Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?

Martina: Mein Name ist Martina Kelting, ich bin 1965 in Hamburg geboren, bin verheiratet, habe zwei erwachsene Söhne und 3 Enkel. Ich lebe und arbeite in Hamburg.

Manuela: Man erfährt auf deiner Website leider wenig zu deiner Motivation für deine Kunst. Schenke uns doch bitte einen kleinen Einblick.

Martina: Seitdem ich einmal mit dem Malen begonnen habe, kann man nicht mehr „normal“ durch die Welt gehen. Ich betrachtet vieles nur noch durch die Brille eines Malers. Wenn ich einen Film sehe, gucke ich z.B. auf die Gesichter der Schauspieler, wie sehen die Augen aus? Wo ist der Schatten an der Nasenwurzel? Wie funktioniert die Nase? Wie ist der Mund? Wie kommt das Licht? Da sind so viele Bilder.

Manuela: Hast du eine formale Ausbildung absolviert oder bist du Autodidaktin?

Martina: Sowohl als auch. Gelernt habe ich den Beruf der Chemielaborantin, aber als ich vor etwa zwanzig Jahren über einen Flyer vom Kunsthaus Schenefeld gestolpert bin, habe ich dort eine klassische Malausbildung begonnen.

Farbe mischen, Formen erkennen, Licht und Schatten, Kugeln, Kegel, Zylinder, Glas, Stein, Stoff.

Schnell reichten mir zwei Stunden Kurs die Woche nicht mehr aus. Ich wechselte in eine Ateliergemeinschaft, in der ich bis heute jede Woche male. Außerdem buche bis heute immer wieder  verschiedene Seminare zur Weiterbildung, z.B. in Hamburg, auf dem Scheersberg oder in Bad Reichenhall.

Manuela: Welche Themen sind für dich als Künstlerin wichtig?

Martina: Ich bin eine realistische Malerin.

Meine ersten Motive habe ich in Hamburg gefunden. Ich fotografiere typische Hamburger Impressionen, Architektur, Spiegelungen, Kind und Kegel um sie später zu malen. Viele dieser Hamburg-Bilder sind haptisch, grundiert mit Plakaten, Zetteln und Fetzten, abgerissen, abgekratzt, aufgelesen im Schanzenviertel oder in Ottensen. Sie sind großformatig und farbintensiv.

Foto links: Strand Pauli | Martina Kelting | 2013

Foto rechts: Motorroller | Martina Kelting | 2013

Seit 2010 hat die figürliche Malerei ganz langsam mein Interesse geweckt. Tanzende, stehende oder liegende Körper, sitzend, hockend, bekleidet oder auch nicht. Dynamisch, raumgreifend, farbintensiv. Gerne nach Model gemalt.

Im Laufe der Zeit wollte ich dann immer genauer schauen, verstehen, widergeben. Portraits so malen, dass der/die Porträtierte erkannt wird. Dafür nutze ich dann Fotos vom Model.

Foto links: Kristina | Martina Kelting | 2016

Foto rechts: Duo | Martina Kelting | 2018

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Martina: Wenn ich male ist alles andere um mich herum vergessen. Es ist immer wie eine kleine Auszeit vom Alltag. Ich male gerne sieben Stunden durchgehend. Das ist für mich die optimale Zeit.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten?

Martina: Ich nutze sehr gerne Kohle, weil sie so schön fließt, schwarz ist, schmiert. Und ich mag sehr dicken, schwarzen Edding, weil der Strich dann einfach da ist. Auch Ölpastellkreiden finde ich klasse um Linien oder auch Flächen auf meiner Leinwand zu setzen.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus? Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Martina: Manchmal inspirieren mich besondere Ereignisse, wie z.B. Corona zu einer Serie von Bildern. Oder ich nehme mir, in einem sechstägigen Seminar, mal eine Reihe von Obst- und Gemüsestillleben vor, gemalt in Öl, auf kleiner Leinwand.

Ich male hauptsächlich auf Leinwand. Ist sie neu wird sie schnell mit Farben, Linien und Strichen „grundiert“. Ich nutze auch sehr gerne alte Bilder zum Übermalen, wobei ich diese nicht erst weiß grundiere, sondern wirklich über das alte Bild arbeite, wobei durchaus Teile des alten Bildes sichtbar bleiben können. Das finde ich inspirierend.

Foto links: Corona | Martina Kelting | 2021

Foto rechts: Cherries | Martina Kelting | 2023

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Martina: Ich male jede Woche in einer Ateliergemeinschaft, habe aber auch in meinem Haus ein Atelier eingerichtet. Und nach wie vor entstehen auch viele Bilder auf Seminaren/Malreisen.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Martina: Nein. Ich nutze zusätzlich zu Acryl- auch Ölfarben, aber ansonsten habe ich das Gefühl mich zu verzetteln, wenn ich weitere Techniken nutze. Vielleicht, wenn mir mal die Ideen für Bilder ausgehen.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Martina: Ja, natürlich. Zuerst einmal die verschiedenen Dozenten, bei denen ich gemalt habe. Da wären Marianne Elliott-Schmitz vom Kunsthaus Schenefeld und auch Isabella Moog zu nennen.

Und dann gibt es natürlich andere Künstler, wie z.B. Edward B. Gordon, dem ich interessiert bei Instagram folge.

Manuela: Was war deine schönste Reaktion auf deine Kunst, die du bekommen hast?

Martina: Gerade kürzlich hat eine Freundin von ihrem Lebensgefährten ein Bild von mir geschenkt bekommen, welches sie, nach einer Ausstellung, fast drei Jahre in ihrem Kopf hatte. Sie hat sich sooooo sehr darüber gefreut, das war toll.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Martina: Ich habe gerade an einem Seminar zum Thema abstrakte Malerei teilgenommen. Das fand ich sehr inspirierend. Mal sehen, was das mit mir macht.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Martina: Zurzeit versuche ich in meinen figürlichen Bildern wieder freier zu werden, nicht so genau zu malen, lieber den Ausdruck/die Haltung in den Vordergrund zu stellen. Das ist für mich schwierig, denn ich gucke ja so gerne so genau J

Foto links: Akt, nach hinten kniend | Martina Kelting | 2026

Foto rechts: Frauke, abstrakt | Martina Kelting | 2026

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Martina: Zurzeit habe ich keine Ausstellung geplant. Das finde ich, nachdem ich in den letzten Jahren doch recht viele Ausstellungen hatte, sehr angenehm. Aber natürlich kann man mich online finden.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Martina: Ich habe eine Homepage, martina-kelting.de. Dort zeige ich alle, aktuell vorhandenen, Bilder. Und es gibt natürlich auch Hinweise auf anstehende Ausstellungen.

Außerdem nutze ich Instagram, martina_kelting heißt mein Account.

Foto links: Skaten | Martina Kelting | 2025

Foto rechts: Werft | Martina Kelting | 2025

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Wie wird aus geschnittenem Papier grafisches Design? Wo inspiriert Natur die Gestaltung? In der Ausstellung „Schere–Stil–Papier“ reagieren drei Jahrgänge Grafikdesign am Lette Verein Berlin auf historische Scherenschnitte von Johanna Beckmann (1868–1941) aus den Museumssammlungen der Kunstbibliothek. Im Zentrum stehen Pflanzenbilder: Sie erkunden die Schnittstelle zwischen Botanik und Grafik, Naturform und Abstraktion.

Vor 150 Jahren wurde mit Gründung der Setzerinnenschule am Lette Verein Berlin der Grundstein für die Abteilung Grafikdesign gelegt. Der Lette Verein war damals eine der wenigen Schulen, an denen sich Frauen in gestalterischen Berufen ausbilden konnten. Zu ihnen gehörte Johanna Beckmann. Sie hatte zuvor bereits an der Unterrichtsanstalt der Berliner Kunstgewerbeschule gelernt, aus der später die heutige Kunstbibliothek hervorging.

Scherenschnitt: Von Biedermeier bis Jugendstil

Johanna Beckmann wurde als Scherenschnittkünstlerin, Porzellanmalerin und Autorin bekannt. Zahlreiche ihrer Naturschnitte – zart-lineare Zweige, Blüten und Ähren mit feiner Jugendstil-Note – haben sich in der Sammlung der Kunstbibliothek erhalten. Beckmanns Kunst, geprägt von klaren Formen, starken Kontrasten und viel Fantasie, lebt von der Inspirationskraft und Magie der Natur.

Die erste Ausstellungssektion beleuchtet ihr Werk und die Geschichte des Scherenschnitts vor ihrer Zeit in rund 60 originalen Schnitten, Drucken und Büchern, darunter Silhouetten der Biedermeier-Zeit, romantische Landschaften und Figurenbilder sowie eine Gruppe gebrauchsgrafischer Blätter mit Scherenschnittmotiven, von Werbeanzeigen und Visitenkarten bis zu Bilderbogen und Plakaten.

Lettegrafik: Vielfalt der Medien

In seiner Reduktion auf Positiv und Negativ schafft der Scherenschnitt kontrastreiche Formen, die in Naturmotiven besonders anschaulich werden. Mit den Lettegrafik-Exponaten lotet die Ausstellung dieses ästhetische Prinzip in einer Vielfalt grafischer Medien sowie analoger und digitaler Techniken aus – von Siebdruck, Cyanotypie, Typografie und Illustration bis hin zu Buchgestaltung und Bewegtbild. Sie zeigt, wie in der botanischen Begegnung von Schnitt und Linie, Farbe und Fläche, Material und Schatten, Verdichtung und Detail eine ganz eigene visuelle Sprache entsteht.

Begleitprogramm

Zum Mitmachen! In der Ausstellung laden drei Stationen dazu ein, selbst kreativ zu werden: mit Typo-Poesie, im Scherenschnitt und als Silhouettenmaler*in.

Ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm (PDF, 430 KB) bietet Open Class, Führungen und einen Ferienworkshop für Schüler*innen an.

Zur Finissage am 28. Februar und 1. März 2026 gibt es „Show and Tell“-Events mit zeitgenössischen Künstler*innen: Haleh Redjaian, Harriet Groß, Patricia Westerholz, Hansjörg Schneider, Sophia Martineck und Henning Wagenbreth zeigen ihre Scherenschnittarbeiten.

Kuratorisches Team

Die Ausstellung wurde kuratiert von Christina Thomson (Kunstbibliothek), Paula Grill (Kunstbibliothek) und Jaqueline Krickl (Lette Verein).

Alle zeitgenössischen Exponate sind in den drei Jahrgangsklassen Grafikdesign am Lette Verein Berlin entstanden. Das Keyvisual und die Ausstellung wurden unter der Leitung von Sarah Fricke und Katharina Matthies im dritten Ausbildungsjahr gestaltet.

Kooperationspartner „Show and Tell“: Haus des Papiers, Berlin

Ein Kooperationsprojekt der Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin mit dem Lette Verein Berlin

Weitere Informationen zur Ausstellung:Schere–Stil–Papier. Lettegrafik x Johanna Beckmann

Matthäikirchplatz 6, 10785 Berlin

Öffnungszeiten

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Zwischen Abstraktion und Konkretem, Humor und Makabrem, Sanftem und Herbem erschafft Monika Brunnmüller eine Welt der Andeutungen und Zwischentöne. Organische Strukturen formen und deuten Körper an. Seit dem Jahr 2000 setzt sich die Künstlerin mittels Malerei, Objekten und Collagen mit dem menschlichen Körper auseinander. Fasziniert von dessen Verletzbarkeit und Leistungsfähigkeit, erschafft sie eine Bilderwelt, die diesem mit differenzierter und atmosphärischer Farbgebung nachspürt. Die imaginäre Schau unter die Haut spielt eine zentrale Rolle. Insbesondere in ihren Collagen geht sie kritisch und gleichzeitig humorvoll auf kulturpolitische Aspekte menschlicher Körper ein. In ihren neueren Arbeiten erweitert Brunnmüller ihre Motive um andere Geschöpfe, Architekturen und Alltagsgegenstände. belladonna  zeigt eine Werkschau mit ausgewählten Arbeiten aus 25 Jahren.

Monika Brunnmüller lebt in Bremen, ist Germanistin, Kunstvermittlerin und Künstlerin. Dem Güterbahnhof Areal für Kunst und Kultur gehört sie bis heute als Vereinsmitglied an.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunst | belladonna Bremen

Kontakt

Sonnenstraße 8
28203 Bremen

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Die libanesische Künstlerin Huguette Caland (1931–2019) widersetzte sich in ihrer fast fünfzigjährigen Karriere konsequent den gesellschaftlichen und ästhetischen Erwartungen ihrer Zeit. Ihr vielseitiges Lebenswerk aus drei Kontinenten steht im Mittelpunkt der in Kooperation mit dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía realisierten Ausstellung. 

Mit rund 300 Werken eröffnet die Schau A LIFE IN A FEW LINES in den Deichtorhallen Hamburg vom 24. Oktober 2025 bis 26. April 2026 einen neuen Blick auf Calands Schaffen. Sie thematisiert ihren Widerstand gegen soziale und sexuelle Normen und ihren Umgang mit einem Leben zwischen verschiedenen Kulturen und Orten.

Calands künstlerisches Leben war geprägt von ihren Erfahrungen in Beirut, dem freigeistigen Paris und der Bohème in Venice, Kalifornien. Diese Orte spiegeln die politischen, kulturellen und sozialen Strömungen ihrer Zeit wider und beeinflussten ihre Werke nachhaltig. Ihre Kunst – oft sinnlich und mutig – befasst sich mit Themen wie Gemeinschaft, Urbanität, Liebe, dem Älterwerden und der Suche nach Identität.

Ihre Werke – farbenfrohe Gemälde, zarte Zeichnungen, Skulpturen und Textilien – spiegeln eine rebellische, lebensbejahende Haltung wider, die Konventionen rund um Schönheit, Begehren und weibliche Identität infrage stellte. Calands faszinierende Mischung aus Abstraktion, figurativen Darstellungen und explizit erotischen Motiven war ihrer Zeit voraus. Heute gilt Caland als Ikone weiblicher Emanzipation und als Inspiration für Künstlerinnen weltweit. Ihre Arbeiten sind in Sammlungen bekannter Museen wie dem Centre Pompidou in Paris, dem British Museum oder der Tate in London zu finden.

Die Ausstellung wurde organisiert vom Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, in Zusammenarbeit mit den Deichtorhallen Hamburg.

Über Huguette Caland

Geboren 1931 in Beirut als Tochter von Bechara El-Khoury, dem ersten Präsidenten des Libanon, wuchs Huguette Caland in einer elitären politischen Familie auf, entschied sich jedoch früh, den gesellschaftlichen Erwartungen zu trotzen. Caland entschied sich für die Heirat mit Paul Caland, dem Neffen eines politischen Rivalen ihres Vaters. Während ihrer Ehe hatte sie einen Liebhaber, der häufig in ihren Werken auftaucht. 1964 schrieb sich Caland an der Amerikanischen Universität in Beirut für ein Studium der Bildenden Kunst ein. 1970 beschloss sie, nach Paris zu ziehen und ihre Familie und ihren Liebhaber zurückzulassen, um sich ganz ihrer Kunst zu widmen. Später ließ sie sich in Venice, Kalifornien, nieder. 2013 kehrte sie nach Beirut zurück, wo sie bis zu ihrem Tod blieb.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Huguette Caland – A Life in a Few Lines | Deichtorhallen Hamburg

Deichtorhallen Hamburg
Deichtorstr. 1–2
20095 Hamburg

Öffnungszeiten

Dienstag – Sonntag
11?18 Uhr

Jeden 1. Donnerstag im Monat
Langer Donnerstag: 11?21 Uhr (außer an Feiertagen)

Montags geschlossen

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Die Malerei von Sibylle Springer (*1975) fordert zum genauen Sehen auf. Sie weckt Neugier und verunsichert zugleich. Oft arbeitet Springer mit Zitaten aus der westlichen Kunstgeschichte, die sie in ihren zwischen Abstraktion und gegenständlicher Darstellung changierenden Bildern in neue Kontexte stellt. Ein zentrales Thema ihrer Kunst ist die Rolle der Frau und ihre Wahrnehmung in unserer Gesellschaft.

Springers aktuelle Arbeiten kreisen um vergessene Künstlerinnen, wie etwa die heute weitgehend unbekannten Malerinnen Barbara und Margaretha Dietzsch. Die Schwestern lebten im 18. Jahrhundert in Nürnberg und schufen detailreiche Pflanzenstill leben. Sibylle Springer greift ihre Darstellungen von Disteln heraus, die sie in hoch ästhetischer und zugleich verfremdeter Form in ihre Malerei überträgt und neu interpretiert. Ihre Bilder verleiten dazu, die Erscheinung der stacheligen Disteln auf das Bild der Frau zu übertragen, der gemeinhin schöne wie auch wehrhafte Eigenschaften zugeschrieben werden. In der Ausstellung werden Springers Distel-Gemälde erstmals im direkten Dialog mit Werken von Barbara Dietzsch aus der Sammlung der Kunsthalle Bremen präsentiert.

Auch zeitgenössische Künstlerinnen prägen Springers Kunst: So befasst sie sich in den Serien Feed und Wait for it mit Selbstinszenierung, Identität und gesellschaftlichen Rollenzuschreibungen. Ihre Inspiration findet sie dabei vor allem im unerschöpflichen Kosmos der sozialen Medien. 

Ein neuer Aspekt ihrer Arbeit zeigt sich in textilen Werken, mit denen Springer ihre Themen in einen alltagsnahen Kontext überträgt.

Eine Ausstellung des Förderkreises für Gegenwartskunst im Kunstverein Bremen

Begleitend zur Ausstellung ist ein deutsch-englischer Katalog mit Texten von Julia Voss, Annekathrin Kohout und Jessica Fritz erschienen. Erhältlich im Museumsshop für 24,90 Euro (35 Euro im Buchhandel | ISBN 978-3-96912-264-8).

(Abb. Ausstellungsübersicht: Sibylle Springer, Madonna, 2025 (Detail), Acryl, Aquarell, Tempera und Tusche auf Leinwand | Abb. Seitenanfang: Sibylle Springer, Hot Head, 2024 (Detail), Acryl und Tusche auf Leinwand | beide: © VG Bild-Kunst, Bonn 2025, Foto: Frank Scheffka)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Kunsthalle Bremen

Kunsthalle Bremen
Am Wall 207
28195 Bremen

Öffnungszeiten

11.10.2025 bis 15.02.2026:
Di  10 – 21 Uhr | Mi bis So  10 – 18 Uhr
Mo geschlossen

ab 17.02.2026:
Di  10 – 21 Uhr | Mi bis So  10 – 17 Uhr
Mo geschlossen

Feiertage:
Heiligabend (24.12.2025): geschlossen
Erster Weihnachtstag (25.12.2025): 12 – 18 Uhr
Zweiter Weihnachtstag (26.12.2025): 10 – 18 Uhr
Silvester (31.12.2025): 10 – 15 Uhr
Neujahr (01.01.2026): 12 – 18 Uhr

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Und nun habe ich 4 weitere Bilder, die an diese Winterzeit-Serie anknüpfen werden. Da es ja aktuell bekanntermaßen tatsächlich Winter ist (oder zumindest noch war als ich die Bilder malte) und ich mich ausgiebig auch mit dieser Schneelandschaft auseinandersetzen durfte entstanden nun diese 4 weiteren Bilder. Auch hier wieder eine andere Technik, die sich an die von ‚Geheimnisvoller Herbst‘ anlehnt, u.a. mit Reliefpaste und Kaltwachs.

Musik habe ich dazu natürlich auch wieder gehört und habe mich hier sehr stark mit der Dresdner Band ‚I want Poetry‚, der Band ‚Ghostly Kisses‘ und Laura Marling auseinandergesetzt.

I WANT POETRY – Growing Pains – YouTube

Never Let Me Go – YouTube

„Suite“ – Laura Marling with 12 Ensemble @ Royal Albert Hall 2020 – YouTube

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Diese aus 6 Gemälden bestehende Werkserie ‚Schwedische Seen‘ habe ich im Mai/Juni 2017 in Schweden gemalt. Vielleicht erinnert sich der ein oder andere noch daran. Inspiriert durch die Lage des Ferienhauses direkt an einem See in Kosta (Smaland) , aber eben auch durch Gedichte, die mich in jener Zeit begleiteten, beeinflussten und beschäftigten. Vor allem die Gedichte Rainer Maria Rilkes sind es, die enormen Einfluss auf diese Werkserie genommen haben. Ich oute mich hier einfach mal als Rilkefan und überhaupt auch als Gedichtfan. Wie immer in Schweden, finde ich dort meine größte Inspiration in der Natur und dem Licht, in der Abgeschiedenheit und Ruhe, in dem Gefühl ganz alleine zu sein, beinahe wie der letzte Mensch auf einer fast unberührten Erde. Verschmolzen in diese Stille mit der pulsierenden Lebendigkeit der Natur fließen meine Bilder ungebremst aus mir heraus.

Dieser Kurzfilm ist also eine Hommage an meine jährlichen Auszeiten in Schweden, aber eben auch an die Poesie und Malerei und natürlich auch einem sehnsuchtsvollen Blick hin zu einer Zukunft, in der man wieder bedenkenlos in andere Länder reisen könnte. Hach Schweden, wie du mir fehlst.

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Und dann fallen mir auch die Inselbilder ein, die ich über die Jahre gemalt habe. Die abstrakte Werkserie ‚Inselstrukturen‘, die sich nunmehr seit 2015 fortsetzt und somit eine Konstante in meinem Schaffen darstellt.

Dazu habe ich mal einen ganz eigenen Film erstellt (auch hier nur mit einer Auswahl der Inselserie).

https://www.youtube.com/watch?v=yvmsQ54YRK4&t=6s

Viel Spass

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Bald wird es dort auch Tutorials geben, in denen ich step-by-step erkläre, wie ein Bild entstehen kann, wenn du dich an verschiedenen Maltechniken selbst versuchen willst.

Melde dich am besten gleich an und folge meinem Channel, damit du immer auf dem Laufenden bleibst.

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Neu ist nicht nur das Design, sondern auch dass es u.a. als Neuerung noch ein eigenes Shopsystem gibt. Nur ein Teil meiner Arbeiten ist dort zum Verkauf online (wer jedoch Interesse an Bildern im Portfolio hat möge mich kontaktieren).

Nach 5 Jahren im ewig „alten“ Websiten-Outfit stand einfach eine modernere Variante an. Ich freue mich über BesucherInnen und gerne auch Kommentare hier im Blog wie ihr die Site so findet.

Bin schon gespannt, was euch so auffällt.

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