Love is

Space with no doors, no roads

– that’s what love looks like

The first wish of lovers

is to be old lovers.

And thus begin love

at the end.

© Regina Guimarães, * 1957, Porto, Portugal
lebt in: Porto, Portugal
Aus: Tutta. Porto: Felício & Cabral, 1994, Translated from the Portuguese by  Margaret Jull Costa.

O DO AMOR

Espaço sem portas, sem estradas, o do amor.
O primeiro desejo dos amantes
e serem velhos amantes.
E começarem assim
o amor pelo fim.

© Regina Guimarães
Aus: Tutta. Porto: Felício & Cabral, 1994

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Die Ausstellung präsentiert eine einzigartige Verbindung von historischem Modeschmuck und modernem Design. Im Rahmen des Projekts haben Studierende von fünf europäischen Hochschulen Jugendstil- und Art-Déco-Modeschmuck in zeitgenössische Modeaccessoires verwandelt (Technische Universität Liberec, Westböhmische Universität Pilsen, Hochschule für Bildende Künste Bratislava, Eugeniusz-Geppert-Akademie der Schönen Künste in Breslau und Hochschule Trier, Campus Edelstein und Schmuck in Idar-Oberstein). (Quelle: Jakob Bengel Stiftung)

Weitere Informationen zur Ausstellung: Revision – zwischen Tradition und Innovation / Jakob Bengel Industriedenkmal

Industriedenkmal Jakob Bengel
Wilhelmstraße 42a
55743 Idar-Oberstein

Öffnungszeiten

15. März – 15. November

Dienstag – Sonntag: 10:00 – 17:00 Uhr
Führungen um 10:00 Uhr, 11:15 Uhr, 13:15 Uhr, 14:30 Uhr und 15:45 Uhr

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Olaf Hajek – Matthias Ludwig – Martin Voigt – Marco Wagner

Eine Aufforderung zur Erinnerung

Orte verstehen sich als emotionale Zustände, Landschaften dürfen Geschichten erzählen und menschliche Figuren bieten uns ein leises Geflecht zwischen Innen und Außen.  Es könnte alles irgendwie ein Traum sein, doch ist es vielmehr die Aufforderung zum Erinnern. Nicht wie es war, sondern wie es sein darf – um vielleicht für einen Moment zu begreifen, dass auch das Flüchtige Teil eines größeren Zusammenhangs ist.

Die Ausstellung „remind me friendly“ versammelt Malerei und Zeichnung von Olaf Hajek (Berlin), Matthias Ludwig (Leipzig), Martin Voigt (Leipzig) und Marco Wagner (Rhön) die – in einem fast humboldtschen Sinne – den stets fragilen Zusammenhang zwischen Mensch, Zeit und Natur erspürt.

Olaf Hajek
Als technisch versierter Illustrator erschafft Hajek bezaubernde visuelle Muster, Szenen und kreative Charaktere, in denen Natur und Kunst miteinander verschmelzen. Er sammelt überall, wo er ist, Eindrücke: auf Reisen, in Zeitschriften oder im Internet. Afrikanische Traditionen, indische Tempelkunst, südamerikanische Folklore und Popkultur finden in seinen beinahe surrealen Tableaus neue Ausdrucksformen. Er spielt mit Motiven aus Flora und Fauna, archaischen Symbolen und aktuellen Themen und verarbeitet sie detailreich und in leuchtenden Farben zu seinen Werken.

Hajek lebt und arbeitet hauptsächlich in Berlin, reist aber viel und wird von Agenturen auf fast allen Kontinenten vertreten und hat z.Bsp. schon für die Porzellan Manufaktur Meisssen oder Hermès gearbeitet.

Matthias Ludwig
Ludwigs Bilder sind geprägt von der Überzeichnung der Protagonisten. Sie reagieren vollkommen entschleunigt, fast aus der Zeit gefallen. Die technischen Finessen seiner Malkunst erlernte Ludwig bei seinen Lehrern Werner Tübke und Ulrich Hachulla. Roter Faden seiner Bilder ist die Interaktion junger Erwachsener bei ihrer Freizeit- gestaltung. So wie zum Beispiel bei einem Bild, auf dem sich junge Leute auf der Friedhofsmauer ein Feierabend- bier genehmigen und das Motiv dabei trotz aller vermeintlichen Deutlichkeit jede Menge assoziativen Spielraum lässt.

Martin Voigt
Im Zentrum seiner Arbeit stehen Landschaft und Stillleben, die in einer altmeisterlich anmutenden und zugleich eigenständigen Bildsprache entwickelt sind. Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken zeugen von handwerk- licher Präzision und einer intensiven Auseinandersetzung mit Naturstudien. Dabei entstehen keine Abbilder konkreter Orte, sondern verdichtete Bildräume, die sich eindeutiger Verortung entziehen. Nebelverhangene Wälder, sumpfige Niederungen und wuchernde Vegetation bilden Szenerien, die zugleich vertraut und entrückt erscheinen. In ihnen entfaltet sich eine stille, nahezu zeitlose Atmosphäre, die den Betrachtenden in einen Zustand der Verlangsamung versetzt.

Marco Wagner
Seine künstlerischen Themen sind vielschichtig und tiefgründig, ein großer Teil seiner Arbeiten wird auch durch Motive aus der Heimat geprägt. Portraits, Tiere, Landschaften, Bräuche, Zwischenmenschliches und Politisches verarbeitet er in seiner ganz eigenen Art und Weise. Man erkennt seinen Stil und der ziert schon seit vielen Jahren die Titelseiten auch international renommierter Magazine, wie Cicero, Playboy, New York Times, … etc.. Seine Illustrationen finden sich in verschiedensten Publikationen und er arbeitet für Unternehmen weltweit.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Aktuelle Kunstausstellungen in Hamburg bei Feinkunst Krüger – Feinkunst Krüger

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Seit über fünf Jahrzehnten setzt sich Gabriele Stötzer mit Themen wie Gerechtigkeit, Selbstbestimmung und Geschlecht auseinander. Ihr eigener Körper spielt dabei oft eine zentrale Rolle – nicht als Objekt, sondern als Schauplatz von Widerstand und feministischer Selbstbehauptung. In der bisher größten institutionellen Werkschau der 1953 geborenen Künstlerin, befasst sich der Berliner Gropius Bau mit einem Schaffen, das untrennbar mit dem politischen Engagement Stötzers und ihrer Auflehnung gegen repressive Strukturen in der DDR verbunden ist: 1976 nach einer Protestaktion zwangsexmatrikuliert, wurde sie wenig später wegen Staatsverleumdung zu einer einjährigen Haftstrafe im Frauengefängnis Hoheneck verurteilt. Nach ihrer Freilassung wurde Gabriele Stötzer zu einer zentralen Figur des literarisch-künstlerischen Untergrunds Erfurts, übernahm dort den privaten, bald verbotenen Ausstellungsraum „Galerie im Flur“, war Mitgründerin der in der DDR einzigartigen „Künstlerinnengruppe Erfurt“ (auch: Exterra XX) und 1989 Teil der Initiative „Frauen für Veränderung“, die die erste Besetzung einer Stasi-Zentrale durchführte.

Stötzers Erfahrungen zwischen Protest, Überwachung und Selbstorganisation prägen ein Werk, das Befreiung, Mut und die gesellschaftliche Rolle der Frau in verschiedenen Medien experimentell verhandelt. Der Fokus auf künstlerischen Widerstand angesichts politischer Repression weist so auch deutliche Bezüge zur Gegenwart auf. In der zweiten Jahreshälfte 2026 wird der Gropius Bau mehr als 150 Werke aus Stötzers gesamten Schaffenszeit bis in die Gegenwart präsentieren – von Malerei, Zeichnung und Fotografie, über Super-8-Filme, Keramik und Textilkunst bis hin zu Performance und Installation. Geplant sind zudem zwei Neuproduktionen, die teilweise aus recyceltem Material früherer Arbeiten entstehen und das Publikum aktiv einbeziehen. Parallel dazu ist eine internationale Zusammenarbeit mit dem Stedelijk Museum in Amsterdam und Muzeum Sztuki in ?ód? vorgesehen.

Kuratiert von Julia Grosse, strategische und konzeptionelle Beratung und Entwicklung, Gropius Bau, mit Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau
Konzept: Julia Grosse und Franziska Schmidt, Leitung Kommunale Galerien Tempelhof-Schöneberg
Beteiligte: Exterra XX, Ensemble für Intuitive Musik Weimar

Weitere Informationen zur Ausstellung: Gabriele Stötzer: Dabei sein und nicht schweigen

Gropius Bau
Niederkirchnerstraße 7
10963 Berlin

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„Ich male Architektur – nicht die, die man betritt, sondern die, die man fühlt“

Rupert Bronner ist Architekt und Maler. Seine Arbeit entsteht im Spannungsfeld zwischen Struktur und Wahrnehmung – zwischen der Klarheit des gebauten Raums und der Offenheit der abstrakten Malerei. Als Architekt bringt er ein präzises Verständnis für Ordnung, Proportion und Raum mit, das sich in seiner künstlerischen Arbeit auf eine andere Weise fortsetzt.

In seinen Bildern wird nicht die sichtbare Welt dargestellt. Vielmehr entstehen Flächen und Kompositionen, die keinen festen Bezug vorgeben und dadurch einen freien Wahrnehmungsraum schaffen. Farbe, Form und Bewegung folgen keiner erzählerischen Absicht, sondern entfalten eine Präsenz, die sich eher spüren als erklären lässt. Der Blick scheint hier keine eindeutige Orientierung zu finden – und gerade darin liegt die Möglichkeit, sich von gewohnten Sehweisen zu lösen.

Rupert Bronner versteht seine Malerei als eine Form innerer Architektur. Er entwickelt Räume, die sich im Betrachter entfalten. Im Prozess des Malens verschieben sich Perspektiven, Bilder werden gedreht, Zustände verändert. Entscheidend ist nicht das Festhalten eines Motivs, sondern das Offenhalten eines Möglichkeitsraums, in dem sich neue Wahrnehmungen einstellen können.

So wird die Malerei zu einem Rückzugsort – zu einer persönlichen Alternative zur schnellen Lesbarkeit von Bildern. Sie fordert nichts ein, sondern bietet an: eine Wahrnehmung ohne Eile, ohne Ziel, ohne Erklärung.

Kunstraum in der Au, Edlingerstr. 18, 81543 München

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Mit Mirrorball präsentiert die Weserburg Museum für moderne Kunst die erste museale Einzelausstellung von Anys Reimann (*1965, Düsseldorf). Die Künstlerin erforscht in ihren Werken das Spannungsfeld von Identität und Körper, von kultureller Zugehörigkeit und Repräsentation. Bekannt ist sie vor allem für Bildnisse Schwarzer Frauen: selbstbewusst, vielschichtig und herausfordernd zugleich. Westlich-kolonial geprägten Perspektiven setzt Reimann eigensinnige Bildwelten entgegen. Ihre Werke feiern das Hybride und Vieldeutige. Dabei verbindet sie klug Fragmente aus Kunstgeschichte, Film, Musik, Mode und Literatur zu einer vibrierenden, zeitgenössischen Mythologie. Ikonen und Außenseiterinnen, queere Bildsprachen und eine widerständige Schwarze Popkultur sind allgegenwärtig.

Die Ausstellung in Bremen gibt einen umfassenden Einblick in Reimanns jüngstes Schaffen: Großformatige Collage-Gemälde, rätselhafte Skulpturen aus Leder, Spiegelobjekte oder Körperabformungen mit geballten Fäusten. Viele Werke sind multisensorisch angelegt. Neben dem Visuellen spielen Geruch und Haptik eine wesentliche Rolle. So ist unter anderem eine Duftskulptur Teil der Ausstellung. Gerüche wie Patchouli, Weihrauch, Holz oder Kräuter spielen für die Künstlerin eine wichtige Rolle. Sie sind eng mit Erinnerungen verknüpft, die Reimann in ihren Werken aktiviert und so Persönliches mit Allgemeinem zusammenbringt.

Für Mirrorball entstehen mehrere neue Werke unter anderem ein schwarzer Garten im Museum – eine begehbare Installation in Gestalt eines Archipels mit ausnahmslos schwarzblühenden Pflanzen, ein sinnliches, beinahe unwirkliches Biotop, speziell für diesen Ort olfaktorisch angereichert.

Ausstellung auf Ebene 3

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://weserburg.de/ausstellung/anys-reimann-mirrorball/

Dienstag bis Sonntag 11–18 Uhr
Montag geschlossen

Weserburg Museum für moderne Kunst
Teerhof 20, 28199 Bremen

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Ich berichtete schon von der Eröffnung am 29.05.2026 dort, bei der annähernd 200 Besucher:innen gekommen waren. Bei ausgelassener Stimmung wurde die Ausstellung eröffnet und es gab viele sehr gute Gespräche.

Die Presse berichtete: Große Resonanz auf Projekt „Radius 26 – Kunst aus der Region“

Am 14.6. erfolgte die Finissage mit kurzen Statements in denen alle anwesenden Künstler:innen ihre Arbeiten persönlich vorstellen konnten. Dabei gaben wir Einblicke in die Ideen hinter unseren Werken, den Entstehungsprozessen sowie die Wirkung und Fragen, die unsere Arbeiten beim Publikum auslösen sollten.

Es bot die Gelegenheit, einen vielfältigen Überblick über die Ausstellung und die daran beteiligten Künstler:innen zu vermitteln. Danach gab es noch Gelegenheit für persönliche Gespräche, ein Gruppenbild, Kaffee & Kuchen bevor die Bekanntgabe der Ergebnisse des Publikums-Votings in den Kategorien: „Innovation“, „Lebensnähe“, „Emotionalität“ und „Denkanstoß“ stattfand. Die Gewinner:innen erhalten ein Coaching durch Andrea Jacobi, KUNST-COACHING, zum Thema „Von Kunst leben“ und eine Jahresmitgliedschaft im Kunstverein Springhornhof.

Ich empfand es als bereichernd auch meinen Kolleg:innen zu lauschen, was sie über ihre Kunst zu sagen hatten, was sie antreibt, was sich in ihren Werken verbirgt und was sie aussagen möchten.

Und ich habe mich wahnsinnig darüber gefreut, dass ich den Hauptpreis des Publikums-Votings gewonnen habe. Vielen Dank für das entgegengebrachte Interesse, die Auseinandersetzung mit meinen Werken und das wohlwollende Pro für mich. D A N K E!

Es war für mich eine gelungene Überraschung und ich war sehr beseelt und dankbar dafür.

Die weiteren Gewinnerinnen waren Samiye Seperhirikia, Freda Heyden und Rita Dahlem.

Ich möchte mich an dieser Stelle noch einmal herzlich beim Springhornhof bedanken für die tolle Idee dieser Ausschreibungsausstellung, dann bei den 12 Mitgliedern des Vereins, die für die Künstler:innen gestimmt und diese ausgewählt haben, die dann anschließend ausstellen durften. Danke für die Organisation, die Helfer und dass alles so positiv für uns Künstler:innen gelaufen ist.

Für mich eine sehr schöne Erfahrung, auch wenn ich professionell gesehen über die letzten 15 Jahre schon an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen habe. Aber insgesamt war die Freude schon sehr groß über die mögliche Teilnahme mit meinen keramischen Bildobjekten und einer Papierarbeit.

Ich freue mich jetzt an die Jahresmitgliedschaft im Verein und das Kunst-Coaching durch Andrea Jacobi.

DANKE!

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Sabine Schellhorn und Karsten Reise ergreifen das Thema Strand von unterschiedlichen Blickwinkeln aus. Schellhorn als Bildende Künstlerin, die orts- und anlassbezogen arbeitet, oft mit themenspezifischem Material – wie hier mit Sand – ihr Gast Karsten Reise als Küstenforscher und Autor, der sein Wissen u.a. auch in Vorträgen interessierten Menschen nahe bringt.

Schellhorn sammelt seit 2021 Sand von weltweiten Meeresstränden, über Aufrufe auf verschiedenen Portalen hat sie mithilfe vieler Menschen bis heute knapp 500 Sande zusammengetragen. Sie benötigt jeweils nur eine geringe Menge, um daraus ihre Serie von haptischen Zeichnungen anzufertigen, die erstmals in einer Rauminstallation ausgestellt werden soll.

Meeresbiologe und Autor Professor Karsten Reise schreibt und referiert über Verborgenes und Wundersames im Strandleben, über bewegte Sandkörner und was das Meer an die Strände spült.

Reise lebt auf der Insel Sylt, er arbeitete dort am Alfred Wegener Institut für Polar- und Meeresforschung. Er kann deshalb im Besonderen über die dortige Strand- und Küstenforschung
berichten.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://zentrum-fuer-kunst.de/kw-event/strand-ort-des-wandels/

Zentrum für Kunst
Hermann-Ritter-Str. 108 E
28197 Bremen

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Nacht

Dieses Dunkel gibt es nur in den Schlafzimmern der Kindheit.

Tiefes Schwarz. An anderen Orten dünnes und wässriges Grau,

in dem sich alles unterscheidet, gleich ist.

© Petr Hruška, * 07.06.1964, Ostrava , Tschechische Republik
lebt in: Ostrava, Tschechische Republik
Aus: Zelený svetr. Brno: Edice poesie Host – Velká ?ada, 2004, Übertragen von  Andreas Altmann

NOC

Skute?ná tma je v d?tské ložnici. Hluboká ?er?.
Jinde jen ?ídké a vodnaté šero, ve kterém se dá nakonec
všechno potupn? rozeznat.

© Petr Hruška
Aus: Zelený svetr. Brno: Edice poesie Host – Velká ?ada, 2004
ISBN: 80-7294-138-0

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Ausstellung „POINT OF VIEW“ – Malerei von Jette Slangerod im Königin-Christinen-Haus in Zeven

Die Ausstellung „POINT OF VIEW“ präsentiert Malerei der dänischen Künstlerin Jette Slangerod im Königin-Christinen-Haus in Zeven. Slangerods Werke sind vieldeutig und laden dazu ein, genauer hinzusehen: Figuren, Formen und Hintergründe scheinen miteinander zu verschmelzen und eröffnen Spielräume für eigene Wahrnehmungen und Deutungen. Ihre Malerei beschäftigt sich mit Fragen nach Form, Veränderung und Wahrnehmung – Bilder entstehen dabei als Prozesse zwischen Material, Farbe und Vorstellungskraft.

1946 in Dänemark geboren, kam Jette Slangerod in den 1980er Jahren nach Deutschland und studierte später an der Kunstfachhochschule in Ottersberg. Ihre Werkreihen zeigen Übergänge zwischen Auflösung und Entstehung und beziehen die Betrachtenden aktiv in die Bildwahrnehmung ein.

Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt durch Slangerods Werkgeschichte – von aktuellen reliefartigen Arbeiten der Reihe „As you see it“ über textile Werke aus „Plask“ bis hin zu älteren Acrylbildern mit freihängenden runden Formaten. „POINT OF VIEW“ ist vom 07. Juni bis 31. August 2026 in der Städtischen Galerie zu sehen. Die Galerie ist donnerstags, sonntags und an Feiertagen von 14:30 bis 17:30 Uhr geöffnet, der Eintritt ist frei. Führungen für Schulklassen können kostenlos vereinbart werden.

Weitere Informationen zur Ausstellung: https://www.zeven.de/Leben-und-Wohnen/Kultur/Kunst/Staedtische-Galerie.htm?waid=5

Städtische Galerie in Königin-Christinen-Haus
Lindenstraße 11, 27404 Zeven
Geöffnet Do., So. und Feiertage 14:30-17:30 Uhr
christinenhaus@zeven.de 04281-716600
wwW.koenigin-christinen-haus.de

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