Der Berliner Künstler Philipp Modersohn (*1986, Bremen) untersucht in seinen Skulpturen, Filmen und raumgreifenden Installationen das Verhältnis von Mensch, Umwelt und Materialität. Seine Werke hinterfragen etablierte Hierarchien zwischen Menschen, Tieren, Pflanzen und scheinbar unbelebter Materie. Geologische, biologische und klimatische Prozesse werden hier zu eigenständigen Akteuren.

Modersohn bildet Naturphänomene nicht bloß ab – er lässt sie mitarbeiten. Ihn interessieren die Kräfte, die den Planeten formen: Druck, Hitze, Wachstum und Verfall. Die Erde ist bei ihm keine Kulisse für menschliches Handeln, sondern ein dichtes, eigenwilliges Geflecht. Dabei verbindet der Künstler wissenschaftliche Fragestellungen mit Humor und surrealen Bildwelten. Seine Arbeiten bewegen sich spielerisch zwischen Ernsthaftigkeit und Witz, zwischen ökologischer Dringlichkeit und Offenheit.

Am Beginn der Ausstellung verbindet der animierte Kurzfilm „Undrainment“ die Trockenlegung von Mooren mit der Isolation des Einzelnen in der kapitalistischen Moderne. In zwei kontrastierenden Bildsprachen – schwebenden Unterwasseraufnahmen aus dem Moor und inszenierten Miniaturszenen – begleitet der Film ein Stück Torf auf dem Weg durch Zustände von Überfluss und Erschöpfung. Der Torf wird dabei zu einer eigentümlichen Figur, deren Schicksal die Mechanismen von Ausbeutung und Entfremdung widerspiegelt. Zugleich erinnert die Arbeit an die komplexen ökologischen Zusammenhänge von Moorlandschaften, die sich menschlicher Kontrolle und Vereinnahmung entziehen.

Die im Folgenden präsentierten Skulpturen bestehen aus Beton, Glas, Kunststoff, Torf und weiteren Materialien, die gepresst, verschmolzen oder verdichtet wurden. Diese Objekte entziehen sich einer eindeutigen Funktion oder Verwertung. Sie wirken archaisch und zeitgenössisch, fragil und widerständig. Modersohn nutzt Druck und Hitze um Skulpturen zu schaffen, die zwischen Kunstobjekt, Architekturfragment und geologischem Fundstück changieren.

Im Obergeschoss geht es um die Entstehung von Eigentum und die Einfriedung von Land. Eine ornamentale Bodeninstallation aus gestreuten Granulaten und Sound untersucht den Moment, in dem offener Raum vermessen, begrenzt und kontrolliert wird. Das Werk thematisiert die historischen Prozesse, durch die Land in Privatbesitz überführt wurde sowie die Auswirkungen dieser Grenzziehungen auf Mensch und Umwelt.

Philipp Modersohn studierte Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin sowie Visual Arts an der Columbia University in New York. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland zu sehen, darunter im Lantz’schen Skulpturenpark Düsseldorf, in der Bundeskunsthalle Bonn, im Kunstverein Göttingen, in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden sowie in Neapel, Brüssel, São Paulo, Zürich und Tokio.

Die Ausstellung im Kunstverein Springhornhof verschiebt die Perspektive auf unsere Welt, indem sie das Sein von Steinen, Torf, Fossilien und Sedimenten in den Mittelpunkt rückt. Modersohns Werke eröffnen einen Raum, in dem Materie kein passiver Rohstoff mehr ist, sondern ein lebendiger, eigensinniger Teil unseres Planeten. (Quelle: Kunstverein Springhornhof)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Veranstaltungen für 27. Juni 2026 – Kunstverein Springhornhof

Kunstverein & Stiftung SpringhornhofTiefe Straße 429643 Neuenkirchen (bei Soltau)  Fon 05195 93 39 63 info@springhornhof.de

Öffnungszeiten

Ausstellungen Di – So 14 – 17 Uhr

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(Achtung! Diese Ausstellung ist möglicherweise verstörend und unbequem, weil sie deutsche, russische und auch weltweite Kriegs-& Wirtschafts-Geschichte thematisiert und ungeschönt auf Missstände hinweist.)

Im Land der Motive brennt kein Licht mehr

In einer Welt, die vollends aus den Fugen geraten ist, widmet sich die Sammlung Grässlin mit der Ausstellung Im Land der Motive brennt kein Licht mehr »den schweren Themen« (Albert Oehlen) unserer Zeit. Die Ausstellung geht zurück an den Ursprung unserer aktuell nur schwerlich aushaltbaren Gegenwart.

Schon in den späten 1970ern und frühen 1980ern schien jede bequeme Gewissheit dahin zu sein. Von hehrem Weltgeist oder gar Weltweisheit war nichts zu spüren. Ob gegen verschwiegene Verstrickungen in den Nationalsozialismus, gegen unter dem Deckmantel von Freiheit und Demokratie geführte Wirtschaftskriege oder etwa für einen bewussteren Umgang mit der Umwelt und sexuelle Selbstbestimmung, eine ganze Generation von Künstlerinnen und Künstlern lehnte sich angesichts der Kaputtheit der Welt gegen eine ebenso erstarrte wie verlogene Gesellschaft auf.

Wie zusammen leben?

Um 1980 fiel die bisherige Welt auseinander, doch eine neue war noch nicht da. Also wurden die Finger künstlerisch auf alle gesellschaftlichen Wunden und blinden Flecken gelegt, ohne dass feststand, was richtig oder falsch, gut oder böse sei. Die Kritik folgte umgehend: Solche Kunst sei zynisch und menschenverachtend. Aus heutiger Sicht sollte man sich allerdings fragen, ob die damalige Drastik, Geschmacklosigkeit, Ironie und Zynismus nicht vielmehr Ausdruck einer zutiefst verzweifelten Menschlichkeit waren. 

Auch 2025 fällt die bisherige Welt auseinander, ohne dass wir wüssten, wie eine neue aussehen könnte. Und wieder wird – mit wortreich-symbolischen Bekundungen – geschwiegen. Diesmal jedoch nicht aus Scham über die eigenen Verfehlungen, sondern aus Angst, etwas vermeintlich Falsches zu sagen und Verantwortung für das eigene Tun übernehmen zu müssen. Nur zeigt sich, dass politisch korrekte Reglementierungen den sozialen Zusammenhalt keineswegs stärken, sondern durch unausgesprochene Sprach- und Denkverbote spalten (»cancel culture«, »echo chambers« usf.).

Wie wollen wir heute zusammenleben, wenn Zusammenleben nicht nur Teilhabe braucht, sondern immer auch Reibung? Das Allgemeine einer Gesellschaft liegt vielleicht gerade in der bewusst ausgehaltenen und vor allem permanent auszuhandelnden Vielfalt ihrer Stimmen und Perspektiven – einschließlich der unbequemen. Spricht eine Gesellschaft nur noch mit einer einzigen Stimme, sollte man sich Sorgen machen.

Was ist denn bloß am Sonntag los?

Auf den 10 Tafeln von Was ist denn bloß am Sonntag los? entwirft Martin Kippenberger ein regelrechtes Alltagsmosaik. Mit Motiven aus Comics, Groschenheften, Magazinen und Boulevardzeitungen breitet er die privaten Befindlichkeiten im Westdeutschland der 1980er aus. Das Meiste absurd, aberwitzig und banal. Dinge, über die man gemeinhin nicht spricht, die aber menschlich sind und berührend. Kleine Hoffnungen und Tragödien, die oft umso prägender sind. Also was ist jetzt am Sonntag los, während die große Weltgeschichte stillsteht? Sich fein machen, splitterfasernackt zuhause sitzen, psychedelischen Tapeten beim Verlaufen zusehen, den schnittigen Opel Kadett polieren, Beziehungen beenden, im Garten fürs Familienalbum posieren, sich mit Erektionsstörungen herumschlagen und am Ende wie ein skelettiertes Faultier durchhängen.

Die Verbreitung der Mittelmäßigkeit

Die Welt im grellen Lichtkegel. Eurasien, Afrika und Australien farbig gefleckt wie in einem Verteilungsdiagramm. Von Amerika ist weit und breit nichts zu sehen. Allerdings liefert Kippenbergers Die Verbreitung der Mittelmäßigkeit weder einen Schlüssel noch eine Erklärung. Nur die nüchterne Feststellung des Titels. Wie dieser gemeint ist, abschätzig oder wertfrei, wer kann das sagen. Darf man überhaupt noch vergleichen? Wenn nicht, trifft das Bild umso mehr. Dann sind wir nämlich selbst am ›mittelmäßigsten‹.

Morgenlicht fällt ins Führerhauptquartier

Das Führerhauptquartier liegt in Trümmern. Welches, lässt Albert Oehlen offen. Könnte überall sein. Durch hohe Fenster fällt zartweißes Licht auf blutrot verschmierten Boden. Der Raum ist leer. Bruchlinien zerfurchen die Bildfläche wie gesplittertes Glas. Das Bild ist in so extremer Aufsicht gegeben, dass es unten in einen düsteren Abgrund wegbricht. Aber immerhin vertreibt das Morgenlicht den Horror des nationalsozialistischen Alptraums, oder etwa nicht?

Derartige Erlösung bietet Oehlen keineswegs. In der rechten Ecke unten befindet sich kein zerbrochenes Fenster, sondern ein Hakenkreuz, das in einen aufgeklebten Spiegel ragt. Es kommt bedrohlich nah an uns und unsere ins Bild gespiegelte Gegenwart heran, in der die Geschichte offensichtlich noch nicht abgeschlossen ist. Ebenso wenig kommt man ›Ingenieursleistungen‹ wie der Adolf-Hitler-Brücke, Krefeld durch Primärfarben und Konstruktivismus bei. Eine gute und eine böse Moderne gibt es nicht. Die Einzige, die wir haben, tut weh.

Civiltà Italiana

Monumental aufgezogen, hinter Glas und mit massiver Holzrahmung zeigt Günther Förg den Palazzo della Civiltà Italiana, auf dem Gelände der für 1942 geplanten Weltausstellung in Rom erbaut. Die Kompromisslosigkeit des rationalistischen Entwurfs ist atemberaubend, klassisch, formschön. Entlang der wohlproportionierten Rundbogenarkaden kann man lange schwelgen, bis auffällt, dass sie in 6 vertikale Spalten und 9 horizontale Zeilen angeordnet sind. Zusammen buchstabiert das: B-e-n-i-t-o M-u-s-s-o-l-i-n-i. Eine steingewordene Anrufung des Duces. 

Dagegen ist Förgs Blick auf die Architektur verzogen, überdehnt und schräg. Er bringt den Palazzo ins Wanken. Abbildhafte Objektivität kümmert ihn nicht. Förg zeigt nicht den Bau, er macht den betrachtenden Blick spürbar. Gegenüber der totalitären Architektur behauptet er den unsicheren menschlichen Stand. Sich der Geschichte und ihren Überresten sehenden Auges zu stellen, sie nicht zu verdrängen, ist befreiend.

40 Jahre

Reinhard Muchas Bau ist eine kafkaeske Großinstallation aus Möbelstücken, Bau- und Dämmmaterialien und einem ausrangierten Stationsschild des Remscheider Bahnhofs inklusive Neonröhren. Das Gemachtsein des Ganzen ist offensiv ausgestellt. Nur was sieht man, wenn man in eine leere Vitrine blickt? Nichts. Wohin führt das monströse Modell des Eisenbahntunnels? Nirgendwohin. Stehen wir 40 Jahre nach Kriegsende vor denselben oder neuen Ruinen? Oder in einer verlassenen Wartehalle? Ist der Zug, einst treibende Kraft von der industriellen Revolution bis zum Blitzkrieg, längst abgefahren? Und Remscheid Sinnbild einer selbstgerechten westdeutschen Bräsigkeit?

Auf Georg Herolds tiefschwarzem, tieftraurigem Foto finden sich einzelne Worte. Zusammengelesen ergeben sie den Anfang der Nationalhymne der DDR: »Auferstanden«, »aus«, »aus« … Beim zweiten »aus« stockt man, als wäre jäh Schluss, alles zu Ende, »aus«. Nichts mit »der Zukunft zugewandt«. Und wenn, ist sie eine »Ruine(n)«. Dann säuselt es nicht »im Schafsmaul«, sondern »glotzt« auf einen güldenen Jubiläumsschriftzug: 40 Jahre Magermilch. Nicht »40 Jahre Sieg über Krieg und Faschismus« im »besseren Deutschland«, das sich auf die Weimarer Klassiker berief und die eigene Jugend, wenn sie zu idealistisch dachte, ins Zuchthaus steckte. Den kognitiven Riss zwischen Vorstellung und Wirklichkeit vermochte keine noch so große Menge an verordneter Magermilch zu verwischen.

Krieg böse

»In Europe and America there’s a growing feeling of hysteria / Conditioned to respond to all the threats«, singt Gordon Sumner im November 1985. Heute tönt es aus Berlin, Deutschland müsse spätestens 2029 wieder »kriegsfähig sein«. Was sind das für Zeiten, in denen ein Gespräch über friedenvolle, diplomatische Verständigung zwischen den Völkern fast als Verbrechen geahndet wird? Sting sang damals noch weiter: »There’s no such thing as a winnable war / It’s a lie we don’t believe anymore / ›We will protect you‹ / I don’t subscribe to this point of view.« Und er endete mit einem verzweifelten Appell: »Believe me when I say to you / I hope the Russians love their children too.«

Werner Büttners Badende Russen zielt 1982 in dieselbe Richtung. Ob die Rotarmisten nun Befreier oder Unholde waren, kindliche Freude an der sommerlichen Erfrischung hatten sie bestimmt und ihre Kinder genauso lieb. »We share the same biology, regardless of ideology.« In den frühen 1990ern konnte Kippenberger mit seinen Krieg böse-Bildern der nichtbetroffenen Antikriegsbetroffenheit im Westen noch höhnisch ans Bein beziehungsweise den Panzer pinkeln. 20 Jahre danach kommt dem Küken auf Cosima von Bonins Hochglanzrakete, die es reitet wie Dr. Seltsam die geliebte Bombe, nur noch das Kotzen.

Blood and soil

Auf der Suche nach alternativen Lebensmodellen, Gesundheit und Glückseligkeit stößt Mike Kelley ebenfalls Anfang der 1990er auf Wilhelm Reichs verstiegene Lehre von der universalen Energie des Orgons, die zu therapeutischen Zwecken in einem eigens entworfenen Akkumulator angereichert werden sollte, um bei den Probanden neurotische Blockaden zu lösen und die »vollständige Entladung aller aufgestauten Sexualerregung« hervorzurufen. Penibel baut Kelley einen DIY-Gartenschuppen zu seinem eigenen Orgonakkumulator um – wie vorgeschrieben mit Stahlblech und Glaswolle ausgekleidet, den besten »Orgonabsorbern«, und, offensichtlich nach einer Vielzahl geglückter Experimente, mit Bergen von zerknüllten Papiertüchern. Masturbation als äußerste Form der Selbstbestimmung. Eine etwas andere sexuelle Revolution gegenüber jedem gesellschaftlichen Zwang. Die groteske Colema Bank zur Darmentleerung und die 10 Banner, als subkulturelle Provokationen von ›Blut und Boden‹ bis Motörhead für eine Modenschau entworfen, sind ebenso Ausdruck von Kelleys Sehnsucht nach absoluter Entäußerung.

Reflux Lux

Kai Althoff geht 1998 den genau entgegengesetzten Weg: Absolute Verinnerlichung. In einem kargen, komplett gelben Raum stehen zwei unbenutzte Barhocker, ein laufender Fernseher, ein improvisierter Tisch mit gebrauchtem Geschirr und eine Pickelhaube. Zwei Puppen, eine Frau und ein Mann, liegen oder lehnen teilnahmslos auf dem Boden. Signalisiert Gelb gemeinhin Schöpferkraft, Freude und Energie, in diesem Jugendzimmer ist davon nichts vorhanden. Auf einem Papier an der Wand steht ein ausgeblichenes »Nein«. Verweigerung. Ende der Geschichte. Angesichts der TV-Dauerbestrahlung und Preußens wiedergängerischer Glorie scheint Reflux Lux eine Art von visuellem Sodbrennen zu sein. Als stünde einem der ganze Überdruss und das Unbehagen an der eigenen Gegenwart bis zu den Augen. Dann lieber inmitten der Gesellschaft aussteigen, sich berauschen oder einer Depression hingeben, der Welt entsagen, blind werden.

Imperiale Backpfeifen

Konfrontierte Kippenbergers Südländer sind feuriger den Westen mit den eigenen rassistischen Vorurteilen über die ›exotische‹ Lebensart, hat Manuel Ocampos Tortas Imperiales (Imperial Slap) für die selbstherrliche Anmaßung des globalen Empires nur Spott übrig und eine Backpfeife. Ein weißer Mann mittleren Alters liegt malad und leidend in einem ansehnlich bezogenen Bett. Neben ihm sitzt sein Doktor, ein dressierter Esel mit Anzug, feinem Schuh und Armbanduhr, und misst den Puls. Wie bestellt und nicht abgeholt steht im Bildvordergrund die krasse Karikatur eines afrikanischen Stammeskriegers, reich geschmückt mit Zahnketten, Schild und Speer sowie einem blauen Reisekoffer. Unverblümt enteignet Ocampo den westlichen Kunstkanon, hier das 40. Blatt aus Goyas Caprichos. Und während der Kulturesel noch darüber grübelt, »De que mal morira? / An welchem Übel wird er wohl sterben?«, scheint sich der Afrikaner nur zu fragen, wie er überhaupt in diese Misere hineingeraten ist.

Mit bitterer Ironie stellt sich Chéri Samba der Ambivalenz zwischen den relativen Privilegien eines im Westen anerkannten Künstlers und der kongolesischen Lebensrealität. Zwar ist die sogenannte Zivilisation inzwischen auch in Afrika angekommen, nur Toiletten gibt es immer noch keine: Parcelle sans WC. Als ›kultivierte‹ Person kleidet man sich fortan also westlich, schläft in einem Bett und verrichtet seine Notdurft in eine Schüssel. Eine ungleich subtilere Art zu kolonisieren, die nicht mehr brutal unterdrückt, sondern fortschrittlich zu Scham und Selbstverleugnung ermutigt. Mit hintersinnigem Witz versetzt Samba in Lutte contre les moustiques traditionelle Posen und Techniken der Jagd in ein Schlafzimmer, das von unzähligen Mücken heimgesucht wird. Doch mitten im nächtlichen Kampf fragt das lästige Ungeziefer mit einer vielstimmigen Anklage zurück: »N’avons-nous pas droit a la vie nous aussi??? / Haben wir nicht auch ein Recht auf Leben???« Hier wie da, es leiden immer die Schwächsten.

Arbeiten, bis alles geklärt ist

Die Ausstellung Im Land der Motive brennt kein Licht mehr ist eine Einladung, sich den Herausforderungen unserer schmerzenden Gegenwart durch die Kunst zu stellen: Alltag und Ausnahmezustand, Politik und Populismus, Kolonialismus und Rassismus, Sexualität und Identität, Wirtschaftsexzess und Verelendung, Krieg, Hunger, Flucht und Vertreibung, Konsum, Ausbeutung und Auslöschung, Religion, Umwelt und Klima, Anpassung und Auflehnung, Konformismus und individueller Widerstand, Sommerfrische, Tränen, Magermilch …

Denn augenblicklich scheint es noch nicht ganz ausgemacht, dass ›keiner keinem hilft‹ und es wirklich zappenduster wird in der Welt. Also es gibt noch was zu tun: Arbeiten, bis alles geklärt ist!

Text von Christian Malycha

Weitere Informationen zur Ausstellung: Im Land der Motive brennt kein Licht mehr – Sammlung Grässlin

KONTAKT
KUNSTRAUM GRÄSSLIN
Museumstraße 2
78112 St. Georgen

ÖFFNUNGSZEITEN & FÜHRUNGEN
Nach Vereinbarung kann die Sammlung im Rahmen eines geführten Rundgangs besichtigt werden. Die Sammlung Grässlin hat keine regulären Öffnungszeiten.

Ein geführter Rundgang setzt auf die Vernetzung mit der lokalen Stadtstruktur. Der KUNSTRAUM GRÄSSLIN ist Ausgangspunkt für einen Spaziergang durch St. Georgen mit externen RÄUMEN FÜR KUNST, die als Ausstellungsorte genutzt werden. In wechselnden Ausstellungen werden die Sammlungsbestände im KUNSTRAUM, dem Stadtgarten, in der Bahnhofshalle, in einem ehemaligen Fabrikgebäude und im Privathaus der Familie präsentiert und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Einen geführten Rundgang können Sie telefonisch unter +49 (0)7724 9161805 oder per E-Mail an info@sammlung-graesslin.eu vereinbaren.
Gerne können Sie sich auch einem bereits feststehenden Termin anschließen:

Donnerstag, 13.11.2025 ab 10 Uhr

Sonntag, 16.11.2025 ab 13 Uhr

Samstag, 20.12.2025 ab 11 Uhr

Donnerstag, 22.1.2026 ab 13 Uhr

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Die Ausstellung in Wiligrad ist die dritte und letzte Etappe dieser Wanderausstellung. Eine besondere Gelegenheit also, die entstandenen Werke noch einmal in ihrer ganzen Vielfalt zu erleben und die künstlerischen Dialoge nachzuvollziehen.

Die Präsentation lädt dazu ein, Verbindungen, Kontraste und gemeinsame Themen zu entdecken. Sie bildet zugleich einen Abschluss, der den kreativen Austausch über Grenzen hinweg eindrucksvoll sichtbar macht.

Artefakte, von Kunsthandwerkerinnen in einem selbstbestimmten Fertigungsprozess entstanden, sprechen auf besondere Weise mit ihrer Umgebung – dem Gegenüber, ob Ding oder Lebewesen.

Dazu braucht es Raum, den konkreten Raum der Umgebung aber ebenso sehr den inneren Raum der verweilenden Aufmerksamkeit, des spielerischen Betrachtens, der absichtslosen Offenheit in der Begegnung.

So kann, wenn die Bedingungen günstig sind, ein besonderer Zauber entstehen, der nicht gewollt gemacht werden kann, dem wir uns jedoch still und aufmerksam nähern können.

Die Ausstellungskonzept PAARE Resonanz versucht, diese Bedingungen für die Objekte und die Besucher zu schaffen. Die Künstler haben sich in unterschiedlicher Intensität mit den Resonanzbeziehungen zu Ihren Ausstellungspartnerinnen und den Objekten befasst. Herausgekommen sind spannende PAARUNGEN, reichend von harmonischem Miteinander bis zu energiegeladenen Gegenüberstellungen.

Aber immer, so scheint es – haben sie sich viel zu sagen!

Das Haus bleibt wegen Ausstellungs-Umbau vom 31. August–5. September 16 Uhr geschlossen.

Ausstellungsort:

Kunstverein Wiligrad e.V.

Wiligrader Straße 16a

Im Maschinenhaus am Schloss Wiligrad

19069 Lübstorf

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Licht und Schatten umgibt uns allgegenwärtig. 

Schatten entstehen, wenn Dinge im Licht sind, Körper oder Gegenstände, Landschaften, Flora und Fauna werden von Licht bestrahlt und spenden gleichzeitig Schatten. 

Neben den natürlichen Eigenschaften von Licht und Schatten, werden die beiden Wörter für viele Umschreibungen des täglichen Lebens benutzt. Steht man im Licht, ist dies eine positive Beschreibung, im Schatten von jemanden stehen bedeutet eher das Gegenteil, es steht jemand im Licht und bildet einen Schatten, der andere verdunkelt und wenig sichtbar macht.

Auch in der Dunkelheit kann Schatten entstehen, bei tiefster Nacht im Mondlicht entstehen Schatten, die wir wahrnehmen. Künstler beschäftigen sich von Anbeginn mit Licht und Schatten, ob in der Malerei oder auch in anderen Genres wird mit Licht und Schatten gespielt, gearbeitet. Finden Sie heraus, wie die Künstler*innen in der Jahresausstellung 2026 mit Licht und Schatten spielen, wie sie mit Licht und Schatten umgehen und welche Interpretationen sie nutzen um das Thema darzustellen. Ob Fotografie, Malerei, Objektkunst, Klang oder Installation, in diesem Jahr dreht sich alles um das Thema Licht und Schatten. (Quelle: kunsthalle Witzwort)

Teilnehmende Künstler:innen: Johanna Clausen, Susanne Nothdurft, Frauke Petersen, Torsten Richter, Achim Schmacks, Ina Steinhusen

Weitere Informationen zur Ausstellung: KHW 26

Geöffnet 30. Mai bis 31. August 2026 

• Mo – Di
  • Geschlossen
• Mi – So
  • 14:00 – 18:00

Anschrift: Reimersbude 12, 25889 Witzwort

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Ton, Stein, Farbe und Collage bilden die materiellen Ausgangspunkte der Arbeiten von den Künstlerinnen Sabine Dahl, Beate Naujoks, Barbara Kayser und Sabine Puchstein-Hollmann. In der Auseinandersetzung mit diesen Werkstoffen entstehen abstrakte Malereien, skulpturale Formen und vielschichtige Bildkompositionen. Die Künstlerinnen erkunden dabei Spannungsfelder zwischen Fragilität und Widerstand, Bewegung und Ruhe sowie Intuition und Konstruktion. Die gemeinsame Liebe zur Natur und der ganz normalen Alltag spiegeln sich in ihren Werken wieder. Die vier Perspektiven treten dabei in einen Dialog, der Unterschiede nicht auflöst, sondern sichtbar macht. Die Ausstellung versteht sich als Raum der Begegnung – zwischen Materialien, künstlerischen Ansätzen und individuellen Erfahrungen weiblicher Identität.

Martinee am 12.07. 12:00 Uhr mit Chris Olesch am Vibraphon und Erik Konertz an der Posaune

Veranstaltungsort

Villa Mutzenbecher
Bondenwald 110a
22453 Hamburg

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Unter dem Titel „Flüchtiges Festhalten“ vereinen sich zwei gegensätzliche Positionen: Der Maler Rolf Naedler hält auf seinen Bildern Vergängliches und Vergangenes fest, während sich Britta Wiesenthal auf die Lauer legt und gerade Geschehenes mit der Zeichenkohle auf Papier festhält. Das Künstlerpaar vereint ein vertieftes Interesse an ihrer Umwelt und der sie unmittelbar umgebenden Natur.

Die Gegenüberstellung der unterschiedlichen Herangehensweisen und Erscheinungsformen verspricht einen spannungsreichen Sehgenuss.

Im Garten können Besucher:innen bei gutem Wetter entspannen. Es gibt ein paar Sitzgelegenheiten. Unser Veranstaltungsort ist nicht barrierefrei. Wir helfen aber gern die 6 Stufen, die in die Galerie herabführen zu überwinden. Eine Toilette ist ebenerdig außerhalb der Galerie erreichbar. Auch diese ist von den Maßen her nicht rollstuhlgerecht, da wir keine Mittel für einen Umbau haben.

Einführung durch Eberhard Stosch / Kunsthistoriker

KÜNSTLERHAUS BERGEDORF
Möörkenweg 18 B-G
21029 Hamburg
www.kuenstlerhaus-bergedorf.de

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Die Alexander Tutsek-Stiftung feiert mit der Ausstellung Future Horizons. Glas in der zeitgenössischen Kunst ihr 25-jähriges Bestehen. Sie zeigt eindrucksvolle Skulpturen und Installationen von rund 50 internationalen Künstler*innen. Sie ist eine Feier der Fülle und Diversität, eine Manifestation von Vorstellungskraft und Erfindungsreichtum. Jedem Werk ist seine eigene Geschichte implementiert durch Intention, Bedeutung, Herkunft, Material und Technik. Darüber hinaus entspinnen sich in der Zusammenschau und den spezifischen Nachbarschaften mit anderen Werken assoziativ kleine Geschichten, die die Maxime für eine humane Zukunft umschreiben. Sie handeln von Gastfreundschaft, Empathie und Mut, von Schönheit, Neugier und Staunen, vom Ritual alltäglicher Gesten, von Würde und Versöhnung, Witz und Humor, Geschichte und Bewahrung, Erfindung und Experiment.Allen Werken gemeinsam ist ein in der Kunst eher selten verwendetes Material: Glas. Es entfaltet seine spezifische Wirkung durch Licht und Farbe durch Haptik und technische Raffinesse, eine erzählerische Qualität und seine emotionale Aura. Die präsentierten Exponate, die zur Sammlung der Alexander Tutsek-Stiftung gehören, führen die aufregenden künstlerischen Praktiken des Arbeitens mit Glas vor Augen – ob formgeschmolzen, geblasen, geschliffen, ungeschliffen, freigeformt oder sandgestrahlt. Sie zeigen zudem in die Zukunft weisende Entwicklungen der Verbindung von Glas mit Fotografie, Video und Performance, mit Poesie, Licht, Elektronik oder künstlicher Intelligenz.

Auf zwei räumlichen Ebenen präsentiert Future Horizons Werke, die aus der Studioglasbewegung hervorgegangen sind, wie aus dem Feld der zeitgenössischen Kunst. Durch die Auswahl der Exponate und die Ausstellungsarchitektur eröffnen sie, so der kuratorische Hintergrund, zwei Gedanken- und Resonanzräume: In der BlackBox – weit und dynamisch, hell und energetisch – befinden sich die Skulpturen, meist silbern, transparent, weiß oder schwarz, frei im Raum, liegend auf dem Boden oder schwebend von der Decke. Andere, von kleinerem Format, reihen sich in einer „endlosen“ linearen Choreographie aneinander: wie SILVER LININGS. VISIONS erscheinen sie am spiegelnden Horizont.

Im BlackBox FirstFloor überrascht mit der Entfaltung der Objekte in einer reichen Palette von Farben, ob Blau, Grün, Gelb oder Pink und mit einem anderen Design: ABUNDANCE. EXPANSION OF THE MIND, so ließe sich dieser Raum überschreiben.

In ihren unterschiedlichen Energien und „Temperaturen“ laden beide Ausstellungsebenen das Publikum zur „Bewegung“ ein, zur körperlichen Erfahrung des Umhergehens, des Flanierens: in erster Linie, um die Kunstwerke zu betrachten, aber auch sich selbst – in Beziehung zum Werk und in Beziehung zum anderen zu setzen – und so durch Bewegung und Spiegelung Teil des Ganzen zu werden.

Das Design der Ausstellung, gestaltet von dem Berliner Büro Bruzkus Greenberg, nutzt den Vorteil zweier Ausstellungsräume durch unterschiedliche Farbgebung – in der BlackBox bewegt sie sich zwischen Silber und Schwarz, im BlackBox FirstFloor explodiert die Farbe. In beiden Etagen endet der Galerieraum mit verspiegelten Flächen, die die Wahrnehmung der Räume verdoppeln. Die Architekten möchten, dass die Besucher*innen in den Horizont blicken und die Werke im Fluss der Zeit betrachten und nicht nur einen Blick zurückwerfen. Die Spiegel in den Vitrinen scheinen zudem das Raumgefühl über die Wände der Galerie hinaus zu erweitern und spielen mit der Perspektive und der Wahrnehmung der Raumgrenzen. Eine scheinbar unendliche Nische entlang der rechten Wand kann man abschreiten, in dem grausilbernen und mit Spiegeln als Hintergrund gestalteten Bereich befinden sich Werke von einzelnen Künstler*innen. Die Reflexionen laden die Besucher*innen ein, das einzelne Objekt im Kontext des gleichzeitig sichtbaren Raumes dahinter zu betrachten. Die Spiegel schaffen einen grenzlosen Raum. Sie transformieren die Idee der Ausstellung in die Architektur; sie sind eine räumliche Metapher für die Offenheit gegenüber zukünftigen Horizonten.

(Quelle: Tutsek Stiftung)

Weitere Informationen und Ansichten zur Ausstellung: Aktuell – Alexander Tutsek Stiftung

Alexander Tutsek-Stiftung
Georg-Muche-Str. 4
80807 München

Öffnungszeiten

Sonntag-Donnerstag und feiertags geöffnet, 12-18 Uhr

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always reach beyond the light entfaltet sich als Parcours aus Licht, Sprache und aufgeladenen Materialien. Die Ausstellung folgt keiner linearen Chronologie. Sie verbindet Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen zu einer Konstellation, in der jedes Objekt auf ein anderes reagiert und dennoch seine eigene Spannung behält. Wie in vielen Arbeiten Jan Kucks entsteht die Bedeutung nicht aus einer einzelnen Geste, sondern aus dem Verhältnis zwischen Schrift, Körper, Oberfläche, Herkunft und Raum.
Der titelgebende Neonschriftzug Always reach beyond the light bildet den offenen Ausgangspunkt. Der Satz trägt eine scheinbar einfache Bewegung in sich: weiter reichen, über das Licht hinaus, über das hinaus, was sichtbar, verständlich oder bereits entschieden ist. Zugleich unterläuft Kuck die Schwere dieser Aufforderung durch eine Leichtigkeit, die nie harmlos ist. Das Licht verspricht Orientierung und entzieht sie im selben Moment. Es führt nicht zu einer eindeutigen Antwort, sondern in einen Zustand erhöhter Aufmerksamkeit.

Von hier aus öffnet sich die Ausstellung in mehrere Richtungen. In den Arbeiten der Old Masters New Series werden historische Bildräume nicht zitiert, um sie zu bestätigen, sondern um sie neu zu irritieren. Barocke Rahmen, gewebte Stoffe, Cranach-Bezüge und Neon treffen auf Sätze, die zu direkt, zu heutig oder zu komisch erscheinen, um sich in die historische Ordnung einzufügen. Gerade daraus entsteht ihre Energie: Das Alte wird nicht bewahrt, das Neue nicht gefeiert. Beide reiben sich aneinander. ARACHNE verlagert diesen Konflikt in das Gewebe selbst. Säure, Glasfaser und Projektion erzeugen ein Bild, das zwischen Teppich, Lichtkörper und Erscheinung steht. SORE POINT richtet den Blick dagegen auf die Struktur des Fragens. Die Arbeit fragt nicht, welche Antwort richtig ist, sondern ob die Fragen, die
wir stellen, überhaupt an den entscheidenden Punkt führen. In dieser Verschiebung liegt ein zentrales Moment von Kucks Praxis: Sprache wird nicht erklärt, sondern ausgesetzt; sie muss sich im Raum behaupten.

Die neuen Stuhlskulpturen fügen der Ausstellung eine körperliche und biografische Ebene hinzu. Ihre Ausgangsobjekte stammen aus einem lange vergessenen Bestand historischer Stühle und Fragmente. Kuck überführt sie durch Farbe, textile Verspannungen, Ketten, Spiegel und durchgefärbtes Plexiglas in eine Gegenwart, in der Funktion, Ornament und Verfall neu verhandelt werden. Aus Sitzmöbeln werden Skulpturen, aus Gebrauchsspuren werden Zeichen.
always reach beyond the light ist damit eine Ausstellung über Überschreitungen: über den Weg vom Satz zum Objekt, vom Licht zur Frage, vom historischen Material zur gegenwärtigen Situation. Ihre Arbeiten suchen keine geschlossene Lesart. Sie erzeugen Felder, in denen Ästhetik, Humor, Irritation und Ernst gleichzeitig wirksam werden. Jan Kuck (*1978) lebt und arbeitet in München. Nach einem Studium der Rechtswissenschaften absolvierte er ein Magisterstudium der Philosophie und Geschichte. In seiner konzeptuellen Praxis arbeitet er mit Sprache, Licht und Raum. Mithilfe von Neon, Laser, Glasfaser und ortsspezifischen Installationen untersucht er die Beziehung zwischen Wahrnehmung, Architektur und gesellschaftlicher Wirklichkeit. Seine Arbeiten wurden international in Ausstellungen und Projekten im öffentlichen Raum präsentiert, darunter in der Kunsthalle München, bei der Architekturbiennale Venedig, im Schloss Bellevue in Berlin und beim Copenhagen Light Festival. 2019 sprach er bei TEDx Munich. Jan Kuck wird von Bernheimer Contemporary, München, vertreten.

Begleitend zur Ausstellung findet am Samstag, den 27. Juni 2026 um 14:30 Uhr eine Führung durch die Ausstellung, sowie ein Artist Talk mit Jan Kuck und Dr. Susanne Adele Kudielka statt. Dr. Susanne Adele Kudielka ging schon als Jugendliche in Künstlerateliers und Galerien ein und aus. Nach dem Studium arbeitete sie für internationale Museen und Galerien, insbesondere viele Jahre für und mit Ernst Beyeler. Zunächst als Direktorin der Galerie Beyeler, wo sie unter anderem die Ausstellung ARTLIGHT kuratierte, später auch für die Fondation Beyeler, unter anderem für die Redaktion des Kata logs zur Ausstellung Farbe > Licht (erschienen 2000 zur gleichnamigen Ausstellung).
Heute arbeitet sie von Basel aus als Personal Curator für Privat- und Firmensammlungen sowie als unabhängige Ausstellungskuratorin. Jan Kuck lernte sie durch sein Neon time matters kennen, das eindrücklich ihre eigene Tagline Your Art Matters reflektiert.

(Quelle: Galerie Burster)

Weitere Informationen zur Ausstellung: galerie burster | always reach beyond the light

Galerie Burster, Markgrafenstraße 68, 10969 Berlin

Öffnungszeiten: 

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Anlass für die Ausstellung sind zwei Jubiläen  – der 150. Geburtstag Alexander Olbrichts und der 100. Geburtstag Gerhard Altenbourgs und die Freundschaft und Nähe Horst Hussels zu diesen beiden Künstlern. Die hohe Wertschätzung der Galerie für alle drei Künstler soll mit dieser Ausstellung zum Ausdruck kommen.
Die Künstler verbindet die Leidenschaft, mit zeichnerischen und grafischen Mitteln zu einer gültigen Aussage zu gelangen. Die zunehmende Anziehungskraft, die von den Arbeiten ausgeht, geschieht auf einer hohen Ebene künstlerischer Meisterschaft, sie entzieht sich weitestgehend stilistischer Zuordnung. Alle drei sind von einem jeweils einheitlichen künstlerischen Willen geprägt und sind ihren unverkennbaren Handschriften zuzuordnen.
Eine Augenreise mit Entdeckungen von Stille und Ursprünglichkeit der Natur sowie der Wesenhaftigkeit im Menschlichen. Sowohl Landschaftliches als auch Figürliches sind thematisiert.

Weitere Informationen zur Ausstellung: ausstellungen | galerie profil weimar

Geleitstrasse 11

D-99423 Weimar

Mi–Fr 12-18, Sa 10-16

und nach Vereinbarung

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[ein neues werk]

ein neues werk
ist himmel überfließend
aber der schmerz
– diese so einfachen blumen
im feuer
sucht meine hand

© Martine Audet, * 15.10.1961, Montréal, Québec, Kanada
lebt in: Montréal, Québec, Kanada
Aus: La Société des cendres suivi de Des lames entières. Montréal, Québec: éditions du Noroît, 2019, Übertragung ins Deutsche von  Daniel Falb

[un morceau neuf]

un morceau neuf
c’est trop de ciel
mais la douleur
– ces fleurs si simples
dans l’incendie
cherche ma main

© Martine Audet
Aus: La Société des cendres suivi de Des lames entières. Montréal, Québec: éditions du Noroît, 2019

Der Beitrag Montagsgedicht: Martine Audet erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.