Der Ausstellungstitel bezieht sich zum einen auf das verwandtschaftliche Verhältnis der Künstlerinnen (Mutter und zwei Töchter), die zum ersten Mal gemeinsam ausstellen. Zum anderen verweist er auf die unterschiedlichen künstlerischen Ausrichtungen der Ausstellenden, auf künstlerische Prozesse, die oft ein Stück Aufbruch in fremdes Terrain sind, dessen Erkundung aber immer auch auf Verwandtem fußt. Dabei bahnt sich die künstlerische Autonomie der einzelnen trotz großer Nähe und ständigem Austausch ihren Weg.

Lea Peters studierte Malerei an der Kunstakademie Düsseldorf und beschäftigt sich mit Farb- und Formassoziationen, die in komplexen monochromen und mit Farbkippungen versehenen Strukturen die Wahrnehmung und Imagination der Betrachtenden herausfordern wollen. Der Fokus der Arbeiten von Marie Peters, ebenfalls Absolventin der Düsseldorfer Kunstakademie, liegt auf der Dramatik des Alltäglichen. Drucke und Gemälde von Alltagsarchitektur erzählen vor allem von denen, die dort nicht zu sehen sind. Der Dreh- und Angelpunkt der Kunst von Brigitte Peters, ehemalige Kunstlehrerin und seit 2008 freischaffende Künstlerin, ist seit einigen Jahren die analog erstellte Collage. Sie ist täglich Brot, Inspiration für malerische Arbeiten, Selbsterkundung und vieles mehr. (Quelle. Kunstverein Bad Godesberg)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen – Kunstverein Bad Godesberg e.V.

Kunstverein Bad Godesberg e.V.

Burgstraße 85
53177 Bonn

Öffnungszeiten: Montag: 19-21 Uhr, Samstag und Sonntag: 15-18 Uhr

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Zwischen Abstraktion und Konkretem, Humor und Makabrem, Sanftem und Herbem erschafft Monika Brunnmüller eine Welt der Andeutungen und Zwischentöne. Organische Strukturen formen und deuten Körper an. Seit dem Jahr 2000 setzt sich die Künstlerin mittels Malerei, Objekten und Collagen mit dem menschlichen Körper auseinander. Fasziniert von dessen Verletzbarkeit und Leistungsfähigkeit, erschafft sie eine Bilderwelt, die diesem mit differenzierter und atmosphärischer Farbgebung nachspürt. Die imaginäre Schau unter die Haut spielt eine zentrale Rolle. Insbesondere in ihren Collagen geht sie kritisch und gleichzeitig humorvoll auf kulturpolitische Aspekte menschlicher Körper ein. In ihren neueren Arbeiten erweitert Brunnmüller ihre Motive um andere Geschöpfe, Architekturen und Alltagsgegenstände. belladonna  zeigt eine Werkschau mit ausgewählten Arbeiten aus 25 Jahren.

Monika Brunnmüller lebt in Bremen, ist Germanistin, Kunstvermittlerin und Künstlerin. Dem Güterbahnhof Areal für Kunst und Kultur gehört sie bis heute als Vereinsmitglied an.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunst | belladonna Bremen

Kontakt

Sonnenstraße 8
28203 Bremen

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Die bildende Künstlerin Caren van Herwaarden (1961, NL) wurde von den Besuchern der Paper Biennale 2024 eingeladen. Animal Farm wurde von einer großen Mehrheit zum Publikumsliebling gewählt. Ausgezeichnet wird diese Einzelausstellung mit bestehenden und neuen Arbeiten.

In Aquarellen, Zeichnungen, Collagen und Skulpturen erforscht Van Herwaarden viele Schichten des menschlichen Daseins: Körperlichkeit, Vitalität und Leiden. Auch Pferde tauchen in ihren Werken häufig auf; Sie geht nicht anders auf sie zu als auf Menschen. In der Serie von Aquarellen und Skulpturen, die ebenfalls auf der Papierbiennale gezeigt wurde, werden Pferde von ungezügelten Trieben angetrieben. Van Herwaarden: „Manche brisanten Themen kommen mit Tieren in der Hauptrolle einfach besser zum Ausdruck als mit Menschen.“

Der Titel der Einzelausstellung Backbone ist mehrdeutig. Als Kind hegte Van Herwaarden den Wunsch, mit einer Röntgenbrille durch die Kleidung und die Haut anderer zu schauen, um zu sehen, was in ihm vor sich geht. Darüber hinaus bezieht sich Backbone auf das bildliche „Zeigen eines Rückgrats“: jemand, der standhaft, willensstark und nicht so leicht aus der Ruhe gebracht werden kann. 

Zur Ausstellung gehört auch ein monumentales, skulpturales Pferd aus Holz, Pappe und Textilien. Ruhet sich das Pferd aus oder lebt es nicht mehr? Die Skulptur ist charakteristisch für Van Herwaardens Stil, der von roh bis gedämpft variiert. Um die Intimität und Verbindung mit der Arbeit zu erhöhen, ist ihre Arbeit physisch und taktil: als ob man sie fühlen oder berühren könnte. Damit du es erst mit deinem Körper erlebst und erst dann verstehst. Der Zuschauer ist eingeladen, aus eigenem Instinkt heraus zu entdecken, ob es sich um Intimität oder um Ekel und Unbehagen handelt.

Backbone (Rückgrat) greift verschiedene Themen und Spannungsfelder auf: die Rolle von Mutterschaft, Fruchtbarkeit, Sexualität, Religion, Tod, die Gruppe versus das Individuum. Unser Menschsein mit all seinen Widersprüchen zu imaginieren und erfahrbar zu machen, ist der Kern von Van Herwaardens Arbeit. Empathie ist zentral: sich in die Lage anderer Menschen zu versetzen und sich verbunden zu fühlen. Denn jeder Mensch möchte autonom sein, sich aber nicht allein fühlen. 

Weitere Informationen zur Ausstellung: Museum Rijswijk

Museum Rijswijk
Herenstraat 67
2282 BR Rijswijk

• info@museumrijswijk.nl
• 070-3903617

Dienstag bis Sonntag
11.00 – 17.00 Uhr

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Manuela: Kannst du dich bitte vorstellen? Erzähle doch ein bisschen wie du zur Kunst, zur Illustration und zur Collage gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf des Grafikers einzuschlagen?

Matthias: Ja, gerne. Ich freue mich übrigens über dein Projekt, da ist viel Wertschätzung und Offenheit drin. Wir sind uns ja sehr zufällig begegnet. Ich hatte mich bei dir bedankt für eine Warnung, die du im Internet vor Betrügern auf dem Kunstmarkt ausgesprochen hattest. Ich mag Zufälle. Manche Zufälle fühlen sich an als würden Fäden eines ansonsten unsichtbaren Gewebes plötzlich aufleuchten. Ein Gewebe aus Bedeutung.

Zurück zu deiner Frage: ich wohne mit meinem fast zehnjährigen Sohn in einem Dorf im Osten von Stuttgart. Ich mag es hier. In meinem Leben habe ich immer an irgendwelchen kreativen Projekten gearbeitet. Malerei, Texte, digitale Collagen und seit mehr als vier Jahren schreibe ich Lieder.

Mit Collagen habe ich erstmals im Alter von 16 gearbeitet. Mein Vater hatte ein Fotolabor im Keller. Im roten Dämmerlicht entwickelte ich dort meine Fotos in Chemiebädern mit aufregenden Gerüchen. Dann habe ich die Fotos im Copyshop vervielfältigt und zu ersten Architekturcollagen zusammengeklebt. Ich empfand meine Kunst als absolut bedeutsam und war sehr verwundert, dass ich in Galerien dafür nur ein sehr freundliches Lächeln erhalten habe. Etwa 2 Jahrzehnte ruhte die Arbeit nach dieser kurzen stürmischen Anfangsphase. Dann eröffnete mir die digitale Bildbearbeitung neue Möglichkeiten. Die Arbeit an Collagen hat mich immer fasziniert. Ich schaffe eine Realität, die das Innere mit dem Äußeren verbindet. Die Logik der Entstehung einer Collage ist eher wie im Traum. Eine Matrix aus Assoziationen. Ich liebe das.

Manuela: Wie war dein Einstieg in die Branche und was war dein erster Job? Erinnerst du dich noch?

Matthias: Ich habe das nicht als Einstieg in eine Branche erlebt. Die ersten Jahre habe ich einfach
nur an immer neuen Collagen gearbeitet. Ich war getrieben, ich musste das machen. Erst 2015 kam es zu einem kleinen Durchbruch. Irgendwie verbreiteten sich meine Architekturcollagen plötzlich rasend im Netz. Zeitungen wie der Guardian oder auch die Vogue baten mich um Interviews. Ich war darauf nicht vorbereitet. Der Hype verpuffte sehr schnell und ich habe finanziell nur minimal davon profitiert. Aber es hat mir die Gewissheit gegeben, dass meine Bilder tatsächlich wirken. Manchmal habe ich kleine Illustrationsjobs, verkaufe hier und da ein Bild, zum Beispiel als Buchcover. Ich war oft frustriert.

Manuela: Was ist deine eigene Kunst für dich?

Matthias: Puh. Es ist eine Form von Magie. Kunst bringt mich in Verbindung mit einem Teil meiner selbst, der das „allgemein Menschliche“ ist oder das „allgemein Lebendige. Auf jeden Fall ist es der Zugang zu einer tiefen Welt ohne Worte. Aber wer will, kann meine Bilder auch als bloße ästhetische Spielerei sehen – was sie aber nicht sind.  

Manuela: Wie und wann hast du dein künstlerisches Handwerk gelernt?

Matthias: Learning by doing. Meine ersten Collagen waren eher skurril als wirklich interessant. Aber zum Glück war mir das nicht bewusst. Kunst zu studieren wäre für mich nie infrage gekommen. Ich kann nur den radikal eigenen Weg gehen. Leider verschließt das viele Türen. Insbesondere die von Galerien.

Manuela: Du hast ja viele Talente und Fähigkeiten. Du bist Fotograf und Grafiker. Hast du hier den ganz klassischen Weg eingeschlagen in deiner Entwicklung und Ausübung dieser beiden Berufe?

Matthias: Wohl eher nicht. Ursprünglich hatte ich vor, in der Entwicklungshilfe zu arbeiten. Aus verschiedenen Gründen habe ich dann im Laufe des Studiums meinen Platz in diesem Bereich nicht mehr gesehen. Also kam ich auf die Idee, etwas „Vernünftiges“ zu machen und habe BWL studiert und habe es tatsächlich zum Diplomkaufmann geschafft. Aber das war es dann mit der Vernunft. Ich hatte ein Jobangebot bei American Express. Als ich das Gebäude betrat und durch die Bürolandschaft schritt, war mir klar, dass ich dort erfrieren würde. Zum Entsetzten meiner damaligen Frau habe ich abgelehnt. Ich habe dann einige Jahre irgendwelche Jobs gemacht, habe 2 Jahre für den Otto-Versand im telefonischen Kundendienst gearbeitet. Erst 2009 fing ich mit dem Grafik-Design Studium an. Das war eine gute Idee. Seit meinem Abschluss arbeite ich als freiberuflicher Grafiker. Fotograf bin ich aber nicht. Ich fotografiere nur die Einzelbilder für meine Collagen. Da muss man nicht viel können.

Manuela: Deine Collagen sind besonders ansprechend, weil sie einladen vieles in ihnen zu entdecken. Wie entstehen deine Ideen für diese? Spontan, intuitiv, geplant? Berichte doch gerne./ Wie arbeitest Du? Kannst Du uns etwas über den Entstehungsprozess deiner Arbeit erzählen?/ Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Matthias: Die Ideen kommen oft beim Fotografieren. Gerade bei Gebäuden habe ich regelmäßig  Visionen von einer Anordnung, einer abstrakten Form, einer Formensprache. Ich mag Häuser, denen man ihre Geschichte ansieht. Ich sehe in ihnen eine Art Persönlichkeit. Die Gebäude oder auch Gegenstände, die mich begeistern, sind für Andere oft eher unscheinbar und uninteressant.
Ich habe ein Archiv aus eigenen Bildern, die ich auf kleinen Fotoreisen aufgenommen habe. Wenn ich an einem Bild arbeite, durchforste ich dieses Archiv wieder und wieder. Was passt zusammen? Passt das rostige Rohr zu dem fliegenden Palast? Bis zu einem bestimmten Punkt wirken meine Collagen zufällig und wahrscheinlich eher uninspiriert. Erst wenn ich dann ein entscheidendes Bildelement gestaltet habe, kommt der Durchbruch. Dann scheint seine endgültige Form durch, und ich habe eine starke Vision, wohin das Bild will. Und dann gestaltet es sich meist wie von selbst. Diese letzte Phase ist sehr schön, ich höre oft laute Musik, wenn ich mit Photoshop die einzelnen Elemente zu einem Gesamtgebilde verbinde. Heraus kommt so etwas wie ein Kurzgedicht aus Formen. Der Inhalt mancher Arbeiten mag zu Geschichten anregen. Ich fände das sehr schön. Der Titel des Bildes ist meist ein Vorschlag zur erzählerischen Ausgestaltung. Aber festgelegte Inhalte oder Botschaften gibt es nicht. Ich bin übrigens – anders als sonst im Leben – in der Kunst eher perfektionistisch.

Bild links: Das Märchen von der wundersamen Hand | 2019 | Matthias Jung

Bild rechts: Betonpredigt | 2024 | Matthias Jung

Manuela: Auf welchen Themenbereich hast du dich spezialisiert? Wie würdest du deinen Stil beschreiben?

Matthias: Mein Stil ist keine bewusste Entscheidung, ich mache meine Kunst nicht in dem Bewusstsein, einen Markt zu bearbeiten. Ich würde auch nie auf die Idee kommen, mich irgendeinem „Ismus“ anzunähern oder „zeitgenössisch“ zu sein. „Formpoesie“ wäre ein schönes Wort für meinen Stil. Manche „Kunstexperten“ nehmen einen poetischen Ansatz oft nicht ernst. Sie vermuten dahinter vielleicht eine Flucht ins Gemütliche oder so. Davon distanziere ich mich. Schönheit kann sehr existentiell sein. Aber nicht alle meine Bilder sind klassisch schön, manche sind sehr düster und einsam.

Manuela: Erfährt man durch Kunst mehr von seinem Leben?

Matthias: Das ist eine gute Frage. Ich kann das nur für mich beantworten. Wenn ich an einem Bild arbeite, dann fühlt sich das sinnvoll an. Ich bin hoch konzentriert und doch weit weg an einem friedlichen inneren Ort. Ich schöpfe aus einem Bereich, in dem es keine Worte gibt. Das ist intim, gleichzeitig nah am allgemein Menschlichen. Ich fühle mich dann mit mir selbst im Reinen. Ich kann etwas schöpfen ohne mich auf einer sozialen Bühne darstellen zu müssen. Ich glaube, das ist für mich sehr tröstlich, denn soziale Bühnen strengen mich an. Ich scheitere oft an ihnen.

Manuela: Was hat deine Kreativität im Laufe der Jahre bereichert? Bist du im Laufe der Jahre besser geworden? Wie siehst du dein weiteres künstlerisches Schaffen, wohin geht die Reise?

Matthias: Es braucht einfach einige Jahre, um der künstlerischen Intuition durch Erfahrung Futter zu geben. Klar bin ich besser geworden. Aber ich glaube, die Fähigkeiten erreichen irgendwann ein Plateau. Dann kann ich natürlich wieder Neuland erschließen. Ich schreibe ja auch Lieder. Da bin ich im Moment noch in einer früheren Phase. Es ist aufregend zu sehen, dass ich plötzlich neue Dinge kann, dass sich mein Blick geschärft hat. Die Saat geht auf. Aber im Unterschied zum echten Bauern, weiß ich nicht, welche Früchte ich am Ende ernte. Das ist cool, aber man muss auf jeden Fall dranbleiben. Selbstüberschätzung kann dabei eine hilfreiche Illusion sein. Am Ende ist man vielleicht wirklich so gut wie man dachte, von Anfang an zu sein.  

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Matthias: Ja, ich würde gerne Malerei mit Collagen verbinden. Ich könnte meine Bilder in schwarzweiß auf Aquarellpapier ausdrucken und sie dann colorieren und mit gemalten Formen kombinieren.  Das ist allerdings ein Aufwand, den ich bisher scheue.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Matthias: Sehr viel Raum. Im Moment ist es allerdings die Musik. Ich muss mich ständig vor mir selbst für die wertvollen Stunden rechtfertigen, in denen ich ja auch Geld verdienen könnte. Collagen würde ich sehr gerne wieder machen, es mangelt auch nicht an Ideen. Die Zeit wird kommen. Meist mache ich mehrere Bilder direkt hintereinander.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß?

Matthias: Ganz bei mir zu sein, der Schönheit zu dienen, etwas Neues zu schöpfen, in Bildern zu schwelgen, unter Strom zu stehen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Matthias: Wenn mir Kunden sagen, dass sie ein Bild emotional berührt. Wenn es sie zum Beispiel an die Fantasien ihrer Kindheit erinnern. Die französische Künstlerin AM Higgins hat ihr neues Album mit meiner Kunst bebildert. Auf ihrer Tour durch Deutschland kam sie auf dem Weg von Leipzig nach Zürich mit Ihrem Freund zum Kaffeetrinken vorbei. Das hat mich berührt.  

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Matthias: Künstlerische Vorbilder habe ich eigentlich nicht. Mit Ausnahme von Paul Klee vielleicht. Ausstellungen inspirieren mich aber tatsächlich regelmäßig. Es ist wichtig zu sehen, wie andere Menschen sich durch Kunst ausdrücken – das erweitert die eigenen Möglichkeiten. Davon abgesehen ist es einfach ein Genuss.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Matthias: Oh, sehr viele Fragen. Offen gesagt, haben die wenigsten davon mit Kunst im engeren Sinne zu tun. Was mich gerade umtreibt, ist die Frage, was Menschen im Innersten dazu bewegt, links oder rechts zu denken. Beides scheint archaische Anziehungskräfte auf uns zu haben. Und grundsätzlich: welche Aufgabe hat Kultur? Wie kann sie sich ändern? Warum scheint sie uns gerade zu bremsen, wenn es darum geht, die Lebensgrundlagen auf unserem Planeten zu schützen oder uns gegenseitig für unser Menschsein wertzuschätzen?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Matthias: Ich war gerade im Nationalpark Hainich. Da verwildert ein ehemaliger Truppenübungsplatz seit Jahrzehnten vor sich hin. Eine Landschaft zu sehen, die nicht zum Betriebsgelände der Menschheits-AG gehört, das ist eine Wohltat für meine Augen. Überhaupt ist es schön, auf kleinen Pfaden durch den Wald zu gehen. Ich würde gerne mal wieder eine lange Wanderung unternehmen. Am liebsten mit meiner kleinen Klappgitarre und Fotoapparat. Irgendwo Richtung Meer. Und wenn ich zurück bin mache ich aus den vielen Bildern neue Collagen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Matthias: Magie, Seele, Wahrheit

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Matthias: Gerade gestalte ich zum Beispiel ein CD-Booklet für eine Ensemble alter Musik. Außerdem bereite ich einen regelmäßigen Instagram-Auftritt vor. Ich will raus aus meiner Nische, in die mich unter anderem meine Introvertiertheit geführt hat. Und ich nehme eigene Lieder als Videos auf. Es wäre toll, Bilder und Musik miteinander auf der Bühne zu verbinden.

Manuela: Von welchem Projekt träumst du?

Matthias: Ich möchte meine Kunst erlebbar machen. In Zeiten perfekter KI-Bilder gehen meine Collagen einfach unter. Ich möchte sie mit Leben, mit Persönlichkeit füllen. Kunst bedeutet ja nicht mit einem Feuerwerk visueller Reize zu beeindrucken. Das kann KI wirklich besser. Kunst ist etwas Nahrhaftes, kein Snickers. Irgendwann möchte ich, wie schon erwähnt. In einem Bühnenprogramm Musik und Kunst gemeinsam erlebbar machen. Eingebettet in sehr grundlegende Gedanken über unsere Welt. Dazu muss ich mir tatsächlich etwas in den Arsch treten. Denn ich träume sehr gerne einfach vor mich hin.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Matthias: Tatsächlich im Moment nur online. Aber das soll so nicht bleiben. Ich freue mich sehr über Feedback, Tipps und nette Worte. Begegnungen sind wichtig. Folgt mir auf Insta.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Matthias: Instagram: zabadu_matthias, www.zabadu.de. Künstlerseite auf www.artmajeur.com www.artmo.com und www.singulart.com

Lieber Matthias, vielen Dank für deine Zeit und die Auseinandersetzung mit deiner Arbeit. Dir weiterhin viel Erfolg und alles Gute für dein Schaffen!

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Die Ausstellung GATZKY: COLLAGEN 1995-2025 nimmt die letzten Dezennien Jahre in den Fokus: Thomas Gatzky experimentiert und gestaltet seit vielen Jahren mit Formen, Farben und Materialien.

Er montiert, überlagert, seziert Vorhandenes, setzt materialreich zusammen, abstrahiert, schafft vehement Neues in Bedeutung und Form. Gatzkys Collagen eröffnen – durch seine ganz spezifische Aneignung von Welt – Fantasieräume, in die einzutreten wir herzlich einladen.

„Ich bin dabei, meine künstlerischen Arbeiten von über 40 Jahren zu sichten, zu ordnen und zu digitalisieren. Dabei ist mir eine Werkgruppe besonders aufgefallen. Über die gesamte Zeit habe ich immer wieder Collagen gemacht. Hauptsächlich mit Papieren, aber auch anderen Materialien. Bevor sie gut verpackt auf meinem Boden verschwinden, könnten sie auch in einer Ausstellung sichtbar werden.“ (Thomas Gatzky)

Die Ausstellung findet auch im Kontext des 20. Jahrtestages der Gründung des Forum Gestaltung statt, für dessen erfolgreiche Entwicklung Vielen zu danken ist, auch Thomas Gatzky, der zu den frühen Begleitern gehört.

Ausstellungsdauer: 16. Mai bis 13. Juli 2025, mittwochs bis sonntags 14-18 Uhr

Biographie
• 1949 in Treuenbrietzen geboren
• 1963-1967: EOS Jüterbog, Abitur mit Berufsausbildung (Betriebsschlosser)
• 1967-1971: Studium an der TH Magdeburg, Diplom-Ingenieur für Maschinenbau
• 1971-1979: Wissenschaftlicher Assistent und Entwicklungsingenieur
• 1979-1984: Studium an der Hochschule für industrielle Formgestaltung Burg Giebichenstein Halle, Diplom-Formgestalter
• 1984-2014: Aufbau und Realisierung der Designausbildung im Ingenieur- und Informatikstudium an der Otto-von-Guericke-Universität Magdeburg
• ab 1985: Designbüro für Industriedesign und künstlerische Projekte
• 1986/1991: Aufnahme in den Verband Bildender Künstler der DDR/Aufnahme in den Berufsverband Bildender Künstler der BRD
• 1990-1998: Lehraufträge an der Universität Stuttgart, der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und Vertretungsprofessur für Industriedesign an der Hochschule Magdeburg-Stendal
• 2001: Berufung zum Universitätsdozent für das Fachgebiet Industriedesign an der Otto-von-Guericke-Universität Magdeburg
• 2014: Verleihung der Ehrenprofessur durch die Universität Miskolc/Ungarn
• Thomas Gatzky lebt und arbeitet in Magdeburg und Kinnbackenhagen an der Ostsee

Arbeitsgebiete
• Ausbildung und Forschung zum Industriedesign bis 2014 (Veröffentlichungen, Buchbeiträge, Vorträge)
• Entwurfs- und Ausführungsplanung für Produkt- und Umweltdesign (Projekte, Schutzrechte, Ausstellungen, Presse)
• Entwurfs- und Ausführungsplanung Kunst im öffentlichen Raum/Kunst am Bau (Realisierungen, Wettbewerbe)
• freie Arbeiten: Skulptur, Objekt und Bild

Weitere Informationen zur Ausstellung: Gatzky Collagen | Forum Gestaltung

Forum Gestaltung Magdeburg
Brandenburger Straße 9-10
39104 Magdeburg

mittwochs bis sonntags 14-18 Uhr

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Der Maler Horst Dietrich hat 1971 zusammen mit dem Architekten Friedhelm Zeuner in einer 150 Jahre alten, ehemaligen Maschinenfabrik das Kultur- und Kommunikationszentrum FABRIK in Hamburg gegründet. Als erstes und wohl bekanntestes Kultur- und Kommunikationszentrum in Deutschland holte sie die Kultur aus den Tempeln der Kunst in den Alltag und wurde zum Vorreiter einer europaweiten Bewegung von Kommunikationszentrums-Gründungen.
Das außergewöhnliche Gebäude mit seinem Lastkran über dem Haupteingang und seiner besonderen Architektur mit einer Holzträgerkonstruktion lebt von seiner unmittelbaren Einbindung in den Hamburger Stadtteil Ottensen.

Anspruch der FABRIK war es von Anfang an, Kunst und Kultur greifbar und begreifbar zu machen, dabei bildete die offene Kinder- und Jugendarbeit im Stadtteil stets einen wichtigen Pfeiler. Darüber hinaus bietet die FABRIK nach wie vor ein vielschichtiges abendliches Kultur- und Kursprogramm – vom Mitmachen in der Töpferei und beim Fotokurs bis hin zum Besuch von Konzerten lokaler als auch renommierter Künstler.

Nun wird zu Ehren des 2014 verstorbenen Künstlers eine Ausstellung in den Räumen von Casini und Görner stattfinden, gemeinsam mit dessen Ehefrau Katharina Dietrich.

Casini & Görner Immobilien
Liebermannstraße 44a,
22605 Hamburg

Öffnungszeiten:

Montags bis Freitags 10-17Uhr

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Anlässlich des 100-jährigen Jubiläums des Romans Der Zauberberg von Thomas Mann verwandelt die britische Künstlerin Heather Phillipson die Kunsthalle St. Annen ab dem 13. September 2024 in ein begehbares Kunstwerk. Für ihre Einzelausstellung lässt sie sich maßgeblich vom Motiv der Zeit und des gesellschaftlichen Wandels inspirieren, die im Zauberberg eine zentrale Rolle spielen. Der Roman handelt vom individuellen Erleben der Zeit vor dem Hintergrund epochaler Umbrüche vor dem Ersten Weltkrieg.

In Extra Time wird die ehemalige Kirche des St. Annen-Klosters zum Portal für Träume und Visionen einer alternativen Gegenwart und möglicher Zukünfte. Die Hauptakteure der künstlerischen Inszenierung sind krähenartige Charaktere, die die gesamte Ausstellungsfläche bevölkern. Krähen gelten als eine der intelligentesten Vogelarten. Ihr geheimnisvoller und prophetischer Ruf, hat sie darüber hinaus zum Gegenstand zahlreicher Mythen und Legenden gemacht, oft erscheinen sie als Vorboten und Anstifter großer Umbrüche. In der Ausstellung kommen sie in Massenversammlungen zusammen, schwärmen aus, beobachten, beraten, protestieren und träumen. „Wie der Titel ‚Extra Time‘, ein aus dem Fußball entlehnter Begriff für die Nachspielzeit am Ende eines Spiels, andeutet, versucht die Ausstellung ein Gefühl von überlaufender Zeit zu vermitteln, ein Übermaß an Zeit, eine Zeit außerhalb der vorgesehenen Zeit, in der sie anders vergeht und unser Zeitempfinden herausfordert“, so die Künstlerin.

Die Szenen von Phillipson verweisen zugleich auf die Stadt Lübeck, die neben Manns Roman eine weitere wichtige Referenz für Extra Time darstellt. Wie für ihre Arbeitsweise charakteristisch, ist Heather Phillipson in die Stadt eingetaucht und hat ihre Bilder, Geräusche, Gerüche und Geschichten auf sich wirken lassen. Die Krähen, die vor allem in den frühen Morgenstunden die Stadt und ihre Spiel- und Sportplätze bevölkern, motivierten die Künstlerin dazu, diese geheimnisvolle Stimmung in detailreich komponierte Raumcollagen und surreale Umgebungen zu überführen. Die Besuchenden wandeln in der Kunsthalle St. Annen durch mit Orangen übersäte Fußballfelder, zwischen Protestcamps, Spielplätzen und Himmeln, gleichsam durch vierdimensionale Bilder.

Die Ausstellung, die als Parcours durch die einzelnen Räume führt, hat Heather Phillipson eigens für die Kunsthalle St. Annen entwickelt und nur hier wird sie in ihrer Gesamtheit zu erleben sein. Die Künstlerin bezieht die aufsteigende Architektur des Ausstellungshauses mit ein, die sinnbildlich für den Zauberberg von den Besuchenden über drei Etagen erklommen werden kann.

In ihren raumgreifenden Installationen verbindet Phillipson eine Vielzahl unterschiedlicher Medien – von Video über Collage, Skulptur, Musik, digitale Medien bis hin zu Wandbildern, Zeichnungen und Texten. So gelingt ihr in Extra Time die sinnliche Verbindung ihrer Kunst mit zentralen Motiven aus Manns Roman und der Dringlichkeit unserer Gegenwart.

Die Ausstellung Extra Time wird begleitet von einem breit angelegten Veranstaltungs- und Vermittlungsprogramm. Auf die Besucher:innen warten unter anderem dialogische Rundgänge sowie Workshops mit Künstler:innen. Ferner können Sie sich auf gemeinsame Partys und so beliebte Formate wie das Art Dinner und den St. Annen Talk freuen, die Raum für Begegnung, Musik, Kulinarik und Gespräch bieten. 

Heather Phillipson (* 1978, UK) ist eine preisgekrönte Künstlerin und Dichterin. 2022 wurde Phillipson für den Turner-Preis nominiert. Zu ihren jüngsten Projekten gehören eine neue Kommissionsarbeit für Art Night 2023 in Zusammenarbeit mit dem Programm Wild Escape des Art Fund und dem BBC-Archiv, eine Kommission der Duveen Galleries der Tate Britain, London (2021-22), Kommission für die Fourth Plinth am Trafalgar Square, London (2020-22) sowie ein großangelegtes Projekt Art on the Underground an der Station Gloucester Road (2018). Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt, unter anderem in den Serpentine Galleries, der Whitechapel Gallery London, dem New Museum New York, dem Palais de Tokyo, der Schirn Frankfurt, auf der Sao Paulo Art Biennale (2016), Athen Biennale (2018) und Sharjah Biennale (2019). Phillipson ist zudem eine renommierte Filmemacherin, erhielt 2016 den Film London Jarman Award und gehörte 2018 zur Auswahl des European Short Film Festival des International Film Festival Rotterdam sowie mehrere Auszeichnungen für ihre Gedichte. 2024 wird Phillipson eine neue Kommissionsarbeit für das Imperial War Museum’s 14-18 Now Legacy Fund in Zusammenarbeit mit der Glynn Vivian Gallery, Swansea, und einen neuen Dauerauftrag für Hospital Rooms, Vereinigtes Königreich, realisieren.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Extra Time. Heather Phillipson – Kunsthalle St. Annen – Die Lübecker Museen

Weitere Informationen zur Künstlerin: hp (@heatherphillipson) • Instagram-Fotos und -Videos

Hansestadt Lübeck
die Lübecker Museen
Kunsthalle St. Annen
St. Annen-Str. 15
23552 Lübeck

Öffnungszeiten

Regulär

01.01. – 31.03.
Dienstag – Sonntag
11:00 – 17:00 Uhr

01.04. – 31.12.
Dienstag – Sonntag
10:00 – 17:00 Uhr

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Er bedient verschiedene künstlerische Bereiche wie Videoinstallationen, Malerei, Zeichnungen, Collagen, Gedichte und Geschichten und verbindet diese kunstvoll miteinander.

Wenngleich ich seine Filmprojekte als spannend empfinde, so ist es primär seine Malerei, die mich anzieht und teils naiv wirkt.

Mit seiner Malerei und seinem Film RAFTS hat er auch den Turner Preis 2023 gewonnen und seitdem spätestens verfolge ich sein Wirken.

Ganz vielfältig ist sein Schaffensreichtum, sodass man sich wirklich mit Ruhe und Bedacht durch diese Vielfalt hindurcharbeiten muss. Verstehen muss, worum es dem Künstler hierbei geht. Es ist nichts Oberflächliches oder Simples in seiner Kunst zu finden. Immer setzt sie sich mit Recht, Kultur, Missständen, Politik, Sozialem, menschlichem Dasein und menschlichen Gefühlen. Es geht auch um Technologien, um Behinderungen beispielsweise und wie mit ihnen in der Gesellschaft umgegangen wird. Eine ernsthafte Kunst verbirgt sich hinter den Arbeiten Pilgrims, die nachdenklich stimmen und einen zwingen in die Auseinandersetzung zu gehen.

Weitere Informationen inkl. Interview mit dem Künstler: Rory Pilgrim – Interview: „Ich hoffe, dass die Arbeit, die ich schaffe, wie eine Permakultur ist – immer lebendig“ (studiointernational.com)

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