„[prompt] – Künstlerische Positionen zu Künstlicher Intelligenz“
In Kooperation mit der Literarischen Gesellschaft Lüneburg und dem Literaturbüro Lüneburg im Heinrich-Heine-Haus mit der Veranstaltungsreihe „Digitale Welten“

Künstler:innen:
Martin Bäuml | J.Georg Brandt | Uwe de Witt | Nina Heinzel | Sascha Rosemarie Höfer | Gudrun Jakubeit | Britta Ruge

Vernissage: 30.05.2026 um 17 Uhr – Mit einem Input von J.Georg Brandt

Die Künstler:innen werfen in den Genres Fotografie, Installationen, Malerei, Objekte, Video und performativer Beratung den Blick auf das Spannungsfeld von Kunst und KI. Was kann Kunst, was KI nicht kann?
In den Werken werden Fragen nach Autorschaft aufgeworfen, nach ästhetischer und ethischer Verantwortung, nach dem Verhältnis von Daten, Dokumentation und (Lebens-) Wirklichkeit, nach dem Besonderen künstlerischen Denkens und Ausdrucks, nach Befürchtungen und nach der unvollkommenen „Maschine“ KI und Macht/Ohnmacht.

Ort: Heinrich-Heine-Haus, Am Ochsenmarkt 1a, Lüneburg
Dauer: 31.05-21.06.2026
Öffnungszeiten: Mittwochs, samstags und sonntags 12-18 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert durch Gerstaecker.

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Die Bilder von Veronika Dobers kreisen um Gedanken und Denkformen, um Erkenntnissuche und die Suche nach dem Selbst. Dafür findet die Künstlerin prägnante Objekte, die allegorisch als Begleiter des Menschen auftreten –  Äste, Haufen, Tropfen und Bündel, die wie Monumente konzentrierter mentaler Energie den Bildraum beherrschen. Veronika Dobers nähert sich ihren Themen auf philosophische Weise. Sie ist fasziniert von der Tatsache, daß der Mensch in seiner begrenzten Lebenszeit niemals die Wirklichkeit in ihrer Gesamtheit erfassen kann. „Beyond the horizon’“ nennt Veronika Dobers diese fundamentale Unzugänglichkeit. Sie erklärt: „Der Horizont ist die Grenze zwischen der sichtbaren Welt und dem Himmel. Jenseits dieser Linie setzt sich die Welt fort, der Wahrnehmung entzogen. In meinen Gedanken gibt es meine eigene Konstruktion, meine Interpretation der ‚wirklichen’ Welt. Ich erkenne nur, was ich sehen kann. Ich kann sehen, was ich weiß. Meine Gefühle und Vorstellungen, mein intellektueller Hintergrund erschaffen die Welt.“

Neben der Zeichnung auf Papier ist die Hinterglasmalerei die von ihr bevorzugte Technik und so etwas wie ein „Markenzeichen“ von Veronika Dobers. Die Motive müssen wie beim Drucken seitenverkehrt angelegt werden. Das Plexiglas ist gleichzeitig Bildträger und Firnis-Schicht. Es ist sowohl Fenster zur Bildwelt als auch Trennwand von derselben. Es entsteht eine Spannung zwischen Nähe und Unerreichbarkeit, die auch Thema der Arbeiten von Veronika Dobers ist.

Veronika Dobers lebt in Bremen. Sie studierte Innenarchitektur und Produktdesign an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein in Halle/Saale. Von 2006 -2011 lebte sie in Japan. 2023-2026 Atelierstipendium des Senators für Kultur Bremen im Zentrum für Kunst Bremen. Solo-Ausstellungen in Japan, USA und Deutschland, Beteiligung an Gruppenausstellungen. (Quelle: Kaponierhaus Vechta)

Mehr Infos unter www.dobers-art.de

Weitere Informationen zur Ausstellung: Jahresprogramm 2026 – Kunstverein Kaponier e.V.

Kunstverein Kaponier e.V.
Große Straße 47A
49377 Vechta

Öffnungszeiten

dienstags, mittwochs, freitags 16-18 Uhr
donnerstag 18-20 Uhr
samstags, sonntags, feiertags 11-13 Uhr
sonntags und feiertags auch 15-18 Uhr

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Die GEDOK (Gemeinschaft der Künstlerinnen und Kunstfördernden) feiert ihr 100-jähriges Jubiläum. Im Rahmen des blurred edges Festivals veranstaltet die GEDOK Hamburg eine Klangkunst-Ausstellung mit immersiven Rauminstallationen und Audiokunst.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Ausstellungen Kunstforum – GEDOK Hamburg

Kunstforum der GEDOK Hamburg
Koppel 66 / Lange Reihe 75
20099 Hamburg

Öffnungszeiten:
Mi – Fr 13:00 – 18:00 Uhr
Sa+So 13:00 – 16:00 Uhr
Das Kunstforum ist an Feiertagen geschlossen.

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Säulenordnung, eine Einzelausstellung der Künstlerin Daphne Schüttkemper, untersucht, wie Architektur und Kunst im öffentlichen Raum Macht nicht nur abbilden, sondern ausüben.

Schüttkemper greift architektonische Elemente im Stadtbild auf, die Macht symbolisieren, und führt sie in eigene skulpturale Arbeiten über, um ihre Wirkung zu hinterfragen. Im Mittelpunkt steht die Säule: im westlichen Kontext weit mehr als ein tragendes architektonisches Element, ist sie als ästhetisches Symbol allgegenwärtig. Die griechische (klassische) Säulenordnung – dorisch, ionisch, korinthisch – wurde seit der Renaissance zum Maßstab erhoben. Grundlage dafür war die Idealisierung der griechischen Antike als vermeintliche Wiege der Zivilisation. Im deutschen Kontext wurde diese Formensprache besonders wirkmächtig: Vom preußischen Klassizismus bis zu den Monumentalbauten des Dritten Reichs diente sie als architektonische Beglaubigung staatlicher Autorität, als steingewordener Anspruch auf Dauer und Legitimität. Doch die Säule, wie Schüttkemper zeigt, steht kaum von alleine: Diese Ordnung stützt sich auf Gewalt, auf die kulturelle Begründung kolonialer Herrschaft, die nicht-europäische Bevölkerungen als “barbarisch” konstruierte und die europäische Kolonisierung als zivilisatorische Mission legitimierte. 

Ordnung ist in Deutschland nicht nur ein ästhetisches, sondern ein moralisches, ein staatliches Ideal. Sie wird nicht verordnet, sie wird eingeübt, bis sie wie Selbstverständlichkeit wirkt. Schüttkemper lenkt den Blick auf das, was dabei unsichtbar wird: auf Löwen, die als Symbole kolonialer Exotik und Stärke still die Eingänge öffentlicher Gebäude bewachen. Auf Adler, die als nationales Symbol trotz ihrer Geschichte der politischen Instrumentalisierung bis heute Fassaden und öffentliche Räume prägen. Symbole der Herrschaft, so vertraut, dass sie kaum noch wahrgenommen werden. So fraglos präsent, dass es keiner Erklärung zu bedürfen scheint. Doch Normalität ist keine Neutralität. Die Säulen stehen. Unscheinbar und unbewegt.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://galerie-im-turm.net/exhibition/saeulenordnung/

Galerie im Turm, Frankfurter Turm 1, 10243 Berlin

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Es gibt Karten, die dir sagen, wo du bist. Und dann gibt es Karten, die sich höflich weigern. Pablo Griss zeichnet die zweite Art.

Dystopic Cartography ist die neueste Werkserie des venezolanischen Künstlers Pablo Griss, entwickelt in den letzten drei Jahren – das Ergebnis eines langen Prozesses der Reflexion, der Neuorientierung und, vielleicht, eines notwendigen Ungehorsams.

Griss war einst bekannt für eine nahezu obsessive Kontrolle. Seine früheren Arbeiten funktionierten mit der Präzision fein kalibrierter Instrumente: Kompositionen, inspiriert von energetischen und magnetischen Feldern, tief verwurzelt in der venezolanischen Tradition der Op Art. In diesem Universum verhielt sich Farbe. Sie hatte eine Funktion. Sie diente dem optischen Effekt, der visuellen Vibration, der exakten Logik der Wahrnehmung. Alles war bemessen, intentional, geschlossen.

Und dann hat sich etwas verschoben.

Diese neue Serie verlässt diese Vergangenheit nicht – sie stört sie. Man erkennt noch immer dieselbe Hand in der Disziplin bestimmter Linien, in den strukturellen Gerüsten, die die Kompositionen wie architektonische Skelette tragen. Doch diese Strukturen stehen unter Druck. Das System ist nicht länger hermetisch.

Die Farbe gehorcht nicht mehr.

Sie kollidiert, blutet aus, unterbricht. Pinselstriche beschleunigen, zögern, schlagen aus. Pigment tropft, wo es früher korrigiert worden wäre. Was einst kontrolliert war, flirtet nun mit Exzess. Was einst aufgelöst war, verbleibt in Spannung. Es zeigt sich – unübersehbar – eine Freisetzung, etwas, das näher an Dringlichkeit liegt, vielleicht sogar an Wut. Nicht Chaos um seiner selbst willen, sondern eine Kraft, die darauf besteht, ins Bild einzudringen.

Seine Gemälde beginnen wie wohlerzogene Städte: Raster, Bänder, chromatische Architekturen, die Orientierung, Richtung, vielleicht sogar ein Gefühl von Gewissheit versprechen. Doch Vorsicht. Irgendetwas geht immer schief – auf wunderbare, unvermeidliche Weise. Ein Strich rebelliert. Eine Farbe entzieht sich. Die Geometrie, dieser alte Kontrollfreak, beginnt zu schwitzen.

Was man hier sieht, ist kein System. Es ist ein System, das versucht, sich zusammenzuhalten, während das Universum leise darüber lächelt.

Griss inszeniert einen langsamen Zerfall von Ordnung. Keine Katastrophe mit Sirenen und Schlagzeilen, sondern eine intime Auflösung: Struktur, die von innen erodiert, Logik, die von Impuls unterbrochen wird, Klarheit, die durch Empfindung verkompliziert wird. Seine Kompositionen beginnen wie Argumente – und enden wie Gespräche um drei Uhr morgens.

Farbe ist hier nicht dekorativ. Sie ist nicht höflich. Sie sitzt nicht still auf ihrem zugewiesenen Platz. Sie dehnt sich aus, zieht sich zurück, verführt, widerspricht. Sie verhält sich wie Wetter – wechselhaft, relational, unmöglich zu isolieren. Irgendwo im Hintergrund nickt Josef Albers zustimmend: Farbe existiert nie allein; sie entsteht immer in Beziehung.

Und doch – trotz Raster und Bändern – atmen diese Bilder. Sie pulsieren. Sie wirken weniger konstruiert als gewachsen – wie seltsame Ökosysteme oder Landschaften nach dem Ende der Gewissheit. Man glaubt, Ruinen zu erkennen, Horizonte oder die Nachbilder von etwas Körperlichem, etwas beinahe Erinnerbarem. Echos tauchen auf und verschwinden wieder: eine Spur, die aus dem Atelier von Francis Bacon entlaufen sein könnte, ein Schleier, der Gerhard Richter an einem abgelenkten Nachmittag entglitten ist.

Doch das sind keine Zitate. Es sind Heimsuchungen.

In den Brüchen erscheint etwas anderes – etwas, das sich der Benennung entzieht. Eine Präsenz ohne klares Gesicht. Ein Territorium ohne Koordinaten. Philosophen würden hier vielleicht an Immanuel Kant und sein hartnäckiges „Ding an sich“ denken – jenen unerreichbaren Kern der Realität, der sich der Wahrnehmung entzieht. Griss illustriert ihn nicht. Er umkreist ihn. Er streift ihn. Er lässt ihn in den Rissen aufscheinen, dort, wo Ordnung versagt.

Denn dies ist die stille Wahrheit von Dystopic Cartography: Die Welt lässt sich nicht vollständig kartografieren. Weder durch Linien noch durch Farbe, nicht einmal durch den hartnäckigen menschlichen Wunsch, alles zu ordnen.

Und dennoch – wir versuchen es.

Wir bauen Strukturen. Wir setzen Rhythmen. Wir ziehen Grenzen an Stellen, an denen längst alles ineinander übergeht. Griss würdigt diesen Versuch und zerlegt ihn zugleich. Seine Gemälde sind Akte von Konstruktion und Sabotage, Disziplin und Loslassen. Sie bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen geometrischer Abstraktion und abstraktem Expressionismus, in dem sich Kontrolle und Chaos nicht aufheben, sondern miteinander tanzen.

Die Oberfläche erzählt die Geschichte. Schichten lagern sich ab wie Entscheidungen, die sich nicht mehr rückgängig machen lassen. Lasuren, Impastos, Verwischungen, Korrekturen – nichts wird verborgen, nichts ausgelöscht. Jede Spur trägt Zeit, Druck, Zögern, Beharren in sich. Das Bild erinnert sich an alles. Es verweigert die Illusion von Perfektion und entscheidet sich für die weitaus spannendere Realität des Prozesses.

Das ist Malerei als Widerstand. Gegen Glätte. Gegen Gewissheit. Gegen einfache Bedeutung.

Und so lösen sich diese Arbeiten nicht auf. Sie verharren. Sie vibrieren. Sie bleiben bewusst unvollendet in ihrem Versuch, etwas zu fassen, das sich immer entzieht.

Eine Karte also – die nicht zu einem Ziel führt, sondern an den Rand des Verstehens, wo die Dinge gerade weit genug auseinanderfallen, um sichtbar zu werden.

(Quelle: Galerie, Berlin)

Weitere Informationen und fotografische Ansichten: Dystopische Kartographie – Luisa Catucci Contemporary

Brunnenstr 170
10119 Berlin
U8 Rosenthaler Platz

ÖFFNUNGZEIT
Dienstag – Freitag: 11:00- 18:00 UHR
Samstag: 12:00 – 17:00 UHR
oder nach Terminvereinbarung

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Es war begeisternd die fertige Ausstellung zu sehen. Sie wurde wunderbar kuratiert und die Arbeiten korrespondieren wirklich fantastisch mit den gegebenen weitläufigen Räumlichkeiten. Ich bedanke mich herzlich, dass ich ausgewählt wurde aus der 12 köpfigen Jury, die alle ausgewählten Arbeiten anonym (ohne Kennzeichnung der Künstlernamen) wählte.

Die Ausstellung ist noch bis zum 14. Juni zu sehen und wird mit einer Finissage am selben Tag abgeschlossen inkl. ArtistTalk und Führung durch die Ausstellung durch die anwesenden Künstler:innen.

Teilnehmende Künstler:innen sind: Rolf Bergmeier, Monika Bittner, Maja Botzum, Rita Dahlem, Folker Flier, Andreas Gillert, Ursula Heimann, Freda Heyden, Hanna Hokema, Heiner Kemna, Joachim Krüßmann, Astrid Lamm, Klaus Lischka. Erich Franz Meier, Caroline Meyer-Jürshof, Manuela Mordhorst, Brigitte Müller, Natalia Rudolf, Bernd Rutkowski, Adrian Schock, Lothar Schroll, Samiye Seperhirikia, Jörg Spickenbom, Frank Thölken

Das Publikum kann übrigens anonym voten und seinen Favoriten wählen und abstimmen. Der/die Gewinner:in erhält eine Jahresmitgliedschaft für den Verein sowie eine Künstlerberatung. Am 14.6.2026 wird der/die Gewinner:in bekanntgegeben.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Veranstaltungen für 4. Juni 2026 – Kunstverein Springhornhof

Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF
Tiefe Straße 4
D-29643 Neuenkirchen (bei Soltau)

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Für den neuen Projektraum in der Admiralitätstraße entwickelt Andrey Klassen eine raumgreifende Installation, die seine zeichnerische Praxis in den Raum überführt. Ausgehend von Platons Höhlengleichnis, das den Weg von der Illusion zur Wahrheit beschreibt, verschiebt die Arbeit die Grenze zwischen Schein und Wirklichkeit. In der Installation mischen sich Motive aus der Hamburger Stadtgeschichte – etwa des Großen Brands von 1842 – mit kunsthistorischen Referenzen wie Christus in der Vorhölle von Hieronymus Bosch (Nachfolger). Beide Bezugspunkte erscheinen wie düstere Vorwegnahmen einer Gegenwart, in der sich Katastrophe, Glaube an Kontrolle und kollektive Verdrängung überlagern. Der Ausstellungstitel Keiner rannte entstammt dem Song Hamburg brennt der Band 1000 Robota, die mit provokanten Texten auf gesellschaftspolitische Krisen reagiert. Die Ausstellung verweist damit auf das Feuer als zerstörerische und zugleich erkenntnisstiftende Kraft und fordert die Besucher*innen heraus, die eigene Wahrnehmung zu hinterfragen: Welche Bilder erkennen wir als Realität an? Und welche Erkenntnisse haben wir zu lange ignoriert? Kuratiert von Anna Nowak. (Quelle: Kunsthaus Hamburg)

Adresse: Admiralitätsstraße 75, 20459 Hamburg

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Ich freue mich ein erstes Video dieser Art zeigen zu können.

Es findet sich u.a. bei Youtube, demnächst auf der Website von StilDate und auf meiner eigenen.

Ich hoffe, dass ihr etwas Spannendes und Interessantes für euch daraus mitnehmen könnt und bin dankbar für diese Gelegenheit, dass ich etwas in diesem Rahmen sagen konnte:

Weitere Informationen zu Stildate: Wohnideen, Künstler, Kreative Dienstleistungen | StilDate

Weitere Informationen zu meinem Profil bei Stildate: Abstrakte Kunst Manuela Mordhorst | Intuitive Malerei & Mehr

Weitere StilTalks auf Stildate: Künstler Und Kreative Dienstleister Im Interview | StilDate

Danke für das gute Gespräch, liebe Anette, und ich hoffe meinem Beispiel folgen noch weitere Künstler:innen, die sich gerne von dir portraitieren und featuren lassen möchten.

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Anish Kapoor (*1954, Mumbai) zählt zu den visionärsten Künstlern unserer Zeit. Mit dem Wilhelm-Lehmbruck-Preis der Stadt Duisburg und des Landschaftsverbandes Rheinland wird nun sein wegweisendes Lebenswerk gewürdigt, das die Entwicklung der Kunst bis heute prägt.

Aus diesem Anlass präsentiert das Lehmbruck Museum die umfangreichste Ausstellung von Kapoors Werken in Deutschland seit über einem Jahrzehnt. Sie zeigt den Künstler und sein Werk in all seinen Facetten: von frühen Pigmentarbeiten über faszinierende Spiegelskulpturen bis hin zu monumentalen Installationen, die Körper, Raum und Bewusstsein miteinander verbinden. Kapoor arbeitet dabei mit Formen, Farben und Materialien, die uns sinnlich und intellektuell herausfordern. Sie führen uns zu der Frage: Wie lässt sich das darstellen, was nicht greifbar, nicht sichtbar ist, das, was den Menschen im Kern ausmacht?

Für die Architektur des Lehmbruck Museums entwirft Anish Kapoor eine Ausstellung, die die Wirkkraft seiner Werke mit den Charakteristika des ikonischen Bauwerks der Moderne in Einklang bringt. Im Zentrum stehen Themen, die uns seit Jahrhunderten bewegen: Woher kommen wir und wohin gehen wir? Es geht um Identität, Erinnerung, Verletzlichkeit und Unendlichkeit.

Die Skulpturen Anish Kapoors sind keine rein statischen Objekte, sondern immersive Erfahrungsräume, die uns berühren, erstaunen und verändern. Die Ausstellung ist eine seltene Gelegenheit, Kapoors Schaffen in seiner ganzen emotionalen und philosophischen Tiefe zu erleben. Sie lädt dazu ein, sich intensiven Sinneseindrücken zu öffnen und das Unmögliche für möglich zu halten.

Die Architektur des Museums wird dabei zum Resonanzraum von Kapoors Ideen: Licht und Schatten, Raum und Material verändern unsere Wahrnehmung der Welt und erweitern unsere Vorstellungskraft. Im Parcours durch die Ausstellung begegnen wir Werken, die wie Schwellen zu anderen Dimensionen sind – geheimnisvoll und von unmittelbarer Präsenz.

Die Ausstellung wird gefördert vom Landschaftsverband Rheinland (LVR), vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, von der duisport-Duisburger Hafen AG, von der Sparkasse Duisburg und der Sparkassen Kulturstiftung Rheinland sowie von der Stadt Duisburg.

Monopol – Magazin für Kunst und Leben ist der Medienpartner der Ausstellung. (Quelle: Lehmbruckmuseum)

Lehmbruck Museum

Öffnungszeiten:
Dienstag-Freitag 12-17 Uhr
Samstag, Sonntag 11-17 Uhr
Montag geschlossen

Friedrich-Wilhelm-Straße 40
47051 Duisburg

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Licht und Schatten umgibt uns allgegenwärtig. 

Schatten entstehen, wenn Dinge im Licht sind, Körper oder Gegenstände, Landschaften, Flora und Fauna werden von Licht bestrahlt und spenden gleichzeitig Schatten. 

Neben den natürlichen Eigenschaften von Licht und Schatten, werden die beiden Wörter für viele Umschreibungen des täglichen Lebens benutzt. Steht man im Licht, ist dies eine positive Beschreibung, im Schatten von jemanden stehen bedeutet eher das Gegenteil, es steht jemand im Licht und bildet einen Schatten, der andere verdunkelt und wenig sichtbar macht.

Auch in der Dunkelheit kann Schatten entstehen, bei tiefster Nacht im Mondlicht entstehen Schatten, die wir wahrnehmen. Künstler beschäftigen sich von Anbeginn mit Licht und Schatten, ob in der Malerei oder auch in anderen Genres wird mit Licht und Schatten gespielt, gearbeitet. Finden Sie heraus, wie die Künstler*innen in der Jahresausstellung 2026 mit Licht und Schatten spielen, wie sie mit Licht und Schatten umgehen und welche Interpretationen sie nutzen um das Thema darzustellen. Ob Fotografie, Malerei, Objektkunst, Klang oder Installation, in diesem Jahr dreht sich alles um das Thema Licht und Schatten.(Quelle: Kunsthalle Witzwort)

Weitere Informationen zur Ausstellung: KHW 26

• Mo – Di
  • Geschlossen
• Mi – So
  • 14:00 – 18:00

Kunsthalle Witzwort I Reimersbude 12 I 25889 Witzwort 

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