Kennenlernen beginnt nicht erst im Gespräch. Es entsteht im Blick, in der Berührung, im Zufall, in der Erinnerung oder in den Spuren, die Menschen, Tiere und Dinge hinterlassen. Die in der Ausstellung versammelten künstlerischen 13 Positionen eröffnen vielfältige Perspektiven auf Begegnung, Wahrnehmung und Beziehung. Sie erzählen von flüchtigen Momenten der Annäherung ebenso wie von den Prozessen des Erinnerns, Suchens und Verstehens. So entfaltet sich ein facettenreiches Mosaik darüber, wie wir anderen – und uns selbst – begegnen.

(Quelle: xponart)

Weitere Informationen zur Ausstellung: xpon-art

repsoldstraße 45

20097 hamburg

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Die Spielregeln sind die gleichen geblieben. Wer sie noch mal nachlesen möchte, der kann das hier tun:

Hier nun mein Bild zu meinem August-Beitrag 2026. Ich habe eine 3 gewürfelt, was bei mir den 3. Buchstaben das N meines noch unbekannten und nicht aufgelösten Wortes ist. Mit N fiel mit Nuraghe ein.

Nuraghen sind einzigartig auf der Welt und so nur auf Sardinien zu finden. In meiner Kindheit sind wir oft zu den Nuraghen gefahren vor allem auch zu dieser, und 2016 entstand dieses Foto. Meine Mutter stammt von dieser wunderschönen Insel und so verbinde ich viele schöne Erinnerungen mit den Nuraghen.

Ich bin dann 2016 zuletzt auch auf diese Nuraghe hochgeklettert (das konnte man da noch machen von Innen) und oben auf dem „Dach“ stehen und über das Land schauen. Wunderbar.

Weitere Informationen zu Nuraghen und Sardinien finden sich hier.

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Mit der umfangreichsten Pop Art Sammlung außerhalb der USA, ist das Museum Ludwig für seinen Bezug zu den Vereinigten Staaten bekannt – einem Land, das 2026 das 250ste Jahr seiner Unabhängigkeit feiert. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen darum zwei zeitgenössische, US-amerikanische Künstlerinnen: Marie Watt und Wendy Red Star.

Die fotografischen Selbstinszenierungen von Wendy Red Star (geb. 1981) greifen auf humorvoll-satirische Weise westliche Vorstellungen von Indigenität auf und laden uns dazu ein, differenzierter hinzuschauen. “Ich gehöre zur First Nation der Apsáalooke, ich komme aus einer bestimmten Gegend, und meine Kunst ist tief in der Geschichte der Apsáalooke verwurzelt. Aber im Museum fungiert ‚Native Artist‘ nicht mehr als Beschreibung – es wird zur Schublade. […] Die Kategorie ‚Native Artist‘ verändert das Kunstwerk, noch bevor jemand es überhaupt zu Gesicht bekommt. […]“ Wendy Red Star, The Foe Manuscript (Auszug)

Marie Watt wurde 1967 in Seattle geboren, ist Mitglied der Seneca Nation und lebt heute in Portland, Oregon. In einigen indigenen Traditionen heißen die Amerikas, oder auch die Welt als Ganzes, Turtle Island. Diese individuellen Schöpfungsgeschichten werden von Generation zu Generation mündlich überliefert. 
 

De/Collecting Memories from Turtle Island lädt uns dazu ein, Erinnerungen und gesammelte Bilder, Werke wie mentale Repräsentationen, zu überdenken und zu überschreiben.

Ausgangspunkt ist ein 2024 vom Museum Ludwig erworbenes Konvolut kitsch-bunter Fotochrome der Detroit Publishing Company. Viele der um 1900 produzierten Bilder gehen auf früfrühere Schwarzweißfotografien von William Henry Jackson zurück. Es sind oft die ersten Fotografien aus Gegenden, die heute weltweit als touristische Attraktionen bekannt sind: der Yellowstone Nationalpark etwa, oder der Grand Canyon. Die Fotochrome dienten als Wanddekoration oder Postkartenmotive und wurden in einer Auflage von bis zu sieben Millionen Exemplaren pro Jahr verkauft. Sie zeigen moderne Großstädte und weite Landschaften – auffällig menschenleere Landschaften. Diese an den Rändern der Kunst entstandenen Fotografien prägen das Bild der USA für viele Menschen bis heute.  Die Ausstellung setzt da an, wo die Postkartenmotive enden, bei dem, was sie nicht erzählen. Die vermeintlich unberührte Natur war Heimat vieler Menschen und Nationen – lange bevor die ersten Europäer*innen ankamen, Indigene Menschen unterdrückten und vor 250 Jahren die USA gründeten. 

Die Bilder der Detroit Publishing Company neu zusammenzubringen mit zwei Positionen zeitgenössischer Indigener Künstlerinnen ist ein Versuch, den Blick auf die Konstruktion von Narrativen und das, was sie auslassen, zu schärfen. Es ist die Einladung, sich einzulassen auf multiple Erinnerungen und Vorstellungen von Turtle Island. Die Ausstellung ist Anlass, um die eigene Sammlung um Stimmen und Perspektiven der Indigenen Völker Amerikas zu ergänzen.  

Marie Watt hat für die Ausstellung im Museum Ludwig eine neue raumgreifende Arbeit entwickelt. Thirteen Moons besteht aus dreizehn hängenden Skulpturen, die sich aus Zinnschellen zusammensetzen. Schellenwolken schweben zwischen Himmel und Erde. Sie klingen nur durch Berührung mit anderen Schellen oder Dingen. Die Skulpturen dürfen berührt werden, die Zinnschellen dürfen in Bewegung versetzt werden und ein Klirren und Rauschen hörbar machen. Thirteen Moons entfaltet eine körperliche, visuelle und auditive Präsenz im Raum. Und sie beziehen sich auf indigene Traditionen.    

Die Schellen-Skulpturen sind, wie die Künstlerin schreibt, „eine Hommage an den Jingle-Dress-Tanz, der um 1900, während der Grippepandemie, als Heilungsritual bei den Ojibwe entstand. Die Idee für diesen Tanz kam einem Ältesten im Traum. Als er aufgeführt wurde, so die Vision, wurde ein junges Mädchen, das zu der Zeit krank war, gesund. Der Jingle-Dress-Tanz war auch ein radikaler Akt. Im Jahr 1883 verboten die Vereinigten Staaten traditionelle Versammlungen Indigener Gemeinschaften. Obwohl das Verbot erst 1978 mit dem American Indian Religious Freedom Act aufgehoben wurde, wurde der Jingle-Dress-Tanz während des jahrhundertlangen Verbots mit anderen Völkern geteilt. Heute ist er ein Pow-Wow-Tanz und wird weiterhin mit Heilung in Verbindung gebracht.“ Für die Ausstellung wird Marie Watt mit der Jingle-Dress-Tänzerin Acosia Red Elk zusammenarbeiten. Sie ist Angehörige der Umatilla aus Oregon.

Mit De/Collecting Memories from Turtle Island findet 2026 die elfte Ausstellung in der Reihe HIER UND JETZT im Museum Ludwig statt. Mit der Ausstellungsreihe stellt das Museum Ludwig regelmäßig die eigene Arbeit auf den Prüfstand und hinterfragt die gewohnten Wege des Ausstellungsmachens.

Kurator*innen: Santi Grunewald, Miriam Szwast

Die Ausstellung wird substanziell unterstützt von der Fördergruppe HIER UND JETZT aus dem Kreis der Mitglieder der Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum Ludwig e.V.

Weitere Informationen zur Ausstellung: HIER UND JETZT im Museum Ludwig. De/Collecting Memories from Turtle Island

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen? Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf einzuschlagen?

Britta: Ich habe schon während der Schulzeit gerne gemalt, fotografiert und damit einfach nicht aufgehört. Es war immer wichtig für mich. Irgendwann hatte ich den Wunsch meine Werke auszustellen. Diesen Wunsch konnte ich 1997 zum ersten Mal verwirklichen. Seitdem ließ es mich nicht mehr los. 2027 stelle ich dann seit inzwischen 30 Jahren aus und habe vor es bis zu meinem Lebensende weiter zu machen – ich liebe es einfach!

Manuela: Auf deiner Homepage erfährt man ein wenig zu deinem Werdegang, bzw. dass du dich mit diversen künstlerischen Bereichen auseinandergesetzt hast. Darunter auch Holz- und Metallbearbeitung, Schmiedekunst, Holzdruck, Collagen. Was macht den besonderen Reiz für dich aus immer wieder neue Bereiche zu erkunden?

Britta: Ich finde es immer wieder interessant etwas Neues zu lernen oder vielleicht ein weiteres Talent zu entdecken, das in mir „schlummert“. Außerdem ist es doch phantastisch etwas mit seinen Händen zu erschaffen. Manches muss man einfach auch ausprobieren um zu wissen, ob es einem liegt. Lernen und Erfahrungen zu sammeln finde ich lebenswichtig, natürlich auch außerhalb der Kunst.

Früher habe ich z.B. immer mal wieder Bildungsurlaub im Überseemuseum Bremen gemacht, dort mal einen ausgestopften Raben in der Vitrine oder eine Figur aus dem mexikanischen Totenkult abgezeichnet und sie mit Hilfe von Holzdruck zu Papier gebracht.

Manuela: Hast du eine formale Ausbildung absolviert oder bist du Autodidaktin?

Britta: Ich bin Autodidaktin. Eine künstlerische Ausbildung oder ein Studium hat sich leider nicht ergeben, auch deshalb besuche ich Workshops, Ausstellungen und experimentiere mit künstlerischen Materialien.

Manuela: Welche u.a. politischen, sozialen, umweltbedingten oder andere Themen sind für dich als Künstlerin wichtig?

Britta: Für mich ist meine Kunst in Hinsicht von umweltbedingten Themen sehr wichtig. Natürlich kann sie manchmal einfach auch nur schön sein, aber in erster Linie geht es mir bei der Gestaltung z.B. mit Naturmaterialien oder meiner Eisfotos doch darum auf die Fragilität der Natur hinzuweisen. So zart wie die Blüten in meinen Eisfotos sind, so zerbrechlich kann auch die Natur sein, wenn man gegen sie lebt, Tieren und Pflanzen Lebensraum nimmt und Arten aussterben. Deshalb ist auch unser kleiner naturnaher Garten so ein Paradies für mich, in dem ich versuche so wenig wie möglich in die Abläufe der Natur einzugreifen.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Britta: Ich erlebe mich als selbstwirksam, kann eigene Ideen verwirklichen, die in meinem Kopf entstanden sind, kann etwas erschaffen, mit meinen Händen, etwas das es so noch nicht gibt, vielleicht mit meinen Projekten die Menschen zum Nachdenken anregen und im besten Fall die Welt ein kleines bisschen besser machen – ich liebe es! Und es ist wichtig dabei authentisch zu sein.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten und warum?

Britta: Ich male gerne mit Acryl, Rost und Patina. Oft kombiniere ich sie, füge noch Naturmaterial dazu.

An Rost und Patina finde ich immer wieder spannend, dass man nicht weiß, wie es sich entwickelt. Der Rost, bzw. am Anfang steht die Eisengrundierung, ist erst anthrazitfarben und entwickelt sich dann. Er kann hellorange ausfallen, dunkelbraun und alles dazwischen. So verhält es sich auch mit der Patina. Dazu gehört Geduld, denn das Ergebnis sieht

man erst nach Stunden und ebenso muss man dann auch mit dem Ergebnis umgehen können. Es ist kein Material für jemanden, der alles genau plant und bestimmen möchte. Für mich macht es den Reiz aus. Und ich finde es wunderbar, dass es nicht wiederholbar ist – kein Bild gleicht dem anderen. Das muss man mögen!

Acrylfarbe mag ich sehr aufgrund der vielen verschiedenen Farbmöglichkeiten und sie ist so unkompliziert in der Handhabung. Mit ihr kann ich malen, drucken und sprayen. Manchmal finden sich auch zeichnerische Elemente in meinen Bildern mit Acryl.

Manuela: Neben deiner Malerei fällt insbesondere deine Eiskunst ins Auge. Nicht das was man normalerweise darunter verstehen könnte, nämlich Eisskulpturen oder dergleichen. Schenke uns doch bitte einen kleinen Einblick in deine Eiskunst, wie du sie fertigst, was du damit zeigen möchtest.

Britta: Meine Eiskunst entsteht seit 2003. Ich kann gar nicht mehr sagen, wie ich mal auf die Idee kam Blumen einzufrieren. Aber auch hier liegt der Reiz im Unvorhersehbaren. Denn ich weiß nie, wie sich das Eis entwickelt und die

Blumen wirken. Es kann auch passieren, dass sich die Blüten verfärben oder das Eis zu weiß wird, es gelingt nicht jeder kleine Eisblock. Es ist nicht planbar und für mich immer wieder faszinierend. Du musst Dir das so vorstellen: Ich entdecke „im Rausch der Farben“ wunderschöne Blumen und Stauden im Gartencenter, nehme sie mit, pflanze sie ein, gucke wie sie sich entwickeln, überlege ob ich sie einzeln oder mit anderen zusammen einfriere, arrangiere ein Stillleben im Wasser. Dann kommt das Ganze in einer Dose in unseren Gefrierschrank im Keller.

Foto links: Akelei meets friends IV | 2026 | Britta Gansberg

Foto Mitte: Akelei meets friends I | 2026 | Britta Gansberg

Foto rechts: Akelei meets friends III | 2026 | Britta Gansberg

Zwischen Spinat und Tiefkühlpizza entsteht dann mit Glück ein wunderschönes kleines eisiges Kunstwerk. Ich bin dann immer so gespannt, dass ich manchmal morgens noch im Nachthemd runter laufe um das Ergebnis zu begutachten. Dann geht es irgendwann mit meiner digitalen Spiegelreflexkamera in den Garten um diesen Moment festzuhalten – ein Spiel mit der Schönheit, aber auch Vergänglichkeit – festgehalten im Eis. Übrigens: Eine nachträgliche Bildbearbeitung am PC der Eisfotos findet nicht statt.

Foto links: Azalee | 2026 | Britta Gansberg

Foto rechts: Ausschnitt | 2026 | Britta Gansberg

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für aus Werke? / Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Britta: Ich brauche Ruhe und Zeit zum Nachdenken dafür. Oft denke ich tagelang oder manchmal auch Wochen immer wieder über ein Bild nach, es entsteht praktisch als „Vorabskizze“ in meinem Kopf. Dann mache ich eine Miniskizze auf einen Zettel um die Idee nicht zu vergessen. Das war nicht immer so, früher habe ich einfach angefangen zu malen, aber jetzt gefällt es mir so besser.

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Britta: Da fällt mir so spontan kein Kunstwerk ein, aber wahrscheinlich wäre es eine Skulptur.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Britta: Meine Werke entstehen hauptsächlich in meinem Arbeitszimmer oder im Garten. Rost und Patina riechen bei der Entstehung, eine Belüftung ist bei diesem chemischen Prozess notwendig und so gehe ich damit raus. Die Eisfotos entstehen immer im Garten – der Eisblock tropft und schmilzt in meiner Hand.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Britta: Gedanken mache ich mir jeden Tag darüber, aber es ist oft wenig Zeit für die Umsetzung da. Ich lebe in einer vierköpfigen Familie, Haus, Garten, alles nimmt Zeit in Anspruch. Aber andererseits bin ich meiner Familie dankbar unbezahlten Urlaub nehmen zu können. Als gelernte Fachangestellte für Arbeitsförderung säße ich sonst im Büro. Eine Ausbildung als Floristin musste ich 1998 aus gesundheitlichen Gründen abbrechen. Und natürlich nimmt auch das Organisatorische bei der Kunst viel Zeit in Anspruch.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Britta: Auf jeden Fall meine Familie. Da ist mir besonders die Geburt meiner eineiigen Zwillingstöchter in Erinnerung. Bis zur Geburt hatte ich gerade eine Phase, in der ich abstrakt mit Acryl malte. Nach der Geburt konnte ich es nicht mehr, es war verrückt, irgendwie wollte es mir nicht mehr gelingen – es kam später wieder. Aber weil ich gerne etwas machen wollte, besuchte ich einen Workshop in dem ich lernte Rost und Patina entstehen zu lassen. Und was soll ich sagen – jetzt 18 Jahre später nutze ich dieses Material immer noch.

Manuela: Was macht dir bei deiner künstlerischen Arbeit am meisten Spaß?

Britta: Ehrlich gesagt macht mich das Ergebnis am glücklichsten. Spaß macht es mir, wenn ich eine tolle Idee habe und es mir gelingt sie in die Tat umzusetzen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Britta: Ein Mitarbeiter vom Baubetriebshof der Stadt Bassum, der nach meinem Fotoprojekt „Danke für Eure Arbeit“ zu mir sagte: „Das werde ich nie vergessen.“ In diesem Satz klang so viel Dankbarkeit mit, dass ich ihn und viele andere sichtbar gemacht hatte und es war meine Dankbarkeit an alle, die unser gemeinsames gesellschaftliches Leben ermöglichen. Dieser Satz hat mich sehr berührt.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Britta: Meine Kunst begleitet mich nun schon seit Jahrzehnten und ich habe dadurch wunderbare Erfahrungen gemacht und Dinge erlebt. Besonders im Gedächnis ist mir geblieben, als ich 2012 kleine Holzhäuschen in der Zeitschrift „Landlust“ veröffentlichen konnte. Die Häuschen waren aus einem Balken gesägt und mit Rost und Patina bemalt. Zuvor hatte ich sie auf der „Hanse-Art“ in Bremen gezeigt. Sie landeten dann auf dem Titelblatt der „Landlust“ und es gab eine Schritt-für-Schritt Anleitung in der Zeitschrift. Danach konnte ich mich monatelang vor Bestellungen und Anfragen nicht retten. Und auch über 10 Jahre später gibt es selten noch Anrufe und Bestellungen.

Ich werde nochmal exemplarisch über zwei Ausstellungen berichten, die mich in verschiedener Hinsicht sehr bewegt haben.

Die Ausstellung „Kriminaltango“ (ich zeigte sie 2009 im Diepholzer Schlossturm, 2011 in der Wassermühle Sudweyhe und 2013 im „Caponi“ – der Kantine der Polizeiakademie Niedersachsen in Nienburg) zeigte schwarz/weiß Fotografien von nachgestellten Verbrechen. Als Schirmherr hatte ich unseren damaligen Landrat Gerd Stötzel und hatte für meine Fotos auch Beratung durch die Polizei, die bei uns in Bassum gegenüber ist. Sie liehen mir Sachen für meine Fotos, wie z.B. Handschellen oder Polizeiabsperrband. Raus kam eine Ausstellung mit Fotos und einem „Tatort mit Leiche“, an dem einmal Freunde die Spurensicherung für mich spielten, aber einmal auch die Polizei aus Weyhe, als ich die Ausstellung in der Wassermühle Sudweyhe zeigte. Natürlich richtete sich diese Ausstellung gegen Verbrechen und das Abschlussfoto zeigte mich bei meiner „Verhaftung“.

Eine meiner Lieblingsausstellung war in der ganzen Zeit auch 2017 „Danke für Eure Arbeit“ in der Zusammenarbeit mit der Stadt Bassum. Es ging für mich darum Menschen sichtbar zu machen, die einen Teil dazu beitragen, dass unser gesellschaftliches Leben funktioniert und damit meinte ich alle, egal ob sie sich zuhause um ihre Kinder kümmerten, jemanden pflegten, zur Arbeit gingen, ehrenamtlich tätig waren usw. Für meine Banner, die in Bassum an Bauzäunen aufgehängt wurden, wählte ich Berufsgruppen aus, die man an ihrer Kleidung erkennen konnte und sie standen beispielhaft für alle wie z.B. die Feuerwehr, der Rettungsdienst, Schornsteinfeger, die Polizei, Angestellte vom Tierpark usw. Die Dankbarkeit und Wertschätzung, die ich für diese Ausstellung erhielt, machte mich sehr glücklich und es war mir sehr wichtig gewesen dieses Thema in die Öffentlichkeit zu rücken.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Britta: Wie wird KI unsere Kunstwelt verändern? Wird man immer unterscheiden können, ob die Kunst durch einen Menschen oder eine KI erschaffen wurde?

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Britta: Liebe, Leidenschaft, Ausdruck

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Britta: Zurzeit sind einige neue Eisfotos für meine nächste Ausstellung entstanden, u.a. meine Werkserien „Akelei meets friends“ und „Pretty Petunia“. Ich kann dann im Frühling auch immer gar nicht anders meine neuesten „Gartenschätze“ im Eis festzuhalten. Sie sind ja vergänglich und der Garten verändert sich über die Monate mit den Jahreszeiten.

Außerdem wird in den nächsten Monaten ein Insektenhotel in „Müllwagenform“ nach meiner Idee und Zeichnung auf dem Gelände der Abfallwirtschaftsgesellschaft (AWG) Bassum entstehen. Du hörst ja immer wieder heraus, wie wichtig mir die Natur ist und so entstehen auch viele Projekte aus Liebe und Respekt vor der Natur. Bei dem Insektenhotel lag für mich auch der Reiz in der Widersprüchlichkeit – ein Insektenhotel in der Form eines Müllwagens. Ich werde es mit anderen zusammen bauen. Dann ist es auf dem Utkiek (Naherholungsgebiet) der AWG für die Öffentlichkeit zugänglich und informiert die Besucher. Im Jahr 2024 hatte ich schon mal Blumenbeete in Insektenform zum 200-jährigen Jubiläum des katholischen Friedhofs in Twistringen entworfen und realisiert.

Manuela: Deiner Homepage entnehme ich, dass Du nicht nur in der bildenden Kunst zuhause bist.

Britta: Ja, das ist richtig. Ich bin seit über 20 Jahren Mitglied der Maskentheatergruppe „Twist-A-Gang“ und spiele auch immer mal gerne mit einer Maske, die ich oft auch selbst gebaut habe.

Außerdem konnte ich schon ein paar Mal als Komparsin in einem Film mitwirken und sehe jetzt Filme im Fernsehen oder Kino mit anderen Augen. Ich finde es sehr spannend in die Filmwelt einzutauchen und zu sehen, was alles dazu gehört. So war ich z.B. als Komparsin bei „Rabiye Kurnaz gegen George W.Bush“, „Die Hände meiner Mutter“ oder „Das Märchen von der Zauberflöte“ dabei.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Britta: Am 01.08.2026 bei meiner Einzelausstellung „Magie des Eises“ (Vernissage 17 Uhr) in der Wassermühle Sudweyhe. Am 27.09.2026 ist die Finissage.

Und am 04.10.2026 bei einer Gruppenausstellung in der Alten Oberförsterei in Neubruchhausen (Vernissage 14 Uhr).

Außerdem male ich immer mal wieder Bühnenbilder für die Kinder-und Jugendkantorei hier in Bassum für Musicals oder Krippenspiele in der Stiftskirche Bassum.

Manuela: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Britta: Unter www.Britta-Gansberg.de

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Die Teilnahme an dieser Ausstellung wurde ausgeschrieben, und ich war sehr glücklich, ausgewählt worden zu sein. Ich zeige dort zwei Installationen/Skulpturen. Besonders gefreut habe ich mich darüber, dass meine geschätzte Kollegin Olivia Kaufmann ebenfalls dabei ist – auf sie hatte ich mich wirklich sehr gefreut. Die Begegnung mit fast allen anwesenden Künstler:innen bei der Vernissage war interessant und von gegenseitigem Respekt geprägt.

Mein Dank geht an die Projektgruppe Wunden, die mir nicht nur diese Möglichkeit geboten hat, sondern sich generell für Demokratie, Solidarität, Umwelt und all die wirklich wichtigen Themen einsetzt. Es ist ein Projekt, das Hoffnung

macht, Netzwerke schafft, die Künstler:innen zusammenbringt, uns näher zueinander und zu den angesprochenen Themen führt – und eben auch näher an die Besucher:innen.

Foto links: Installation vorne ‚Erinnerungsfragmente‘ von Manuela Mordhorst, im Hintergrund 2 Werke von Thomas Weidner

Foto rechts: Installationen Manuela Mordhorst, Werke von Jana Schröder

Die Vernissage empfand ich als etwas ganz Besonderes, besonders, weil das Haus selbst so viel Geschichte atmet – eine Geschichte, die dunkle Flecken deutscher Vergangenheit berührt. Sofort dachte ich daran, dass wir mit unserer Kunst das Gebäude ein Stück weit „heilen“, wenn man das so sagen darf.

Foto links: Skulptur Matthias Trott, Installation hängend Manuela Mordhorst

Foto rechts: Klang- und Videoinstallation Matthias Fitz

Der Charakter dieses Gebäudes ist beeindruckend: Einst muss es sehr prächtig gewesen sein. Heute blättern die Farbschichten von den Wänden, einige Stuckornamente an der Decke fehlen, aber der Parkettboden, die Säulen, die zahlreichen Zimmer und der Blick auf den See sind noch da. Alles strahlt eine feudale Eleganz aus, und der Zauber vergangener Zeiten liegt deutlich spürbar in der Luft. Kennt man die Geschichte, läuft einem kalt über den Rücken – und trotzdem finde ich genau DAS motivierend. Gerade diese düstere NS-Vergangenheit, gefolgt von der Honecker-Ära und allem, was sonst noch mit dem Ort verbunden ist.

Foto links: Skulptur Matthias Trott, Werke von Berthold Bock

Foto rechts: Sebastian Kommerell

Und jetzt schreiben wir das Jahr 2026: Dieser Ort wurde zu einem Ort der Freude, des Zusammenhalts und des Friedens. Ich freue mich sehr, Teil davon zu sein und meinen kleinen Beitrag geleistet zu haben.

Ich habe ein Video gedreht und führe darin durch das Haus – wer mag, kann es gerne anschauen und weiterteilen.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 15. August 2026, am selben Tag wird es eine Finissage geben. Besucher:innen sind herzlich willkommen!

Adresse: Götschendorf 33, 17268 Milmersdorf-Götschendorf

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Phototriennale 2026

Im Rahmen der 9. Triennale der Photographie Hamburg 2026 präsentiert die Ausstellung ABER ICH | DIE WELT | ICH SEHE | DICH*  Werke von mehr als  40 internationalen Künstler*innen verschiedener Generationen. 

Das erste Kapitel entschlüsselt (grabähnliche) Landschaften und eine Kultur der Obsoleszenz, die von historischen Erinnerungen durchdrungen und von persönlichen Erfahrungen, Mythen und Ideologien geprägt sind, oder aber die Frage, wie Bedeutung die latenten Bedeutungen der Bilder insgesamt beeinflusst. Es präsentiert Fotografien, Skulpturen, 16mm Filme und Videos, darunter Henry Fox Talbots The Haystack (1844) mit einer angelehnten Leiter; Henri Becquerels wissenschaftliche Bilder Phosphorescences invisibles und Beta Ray; ein Bild einer Leiter und eines Wachpostens, die durch den Blitz der auf Hiroshima abgeworfenen Atombombe an eine Wand gesprengt wurden und auf dieser ihren Abdruck hinterließen; Hiromi Tsuchidas ARBRE Pin, Camphrier, und Cerisier; On Kawaras Thanatophanies; Paul Grahams Corrupted Cherry Blossoms; Pierre Huyghes Dance for Radium; Alina Szapocznikows Photosculptures und Tumeurs series; Santu Mofokengs traumatische oder verseuchte Landschaften, in denen menschliche und geografische Körper gezwungenermaßen eine allmähliche Metamorphose durchlaufen; Jo Ractliffes Terreno Ocupado und As Terras do Fim do Mundo über die Landschaften und Überreste Angolas; Tacita Deans Kodak und The Tail End of Film; Willie Dohertys Videoinstallation Secretion; sowie das Lautgedicht The Man who is Afraid of Bombs von Raoul Hausmann.

Der Heuhaufen – ein Landschaftsrezitativ – offenbart die Erscheinungsweise von Objekten, deren Schwindel Duchamps Ready-mades vollenden werden, denn zwischen Ready-mades und Fotografie besteht eine sowohl offensichtliche als auch heimliche Verwandtschaft. Das zweite Kapitel der Ausstellung untersucht, wie Künstler*innen wie Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, Richard Hamilton, Marcel Broodthaers, Paul Thek, Dieter Roth, Sherrie Levine, Walid Raad, Jean-Luc Moulène, Emilio Prini, Fischli & Weiss und Seher Shah Fallschatten, optische Geräte, Artefakte und fotografische Aneignung nutzen, um den Zustand von Formen festzuhalten und als Matrix, als konstitutives Vehikel für die Organisation von Ideen, für eine Ökologie der Aufmerksamkeit. Sie teilen Verfahren, welche das Objekt und die Fotografie wieder in das Spiel der Erzählung einführen und die Bilder aus ihrem ursprünglichen bedeutungsgebenden Umfeld emanzipieren, wodurch sie eine Art fotografisches Unbewusstes extrahieren.

Das dritte und letzte Kapitel der Ausstellung konzentriert sich auf Protokolle, Bildbearbeitung und die Produktion von Objekten mit historischer und poetischer Anmutung, oder darauf, wie Künstler*innen in ihrer eigenen Praxis konstitutive Gesten, fotografisches oder archäologisches Material und Artefakte untersuchen und übersetzen, die neue Beziehungen zu Erinnerung, Intimität und Archiv herstellen. Indem sie Quellen nachverfolgen, aktivieren und miteinander verflechten, hinterfragen die Künstler*innen den Status des Bildes und »interpretieren neu, was Kunst tut oder was Kunst ausmacht« (Jacques Rancière). Indem sie verkörperte und emotionale Erfahrungen vorschlagen, in denen Ästhetik und Politik untrennbar miteinander verbunden sind, machen ihre Kunstwerke das Zusammenspiel zwischen kolonialer Geschichte und Gegenwart, Arbeit und Traditionen sowie Dokumenten und Vorstellungskraft sichtbar. Sie alle identifizieren Falten im Inhalt von Fotografien: die Details, die etwas über ein Bild verraten und jedes Mal die historischen Sedimente offenlegen. Mit den Künstler*innen Tina Modotti, Bahman Jalali & Rana Javadi, Hannah Darabi, Akram Zaatari, Sigmar Polke, Rosemarie Trockel, Helen Chadwick, Deana Lawson, Karimah Ashadu, Mario García Torres, Ailbhe Ní Bhriain, Yeh Shih-Chiang, Yeh Wei-Li, Saâdane Afif, Yto Barrada, Flaka Haliti, Taysir Batniji, Laura Henno, und Khadija Saye.

Die Hamburger Kunsthalle wird auch mit dem Internationalen Sommerfestival 2026 auf Kampnagel zusammenarbeiten und Nan Goldins ikonische Diashow The Ballad of Sexual Dependency aus der Sammlung des Museums, (die deutsche Premiere von) Monsters of Circumstances des Choreografen Xavier Le Roy sowie eine neu in Auftrag gegebene Performance von Saâdane Afif und Augustin Maurs, King Coal Laments / Musiques pour Tuyauterie präsentieren.
 

Künstler*innenliste:
Saâdane Afif, Karimah Ashadu, Yto Barrada, Taysir Batniji, Henri Becquerel, Marcel Broodthaers, Helen Chadwick, Hannah Darabi, Tacita Dean, Willie Doherty, Marcel Duchamp, Peter Fischli David Weiss, Mario García Torres, Nan Goldin, Paul Graham, Flaka Haliti, Richard Hamilton, Raoul Hausmann, Laura Henno, Pierre Huyghe, Bahman Jalali & Rana Javadi, On Kawara, Deana Lawson, Xavier Le Roy, Sherrie Levine, Tina Modotti, Santu Mofokeng, Jean-Luc Moulène, Ailbhe Ní Bhriain, Sigmar Polke, Emilio Prini, Walid Raad, Jo Ractliffe, Man Ray, Dieter Roth, Khadija Saye, Seher Shah, Alfred Stieglitz, Alina Szapocznikow, William Henry Fox Talbot, Paul Thek, Rosemarie Trockel, Hiromi Tsuchida, Yeh Shih-Chiang, Yeh Wei-Li, Akram Zaatari 

Quelle: (Hamburger Kunsthalle)

Weitere Informationen zur Ausstellung: ABER ICH DIE WELT ICH SEHE DICH* | Hamburger Kunsthalle

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In der Kunst von Britta Gansberg spielt oft die Natur die Hauptrolle, so auch bei den seit 2003 entstehenden Eisfotos. Mal als bunte Mischung oder als einzelne Blüten wird die Schönheit der Natur festgehalten. Wie ein Wunder, das es zu konservieren gilt. Das Eis sieht dabei immer wie auf fast magische Weise anders aus. Verschiedene Farben und Formen der Pflanzen verschmelzen für einen einzigartigen Moment. So sind die Eisfotos ein Spiel mit Schönheit und Vergänglichkeit. Denn so wie Pflanzen in der Natur vergehen, schmilzt auch der Eisblock in ihrer Hand. Die eisigen Objekte entstehen mit viel Leidenschaft und einer digitalen Spiegelreflexkamera und werden nicht weiterbearbeitet.

Die meisten Blüten und Pflanzenteile für ihre Werke findet Britta Gansberg in ihrem naturnahen Garten, in dem sie
stets den Wandel der Jahreszeiten, die Tiere und Pflanzen beobachtet. Die Eisfotos entstehen aus Liebe und Respekt vor der Natur, die es zu schützen gilt. Gezeigt werden unter anderem Eisfotos aus ihren neuen Werkserien „Akelei meets
friends“ und „Pretty Petunia

Weitere Informationen zur Künstlerin: Startseite – Britta Gansberg

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In dem oberitalienischen Gemeindeverbund Montana Acquacheta, mit dem die Gemeinde Hofbieber seit 20 Jahren freundschaftlich verbunden ist, leben viele Kunstschaffende, darunter Samuele Canestrari (*1996 in Fano). Der junge Künstler beschäftigt sich mit Comics, Illustration, Performance sowie mit Siebdruck, Holzschnitt, Kupferstich und Risographie. Bekannt wurde er durch die Veröffentlichung seiner Zeichnungen in Zeitschriften, die Zusammenarbeit mit Verlagen und mehrere Auszeichnungen – zuletzt 2023 mit dem Preis der Bibliothèque Nationale de France beim Festival Off in Avignon.

Im Mittelpunkt seiner Arbeit steht der graphische Strich, den der Künstler selbst als „sporco“ (schmutzig), stofflich, zugleich aber zurückhaltend und nachdenklich beschreibt. Seine rohe Bildsprache und vielschichtige Bildwelt können verstörend wirken, zeichnen jedoch eindrucksvoll existenzielle Spannungen nach. In seinen Buchillustrationen erzählt Canestrari subtil und poetisch vom menschlichen Leben.

Ergänzt wird die Ausstellung durch Informationen zur Gemeindepartnerschaft.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Samuele Canestrari – Unsere Feuer früher am Strand – Kunststation Kleinsassen

Kunststation Kleinsassen

An der Milseburg 2
36145 Hofbieber-Kleinsassen

Sommer: Di. – So. & Feiertage von 13 – 18 Uhr

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Begleitet mich: Schwarz [Ich habe nie versucht, das Schwarz zu fassen]

Ich habe nie versucht, das Schwarz zu fassen,
denn Schwarz füllt niemals einen Teil der Welt
allein. Es zeigt sich vorne, während es sich hinten
rührt, es breitet sich links aus und sickert doch
im Süden ein. Schwarz ist eine Insel, deren Mitte
man nie verläßt.

© Éditions du Noroît
Aus: M’accompagne. Montréal: Éditions du Noroît, 2005
Audioproduktion: 2007, Literaturwekstatt Berlin
Deutsche Fassung von  Odile Kennel und  Nico Bleutge.
Die Übersetzung entstand im Rahmen des Übersetzungsworkshops
Versschmuggel des Poesiefestivals Berlin 2007

Marc André Brouillette (*1969 in Montréal, Kanada) ist Verfasser mehrerer Lyrik-Bände.

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Die Galerie Stihl Waiblingen präsentiert erstmals in Deutschland eine monografische Ausstellung der international renommierten Künstlerin Angela Glajcar. Anhand von zwölf Werkgruppen eröffnet sich ein umfassendes Panorama ihres künstlerischen Schaffens, das Papier als skulpturales Material neu definiert. Die Schau spannt einen Bogen über 21 Schaffensjahre und kulminiert in einer monumentalen Installation, die die Papierbildhauerin eigens für die Galerie Stihl Waiblingen konzipiert hat. Dieses vor Ort entstandene Werk geht in einen bislang einzigartigen Dialog mit dem architektonisch einmaligen Gebäude.

Glajcar entwickelte einen neuen Umgang mit Papier

Angela Glajcar hat an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg Bildhauerei studiert und arbeitete zunächst mit Holz und Metall. Glajcar entdeckte während der Konzeption ihrer schweren Skulpturen die kraftvolle Flexibilität des häufig als fragil bezeichneten zweidimensionalen Werkstoffs Papier, der, entsprechend bearbeitet, eine imponierende räumliche Präsenz entfalten kann. Ihre oft ortsspezifisch entstehenden Installationen aus geschichteten, großformatigen Papieren ermöglichen spannende Ein- und Durchblicke und üben durch ihre Tiefenwirkung eine besondere Sogkraft auf die Betrachtenden aus. Räumliche Gegebenheiten wie Lichteinfall und Windspiel beeinflussen die atmosphärische Präsenz der mal zerbrechlich, mal monumental wirkenden Papierarbeiten und verändern ihr Erscheinungsbild. 

Dr. Anja Gerdemann, Leiterin der Galerie Stihl Waiblingen, betont: „Angela Glajcars Umgang mit dem Medium Papier ist ungewöhnlich: Ihre Technik des Reißens ist einerseits bildhauerische Methode, andererseits auch von zeichnerischer Qualität. Diese Ambivalenz ist enorm anziehend und wird in unseren Räumen eine ganz eigene Wirkmacht entfalten. Man denke nur an die besonderen Lichtverhältnisse bedingt durch die gläserne Fassade. Zudem stehen beeindruckende 500 Quadratmeter stützenfreier Raum für die Präsentation der abstrakten Formenwelt Angela Glajcars zur Verfügung.“

Mentorin sucht produktiven Austausch mit kreativen Menschen

Die Künstlerin erfüllt nicht nur auf Grund ihres außergewöhnlich-innovativen Ansatzes in der Auseinandersetzung mit dem Werkstoff Papier die Bedingungen als Hauptstipendiatin. Geboren 1970 und inzwischen etablierte Künstlerin, sieht Glajcar ihre Rolle explizit in der Begleitung des Nachwuchses. Sie sagt: „Das kollegiale Miteinander mit anderen Positionen der zeitgenössischen Kunst schätze ich sehr. Als junge Künstlerin habe ich auch und gerade in der Abgrenzung von meinen akademischen Lehrern profitiert.“ Auf ihre Rolle als Mentorin angesprochen, drückt Angela Glajcar ihre Freude hinsichtlich der Arbeit in Waiblingen aus: „Sehr gerne stelle ich meine Erfahrung der nächsten Generation zur Verfügung. Von der gemeinsamen Arbeit erhoffe ich mir einen produktiven Austausch mit kreativen Leuten, die sich gerade selbst erfinden. Außerdem bin ich sehr gespannt darauf, mit den Menschen in Waiblingen in Dialog zu treten.“ Angela Glajcar, Preisträgerin namhafter Auszeichnungen, wird den Nachwuchs während der Werkphase im Sommer 2026 in der Galerie im Kameralamt begleiten. Sie selbst wird im Ausstellungsraum der Galerie Stihl Waiblingen arbeiten.

Weitere Informationen zur Ausstellung: Angela Glajcar. Not a cruise, a crossing | Galerie Stihl Waiblingen

Stadt Waiblingen
Galerie Stihl Waiblingen
Eva Mayr-Stihl Platz 1
71332 Waiblingen

Montag: geschlossen

Dienstag bis Sonntag: von 11:00 Uhr bis 18:00 Uhr

Donnerstag: von 11:00 Uhr bis 20:00 Uhr, auch an Feiertagen

Der Beitrag Tipp: Angela Glajcar. Not a cruise, a crossing erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.