abstraktion. Und dann die konzeptorientierte Kunst. Meistens eine Idee, die ich über Bilder o.ä. erzählen möchte. 

Da bin ich froh, dass ich über eine hohe Bandbreite an Ausdrucksmöglichkeiten verfüge. So muss ich nicht soviel über die Umsetzung nachdenken und kann viele Ideen zulassen.

Die Botschaft findet sich meist in der spezifischen Idee. Meine Kunst sollte idealerweise entertainen und darf gerne Humor/Ironie enthalten.

Manuela: In deiner Ausstellung in Salzhausen kürzlich (zusammen mit Volker Stamer) warst du
thematisch ganz bei Heinrich Heine. Was hat dich bewogen dich so intensiv mit Heinrich
Heine auseinanderzusetzen und dann diese sehr zeitintensiven detaillierten Werke mit
viel Handschrift zu schaffen?

Uwe: Ich wollte mehr über Heine erfahren und habe mich mit seinem Wintermärchen beschäftigt. Ein wichtiges Werk mit etwas Umfang und teilweise zeitgenössisch übertragbar. Nach einer Gruppenausstellung zum Thema Heine, zu der ich mein „The End of Romance“-Kreuz beisteuerte, war ich neugierig geworden und die Winterreise erwies sich als interessant.

Manuela: Worin siehst du für dich selbst den Unterschied zwischen Grafik, Illustration und
deiner Kunst? Welcher Bereich zieht dich am meisten an, welcher Bereich fordert dich
heraus und/ oder siehst du einen Unterschied darin was du tust um Geld zu verdienen
und dem was du für dich machst aus rein künstlerischer freier Sicht? Bzw. Du hast eine
gute Symbiose geschaffen. Du kannst künstlerisch aktiv sein, aber auch als Designer deine
Kunst verkaufen und einsetzen. Richtig?

Uwe: Ja, genau. Ich sehe das als Symbiose. Die Jobs bringen das nötige Geld, sorgen aber auch für Weiterentwicklung der künstlerischen Fähigkeiten.

Manuela: Was sagst du zu dem Satz: „Als Künstler kann man kein Geld verdienen.“ Wie war oder ist es bei dir zu Hause?

Uwe: Je spezifischer und persönlicher das Thema ist, umso schwieriger lassen sich die Bilder vermarkten. War bei mir zumindest bisher so.  Wenn ich mit konzeptionellen Ideen arbeite, komme ich zwar zu einer plakativen Umsetzung mit spannenden Motiven, die aber meist eher verstörend wirken und nicht besonders anheimelnd.  Ist ja auch gut, aber in meiner Range schlecht „kommerziell auswertbar“.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Uwe: Ich bin eigentlich rund um die Uhr im Kunst-Game. Wenn nicht aktiv am iPad, Pinsel oder Filzstift, dann zwischendurch, manchmal gedankenverloren, auf der Suche nach Ideen und Inspiration..:-)

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Uwe: Filme, Politik, Musik, Kultur. Daraus entstehen für mich Ideen.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen
usw. finden sich in deinen Zeichnungen/ Werken und Illustrationen usw. wieder?

Uwe: In den kommerziellen Auftragsarbeiten bin ich nicht so persönlich. In meiner Kunst schon.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Uwe: Eine Reaktion über die ich mich gefreut habe, war die Verblüffung der Kunstfreunde über meine Arbeit zur Gruppenausstellung „Lebensräume“. Die gezeigten, gemalten Wohnzimmer, vordergründig belanglos, entpuppten sich als Wohnungen von Serienkillern. Nach Tatortfotos gemalt. Das hatte durch einen begleitenden Zeitungsartikel, der den Hintergrund erhellte, zusätzlich einen richtig tollen Plot-Twist-Effekt..:-)

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht
weiterkommst?

Uwe: Ich arbeite meistens parallel an verschiedenen Sachen. Komme ich bei einem Werk nicht weiter, widme ich mich erstmal einer anderen Zielsetzung.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt?

Uwe: Was ist gerade in der Welt los…?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Uwe: Eine Pommes-Schale.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Uwe: Persönlich, vielschichtig, unterhaltsam

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Uwe: Comic „Retrograd“ Heft 3 von 5. Kleine Kunst-Formate für Verkaufsveranstaltungen im November und Dezember

Manuela: Gibt es gerade ein spannendes Projekt, das du momentan umsetzt? Oder ein Ziel, das
du unbedingt erreichen magst?

Uwe: Die „Retrograd“-Comic-Serie sollte idealerweise zum Comic Salon Erlangen im Juni 2026 fertig sein.

Manuela: Wo kann man dich und deine Kunst in diesem und kommenden Jahr finden (auf
welchen Ausstellungen/ Messen/ Kunsttagen….)

Uwe: 2025: Kunstkiosk am Salzmuseum und Avacon Lüneburg (noch bis 01/2026). 2026: 80 Jahre BBK Lüneburg, Kulturbäckerei

Manuela: Wo bist du online zu finden?(Linkliste zu Social Media bzw. Homepage)

Uwe: Website: www.uwedewitt.com

Website BBK: https://www.bbk-lueneburg.de/uwe-de-witt/

Instagram: @uwedewitt

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35. KUNSTBÖRSE – Das Geschenk der besonderen Art

Zum Ende des jeweiligen Jahres findet traditionell die Kunstbörse statt – nun schon zum 35. Mal. Hier präsentieren sich bis zu 100 Künstlerinnen und Künstler aus etwa zehn Bundesländern in einer durch eine Jury ausgewählten Verkaufsausstellung. Bis 31. August 2025 konnten sich Künstlerinnen und Künstler um ihre Teilnahme im Kunstverein bewerben. Die Kunstbörse hat sich über die Jahre zu einem besonderen Verkaufsmagneten in der Vorweihnachtszeit entwickelt. Und nach den Festtagen kann man die Geldgeschenke ausgeben. Besuchen Sie diese Ausstellung und nehmen Sie ihre erworbenen Kunstwerke gleich mit.

Weitere Informationen zur Kunstbörse: 35. KUNSTBÖRSE – Das Geschenk der besonderen Art | Kunstverein Wiligrad

Kunstverein Wiligrad e.V.
Wiligrader Straße 17
19069 Lübstorf

Öffnungszeiten

Di–Fr 10–17 Uhr
Sa–So & Feiertags 11–17 Uhr

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25.10.2025 – 04.01.2026 Glasmuseum Lette in Coesfeld

Aktuell stellt das Glas Museum Lette Glas zum Thema Nordlichter aus. Was mich besonders freut, dass Werke des schwedischen Glaskünstlers Bertil Vallien zu sehen sind, den ich schon selbst vis a vis in Kosta besuchen und zahlreiche seiner Werke in ganz unterschiedlichen Ausstellungen in Schweden und an öffentlichen Plätzen, wie Kirchen, habe sehen dürfen. Daher ist es besonders schön zu wissen, dass auch in Deutschland seine Werke geschätzt werden.

Aber auch die anderen Künstler:innen, wie Kjell Engman oder Trine Drivsholm, die hier ihre Glaskunst präsentieren und gezeigt werden, sind durchaus sehenswert.

Und wer sich für Glaskunst, Glasobjekte und -Skulpturen und überhaupt Glasdesign begeistern kann, der ist in dieser Ausstellung absolut richtig.

Was sind eigentlich Nordlichter?

Für die einen sind es geheimnisvolle, farbenprächtige Lichtphänomene, die im Winter am nördlichen Nachthimmel tanzen. Andere wiederum bezeichnen damit scherzhaft Menschen, die in nördlichen Gefilden leben, wobei die (Landes-) Grenzen hier nicht sehr eng gezogen werden.

„Nordlichter“ – dieses schöne doppeldeutige Wort hat uns auch zu unserer neuen Ausstellung inspiriert. Nach geeigneten Exponaten mussten wir nicht lange suchen, denn unser Glasdepot beherbergt herausragende Arbeiten von faszinierender Strahlkraft, die allesamt von Künstlern stammen, deren Heimaten in den skandinavischen Ländern, Island oder Norddeutschland liegen.

Im Norden hat die Glasverarbeitung eine lange Tradition von Weltruf, die auch heute noch starken Einfluss auf die internationale Kunst- und Designwelt ausübt. Bedeutende Pioniere der europäischen Studioglasbewegung stammen von hier. Zu ihnen gehören zum Beispiel Schwedens berühmtester Glaskünstler und Designer Bertil Vallien (*1938) und der „Urvater“ der dänischen Glaskunst Finn Lynggaard (1930-2011). Zu den weltweit innovativsten und einflussreichsten Glaskünstlern zählt auch der gebürtige Hamburger Klaus Moje (1936-2016), dem es ab den frühen 1980er Jahren gelang, eine Glaskunstbewegung in Australien aufzubauen.

Die nordischen Glaspioniere waren neben ihrer kreativen Arbeit auch Pädagogen – viele ihrer einstigen Schüler haben wiederum mit ganz unterschiedlichen künstlerischen Positionen bedeutende Akzente in der internationalen Glaskunst-Szene gesetzt. Zu diesen ambitionierten und oft preisgekrönten „Nordlichtern“ zählen z.B. das dänische Künstlerpaar Trine Drivsholm und Tobias Møhl, die schwedischen Künstler Kjell Engman und Rasmus Nossbring oder der junge Norweger Geir Nustad.

In unserer neuen Ausstellung zeigen wir Objekte, Skulpturen und Installationen, die in einem Querschnitt das zeitgenössische nordische Glas präsentieren. In Betrachtung dieses künstlerischen Potentials aus dem hohen Norden kommen wir zu dem Fazit: Die Glaskunstszene der „Nordlichter“ ist abwechslungsreich und spektakulär. Sie hat viel mehr Facetten als die klare, funktionale Ästhetik, die der gemeinhin gängigen Vorstellung von nordischem Glasdesign entspricht. Cooles Design und freie Kunst scheinen sich hier mitunter unvoreingenommen und originell zu vermischen. Glaskunst aus nördlichen Ländern zeigt eine ebenso große Bandbreite künstlerischer Individualität und Ideenreichtum wie die Glaskunst aus südlichen, westlichen oder östlichen Ländern. Sie kann formvollendet und poetisch sein, experimentierfreudig und fantasievoll, doch immer basiert sie auf Könnerschaft und Professionalität.

Weitere Informationen zur Ausstellung: „Nordlichter“ › glasmuseum-lette.de

Glasmuseum Lette
Letter Berg 38
48653 Coesfeld

Öffnungszeiten & Preise

Öffnungszeiten Glasmuseum Lette + Glasdepot Höltingshof: Mittwoch + Samstag 14 – 17 Uhr, Sonntag 11 – 17 Uhr

Öffnungszeiten an den kommenden Feiertagen:

Allerheiligen, Sa, 01.11.2025:                             geöffnet 14-17 Uhr

Neujahr, Do, 01.01.2026:                                    geöffnet 14-17 Uhr

An Heiligabend, Mi, 24.12., und an den Weihnachtstagen, Do u. Fr, 25. u. 26.12., sowie an Silvester, Mi, 31.12.2025, sind Glasmuseum und Glasdepot geschlossen

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mit Franz Josef Altenburg · Karin Bablok · Ute Brade · Hans Fischer · Konrad Franz · Klaus Lehmann · Atsushi Mannami · Johannes Nagel · Antje Scharfe

SCULPTURE en minature

Kleine Skulpturen wollen aus der Nähe betrachtet werden.
Selbstbewusst geben sie in ihrer Verdichtung stille Antworten auf den Lärm der Zeit.

Dabei sind Wachsen, sich Behaupten, Verschmelzen und aufeinander Eingehen Bestimmungen, denen sie folgen.

Und als augenzwinkernde Zugabe verleiten Schneekugeln zu Spiel und Traum und führen schnell zu ganz eigenen Erlebnissen in ihren kleinen Welten.

Franz Josef Altenburg war ein Künstler von großer Bescheidenheit. Diese Haltung prägte nicht nur sein Wesen, sondern auch sein künstlerisches Schaffen. Mit feiner Selbstironie und Zurückhaltung stellte er sich gerne selbst hinten an – nicht selten, indem er sich auf augenzwinkernde Weise „klein“ machte. Es überrascht daher nicht, dass er auch im Format das Kleine suchte.

Aus seinem konsequenten Anspruch, das gesamte Material zu verwerten, entwickelte sich über die Jahre eine Werkreihe, die er „Die Kleinen“ nannte. Trotz ihrer geringen Größe sind diese Arbeiten geprägt von seiner charakteristischen, klaren Formsprache. Sie zeigen eindrucksvoll, dass wahre Ausdrucksstärke nicht von Größe abhängig ist.

Cäcilia Putschek

Weitere Informationen zur Ausstellung: SCULPTURE en minature – GALERIE METZGER

Kontakt

GALERIE METZGER
Angelika Metzger
Hauptstr. 18
63867 Johannesberg
(Landkreis Aschaffenburg)

Geöffnet während den Ausstellungen

• Mittwoch 14:30 – 19:00 Uhr
• Samstag 14:30  – 18:00 Uhr
• Sonntag 11:00 – 17:00 Uhr

und nach telefonischer Vereinbarung

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Ausstellungszeitraum: 21. März bis 30. März 2025

Talente im Fokus

2025 versammelt das Design Zentrum wieder zeitgenössische Positionen vom Hamburger Design-Nachwuchs. Was bewegt die jungen Absolvent*innen? Mit welchen Fragestellungen und gesellschaftlichen Themen setzen sich die Design-Hochschulen der Stadt auseinander?

Antworten liefert die Ausstellung 20 aus 24. Jährlich zeigt das Designzentrum die zwanzig besten Design-Abschlussarbeiten der verschiedensten Disziplinen, nominiert von Lehrenden der Hamburger Hochschulen und Akademien. Die jungen Gestalter*innen greifen mit ihren Designs gesellschaftliche Themen unserer Zeit auf und setzen sie in einer Vielfalt an gestalterischen Darstellungsformen um – ob künstliche Intelligenz, Identitätsfragen, Konsum, Krisen oder soziale Praktiken. Zu sehen sind physische und digitale Objekte, Rauminstallationen, Textilien, audiovisuelle Werke, Printprodukte und vieles mehr.

Anschließend ist die Ausstellung vom 21. bis 30. März 2025 täglich von 14 bis 19 Uhr geöffnet. Der Eintritt ist frei.
Für alle, die über die Werke und ihre Entstehung ins Gespräch kommen möchten: Am 22. und 23. März ist eine Auswahl der Designer*innen in der Ausstellung präsent.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Vernissage: 20 aus 24 | Design Zentrum Hamburg

• Design Zentrum Hamburg | Hongkongstraße 8, 20457 Hamburg

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Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich des Illustration zu wählen?

Peter: Ich bin aufgewachsen in einer Arbeiterfamilie mit viel Liebe und Geselligkeit, aber wenig Büchern, Musik oder Kunst. Als ich 10 Jahre alt war habe ich bei einem Freund Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band von The Beatles gehört. Ich hatte damals keine Ahnung, dass es solche Musik gab. Und die ganze Zeit, während die Platte spielte, habe ich das Coverbild von Peter Blake angeguckt und mich darüber gewundert. 

Später habe ich herausgefunden, dass Peter Blake Künstler und gleichzeitig Illustrator und Grafiker ist. An der Kunstschule AKI in Enschede habe ich mich dann als Künstler beworben. Die meisten Studenten, die Künstler werden wollten, fand ich arrogant. Die Grafiker und Designer mochte ich viel mehr, weil sie viel praktischer waren. Anfang 1984 habe ich meinen Master in Design und Illustration gemacht. In den Niederlanden gibt es dabei ein ‘Rijksgecommiteerde’ der das Examen kontrollieren soll. Bei mir war das Heinz Edelmann, der den Beatles-Film Yellow Submarine gezeichnet hat. Als ich ihn fragte, wie es war mit John und Paul sagte er: ‘Das war einmal.’

Manuela: Seit wie vielen Jahren schon bist du tätig als Illustrator/ Künstler? Berichte doch etwas aus deinem beruflichen Leben.

Peter: Ich habe schon als Student 1983 angefangen zu illustrieren für NRC Handelsblad, eine renommierte Niederländische Zeitung wie die Frankfurter Allgemeine in Deutschland. Später, 1987 habe ich dort auch als Designer gearbeitet und gleichzeitig Illustrationen gemacht. 1995 wurde ich Artdirector für das Algemeen Dagblad und 1997 Artdirector für Elsevier Weekblad, ein wöchentliches Magazin wie Der Spiegel.

Ich habe immerhin gleichzeitig auch Kunst gemacht, auf eine spielerische Art. Illustrationen habe ich meistens digital gemacht in Photoshop. 2019 wurde ich gefragt für eine Gruppenausstellung Grafietregen. Da habe ich zum ersten Mal wieder mit Bleistift auf Papier gearbeitet. Das hat mir so viel Spaß gemacht, dass ich nur noch zeichnen wollte. Letztes Jahr habe ich meinen Job als Art Director gekündigt. 

Jetzt zeichne ich nur noch. Keine Deadlines mehr. Nur noch lustige Linien.

Manuela: Du bist Niederländer und erst kürzlich nach Hamburg gezogen. Wie gestaltet sich dein künstlerisches Leben hier in Deutschland?

Peter: Ich bin gleichzeitig in der Niederlanden und Deutschland beschäftigt. In beiden Ländern ist es nicht einfach einen Platz zu finden und irgendwo seine Bilder zu zeigen. ‘Komm mal vorbei’ heißt es oft. Deutschland und die Niederlande sind nicht so unterschiedlich. Für mich ist die Umstellung von Artdirector zum Künstler größer.

Manuela: Du hast auch Bücher illustriert, bzw. Coverillustrationen gefertigt. Zum Beispiel etliche des niederländischen Autors Adriaan van Dis. Wie kam die Zusammenarbeit hier zustande und wie hat es sich ergeben, dass du immer wieder dessen Buchcover illustriert hast? Wie gehst du hier an eine Covergestaltung heran?

Peter: Tessa van der Waals ist die Designerin, die immer Cover für die Bücher von Adriaan van Dis gestaltet hat. Ich kenne Tessa als Designerin beim NRC Handelsblad und habe ihr mal schon gesagt, dass ich gerne mal ein Coverbild für ein Buch machen würde. Keine Illustration, aber ein autonomes Bild, das passen könnte zu dem Buch. 

Ich wurde gefragt, ob ich für den Roman Ik kom terug von Adriaan van Dis ein Coverbild machen würde. Der Verlag zweifelte, ob das kommerziell wirken soll, aber Adriaan van Dis war sehr enthusiastisch. Glücklicherweise hat sich das Buch sehr gut verkauft. Danach habe ich dann noch für sechs ältere Romane von ihm ein neues Cover gezeichnet.

Ich habe die Bücher gelesen und auch mit Adriaan darüber geredet und meine Ideen für die Bilder mit ihm geteilt. In allen Fällen sind es autonome Bilder, die Anschluss haben zu dem Buch,  aber keine Illustrationen, die die Erzählung erklären.

Manuela: Was ist für dich der Unterschied zwischen Illustrationen und Kunst?

Peter: Eine Illustration ist meistens Werbung für Ideen von jemand anderem. Das Bild passt zu dem Text und sollte man in einem Blick verstehen. Es soll auch Begeisterung geben, den Text zu lesen. Bei Kunst ist das Bild autonom und darf Fragen stellen. Es kann nachdenklich stimmen, Freude schaffen oder auch böse machen. Das Bild ist selbständig und braucht kein Umfeld.

Manuela: Deine Bilder sind häufig aus der Tierwelt inspiriert und dann mit Graphit/ Buntstiften gefertigt. Sie zeigen sich sehr individuell und ganz eigenwillig. Ich denke da jetzt an Werke wie ‚Come On, Let’s Go‘, ‚Duplo‘, ‚Say Hi!‘, ‚Good morning‘ oder ‚Black Wave‘. Sie wirken teils wie Spiegelbilder des Menschen in seinem täglichen Verhalten und könnten mitunter humoristisch bis kritisch gesehen werden. Was treibt dich hier an so zu zeichnen und was ist die Idee dahinter?

Peter: Ich bin interessiert an Menschen und ich liebe Tiere. Es handelt sich meistens um menschliche Beziehungen und die Verhältnissen in Familien. 

Verhältnisse zwischen Menschen abzubilden geht besser, wenn es Tierformen sind. Das wirkt abstrakter, als wenn es  direkt Menschen selbst sind. Dann denkt man gleich an die Nachbarn oder seine Kollegen. 

Ich bin kein großer Vogelbeobachter, ich kann noch keinen Spatz von einer Merel unterscheiden. Aber ich liebe es, wie die Vögel sich bewegen, fast tänzelnd durch die Luft gehen. Tiere haben einfach mehr Schwung als Menschen.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen usw. finden sich in deinen Zeichnungen und Illustrationen usw. wieder?

Peter: Ein Freund fragte mich, ob ich meine Trennung schon verarbeitet habe. Es gibt oft 2 große Tiere und 2 kleine Tiere in meinen Bildern. 

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Peter: Bei einer Illustration über Euthanasie sagte meine Mutter, dass sie das Bild gerne auf ihrer Todesanzeige haben will. Glücklicherweise lebt sie noch!

Manuela: Du erschaffst auch Werke mit Acryl und teils digital, was sind deine Kriterien auszuwählen, mit welcher Art Material du arbeitest?

Peter: Digital ist praktisch, weil man schnell Sachen ändern kann. Es macht aber auch faul. Acryl ist auch praktisch und hat etwas Einfaches, Billiges, was manchmal Charme hat.

Bleistift ist schwierig und man soll geduldig sein. ‘Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit’, sagte Karl Valentin schon. Manchmal muss man sich Mühe machen, bevor die Sachen anfangen zu glänzen. Wenn das passiert, erfahre ich ein großes Glücksgefühl. Es ist sehr meditativ mit Bleistift auf Papier zu streichen und langsam eine Form entstehen zu lassen.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Was ist für dich die wichtigste Botschaft in deiner Kunst? Berichte doch ein wenig.

Peter: Meine Skizzen sind sehr grob. Ich fang einfach an mit einer Linie. Und wenn die Linie anfängt zu tanzen, geht’s los. Dann entsteht manchmal ein Bild und dabei kommt dazu eine Idee.

Es soll zuerst Freude schaffen. Und vielleicht Menschen nachdenklich machen. Man darf auch lächeln.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Ein großer Teil meines Lebens besteht aus Kunst.  Es ist nicht nur Zeichnen, auch Träumen, Wandern und Langweilen ist sehr wichtig. 

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Peter: Für mich ist kein Unterschied zwischen Highbrow und Lowbrow. Alles zwischen Kunst und Comics, zwischen Literatur und Musik: Saul Steinberg, Joost Swarte, Ever Meulen, Art Spiegelman, Grayson Perry, Henning Wagenbreth, Blexbolex, Tex Avery, Buster Keaton, Jacques Tati, Wes Anderson, Haruki Murakami, David Mitchell, Johan Harstad, Jonathan Coe, Erik Satie, Igor Strawinsky, John Adams, David Bowie, Roxy Music, Kraftwerk und noch viel mehr… 

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht weiterkommst?

Peter: Ich glaube nicht an Inspiration. Einfach anfangen zu zeichnen und sich überraschen lassen. Das Zeichnen ist die beste Inspiration. 

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Peter: Mein Skizzenbuch.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Peter: Wieso will ‘Jeder ein Künstler‘ sein?

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Peter: Linie, Lust, Liebe. 

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Peter: Ein Deutsches Alphabet. 26 Zeichnungen über komische deutsche Wörter.

Wer weiß wo Wifi wohnt? Ein Kinderbuch über Tiere, die sich verlaufen haben in der digitalen Welt. 

Manuela: Wo kann man dich und deine Kunst in diesem Jahr finden

Peter: Ich beteilige mich am folgenden Gruppenausstellungen:

• Popland 5.0 im Galerie KOCHXBOS in Amsterdam. 07/06 – 05/07
• Gruppenausstellung Birds of a feather im Verwalterhaus in Berlin. Während der Berlin Art-week
• Doppel-Ausstellung Leben – Still und Bewegt mit Lia Schmeling beim Kulturforum Wedel in Wedeler Rathaus 24/09 – 24/10

Manuela: Wo bist du online zu finden?(Linkliste zu Social Media bzw. Homepage)

Peter: Auf meiner Website und auf Instagram

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Vernissage am Freitag, 17. Januar 2025 um 18 Uhr mit Licht/Klanginteraktion

Raum im Raum

Das Kubus-Objekt von Gisela Meyer-Hahn ermöglicht ihr ortsunabhängig zu improvisieren. Als gut transportierbarer und flexibel zu gestaltender Raum im Raum verfügt er über Oberflächen aus verschiedenen Seidenmaterialien und formbildenden Linien. „Eingeleuchtet“ bietet er der Künstlerin eine spannende Möglichkeit ihre LichtKompositon darin umzusetzen. Die Lichtreflektionen und farbige Schatten erscheinen im gesamten umgebenden Raum! Die Lichteinspielungen sind live, Gisela Meyer-Hahn arbeitet von ihrem manuell zu bedienenden Lichtmischpult aus.

Über ihr Wirken sagt die Künstlerin: „Ich befasse mich mit der Wirkung von Naturphänomenen auf die menschliche Wahrnehmung. Ich arbeite mit Licht, Farbe, textilem Material, Klang und den Dimensionen von Raum, der durch künstlerische Wandlung neu erfahrbar wird.“

Weitere Informationen zur Ausstellung: gisela meyer – hahn – Kunstkreis Schenefeld

Galerie im Stadtzentrum Schenefeld
STADTZENTRUM SCHENEFELD
Kiebitzweg 2, 22869 Schenefeld

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Das Künstlerhaus Koppel 66 lädt zur Adventsmesse – Kunst, Handwerk und Design in Hamburg-St. Georg

Alle Jahre wieder – und doch immer wieder anders! Seit 44 Jahren beschert die Messe der Ateliergemeinschaft Koppel 66 – nicht nur – Hamburgern wunderschöne Adventswochenenden voller Mode und Maßschneiderei, Hüten, Taschen, handgefertigter Schuhe, Wohn-Design, Schmuck, Keramik, Kosmetik, Papier- und Holzkunst, Malerei, Grafik, Siebdruck und Fotografie – allesamt handgefertigte Unikate oder Kleinserien.

Zahlreiche Besucher finden sich alljährlich ein, auf der Suche nach dem besonderen Geschenk. 2024 können sie sich auf über 60 Gastaussteller aus der ganzen Republik freuen, die auf den drei Galerieetagen des schönen Backsteingebäudes mit dem imposanten Giebel vom 29. November bis 22. Dezember 2024 Handgefertigtes vom Feinsten zeigen.

Und warum ist es jedes Jahr anders? Weil die Gastaussteller jedes Jahr von einer Fach-Jury handverlesen werden. So entsteht ein spannender Mix aus lieb gewonnenen Ausstellern und neuen Talenten (mehr Infos zu den Ausstellern auf www.koppel66.de).

Weitere Informationen zur Ausstellung: Koppelmesse Advent 2024 – Koppel66

Förderkreis Koppel 66 e.V.
Koppel 66 / Lange Reihe 75
20099 Hamburg

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Im Jubiläumsjahr des Romantikers Caspar David Friedrich und als Ergänzung zur Sonderausstellung „Pflanzenfieber. Botanik, Mensch, Design“ werden Werke aus der Sammlung des Kunstfonds des Freistaates Sachsen der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zu sehen sein, die sich mit den Wechselbeziehungen zwischen Mensch und Natur auseinandersetzen. Werke von Benjamin Dittrich, Cornelia Schleime, Sebastian Stumpf, Ulf Puder und sechs weiteren Künstlerinnen und Künstlern stehen dabei im Fokus.“ (Quelle: SKD Dresden)

Weitere Informationen:

• Ausstellungsort Schloss Pillnitz und Kunstgewerbemuseum
• Laufzeit 10.08.2024—03.11.2024
• Öffnungszeiten täglich 10—17 Uhr, Montag geschlossen

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