ArtOutlet – Perspektive

Aussicht – Wahrnehmung — Resonanz

Kunst eröffnet neue Blickwinkel. Kunst verändert die Sehweise. Kunst lädt ein, die Welt anders zu erleben.

Am 3. Oktober 2026 von 11 – 18 Uhr laden wir ein, unterschiedliche künstlerische Sichtweisen und Wahrnehmungsräume im ArtOutlet — Die Dauer(nd) Ausstellung zu entdecken.

Kommen Sie in das ehemalige Mannschaftsgebäude auf dem jbs-Gewerbe-Campus Lehnsheide und blicken in offene Ateliers und Ausstellungsräume.

Im Austausch mit Kunstschaffenden vor Ort und Gastkünstler:innen aus der Region haben Sie die Gelegenheit, verschiedene künstlerische Sichtweisen kennen zu lernen.

Sehen. Wahrnehmen. Entdecken.

Und vielleicht die eigene Perspektive neu erleben.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch:

Manuela Mordhorst, Hayrettin Ökçesiz, Barbara Frömming,  Bastian Heinzel,  Martha Bratumil, Dennis Henke,“ Didibel“, Iri Kaija, Jobst Deventer, Soraya Heuer, Manfred Schurr, Sven Albrecht, Maja Botzum, Florian Bettsteller, Freda Heyden, Frauke Biermann, M.W. Reichert, Jelena Nusser, Christine Hitzschke, Doris Griemsmann, Claudia Acksteiner und Gastkünstler und Gastkünstlerinnen: Frank Thölken, Herr Kossmann, Mirka Wisotzki

ArtOutlet

Die Dauer(nd)Ausstellung

Annemarie-Renger-Straße 1

27374 Visselhövede

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Die Ausstellung lädt Sie auf eine faszinierende Reise zu den Ursprüngen und Wandlungen schamanischer Praktiken ein. Erleben Sie anhand der einzigartigen Sibiriensammlung der Reiss-Engelhorn-Museen und weiterer hochkarätiger Objekte, interaktiver Stationen und Illustrationen den Schamanismus Sibiriens.

Schamaninnen und Schamanen wirkten als Mittler zwischen Mensch, Natur und Geisterwelt. Ihr Wissen, ihre Rituale und ihr Dienst an der Gemeinschaft hallen bis heute nach. Zu den Höhepunkten der rund 200 Objekte zählen eine Schamanenausrüstung mit einer außergewöhnlichen Geweihkappe sowie eindrucksvolle rituelle Figuren, Amulette und Instrumente.

Wie eng das spirituelle Wirken der Schamaninnen und Schamanen mit dem Leben in ihrer Umwelt verbunden war, verdeutlichen Alltagsgegenstände und Waffen. Lernen Sie in der Ausstellung die große Bandbreite schamanischer Vorstellungen und Rollen, den kritischen Umgang mit gängigen Klischees und moderne Entwicklungen kennen. Entdecken Sie den Wandel, die Vielfalt und die anhaltende Faszination einer weit verbreiteten spirituellen Praxis. (Quelle: REM)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Schamanen Sibiriens. Zwischen den Welten – Reiss-Engelhorn-Museen

Öffnungszeiten

20.9.2026 – 27.6.2027

• Di – So 10 – 17 Uhr (auch an ausgewählten baden-württembergischen Feiertagen)
• montags und 24./25./31.12.2026 und 1./6./17. und 27.5.2027 geschlossen

Reiss-Engelhorn-Museen
Stiftungsmuseen C4,12
68159 Mannheim

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In einer gemeinsamen Ausstellung in der Galerie Morgenland entwickeln die Positionen des Künstlerpaar Gabriele Kruk / Peter Reitberger einen besonderen Dialog.

Die Wachstumsfuge bezeichnet in der Anatomie den Raum, in dem Wachstum und Entwicklung möglich werden. Dieses Bild dient als Ausgangspunkt für die gleichnamige Ausstellung, die den Blick auf jene oft verborgenen Prozesse richtet, aus denen künstlerisches Arbeiten entsteht.

Die Ausstellung zeigt sowohl die unverwechselbaren Handschriften der einzelnen Künstler:innen als auch ihre Berührungspunkte und den kreativen Austausch, der zwischen ihnen entsteht. Gleichzeitig setzen sich die Werke mit den Herausforderungen und Brüchen einer Gesellschaft auseinander, die von rasanter Veränderung geprägt ist.

Während Peter Reitberger in seinen farbintensiven Arbeiten bewusst moderne Farbmittel mit traditionellen Maltechniken vereint, zeigt die figürlich-pflanzliche Bildwelt von Gabriele Kruk sich in Acryl und Mischtechnik bis hin zu filmisch animierter Malerei.

Als besonderes Highlight werden sowohl zur Eröffnung, als auch zum Werkstattgespräch einige dieser „filmisch bewegten Malereien“ projiziert. (Quelle: Galerie Morgenland)

Weitere Informationen zur Ausstellung: GWE

Morgenland e.V.
Geschichtswerkstatt Eimsbüttel und Galerie Morgenland 

Sillemstraße 79, 20257 Hamburg

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POSITION. Ausstellung

24. September bis 04. Oktober 2026 in der Fabrik der Künste

Kreuzbrook 10-12, 20537 Hamburg

bbk-hamburg.de| fabrikderkuenste.de | @position.bbk_hh | @bbk.hamburg

POSITION. Ausstellung und Forum ist eine Veranstaltungsreihe des Berufsverbands bildender Künstler*innen Hamburg. Die Ausstellung präsentiert jährlich die künstlerischen Positionen der neuen Mitglieder des Verbandes anhand ihrer Werke. Das Forum bietet Abendveranstaltungen zu aktuellen kulturpolitischen Themen und relevanten Ideen und Haltungen. Der Berufsverband bildender Künstler*innen vertritt regional und bundesweit die berufsspezifischen Interessen von professionell arbeitenden Künstler*innen. Auch in diesem Jahr bieten die individuellen Positionen der Ausstellenden ein breites Spektrum künstlerischen Schaffens. Gegenständliches und Abstraktes, Flaches und Räumliches, Stilles und Bewegtes. Zeichnung, Collage, Malerei, Plastik, Skulptur, Installation, Fotografie und Video. Und obwohl die Auswahl der Teilnehmenden allein auf dem Datum ihrer Aufnahme in den Berufsverband Bildender Künstler*innen Hamburg beruht, entstehen zwischen den gezeigten Positionen abermals stille Dialoge und interessante Bezüge. Aber schauen Sie doch selbst …

Helga Maria Albrecht, Steffen Gehrdau, Sam Gora, Maren Hansen, Franziska Hübler, Alexander Johannes, ST Kambor-Wiesenberg, Nis Knudsen, Agatha Kosobucki, Ana Kostova, Maike Kretzer, André Kunz, Katharina Langer, Nataly Meenen, Veronica Moroder, Naima Omari, Elizaveta Ostapenko, David Pérez, Christa Prieß, António Rego, Waltraud Stumme, Susanne Thurn, Sofia Tolordava, Sebastian Unterrainer, Hajar Vafaee, Barbara Witte

Weitere Informationen zur Ausstellung: Position. Ausstellung 2026 |

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Arbeiten mit Papier – Bilder und Objekte 

Papier ist Ursache, Thema und Material der Arbeiten von Inken Geertz.

Papier bleibt nicht Papier, es bildet Fläche, Körper und Raum, ist genutzt, bearbeitet. Es zeigt Transparenz, Struktur und Schicht.

Inken Geertz liebt Papier, und zwar jede Sorte. Diese Papiere bearbeitet sie mit den unterschiedlichsten Techniken wie z.B. Frottage, Hochdruck, Stempeldruck, Tiefdruck, Übermalungen, Überzeichnungen, Scherenschnitt.

Ihr Interesse gilt besonders dem bereits gebrauchten Papier und seinen vielfachen Möglichkeiten. Geht es zunächst um Durchdringung und Transparenz in Bildern, so werden es bald papierene Objekte. Es folgen thematisch orientierte Serien mit kleinen gefalteten Hemden aus eben diesen Gebrauchspapieren.

Seit einigen Jahren sind es nun auch reliefhafte Papierlandschaften. Diese befinden sich in einem Spannungsfeld zwischen Assoziation, Zeichenhaftigkeit und Bildzitat.

Momentan erprobt sie abstraktere Darstellungsformen, die auch dreidimensional werden können.

Inken Geertz recycelt gebrauchtes Papier und alte Pappe und überführt das Material so in eine neue künstlerische Nutzung. (Quelle: Kunstkreis Schenefeld)

Weitere Informationen zur Austellung: Inken Geertz – Kunstkreis Schenefeld

Galerie Kunstkreis Schenefeld, Moorweg 11, 22869 Schenefeld

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und hat diese Ausstellung besucht. Ich erhielt sein Feedback und wie schön, dass man auf seinem Blog den Bericht zu seinem Besuch vor Ort nachlesen kann.

Zum „Aufruhr der Farben“ nach Bernried

Die Ausstellung ist noch bis Mitte November 2026 zu sehen und sicherlich lohnenswert.

Danke dir, Lutz, für deinen Beitrag!

Aufruhr der Farben. Karl Schmidt-Rottluff und das Erbe der »Brücke«
23.5. – 15.11.2026
Buchheim Museum der Phantasie
Am Hirschgarten 1
D-82347 Bernried am Starnberger See
Tel.: +49-8158-997043
Di – So 10 – 18 Uhr
Eintritt: 13 €, erm. 12 €
www.buchheimmuseum.de

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Der Weg, die Identität & Einflüsse

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen, wie du zur Kunst gekommen bist und ob du eine klassische Ausbildung hast? Hast du eine klassische textile oder künstlerische Ausbildung absolviert? Und falls nicht, durch wen wurdest du inspiriert? Gibt oder gab es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben? Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Ursula: Ich lebe und arbeite im niedersächsischen Heidekreis. Hauptberuflich arbeite ich als Beraterin für mittelständische und nachhaltig orientierte Unternehmen und Organisationen und führe Förderprojekte mit Kommunen, Verbänden und Stiftungen durch.

Ich habe schon als Jugendliche textile Techniken geliebt und gestrickt, gestickt und genäht. Damals habe ich vor allem bunte Bildmotive aus Zeitschriften nachgestickt, und erste Experimente mit abstrakter Stickerei gemacht – als Dekoration für Kissen, Kleidung oder Lavendelbeutelchen. Mit dem Studium und Eintritt in das Berufsleben blieb dieses Hobby über Jahre hintenangestellt. Mitte 30 startete ich neu. Es war eine Zeit des Umbruchs in meinem Leben, und ich wollte viele Gedanken in meinem Inneren mit Nadel und Faden ausdrücken.  

Ursula Heimann: Licht am Horizont, 2025

Seit 2023 widme ich mich wieder regelmäßig der textilen Kunst, insbesondere dem freien, künstlerischen Sticken. Seitdem beschäftige ich mich auch sehr intensiv mit zeitgenössischen Textilkünstlern wie Jordan Nasser, Britta Marakat Labba, Lotte Bach, Claude Como und vielen anderen. Meine textilen und konzeptionellen Fähigkeiten habe ich mir über Jahre im zielgerichteten Selbststudium erarbeitet und durch spezialisierte Kurse ergänzt – unter anderem in diesem Jahr an der Royal School of Needlework in London und im Kloster Mariensee bei Hannover.

Prägend waren für mich auch Erfahrungen aus meiner Kindheit und Jugend. Meine Mutter hatte viel Freude daran, Kleidung oder Dekorationsstücke aus textilen Techniken herzustellen, sei es Sticken, Stricken, Häkeln oder Klöppeln. Mein Vater, der Kunsterzieher war, hat uns Kindern die klassische Moderne des 20. Jahrhunderts nahegebracht. Gerade die expressionistische und die abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts begeistern mich bis heute. Auch internationale Lebensstationen haben meinen Blick auf die textile Kunst geprägt: Das Aufwachsen auf den Kanarischen Inseln, mein Schuljahr in USA sowie 15 Jahre Leben und Arbeiten in Mexiko und Lateinamerika haben mir textile Traditionen eröffnet, die mich beeindruckt und  beeinflusst haben. Inzwischen habe ich eine kleine Sammlung von schönen Kleidungsstücken, Schals, Umschlagtüchern, Taschen und Decken aufgebaut, die mir viel Freude macht.

Foto links: Die blaue Stunde, in der Ausstellung Radius26, Springhornhof 2026

Foto rechts: Gruppenfoto der Teilnehmer:innen der Radius 26 Ausstellung

Die Ausstellung Radius 26 im niedersächsischen Kunstverein Springhornhof, bei der ich im Juni 2026 drei meiner textilen Graphiken ausstellen durfte, gaben mir in den letzten Monaten nochmal einen wunderbaren Anstoß zu einer weiteren Entwicklung meiner textilen Kunst.

Material, Haptik & Handwerk

Foto links: Ursula Heimann Zuversicht 2024

Foto rechts: Ursula Heimann Mandala – Kreuzstich 2002

Manuela: Was reizt dich an Textilien, wie wählst du Materialien aus und welche Rolle spielt die Haptik?

Ursula: Ich habe immer schon Stoffe und Garne geliebt, entweder solche aus kostbaren Materialen, wie Seide oder Leinen oder Materialien in leuchtenden, strahlenden Farben. Noch heute schaue ich mir gerne Regale voller Wolle oder Nähgarn an und begeistere mich für die Vielfalt der Materialien, ihrer Haptik und ihrer Farbschattierungen.

Meine textilen Arbeiten habe ich zu textile Graphiken weiterentwickelt. Hier kommt es auf Komposition, Farbe und Rhythmus an und zugleich auf Verfremdung, Struktur und die Kombination von Stichen.  Als Bildträger nutze ich grobmaschige AIDA-Stoffe. Ihre Rasterstruktur dient zugleich als grafisches Element und erzeugt Muster und Verfremdungseffekte, die Stickereien wie haptisch erfahrbare Graphiken wirken lassen. 

Garne aus Wolle, Baumwolle oder Seide finde ich in Fachgeschäften in Deutschland und auf Reisen. Dieses Jahr habe ich mich intensiv auf Materialien für die Goldstickerei konzentriert, da ich intensive Recherchen zu dieser alten, traditionellen Technik durchgeführt habe und auch einen Kurs zu kreativer Goldstickerei an der traditionsreichen Londoner Royal School of Needlework belegt habe.  Im niedersächsischen Kloster Mariensee habe ich in einem Kurs den mittelalterlichen Klosterstich gelernt, eine sehr alte, für Bildteppiche genutzte flächige Sticktechnik.

Inspiration & Werkprozess

Manuela: Wie entsteht ein Kunstwerk von der Idee bis zum fertigen Stoffbild und welche Inhalte fließen ein?

Ursula: Meine Arbeiten entwickeln sich aus der Freude am Spiel mit Sticktechniken, Form, Farbe und Rhythmus. Die Themen meiner textilen Graphiken spiegeln eigene Erfahrungen und Gefühle wider, die viele Menschen ähnlich kennen oder aber beschäftigen sich in künstlerischer Weise mit den Themen, die mein berufliches Leben prägen, wie kulturelle Vielfalt, Nachhaltigkeit und Zukunftsfragen.

Der Entstehungsprozess beginnt meist mit einer thematischen Idee vereint mit Gedanken zu Rhythmus, Farben und Formen. Ich skizziere verschiedene Ideen und probiere Materialien, Stiche und Farben aus, bevor ich das eigentliche Werk beginne.

Ich arbeite gerne mit den grobgewebten Aida-Stoffen, weil sie die graphische Verfremdung meiner Motive und Ideen wundervoll ermöglichen und unterstützen.  Auf dem Gewebe entsteht das Motiv Stich für Stich. Aus der Ferne wirken die Flächen verdichtet; aus der Nähe lösen sie sich in Raster und einzelne Stiche auf.

In diesem Jahr haben mich besonders die historischen Techniken des Klosterstichs, der Goldstickerei und der farbigen Schwarzstickerei fasziniert und zu Kunstwerken inspiriert.

Foto links: Ursula Heimann – Fru?hling 2025

Foto rechts: Mustertuch Goldstickerei 1 – Der blaue Planet

Raum, Zeit & Resonanz

Manuela: Woran arbeitest du gerade, wo entstehen deine Werke und was war die schönste Reaktion auf deine Kunst?

Ursula: Meine Werke entstehen meist im Heidekreis, wo ich lebe. Aber auch auf Reisen arbeite ich daran, besonders wenn ich in Mexiko, meiner zweiten Heimat, bin. Die Arbeit mit Textilien und präzisen Stichen erfordert Fokussierung und gibt mir gleichzeitig einen Rahmen, um gedanklich tief in ein Thema einzutauchen und es künstlerisch umzusetzen.

Aktuell arbeite ich an einer großformatigen textilen Grafik mit dem Titel Paradies. Darin benutze ich einen verfremdeten Plattstich genauso wie Klosterstich und Elemente der Schwarzstickerei und der Goldstickerei. Das Werk wird durch ein zweites zu einem Diptychon erweitert werden, der das Spannungsfeld zwischen Natur und Mensch beleuchten wird.

Ich liebe es sehr, freie Minuten neben dem Beruf mit dem Material, den Farben und Formen zu verbringen. Und ich freue mich im Entstehungsprozess sehr daran, wie ein Werk wächst und die Idee sichtbar wird, die dahintersteckt.

Die schönste Resonanz auf meine Kunst bisher war die Tatsache, dass die Jury des Kunstvereins Springhornhof 3 meiner Werke aus 70 anonymisierten Einreichungen für die Ausstellung Radius 26 ausgewählt hat. Auch der kollegiale Austausch mit anderen Künstler*innen der Ausstellung hat mich in jüngster Zeit sehr geprägt.

Ganz besonders gefreut hat mich deine Einladung, liebe Manuela, zu diesem Artist Talk und dazu, bei einer Gruppenausstellung in Lüneburg im März 2027 einige meiner textilen Graphiken zu zeigen. Bis dahin möchte ich den oben erwähnten neuen Diptychon fertig haben und ihn dort zeigen.

Kunstauffassung & Zeitgeist

Foto links: Ursula Heimann Stele Kreuzstich 2002

Foto rechts: Ursula Heimann Geometrische Phantasie 3 – Kreuzstich 2001

Manuela: Wie blickst du auf die Wiederentdeckung der Textilkunst und was bedeutet Kunst für dich in drei Worten?

Ursula: Dass Textilkunst und textiles Kunsthandwerk zur Zeit wieder stark im Kommen sind freut mich sehr. Der Umstand, dass textile Kunst im zeitgenössischen Kunst-Diskurs wieder wahrgenommen wird, war aus meiner Sicht überfällig. Lange galt textile Kunst nicht als „richtige Kunst“. Das hat dazu geführt, dass textile Künstler*innen wenig Beachtung erhielten, obwohl ihre Werke anderen großen Künstler*innen der bildenden Kunst in nichts nachstehen. 

Die Trennung zwischen „Freier Kunst“ und „Kunsthandwerk“ hatten schon das Bauhaus und weitere Kunst-Strömungen im frühen 20. Jahrhundert aufgelöst. Und tatsächlich ist viel der als „Kunsthandwerk“ belächelten textilen Kunst künstlerisch von sehr hohem Niveau. Eine Künstlerin, die ich in dieser Hinsicht in diesem Jahr für mich entdeckt habe ist Lotte Bach, die – in ihrem Falle aus einer religiösen Haltung heraus – erstaunliche Bildteppiche und Paramente entworfen und mit einer unglaublich kreativen Vielfalt von Stichen und Techniken umgesetzt hat.

Zur Zeit bewegen mich besonders folgende Fragen: Wie kann ich Gefühle durch textile Techniken ausdrücken und wie kann ich Gedanken zu aktuellen und zukunftsorientierten Themen in textilen Graphiken umsetzen, und mit ihren Farben, Formen und Strukturen eine Vielzahl von unterschiedlichsten Menschen berühren?

Kunst ist in drei Worten gefasst für mich: Farbe, Form und Rhythmus.

Ausblick & Kontakt

Manuela: Wo kann man deine Werke als Nächstes sehen und wo findet man dich online?

Ursula: Im Sommer 2026 waren drei meiner Werke in der Gruppenausstellung Radius 26 des Kunstvereins Springhornhof zu sehen.

Für 2027 ist eine Gruppenausstellung im Avacon Center Lüneburg geplant zu der du mich eingeladen hast.

Mein digitaler Auftritt befindet sich hier: http://www.ursulaheimann.art/

Anfragen sind derzeit direkt per E-Mail möglich.

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Rainy Journey | Manuela Mordhorst | 100x120cm | 2021

Regen auf dem Meer

Ponge verglich den Regen mit einer Uhr.
Baudelaire sah in ihm die Gitter seiner Kerker,
Verlaine hörte ihn als Konzert der Tränen,
doch dem vierten kam er vor wie Gold;

der Verfall der Metapher gehe zu meinen Lasten,
soll der Regen mein Gesicht übergießen
und das Tosen der Sintflut mit der Sprache
des Exils die Hörgruben säubern;

lass Himmel sich und Horizont vereinen
den Streifen heben der vertikalen Welt,
dem schmalen Überflug der Bläue unbekannt,

und lass die Augen ihrem Drang zu weinen,
lass dem Gefühl sie folgen und die zerstreute Seele
übermannt von ihm sich selber finden.

© Zvonimir Mrkonjic
Aus: Šipanski soneti. Dubrovnik: Ogranak Matice hrvatske Dubrovnik, 1992 | © Übersetzung: Klaus Detlef Olof

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Was verstehen Menschen heute unter Heimat? Existiert der umstrittene Heimatbegriff überhaupt noch in der Einzahl oder hat „Heimat“ im 21. Jahrhundert als geografischer Ort ausgedient? Wie bilden Menschen immer wieder neue Heimaten?

Auch unseren globalisierten und digitalisierten Gesellschaften wohnt eine Sehnsucht nach „Heimat“ inne – obwohl, oder gerade weil sie von Migrationsbewegungen und ständigem Wandel geprägt sind. Längst hat sich das Spektrum der Gründe für freiwillige und unfreiwillige Migration entgrenzt, und fortlaufende Prozesse der Heimatbildung sind zur gesellschaftlichen Normalität geworden.
Die zentrale Frage ist, ob und wie Menschen in diesen bewegten sozialen Gefügen mit all ihren Kontroversen Heimaten finden.

Hauser und Städte, Länder und Landschaften, Familie, Freund*innen und Gemeinschaften, Religion, Musik und Sprache, kulturelle Praktiken, Essen, digitale Plattformen oder soziale Netzwerke – im Spannungsfeld zwischen Erinnerung und Gegenwart können Heimaten verschiedene Formen annehmen. Tell Me Where Home Is untersucht diese Entwicklungen im globalen Spiegel der Kunst des 21. Jahrhunderts, in der sich zahlreiche Künstler*innen poetisch, metaphorisch oder direkt dringlichen Fragen rund um Heimaten, Migration und Zugehörigkeit stellen.

Mit rund 160 Kunstwerken und viel Platz zum Verweilen lädt Tell Me Where Home Is zum Nachdenken über persönliche und kollektive Heimatkonzepte und zu transkulturellen Begegnungen ein. Ziel der Ausstellung ist es, Verständnis für Traumata zwangsmigrierter Menschen zu wecken und die Akzeptanz von Vielfalt in der Bildung neuer Gemeinschaften anzuregen: Heimaten überall, für alle.

Einzelne Ausstellungsbereiche werden von den Kooperationspartner*innen, der Abteilung für Internationale Urbanistik und Entwerfen der Universität Stuttgart und dem Institut für Zeitgeschichte und Stadtpräsentation, Wolfsburg, aus „glokaler“ Perspektive gestaltet. Ein fachübergreifender wissenschaftlicher Beirat begleitete die Entwicklung von Tell Me Where Home Is, zu der eine transdisziplinare, reich bebilderte Publikation entstanden ist (dt./engl., ca. 300 Seiten), in der namhafte Autor*innen sowie auch die teilnehmenden Künstler*innen zu Wort kommen. 39 € im Museumsshop und online.

Künstler*innen: Bani Abidi, Nevin Alada?, Halil Alt?ndere, Kader Attia, Alkan Avc?o?lu, Yael Bartana, Birgit Brenner, Jenna Burchell, Ana Maria Caballero, Ishita Chakraborty, Tiffany Chung, Anna Ehrenstein, Alia Farid, Larissa Fassler, Gauri Gill, Patrick Goddard, Shilpa Gupta, Manaf Halbouni, Hannah Hallermann, Anawana Haloba, Jeppe Hein, Sky Hopinka, Pieter Hugo, Tao Hui, Courage Hunke, Nadira Husain, Evan Ifekoya, Alfredo Jaar, Hayv Kahraman, Šejla Kameri?, Bronwyn Katz, Kiluanji Kia Henda, Atiye Noreen Lax, Shannon T. Lewis, Christian Manss, Olaf Metzel, Cristina de Middel, Radenko Milak, Johnny Miller, Carlos Motta, Alex Müller, Hira Nabi, Marina Naprushkina, Shirin Neshat, Coco Olakunle, Grit Richter, Odur Ronald, Ritu Sarin &  Tenzing Sonam, Titus Schade, Diana Scherer, Abeer Seikaly, Mithu Sen, Tracey Snelling, Inga Somdyala, Nasan Tur, Duncan Wylie, Lu Yang, Ci?dem Yüksel, Julia Zejn, 0001 (Kollektiv)

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Die GEDOK-Galerie steht diesmal ganz im Kontext der Möglichkeiten der Fotografie, die in verschiedenen künstlerischen Formen präsentiert wird.

Die beiden erfahrenen Künstlerinnen Barbara Diabo und Erika Ehlerding setzen sich in ihren Arbeiten mit dem Thema „Verortungen – hier und da“ auseinander und verwandeln die Galerie in einen Raum voller optischer Eindrücke.

Der Ausdruck „hier und da“ symbolisiert sowohl eine räumliche, wie auch eine zeitliche Trennung.

Barbara Diabo erlebt „hier und da“ als Ort im Inneren ihres Seins, welcher sich mit dem Außen verbindet. Ihr Ausdruck ist ein Speicher der Lebendigkeit, Kreativität und Reflexion.

Erika Ehlerding hebt u.a. mit ihren verwischten Langzeitfotografien die Geschlossenheit des Ganzen auf und öffnet damit den Horizont des Betrachters auf eine andere Wahrnehmungsstufe.

Eine spannende Auseinandersetzung mit „hier und da“ sowohl in räumlicher als auch in zeitlicher Hinsicht.

GEDOK GalerieSalon
Mittwoch 15 – 18 Uhr 
Samstag + Sonntag 14 – 17 Uhr

Der Beitrag Tipp: Verortungen ‚hier und da‘ – GalerieSalon erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.