Unter dem Titel „Hase fließt“ waren die Mitglieder des BBK Osnabrück eingeladen ihre Arbeiten zum Thema vorzuschlagen. 12 KünstlerInnen wurden ausgewählt. Es gibt also viel zu sehen und auch zum Mitmachen sind alle Besucher aufgefordert

Die Ausstellung “Hase fließt” entstand durch die Zusammenarbeit des Museums im Kloster mit dem Bund Bildender Künstler*innen Osnabrück. Inspiration und Ausgangspunkt dieser Ausstellung bildet der Fluss Hase, der Landschaften, Städte und Menschen und eben auch Osnabrück und Bersenbrück miteinander verbindet.

Von ihrer Quelle bis zur Ems fließt die Hase durch den Landkreis und ist gleichzeitig Konstante und beständige Bewegung. Sie ist Zeugin und Akteurin von Veränderung und Begegnung, trennt und verbindet. Wie jeder Fluss ist sie Lebensader und Lebensraum und wird dabei intensiv genutzt.

Wie ein lebendiger Faden bewegt sich die Hase durch die Landschaft. Fließend kann sie ein Sinnbild sein für Austausch, Vernetzung und alles was „im Fluss“ ist, ob real oder sinnbildlich.

Die Künstler:innen der Ausstellung ließen ihre Gedanken, Ideen und Impulse wandern und fließen . Die vielgestaltigen Formen die dabei entstanden sind, präsentiert diese Ausstellung. So wie sich das Wasser beständig verändert und doch dasselbe bleibt, stehen die künstlerischen Positionen in Beziehung zueinander – individuell verschieden, konkret oder sinnbildlich sind sie verbunden durch einen gemeinsamen Fluss…(Quelle: BBK Osnabrück)

Museum im Kloster
Stiftshof 4, 49593 Bersenbrück
Öffnungszeiten:
Do–Sa 14–17 Uhr, So 11–17 Uhr

Weitere Informationen zur Ausstellung: BBK Osnabrück hase fließt

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Merete: Ich habe an der Universität Hildesheim angewandte Kulturwissenschaften studiert, damals nannte sich der Studiengang noch Kulturpädagogik. Ich hatte als Hauptfach Bildende Kunst und dazu Pädagogik und Psychologie als wissenschaftliche Bezugsfächer. Diese Kombination aus künstlerischer Praxis und Wissenschaft war zu der Zeit ziemlich einzigartig. Begonnen hatte ich das Studium eigentlich mit dem Ziel, Museumspädagogin zu werden, aber das breite Angebot der Inhalte hat mich von diesem ersten Plan etwas abgebracht. Ich habe viel Druckgraphik gemacht, vor allem Lithographie und Siebdruck und habe das auch sehr genossen. Aber ich glaube, im Grunde steckte da noch kein wirkliches künstlerisches Bedürfnis dahinter. Ich mochte die Arbeit in der Druckwerkstatt, das gemeinsame Arbeiten mit anderen. Aber es war durchaus nicht so, dass ich da einen überwältigenden künstlerischen Drang verspürt hätte, und es war auch durchaus nicht so, dass sich meine Arbeiten durch große Eindrücklichkeit oder besonderen Ausdruck oder Originalität ausgezeichnet hätten. Nach dem Studium bin ich in meinem Arbeitsleben in pädagogisch-psychologischen Kontexten unterwegs gewesen. Die Bildende Kunst hat sehr lange Zeit gar keine Rolle mehr für mich gespielt.

Vor ca. 20 Jahren habe ich angefangen, für mich selbst kleine Collagen zu basteln. Das war einfach nur für mich selbst. Ich erinnere mich auch nicht mehr, warum ich damit eigentlich angefangen habe. Und das Ganze hat mich dann relativ schnell auch eher genervt, weil diese Papierschnipsel nicht wollten, wie ich wollte. Die waren zu klein oder zu groß, passten nicht richtig zusammen… Ich hab zum Beispiel versucht, bestimmte Papierteile dann am Kopierer zu vergrößern oder zu verkleinern, damit sie so waren, wie ich sie in dem Moment brauchte. Also wollte ich einerseits gern mit Dingen arbeiten, die schon existieren und sie in neue Kontexte bringen, andererseits wollte ich aber auch mehr Kontrolle über die Papierschnipsel und mich nicht so sehr ihren Vorgaben anpassen. Da habe ich angefangen, digital zu arbeiten – und zum allerersten Mal in meinem Leben hatte ich da das deutliche Gefühl: Dies ist mein Medium! Hier kann ich mich so ausdrücken, wie ich es mir vorstelle. Hier kann ich Bilder zusammenstellen, für die meine handwerklichen Fähigkeiten in reiner Malerei nicht ausreichen würden. Das war supertoll für mich. Da stand mir plötzlich ein ganzes Universum an Bildern zu Verfügung, mit denen ich innerhalb des Bildbearbeitungsprogramms machen konnte, was ich wollte und was ich gerade brauchte – was ja vorher mit den Papierbildern nicht der Fall gewesen war.

An diesen „Collagen“ habe ich lange Zeit viel Freude gehabt. Das war ein Hobby für mich, was ich sehr genossen habe. Ich habe einfach lustige, surreale Bilder gemacht, die mit mir, meiner Familie und meinen Freunden zu tun hatten. Es hat mir auch Freude gemacht, mich tiefer in das Bildbearbeitungsprogramm hineinzuwühlen. Das geht für mich am besten, wenn ich selbstbestimmt lernen kann. 

2020 kam dann Corona. Zum einen war die Welt nicht mehr so, wie sie vorher war. Viele neue Themen, Fragen, Erfahrungen, die allen Angst gemacht haben. Zum anderen gab es plötzlich viel freie Zeit, und man musste selbst zusehen, wie man seinen Tag mit Sinn erfüllt. Es hört sich komisch an, aber für mich war die Zeit eigentlich sehr gut. Ich hab viel gelesen, viel gelernt. Ich mochte auch das Alleinsein gern. Und ich hab gemerkt, dass mir die Arbeit mit den Collagen Halt gibt. Ich hatte das Gefühl, dass diese Sachen sinnvoll sind und dass sie mich trösten. Wenn ringsherum alles zu bedrängend wurde, wusste ich, wo ich hingehen und mich wohlfühlen kann – an meinen Schreibtisch. Da ich mehr als vorher gemacht habe, wurden meine Arbeiten besser. Zum einen konnte ich besser mit der Technik umgehen, zum anderen habe ich viel über Komposition und Bildaufbau gelernt. Ich habe meine bunten Bilder drastisch reduziert, und plötzlich hatten sie mehr zu sagen. Es sind dann auch Bilder entstanden, die nicht mehr nur mit mir oder meiner Familie zu tun hatten. Und plötzlich war ich an dem Punkt, dass ich diese neuen Sachen gern einer Öffentlichkeit zeigen wollte. Bei uns in Feldberg fand genau in dem Jahr eine Ausstellung „Augenmerk Collage“ statt, wo fünf Künstlerinnen unterschiedliche Wege der Collage präsentiert haben. Da war ich dabei. Das war sehr toll für mich, und ich habe auch positive Resonanz bekommen.

Gleichzeitig war ich ab da von den Ausdrucken meiner digitalen Arbeiten fast immer enttäuscht. Sie waren mir zu zweidimensional. Es fehlte Haptik, Textur, Materialität. Ich habe nach Wegen gesucht, die Drucke zum Beispiel mit Acrylfarben irgendwie „aufzupeppen“, was aber nie funktioniert hat. Die Bilder waren am PC entstanden und waren auch fertig. Sie waren am Bildschirm schön, aber fast nie in der Realität. Und auch die Frage des „Unikats“ war im Kontext der digitalen Arbeit ein Problem.

Ab da ist es Schritt für Schritt weitergegangen. Ich habe mir Unterricht besorgt, zum Beispiel in Woserin bei Sabine Puschmann, die immer sehr tolle Dozenten und Dozentinnen gewinnt. Bei Sabine, bei Cordula Kagemann, Carola Czempik und Eva Kalien habe ich neue Ansätze kennengelernt. Diese Welt von konkreten Farben und Materialien hat mich sehr begeistert. Das waren auch Herangehensweisen und Techniken, die ich damals im Studium nie erlebt habe.

Zu Hause habe ich dann an meinem eigenen Weg weitergefeilt und Wege gefunden, wie ich fotografische Anteile mit malerischen verbinden kann. Und es war ein riesiger Unterschied zu meiner bisherigen Arbeitsweise zu spüren. Am PC lässt sich alles rückgängig machen. Vielleicht habe ich zwei Tage Arbeitszeit umsonst verbracht, aber alles lässt sich auslöschen und von vorn beginnen. Es gibt keine „Fehler“. Das ist in der Malerei ganz anders. Da sind meine Handlungen mit echten Entscheidungen und echten Risiken verbunden, und ich kann tatsächlich scheitern. Ich komme manchmal wirklich nassgeschwitzt aus dem Atelier, weil mich etwas so aufgeregt oder angestrengt hat.

Manuela: Wie bildete sich die Idee deines ganz eigenen Stils heraus, historische Fotografien zu nutzen und diese in abstrakte Werke einzuarbeiten?

Merete: In manchen Seminaren habe ich schon rein abstrakt gearbeitet, vor allem wenn es darum geht, eine Technik oder ein Material näher zu ergründen. Der Lernprozess ist mir total wichtig, aber ich merke, dass mich Arbeiten ohne jeden figurativen Anteil langweilen. Ich will nicht sagen, dass ich unbedingt Geschichten erzählen will. Die erzählerischen Impulse in meinen Arbeiten führen ja meist nicht weit, sie sind nur der Anfang von irgendetwas. Aber ganz ohne dies Anfänge geht es irgendwie nicht. Die Arbeit mit den Fotos ist mir sehr wichtig. Ich benutzte Fotografien nicht in ihrer Dinglichkeit, ich klebe kein altes Foto in meine Arbeit ein, sondern immer nur einen Abdruck – aber trotzdem gerät so eine Art „Artefakt“ in das Bild hinein. Der Bruchteil eines Moments, der irgendwann einmal tatsächlich stattgefunden hat. Gemalte Porträts betrachtet man oft unter dem Aspekt, wie das Bild hergestellt wurde, bei Fotografien geht es eher um die Frage, wer die dargestellte Person ist. Und das ist auch die Frage, die ich für den Betrachtenden in den Vordergrund rücken möchte. Auf der anderen Seite bringen die Fotos ihren eigenen Kontext mit, den ich nie ganz ausmerzen kann. Und die Reste des ursprünglichen Zusammenhangs sorgen für eine Fremdheit, ein Verrückt-Sein in meinen Bilder, das ich sehr liebe. So hatte ich ein Foto von einer Krankenschwester, die eine Spritze aufzog. Da ich den gesamten Kontext, den umgebenden Raum und auch die Spritze aus dem Foto wegradiert habe, ist eine sehr eigenartige Handbewegung übriggeblieben, die ich mir nie hätte ausdenken können. Genau diese Bewegung verleiht dem Bild nun etwas Rätselhaftes, nicht Deutbares, was mir sehr wichtig ist.

Manuela: Deine Kunst könnte leicht mit einer Art Collagekunst verwechselt werden, aber das ist sie nicht. Auch wenn du transparente Papiere (auf denen die Fotografien sichtbar sind) auf der Leinwand aufgetragen werden findet ja vielmehr eine Verschmelzung von Papier und Hintergrund/Leinwand statt. Die Fotografien fügen sich deckungsgleich und schier unsichtbar in die bearbeitete Leinwand ein und erwecken sie praktisch zum Leben, kannst du ein wenig zu deinem Schaffensprozess erklären?

Merete: Ja, das ist mir wichtig, dass die Bildanteile nicht wie meist in Collagen mit schroffen Brüchen nebeneinander stehen, sondern dass sie sich überlagern, verschmelzen und zu einem ganz neuen Amalgam werden. Das hat mich damals auch an den Papierschnipseln genervt, da das dort nie so gelingen wollte, wie ich es gern gehabt hätte. Meine Herangehensweise möchte ich hier nicht so völlig transparent machen. Es sind verschiedene Arbeitsschritte mit intuitiv-abstrakten Malphasen, danach bearbeite ich Untergründe und Fotos am PC, bringe sie mit bestimmten Papieren auf den Bildträger zurück und male dann wieder weiter. Es entsteht damit eine Arbeitsweise, wo manche Phasen sehr vom Zufall bestimmt werden und ich Ergebnisse gar nicht kontrollieren kann, dann kommen Phasen, wo ich sehr viel entscheide und kontrolliere. Dieser Wechsel ist für mich wie ein Dialog mit dem Bild und mit der Arbeit, den ich sehr mag. Für mich selbst bezeichne ich meine Arbeitsweise als „Malerei“, es ist inzwischen ein malerischer Ansatz, der absolut im Vordergrund steht.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Merete: In Gedanken bin ich eigentlich fast ständig mit meiner Kunst beschäftigt. Da bin ich auch nochmal wieder bei diesem „Trost“-Thema. Ich weiß, dass ich mich in meinen Gedanken jederzeit an einen guten Ort zurückziehen kann, wenn ich das brauche. Es gibt immer etwas Schönes in mir, was auf mich wartet. — Im Außen wechselt es sehr. Ich habe Phasen, wo ich viel Zeit zum Malen und künstlerischen Arbeiten habe, dann aber auch Wochen oder sogar Monate, wo ich zu fast gar nichts komme. Ich arbeite daran, dass solche Phasen in der Zukunft nicht mehr so lange andauern. Auf jeden Fall ist die Kunst zum ersten Mal in meinem Leben eine Arbeit, die ich zunächst nur mit mir selbst und nur für mich selbst mache. Ich habe sonst immer Tätigkeiten gemacht, die nur im Dialog mit anderen möglich sind. In der Kunst bin ich erst einmal allein – und das ist großartig.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Merete: Sinnhaftigkeit, Entwicklung, Loslassen

Manuela: Wie ordnest du deine Kunst ein? Gibt es einen Zeitbezug? Wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen Malerei? Was ist deine eigene Kunst für dich?

Merete: Ja, die Frage, ob meine Sachen „zeitgenössisch“ sind, die stelle ich mir selbst auch oft. Rein technisch finde ich mich zum Beispiel bei Max Ernst wieder, weil ich selbst auch vom Zufall bestimmte Ansätze wie die Decalcomanie nutze. Ansonsten mag ich die verrückten, überwältigenden Welten von Jonas Burgert sehr – und ein paar meiner Heldinnen sind Kiki Smith, Nancy Spero oder Lorna Simpson. Ich mache gewiss keine politisch-feministische Kunst, aber „Emanzipation“ im Sinne von „Selbstauslotung“ und „Selbstwerdung“ ist ein ganz zentraler Begriff für mich. In dem Kontext sind mir weibliche Sichtweisen und Standpunkte sehr wichtig.

Manuela: Du bist ganz frisch in diesem Jahr von der GEDOK Mecklenburg-Vorpommern e.V. aufgenommen worden. Meine herzliche Gratulation dazu! Was hat sich für dich dadurch verändert?

Merete: Dass ich mich viel im Selbststudium weiterentwickelt und keine Akademie besucht habe, damit habe ich kein Problem. Was mir aber immer wieder fehlt, ist der Austausch mit Kolleginnen und Kollegen. Deshalb bin ich über die Aufnahme in die Gedok MV sehr froh. Im Herbst haben wir gerade gemeinsam ein Arbeitswochenende verbracht – mit vielen Gesprächen und Diskussionen und für mich mit vielen künstlerischen Impulsen. Von solchen Begegnungen zehre ich lange. Im nächsten Jahr feiert die Gedok ihr hundertjähriges Bestehen, dazu wird es in Schwerin eine Gruppenausstellung geben. Darauf freue ich mich sehr. Leider ist Mecklenburg ein so großes Bundesland. Wir wohnen alle weit verstreut, mal eben auf einen Kaffee vorbeikommen ist kaum möglich.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Merete: Im Sommer hatte ich in der Galerie 149 in Bremerhaven meine Ausstellung „Zundersaat“ – eine Truppe gut ausgebildeter Spezialistinnen versorgt uns mit Energie und sät Substanzen aus, die uns helfen, uns weniger ausgeliefert und machtlos zu fühlen. Im Gästebuch stand dazu: „Erwarten wir alles – selbst das Gute!“ Da dachte ich, wenn meine Bilder diesen Gedanken in Gang setzen und befeuern, dann haben sie wirklich einen guten Job gemacht.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Merete: In der Feldberger Seenlandschaft, wo ich lebe, gibt es – wie der Name schon sagt, viele Seen, glasklar und wunderschön. Der für mich schönste See ist der Schmale Luzin. Das Schwimmen im Sommer ist ganz wichtig für mich. Zum einen bietet es mir den einzigen Ort auf der Welt, wo ich mich allein und ohne Hilfsmittel in alle Richtungen dreidimensional bewegen kann. Das ist doch ein tolles Erlebnis, einfach so auf dem Kopf schweben zu können! Zum anderen lassen sich da so viele verschiedene sinnliche Eindrücke und Ideen verfolgen. Was lebt da unter mir? Seejungfrauen oder Monster? Was ist Tiefe? Direkt 10 cm unter mir fängt eine völlig unbekannte Welt an, und Faszination und Unheimliches liegen sehr eng beieinander! Das Thema finde ich superspannend, und daran arbeite ich gerade. Es gibt ein Zitat von Jacques Costeau, dem Meeresforscher: „Unter Wasser wird der Mensch ein Erzengel“. Das bringt für mich die Vielschichtigkeit des Themas auf den Punkt. Mal sehen, wo ich lande.

Manuela: Welche Frage habe ich dir hier nicht gestellt?

Merete: Vielleicht die Frage, wie es mir mit dem Status „Spätzünderin“ geht? Oft verbindet man mit dem Begriff „Künstlerin“ ja die Vorstellung von einer großen, tiefen Berufung. Als glaubhafte Künstlerin sollte ich doch bitte schon mit drei Jahren alle Wände meines Elternhauses vollgemalt und tiefe Verzückung beim Betrachten von Bildbänden verspürt haben, oder? Ich bin jetzt sechzig und hatte meine erste Ausstellung vor fünf Jahren. Da wundern sich manche Leute schon. Ich selbst bin da mit mir einig, ich weiß ja, wie mein Lebensweg verlaufen ist. Aber ab und zu wird mir die Frage gestellt, warum die Kunst nicht früher in meinem Leben aufgetaucht ist.  Einmal ist mir ganz spontan die Antwort herausgerutscht: „Ich hatte zu tun“. Das war gar nicht flapsig gemeint, sondern hat es einfach gut getroffen. Und dabei habe ich ja auch gute Vorbilder wie Grandma Moses und Carmen Herrera! Wenn ich so um mich schaue, bereiten sich viele Bekannte und Freunde allmählich auf ihre Rente vor. Ich selbst habe das Gefühl, dass ich gerade erst anfange. Mir gefällt das. Ich weiß, dass ich nicht mehr so wahnsinnig viel  Zeit habe – zwanzig Jahre vergehen wie im Flug. – Darum bin ich jetzt sehr fokussiert und zielstrebig, viel mehr als ich es in meinem bisherigen Leben je gewesen bin. Das ist für mich selbst ganz merkwürdig.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr (2026) noch sehen?

Merete: Aktuell läuft in der Alten Kachelofenfabrik Neustrelitz meine Ausstellung „Da unten ist Licht“, die noch bis zum 08. Februar zu sehen ist. Vom 15. April bis zum 10. Mai bin ich in Kiel in der Galerie Ute Brennwald. Und vom 13.09. bis zum 22.11. findet im Schleswig-Holstein-Haus in Schwerin die Ausstellung der Gedok „Chronos & Kairos“ statt, wo ich auch dabei sein werde.

Manuela: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Merete: Meine Homepage findest Du unter www.meretedekruyf.de und bei Instagram ist es @meretedekruyf.

Vielen Dank, liebe Merete, dass du dir die Zeit genommen hast an diesem Artist Talk teilzunehmen. Dir weiterhin alles Gute für dein Schaffen!

Für alle, die noch nicht genug haben können sich hier eine kleine Reportage über Merete de Kruyf anschauen.

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Im Herbst 2025 wird die Fondation Beyeler die erste Retrospektive der berühmten japanischen Künstlerin Yayoi Kusama (*1929, Matsumoto) in der Schweiz präsentieren. Die in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin und ihrem Atelier organisierte Ausstellung gewährt einen gesamtheitlichen Einblick in Kusamas über sieben Jahrzehnte umspannendes künstlerisches Schaffen. Gezeigt werden sowohl ikonische Werke als auch ältere Arbeiten, die in Europa noch nie zu sehen waren, aber auch neue Produktionen sowie einer ihrer beliebten Infinity Mirror Rooms (Unendlichkeits-Spiegelräume). Die Künstlerin, die zu den Superstars der zeitgenössischen Kunst zählt, hat mit ihrer Erkundung repetitiver Muster und Strukturen – namentlich durch ihre charakteristischen Polka Dots und Spiegelräume, die die Betrachter:innen in unendliche Welten entführen – Kultstatus erlangt. Die Ausstellung unterstreicht die Vielfalt der künstlerischen Medien, mit denen Kusama im Laufe der Jahre gearbeitet hat, darunter Malerei, Skulptur, Installationen, Zeichnung, Collage, Happenings, Live-Performances, Mode und Literatur.

«Yayoi Kusama» wird von der Fondation Beyeler in Zusammenarbeit mit dem Museum Ludwig in Köln (14. März – 2. August 2026) und dem Stedelijk Museum in Amsterdam (11. September 2026 – 17. Januar 2027) organisiert.

Ausgiebige Informationen zur Ausstellung findet man hier –> Riehen b. Basel | Fondation Beyeler: Yayoi Kusama | ARTinWORDS

ÖFFNUNGSZEITEN:
Montag, Dienstag, Donnerstag, Freitag: 9–18 Uhr
Mittwoch: 9–20 Uhr
Samstag & Sonntag: 10–18 Uhr

KONTAKT:
Fondation Beyeler
Baselstrasse 101
CH-4125 Riehen/Basel

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Manuela: Kannst du dich bitte vorstellen? Erzähle doch ein bisschen wie du zur Kunst, zur Illustration und zur Collage gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf des Grafikers einzuschlagen?

Matthias: Ja, gerne. Ich freue mich übrigens über dein Projekt, da ist viel Wertschätzung und Offenheit drin. Wir sind uns ja sehr zufällig begegnet. Ich hatte mich bei dir bedankt für eine Warnung, die du im Internet vor Betrügern auf dem Kunstmarkt ausgesprochen hattest. Ich mag Zufälle. Manche Zufälle fühlen sich an als würden Fäden eines ansonsten unsichtbaren Gewebes plötzlich aufleuchten. Ein Gewebe aus Bedeutung.

Zurück zu deiner Frage: ich wohne mit meinem fast zehnjährigen Sohn in einem Dorf im Osten von Stuttgart. Ich mag es hier. In meinem Leben habe ich immer an irgendwelchen kreativen Projekten gearbeitet. Malerei, Texte, digitale Collagen und seit mehr als vier Jahren schreibe ich Lieder.

Mit Collagen habe ich erstmals im Alter von 16 gearbeitet. Mein Vater hatte ein Fotolabor im Keller. Im roten Dämmerlicht entwickelte ich dort meine Fotos in Chemiebädern mit aufregenden Gerüchen. Dann habe ich die Fotos im Copyshop vervielfältigt und zu ersten Architekturcollagen zusammengeklebt. Ich empfand meine Kunst als absolut bedeutsam und war sehr verwundert, dass ich in Galerien dafür nur ein sehr freundliches Lächeln erhalten habe. Etwa 2 Jahrzehnte ruhte die Arbeit nach dieser kurzen stürmischen Anfangsphase. Dann eröffnete mir die digitale Bildbearbeitung neue Möglichkeiten. Die Arbeit an Collagen hat mich immer fasziniert. Ich schaffe eine Realität, die das Innere mit dem Äußeren verbindet. Die Logik der Entstehung einer Collage ist eher wie im Traum. Eine Matrix aus Assoziationen. Ich liebe das.

Manuela: Wie war dein Einstieg in die Branche und was war dein erster Job? Erinnerst du dich noch?

Matthias: Ich habe das nicht als Einstieg in eine Branche erlebt. Die ersten Jahre habe ich einfach
nur an immer neuen Collagen gearbeitet. Ich war getrieben, ich musste das machen. Erst 2015 kam es zu einem kleinen Durchbruch. Irgendwie verbreiteten sich meine Architekturcollagen plötzlich rasend im Netz. Zeitungen wie der Guardian oder auch die Vogue baten mich um Interviews. Ich war darauf nicht vorbereitet. Der Hype verpuffte sehr schnell und ich habe finanziell nur minimal davon profitiert. Aber es hat mir die Gewissheit gegeben, dass meine Bilder tatsächlich wirken. Manchmal habe ich kleine Illustrationsjobs, verkaufe hier und da ein Bild, zum Beispiel als Buchcover. Ich war oft frustriert.

Manuela: Was ist deine eigene Kunst für dich?

Matthias: Puh. Es ist eine Form von Magie. Kunst bringt mich in Verbindung mit einem Teil meiner selbst, der das „allgemein Menschliche“ ist oder das „allgemein Lebendige. Auf jeden Fall ist es der Zugang zu einer tiefen Welt ohne Worte. Aber wer will, kann meine Bilder auch als bloße ästhetische Spielerei sehen – was sie aber nicht sind.  

Manuela: Wie und wann hast du dein künstlerisches Handwerk gelernt?

Matthias: Learning by doing. Meine ersten Collagen waren eher skurril als wirklich interessant. Aber zum Glück war mir das nicht bewusst. Kunst zu studieren wäre für mich nie infrage gekommen. Ich kann nur den radikal eigenen Weg gehen. Leider verschließt das viele Türen. Insbesondere die von Galerien.

Manuela: Du hast ja viele Talente und Fähigkeiten. Du bist Fotograf und Grafiker. Hast du hier den ganz klassischen Weg eingeschlagen in deiner Entwicklung und Ausübung dieser beiden Berufe?

Matthias: Wohl eher nicht. Ursprünglich hatte ich vor, in der Entwicklungshilfe zu arbeiten. Aus verschiedenen Gründen habe ich dann im Laufe des Studiums meinen Platz in diesem Bereich nicht mehr gesehen. Also kam ich auf die Idee, etwas „Vernünftiges“ zu machen und habe BWL studiert und habe es tatsächlich zum Diplomkaufmann geschafft. Aber das war es dann mit der Vernunft. Ich hatte ein Jobangebot bei American Express. Als ich das Gebäude betrat und durch die Bürolandschaft schritt, war mir klar, dass ich dort erfrieren würde. Zum Entsetzten meiner damaligen Frau habe ich abgelehnt. Ich habe dann einige Jahre irgendwelche Jobs gemacht, habe 2 Jahre für den Otto-Versand im telefonischen Kundendienst gearbeitet. Erst 2009 fing ich mit dem Grafik-Design Studium an. Das war eine gute Idee. Seit meinem Abschluss arbeite ich als freiberuflicher Grafiker. Fotograf bin ich aber nicht. Ich fotografiere nur die Einzelbilder für meine Collagen. Da muss man nicht viel können.

Manuela: Deine Collagen sind besonders ansprechend, weil sie einladen vieles in ihnen zu entdecken. Wie entstehen deine Ideen für diese? Spontan, intuitiv, geplant? Berichte doch gerne./ Wie arbeitest Du? Kannst Du uns etwas über den Entstehungsprozess deiner Arbeit erzählen?/ Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Matthias: Die Ideen kommen oft beim Fotografieren. Gerade bei Gebäuden habe ich regelmäßig  Visionen von einer Anordnung, einer abstrakten Form, einer Formensprache. Ich mag Häuser, denen man ihre Geschichte ansieht. Ich sehe in ihnen eine Art Persönlichkeit. Die Gebäude oder auch Gegenstände, die mich begeistern, sind für Andere oft eher unscheinbar und uninteressant.
Ich habe ein Archiv aus eigenen Bildern, die ich auf kleinen Fotoreisen aufgenommen habe. Wenn ich an einem Bild arbeite, durchforste ich dieses Archiv wieder und wieder. Was passt zusammen? Passt das rostige Rohr zu dem fliegenden Palast? Bis zu einem bestimmten Punkt wirken meine Collagen zufällig und wahrscheinlich eher uninspiriert. Erst wenn ich dann ein entscheidendes Bildelement gestaltet habe, kommt der Durchbruch. Dann scheint seine endgültige Form durch, und ich habe eine starke Vision, wohin das Bild will. Und dann gestaltet es sich meist wie von selbst. Diese letzte Phase ist sehr schön, ich höre oft laute Musik, wenn ich mit Photoshop die einzelnen Elemente zu einem Gesamtgebilde verbinde. Heraus kommt so etwas wie ein Kurzgedicht aus Formen. Der Inhalt mancher Arbeiten mag zu Geschichten anregen. Ich fände das sehr schön. Der Titel des Bildes ist meist ein Vorschlag zur erzählerischen Ausgestaltung. Aber festgelegte Inhalte oder Botschaften gibt es nicht. Ich bin übrigens – anders als sonst im Leben – in der Kunst eher perfektionistisch.

Bild links: Das Märchen von der wundersamen Hand | 2019 | Matthias Jung

Bild rechts: Betonpredigt | 2024 | Matthias Jung

Manuela: Auf welchen Themenbereich hast du dich spezialisiert? Wie würdest du deinen Stil beschreiben?

Matthias: Mein Stil ist keine bewusste Entscheidung, ich mache meine Kunst nicht in dem Bewusstsein, einen Markt zu bearbeiten. Ich würde auch nie auf die Idee kommen, mich irgendeinem „Ismus“ anzunähern oder „zeitgenössisch“ zu sein. „Formpoesie“ wäre ein schönes Wort für meinen Stil. Manche „Kunstexperten“ nehmen einen poetischen Ansatz oft nicht ernst. Sie vermuten dahinter vielleicht eine Flucht ins Gemütliche oder so. Davon distanziere ich mich. Schönheit kann sehr existentiell sein. Aber nicht alle meine Bilder sind klassisch schön, manche sind sehr düster und einsam.

Manuela: Erfährt man durch Kunst mehr von seinem Leben?

Matthias: Das ist eine gute Frage. Ich kann das nur für mich beantworten. Wenn ich an einem Bild arbeite, dann fühlt sich das sinnvoll an. Ich bin hoch konzentriert und doch weit weg an einem friedlichen inneren Ort. Ich schöpfe aus einem Bereich, in dem es keine Worte gibt. Das ist intim, gleichzeitig nah am allgemein Menschlichen. Ich fühle mich dann mit mir selbst im Reinen. Ich kann etwas schöpfen ohne mich auf einer sozialen Bühne darstellen zu müssen. Ich glaube, das ist für mich sehr tröstlich, denn soziale Bühnen strengen mich an. Ich scheitere oft an ihnen.

Manuela: Was hat deine Kreativität im Laufe der Jahre bereichert? Bist du im Laufe der Jahre besser geworden? Wie siehst du dein weiteres künstlerisches Schaffen, wohin geht die Reise?

Matthias: Es braucht einfach einige Jahre, um der künstlerischen Intuition durch Erfahrung Futter zu geben. Klar bin ich besser geworden. Aber ich glaube, die Fähigkeiten erreichen irgendwann ein Plateau. Dann kann ich natürlich wieder Neuland erschließen. Ich schreibe ja auch Lieder. Da bin ich im Moment noch in einer früheren Phase. Es ist aufregend zu sehen, dass ich plötzlich neue Dinge kann, dass sich mein Blick geschärft hat. Die Saat geht auf. Aber im Unterschied zum echten Bauern, weiß ich nicht, welche Früchte ich am Ende ernte. Das ist cool, aber man muss auf jeden Fall dranbleiben. Selbstüberschätzung kann dabei eine hilfreiche Illusion sein. Am Ende ist man vielleicht wirklich so gut wie man dachte, von Anfang an zu sein.  

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Matthias: Ja, ich würde gerne Malerei mit Collagen verbinden. Ich könnte meine Bilder in schwarzweiß auf Aquarellpapier ausdrucken und sie dann colorieren und mit gemalten Formen kombinieren.  Das ist allerdings ein Aufwand, den ich bisher scheue.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Matthias: Sehr viel Raum. Im Moment ist es allerdings die Musik. Ich muss mich ständig vor mir selbst für die wertvollen Stunden rechtfertigen, in denen ich ja auch Geld verdienen könnte. Collagen würde ich sehr gerne wieder machen, es mangelt auch nicht an Ideen. Die Zeit wird kommen. Meist mache ich mehrere Bilder direkt hintereinander.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß?

Matthias: Ganz bei mir zu sein, der Schönheit zu dienen, etwas Neues zu schöpfen, in Bildern zu schwelgen, unter Strom zu stehen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Matthias: Wenn mir Kunden sagen, dass sie ein Bild emotional berührt. Wenn es sie zum Beispiel an die Fantasien ihrer Kindheit erinnern. Die französische Künstlerin AM Higgins hat ihr neues Album mit meiner Kunst bebildert. Auf ihrer Tour durch Deutschland kam sie auf dem Weg von Leipzig nach Zürich mit Ihrem Freund zum Kaffeetrinken vorbei. Das hat mich berührt.  

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Matthias: Künstlerische Vorbilder habe ich eigentlich nicht. Mit Ausnahme von Paul Klee vielleicht. Ausstellungen inspirieren mich aber tatsächlich regelmäßig. Es ist wichtig zu sehen, wie andere Menschen sich durch Kunst ausdrücken – das erweitert die eigenen Möglichkeiten. Davon abgesehen ist es einfach ein Genuss.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Matthias: Oh, sehr viele Fragen. Offen gesagt, haben die wenigsten davon mit Kunst im engeren Sinne zu tun. Was mich gerade umtreibt, ist die Frage, was Menschen im Innersten dazu bewegt, links oder rechts zu denken. Beides scheint archaische Anziehungskräfte auf uns zu haben. Und grundsätzlich: welche Aufgabe hat Kultur? Wie kann sie sich ändern? Warum scheint sie uns gerade zu bremsen, wenn es darum geht, die Lebensgrundlagen auf unserem Planeten zu schützen oder uns gegenseitig für unser Menschsein wertzuschätzen?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Matthias: Ich war gerade im Nationalpark Hainich. Da verwildert ein ehemaliger Truppenübungsplatz seit Jahrzehnten vor sich hin. Eine Landschaft zu sehen, die nicht zum Betriebsgelände der Menschheits-AG gehört, das ist eine Wohltat für meine Augen. Überhaupt ist es schön, auf kleinen Pfaden durch den Wald zu gehen. Ich würde gerne mal wieder eine lange Wanderung unternehmen. Am liebsten mit meiner kleinen Klappgitarre und Fotoapparat. Irgendwo Richtung Meer. Und wenn ich zurück bin mache ich aus den vielen Bildern neue Collagen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Matthias: Magie, Seele, Wahrheit

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Matthias: Gerade gestalte ich zum Beispiel ein CD-Booklet für eine Ensemble alter Musik. Außerdem bereite ich einen regelmäßigen Instagram-Auftritt vor. Ich will raus aus meiner Nische, in die mich unter anderem meine Introvertiertheit geführt hat. Und ich nehme eigene Lieder als Videos auf. Es wäre toll, Bilder und Musik miteinander auf der Bühne zu verbinden.

Manuela: Von welchem Projekt träumst du?

Matthias: Ich möchte meine Kunst erlebbar machen. In Zeiten perfekter KI-Bilder gehen meine Collagen einfach unter. Ich möchte sie mit Leben, mit Persönlichkeit füllen. Kunst bedeutet ja nicht mit einem Feuerwerk visueller Reize zu beeindrucken. Das kann KI wirklich besser. Kunst ist etwas Nahrhaftes, kein Snickers. Irgendwann möchte ich, wie schon erwähnt. In einem Bühnenprogramm Musik und Kunst gemeinsam erlebbar machen. Eingebettet in sehr grundlegende Gedanken über unsere Welt. Dazu muss ich mir tatsächlich etwas in den Arsch treten. Denn ich träume sehr gerne einfach vor mich hin.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Matthias: Tatsächlich im Moment nur online. Aber das soll so nicht bleiben. Ich freue mich sehr über Feedback, Tipps und nette Worte. Begegnungen sind wichtig. Folgt mir auf Insta.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Matthias: Instagram: zabadu_matthias, www.zabadu.de. Künstlerseite auf www.artmajeur.com www.artmo.com und www.singulart.com

Lieber Matthias, vielen Dank für deine Zeit und die Auseinandersetzung mit deiner Arbeit. Dir weiterhin viel Erfolg und alles Gute für dein Schaffen!

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Seit dem 4. Mai zeigen 16 Künstlerinnen der Gedok Niedersachsen ihre Werke unter dem Titel ‚Positionen – Kontraste‘ und geben einen Einblick in die vielfältige Einblicke in ihr persönliches Schaffensspektrum.

SalonGespräch: Sonntag, 29. Juni 2025, 15 Uhr findet unter Anwesenheit der Künstlerinnen statt.

Mit dabei sind:
Tine Albe | Karin Bach | Eva Bellack | Barbara Bronzlik | Evelin Daus | Gisela Gührs | Beate Henne | Eva Hennecke | Ingrid Krieser-Demuth | Cornelia León-Villagrá | Heidrun Pfalzgraf | Dörte Putensen | Maike Remane | Ortrud Richter | Barbara Sowa | Kerstin Voß

Malerei | Zeichnung | Collage | Assemblage | Monotypie | Holz-/Linolschnitt | Objekt | Schmuck

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kontraste: GEDOK NiedersachsenHannover

GEDOK NiedersachsenHannover e.V.
Lola-Fischel-Straße 20
30173 Hannover

Mi 15 – 18 Uhr | Sa + So 14 – 17 Uhr

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Vom 08. September bis zum 02. Februar 2025 präsentiert Feinkunst Krüger die neueste Installation des Hamburger Künstlers Simon Hehemann in den Räumen von The Space (Fuhlentwiete 3 in 20355 Hamburg).

Diese Installation kann man als Fortsetzung der vorherigen Ausstellungen „Aus diesem Punkt“ und „SINUS MEDII“ bei Feinkunst Krüger und seiner letztjährigen Installation „Die Seele der weißen Ameise“ verstehen.
Hehemann begibt sich dazu wieder in die Halle II von The Space um dem Hamburger Kunstpublikum seine, bis dahin, vielleicht spektakulärste Arbeit zu präsentieren. Das heißt nichts anderes als das Hehemann die Ausstellung des Jahres präsentieren wird, denn diese Installation wird noch aufwändiger als alle seine vorherigen und wird einen musealen Charakter haben. (Die Installation „Die Seele der weißen Ameise“ wird 2025 zum 20-jährigen Jubiläum im Auswanderermuseum in Bremerhaven zu sehen sein.)

Beim Betreten der Installationen von Simon Hehemann tauchen Besuchende in eine faszinierende Welt ästhetischer und gedanklicher Erlebnisse ein, in der eine Vielzahl von Ereignissen simultan stattfindet. Diese Welt, geformt aus objektgewordenen Ideen, kommt mitunter daher wie eine surreale Landschaft, die von Betrachtenden erkundet werden will.

Hehemann gestaltet aufwändige Raumkompositionen, die sich den Augen der Betrachtenden schrittweise erschließen. Die präzise aufeinander abgestimmten Elemente seiner farblich reduziert gehaltenen Installationen interagieren auf subtile Weise und kreieren eine dynamische Landschaft innerhalb visuell eindrucksvoller Szenarien. Immer wieder laden mal Sichtachsen, mal Detailansichten zum Innehalten ein. Während Bodeninstallationen durch feine Spuren ihre entstehungsgeschichtlichen Kräfte andeuten, bewegen sich zarte Konstruktionen mit eleganter Leichtigkeit in der Luft und folgen dabei einer durchdachten, choreographischen Ordnung.

In seiner künstlerischen Praxis intensiviert Simon Hehemann kontinuierlich seine Auseinandersetzung mit dem Raum. In seinen Ausstellungen vereint er Malerei, Zeichnung, Collage, Fotografie, Skulptur und Installation zu einem umfassenden räumlichen Konzept. Durch massive Eingriffe in die Architektur der Ausstellungsräume transformiert er diese vollständig, wodurch neue, vom Künstler beabsichtigte räumliche Situationen und Dramaturgien entstehen. Diese intensive Beschäftigung mit Raum und dessen vielfältigen Referenzmodellen sowie den gedanklichen und theoretischen Aspekten bildet einen zentralen Punkt in Hehemanns Werk.
Hehemanns vielfältige Arbeiten erscheinen als poetische Systeme und immersive Umgebungen, in denen der narrative Gehalt von Fragmenten eines kollektiven Gedächtnisses, persönliche Erinnerungen und existenzielle Fragestellungen rund um die Prozesse des Werdens und Vergehens auf vielfältige Weise erfahrbar werden. Dies spiegelt sich deutlich in seinen aufwändigen Objektcollagen und Zeichnungen wider, die der Künstler in seine rauminstallativen Arbeiten integriert. In ihrer Komposition und ihrem Entstehungsprozess weisen die Werke Hehemanns Parallelen zueinander auf, sodass sich in seinen Installationen eine faszinierende Verschachtelung bis hin zur Anmutung von fraktalen Strukturen ergibt.

Diese Verschachtelung lässt sich vielleicht als Metapher verstehen, die verdeutlicht, wie das Leben aus ineinander eingebetteten Ebenen besteht – von individuellen Erfahrungen und persönlichen Beziehungen bis hin zu gesellschaftlichen und universellen Zusammenhängen.

Ein Besuch in einer Ausstellung von Simon Hehemann ist vieles zugleich – ein faszinierendes ästhetisches Abenteuer, eine Erfahrung die mannigfaltige assoziative Prozesse anzustoßen vermag und auch ein Erlebnis, dass weitere Fragen aufwerfen kann. Fragen zur Beziehung zwischen individueller und kollektiver Existenz und zur Komplexität des menschlichen Lebens, die durch die Interaktion seiner verschiedenen Teile entsteht und bestehen bleibt. (Text: Isa Hänsel)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Aktuelle Kunstausstellungen in Hamburg bei Feinkunst Krüger – Feinkunst Krüger

Feinkunst Krüger
Kohlhöfen 8
20355 Hamburg

Öffnungszeiten:
Donnerstag und Freitag: 12:00-19:00 Uhr
Samstag: 12:00-18:00 Uhr
oder nach Vereinbarung unter 040-31792158 

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Der Künstler Nils Peters stellt mit seinen Werken in den Räumlichkeiten von Casini & Görner bis zum 29.1.2025 aus.

Werke von Nils Peters

Vernissage am FREITAG, den 15.11.2024, von 16:30 – 20:00 Uhr

„In meinen Bildern arbeite ich gerne mit den Mitteln der Assoziation und Imagination. Malerei trifft auf Collage, auf Materialassemblage, zum Teil mit Street Art Elementen kombiniert und verbindet sich dann zu einer eigenen Bildsprache. Ich benutze Wortfragmente, die Sinnhaftes bilden und gleichzeitig als eigenes ästhetisches Mittel stehen.

 Kleine, surreale Details, Absurditäten und Chaotisches liegen mir am Herzen; diese „ordne“ ich dann zu einem neuen Ganzen.

 Generell mag ich die Absurdität in Begriffen wie „Ordnung“, „Reinheit“ und „Perfektion“. Ich suche Schönheit und Ruhe im Gegenteiligen.“ sagt der Künstler über seine Arbeit.

Neben der Kunst soll aber auch der gute Zweck nicht vergessen werden. Getränke & Snacks werden gegen (mindestens) € 1,- ausgegeben. Der gesammelte Betrag wird Projekten der Hamburger Sternschnuppe e.V.  zugutekommen.

Alle Gemälde und Fotos sind von Nils Peters

Weitere Informationen zum Künstler: about – Nils Peters Kunst

Casini & Görner Immobilien GmbH & Co. KG

 Liebermannstraße 44 a, 22605 Hamburg

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Es wurde viel ausprobiert und gestaltet und wieder entstanden spannende Werke, sodass die Teilnehmerinnen ruhig in den Sonntagabend gingen konnten.

Danke an die Teilnehmerinnen für die tolle Zeit.

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Poetische Installationen zum Nachdenken

„Die poetischen Installationen von Betye Saar (*1926) verleiten zum Nachdenken und Träumen, doch ihr Ursprung ist von ganz anderer Natur: Die amerikanische Künstlerin reflektiert mit ihren installativen Werken, Objekten und Zeichnungen Schwarze Identität, die Geschichte des Rassismus in den Vereinigten Staaten und die allgegenwärtige Diskriminierung in der westlichen Gesellschaft. Betye Saar nutzt die Kraft der Poesie und schafft so eine intensive, oft mystische Auseinandersetzung mit bedrückenden Themen. Für ihre Assemblagen, die auch als visueller Aktivismus verstanden werden können, lässt sich die Künstlerin auf ihren Reisen sowie durch Religion und Mystik inspirieren. Betye Saars künstlerisches Werk ist oft autobiografisch, spricht aber auch auf universelle Weise über die kollektive Erfahrung Schwarzer Menschen in den USA und ihrer Geschichte – von der Sklaverei nach der Kolonisierung Amerikas im Jahr 1492 bis heute. Betye Saar verwendet für ihre Arbeiten Fundstücke und Alltagsgegenstände, die sie auf Tauschbörsen, Flohmärkten oder Nachlassverkäufen findet. Diese Materialien zeugen von ihrem Interesse am Konkreten wie am Magischen, an der Untrennbarkeit von Kunst und Leben.“ (Quelle: kunstmuseum luzern)

Grafische Geschichtenerzählerin

Längst ist sie zu einer Legende der zeitgenössischen Kunst geworden. Am ehesten könnte man wohl sagen, dass sie eine visuelle Geschichtenerzählerin und Grafikerin ist, die mit ihren Werken einlädt einzutauchen und zu lauschen.

Im Jahr 1967 fand sie neue Inspiration durch den Besuch einer Ausstellung des Bildhauers Joseph Cornell, der Assemblagen aus gefundenen Gegenständen (Objet trouvé) erstellte. Einen weiteren wichtigen Einfluss auf ihre künstlerische Entwicklung hatten auch Simon Rodias Watts Towers, deren Bau sie während ihrer Kindheit beobachten konnte. Später erzählte sie, wie die Materialien, die Simon Roda verwendete – zerbrochenes Porzellan, Meeresmuscheln, verrostetes Werkzeug und sogar Maiskolben – eingebettet in den aus Beton gebauten Turmspitzen – eine magische Faszination auf sie ausübten.

Sie begann selbst Assemblagen in Kisten und Fensterrahmen mit gefundenen Objekten zu erstellen, die eine Verbindung zu den Kulturen ihrer Vorfahren hatten: Afroamerikaner, Iren und Native Americans.

Und auch heute noch erstellt sie Werke, die überall auf der Welt zu sehen sind.

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Ich habe dabei jeweils 3 Leinwände à 25x25cm zusammengefasst. Ich beginne hier mit den Spuren von Strukturen…… Die Farbgebungen der Leinwände sind absichtlich eher „ruhiger“, einheitlicher gehalten, für mich standen die Spuren und Abdrücke im Vordergrund. Hier haben die Experimente zu Strukturen geführt, die wie Abdrücke von Blättern wirken, mich erinnerten die Formen teils an Gehirne. Oder an eine Qualle, wenn ich es so recht betrachte……ich glaube man kann da noch viel viel mehr entdecken

Bild 1:

Bild 2:

Bild 3:

„Spuren I“, 6/2016, 3 mal 25x25x4cm, verkäuflich

• Titel: Spuren I
  
• Entstehungsjahr: 2016
• Technik: Champagnerkreide, Haftputzgips, Pigmente, Bitumen, Beizen, Liquitex, Seidenpapier, Schellack auf quadratischen Leinwänden
  
• Maße: 3x je 25x25x4cm
  
• Rückseiten sind signiert/ Ränder oder Front können auf Wunsch signiert werden
  
• Leinwandränder sind mitbemalt und mitbeklebt
  
• Aufhängungen vorhanden

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