Im Zentrum von Petra Metzners konzeptionellem Ansatz steht der Dialog mit der Natur und ihrem oft fragilen Zusammenspiel verschiedener Elemente. Ihre Arbeit „Vereintsamt“, in der sich hunderte kleiner Formen zu zwei verschlungenen Strängen formieren, thematisiert nach Metzner die „zarte Resilienz im fragilen Mit- und Gegeneinander im Kosmos der Natur“. Dabei umgarnen sich die Stränge „gleich dem DNA-Doppelhelix-Strang, durch den das genetische Material aller lebenden Organismen codiert und über Generationen hinweg weitergegeben wird“. Metzners intensive Auseinandersetzung mit der Natur bietet zahlreiche Anknüpfungspunkte zum kulturgeschichtlichen Erbe der Region, etwa zu Johann Wolfgang von Goethe und seiner Metamorphosenlehre, zum Jenaer Naturforscher und Künstler Ernst Haeckel sowie zum Maler und Fotografen Paul Dobe, der 1919/1920 kurzzeitig am Weimarer Bauhaus lehrte.  (Quelle: Klassik Stiftung Weimar)

Nach einem Studium an der Frankfurter Akademie für Kommunikation und Design studierte die in Jena geborene Petra Metzner bis 2019 Bildhauerei an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach am Main. Für ihre künstlerische Arbeit erhielt sie bereits mehrfach Preise und Stipendien. Zuletzt hielt sie sich 2024 im Rahmen einer Residency an der Höchster Porzellan Manufaktur auf. 

Ich habe Petra Metzner auf Instagram entdeckt und ihre Arbeiten erinnern mich teils an meine Sisyphos-Arbeiten mit Ton, wo sich auch Hunderte Tonkugeln zu einem Werk formieren. Allein die Geduld, welche man dafür haben muss……

Filigran und vielschichtig wirken ihre Arbeiten, die schon vermuten lassen wieviel Arbeit und Hingabe hineingeflossen ist. Solche Strukturen faszinieren mich und ziehen mich an.

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Im Jahr 2024 feierte der Schweizer Künstler Ugo Rondinone seine triumphale 30-jährige Retrospektive im Kunstmuseum Luzern. Wie eine Ode an die majestätischen, sich überlagernden Berge und das grüne Gelände der Schweiz mutete die Ausstellung an. Die Ausstellung zeigte seine frühen bis hin zu seinen aktuellsten Werke und spiegelt Themen wider, die ihn seit jeher inspirieren. Die gleiche Ehrfurcht vor der Natur, die seine großformatigen Schwarz-Weiß-Landschaftszeichnungen aus den 1990er Jahren inspirierte, belebt auch sein sehr beliebtes Werk „Seven Magic Mountains“, die leuchtenden Felsformationen, die seit 2016 die Wüste von Nevada zieren.

Der in Brunnen in der Schweiz geborene Multikünstler, dessen Eltern italienische Einwanderer aus der antiken Stadt Matera waren, ist international bekannt für sein Werk, das zeitgenössische Erfahrungen mit ursprünglichen Ursprüngen in Einklang bringt.

Mich fasziniert die künstlerische Vielfalt in seinem Schaffensspektrum. Malerei, Zeichnung, Skulpturen, Installation, Fotografie, Videokunst und Gedichte, umkreist Rondinone vielfältige Bereiche aus der Bildenden Kunst, die alle miteinander ein Gesamtkunstwerk ergeben.

Angetan haben es mir die fünf Steinfiguren aus dem Jahr 2023. „Ich vertraue auf Stein als Material, auf seine innewohnende Schönheit und Energie, seine strukturelle Qualität, seine Oberflächenbeschaffenheit und seine Fähigkeit, Zeit zu sammeln und zu verdichten“, sagte Rondinone.

Bild links: lines out to silence, 2003, pencil on paper, framed, 33 cm × 25 cm, Ugo Rondinone

Bild rechts: lines out to silence, 2003, pencil on paper, framed, 33 cm × 25 cm, Ugo Rondinone

Die fünf humanoiden Figuren aus Blaustein bestehen aus fünf massiven Platten, aber die subtilen Unterschiede zwischen einem geometrischen Blockkopf und einem traditionell proportionierten Schädel, der auf kräftigen Gliedmaßen ruht, verleihen jeder Figur eine ganz eigene Energie. Von den intimen Vögeln bis hin zu diesen massiven Figuren spielt der Künstler mit Dimensionen und verleiht all seinen Werken eine poetisch zurückhaltende Leidenschaft.

Atemlos machen die Installationen wie beispielsweise ‚Cry me a river‘, das Blitze und Blitzeinschläge charakterisiert. Oder ‚Human Sky One‘, das einen überdimensionierten schwebenden Menschen als Quasi-Wolke zeigt.

Weltweit sind seine Werke und Arbeiten neben zahlreichen Museen eben auch im öffentlichen Raum zu sehen.

Wer auf dem Laufenden bleiben und noch tiefere Einblicke in die Kunst Rondinone’s erhalten möchte oder wo Rondinones Werke zu sehen sind kann auf seine Website schauen oder bei Instagram.

Viel Freude beim Entdecken und Stöbern.

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Kate MccGwire (geb. 1964) ist eine britische Künstlerin, die in London lebt und ihre Kindheit in den Norfolk Broads verbrachte. MccGwires frühe Erinnerungen an diese einzigartige Landschaft, die von Feuchtgebieten, gewundenen Wasserwegen und der Tierwelt entlang der Gewässer der Region geprägt ist, bilden die Grundlage für ihre Arbeit, die von den Zyklen, Mustern und Dualitäten der Natur inspiriert ist.

Kate MccGwire verwendet Federn als ihr primäres Medium und durchläuft einen arbeitsintensiven Prozess des Sammelns, Sortierens und Reinigens ihrer Materialien, um muskulöse, sich windende Formen zu schaffen, die an klassische Skulpturen und Fabelwesen erinnern. Diese abstoßenden Strukturen erforschen die Dualitäten der Ästhetik, die gleichzeitig verführerisch und abstoßend ist, der Form, die gleichzeitig organisch und abstrakt ist, und der Bewegung, die fließend erscheint, aber statisch ist. Durch ihre Arbeit zelebriert MccGwire Federn, die normalerweise abgeworfen oder weggeworfen werden, als Medium, mit dem sie rätselhafte Anatomien artikuliert, die den physischen und introspektiven Raum erforschen.

Über ihre Verwendung von Federn als Metapher für das, was sie als „die Doppelzüngigkeit der Natur” bezeichnet, sagt Kate MccGwire: „Meine Arbeit ist inspiriert von den unglaublichen Mustern, die das Wasser bildet und die in einer Sekunde da sind und in der nächsten schon wieder verschwunden sind. Auf dem Wasser ist alles vergänglich, es ist schön, aber unter der Oberfläche lauern Gefahr und Verrat. Diese Dichotomie fasziniert mich.”

Kate MccGwire beschreibt ihren einzigartigen Federverarbeitungsprozess als fesselnd und hypnotisch: „Ich verliere mich stundenlang darin und arbeite instinktiv – man kann weder planen, wie man die Federn anordnet, noch kann man es wirklich jemandem beibringen. Jede Feder trägt zum Gesamtmuster eines Werkstücks bei, und es ist dieses implizite Gefühl der Bewegung in den wechselnden Farben und der sanften Krümmung jedes einzelnen Filaments, das das Werk zum Leben erweckt. Diese letzte Phase stützt sich auf die Rituale des Handwerks, auf die Verbindung zwischen Hand und Auge und auf die natürliche Serendipität, die entsteht, wenn man sich ganz darauf konzentriert, einer Idee Leben einzuhauchen.“

Bild links: MAELSTROM (Spring), 2024, Mixed media with rooster feathers in walnut frame, 82.4 x 82.4 cm

Bild rechts: SHIVER (Shift), 2024, Mixed media with magpie feathers in walnut frame, 23.4 x 36 x 4 cm

Kate MccGwire schloss 2004 ihr Studium am Royal College of Art mit einem MA in Bildhauerei ab und erwarb 2001 einen BFA am University College for the Creative Arts in Farnham. Ausgewählte Einzelausstellungen sind Menagerie, Harewood House, Leeds, Großbritannien (2020); Dichotomy, The Harley Gallery, Welbeck, Großbritannien (2018); Secrete, Galerie Huit, Kwun Tong, Hongkong (2016); Scissure, La Galerie Particulière, Paris, Frankreich (2018); „Covert“, Musée de la Chasse et de la Nature, Paris, Frankreich (2014); „Lure“, Cheongju International Craft Biennale, Südkorea (2013); „Host“, Pertwee, Anderson & Gold, London, Großbritannien (2011) und „Issue“, M2 Gallery, London, Großbritannien (2005).

Ihre Werke habe ich kürzlich auf Instagram wiederentdeckt und habe mich in ihrer detaillierten Arbeit verloren. Da ich es persönlich kenne, wie es ist etwas zu sammeln (in meinem Fall Steine, Federn, Blüten/Blätter), weiß ich, welche Ausdauer, Geduld und Hingabe darin stecken, die Federn zu sammeln, zu reinigen und so zu formen, wie sie für die Werke gebraucht und verwendet werden (sollen). Allein das fasziniert schon sehr, und wenn man dann teils die Dimensionen der Werke erkennt und diese einem bewusst werden, dann muss man wirklich sagen, dass das Ganze etwas Magisches hat, etwas wie einem Märchen, als würden Fabelwesen vor einem auftauchen, Drachen mit Gefieder, Schlangenwesen, die bezaubern. Und gleichzeitig wirken die Werke geradezu unwirklich.

Wer sich auch in ihrer Kunst verlieren möchte, kann auf ihrer Website stöbern, ihr auf Instagram folgen oder ein Interview mit ihr lesen.

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In liebevollem Gedenken an meinen Vater Wilfried (Mai 1944 – Juni 2025), der stets ein sehr großer Escher Fan gewesen ist und immer fasziniert blieb von dessen künstlerisch-geometrischem Können

M. C. Escher kam 1898 als jüngster von fünf Söhnen in Leeuwarden/ Niederlande zur Welt.

Escher begann 1919 ein Architekturstudium in Haarlem, das er schon nach einer Woche abbrach. Sein dortiger Lehrer Samuel Jessurun de Mesquita, ein portugiesischstämmiger Jude, erkannte die außerordentliche Begabung und unterrichtete ihn weiter in grafischen Techniken. Escher beherrschte bald die Holzschnitttechnik. Mesquitas starke Persönlichkeit hat großen Einfluss auf Eschers weitere Entwicklung zum Grafiker ausgeübt.

M.C. Eschers grafische Arbeiten machen nicht nur offensichtlichen Gebrauch von Geometrie, sondern bieten oft auch visuelle Metaphern für abstrakte mathematische Konzepte. Escher war fasziniert von – und ein Meister in der Darstellung von – Symmetrie, Dualität, Reflexion, Relativität, Rekursion, Dimension und topologischen Veränderungen. Immer wieder versuchte er, die Unendlichkeit einzufangen.

Ein Gebäude fasziniert ihn mehr als alle anderen: die Alhambra in Granada. Diese maurische Architektur ist voller subtiler, geometrischer Architekturmuster, die sich bis ins Unendliche vervielfältigen. Er ist wie verzaubert. Die Besonderheit der islamischen Kunst interessiert ihn besonders. Da es im Islam nur wenige figürliche Darstellungen gibt, bringen die Kunsthandwerker ihr ganzes Talent in organischen und geometrischen Mustern zum Ausdruck. Diese Motive sind oft von der Astronomie und den mathematischen Kenntnissen beeinflusst, ein Bereich, dem die arabischen Architekten des 14. Jahrhunderts besondere Bedeutung beimaßen. Es wurde klar, dass der Einfluss auf M.C. Escher bedeutend sein würde.

Seine bekanntesten Werke, die Escher nahezu den Status eines Popstars einbrachten, beschäftigen sich mit der Darstellung perspektivischer Unmöglichkeiten, optischer Täuschungen und multistabiler Wahrnehmungsphänomene. Man sieht Objekte oder Gebäude, die auf den ersten Blick natürlich zu sein scheinen, auf den zweiten aber vollkommen widersprüchlich sind („unmögliche Figuren“).

Foto links: Treppauf treppab von Escher Foto rechts: Detail aus Wasserfall von Escher

Die von Lionel Penrose 1958 entworfene unendliche Penrose-Treppe bildete die Grundlage zu Eschers Bild Wasserfall (1961). Es zeigt einen Wasserlauf, der sich von einem Wasserrad im Vordergrund im Zick-Zack vom Betrachter fortbewegt, jede Ecke Teil von insgesamt zwei Türmen auf Säulen. Schließlich läuft das Wasser als ein Wasserfall im Vordergrund nach unten und streicht über das Wasserrad vom Anfang und macht die Konstruktion scheinbar zu einem Perpetuum mobile. Das Wasser läuft größtenteils bergauf, gleichzeitig scheinbar in immer weitere Ferne, obwohl die Ecken des Wasserlaufs trotzdem abwechselnd in einem der beiden Türme liegen. Das Bild Treppauf Treppab (1960) zeigt eine auf ähnliche Weise konstruierte viereckige, endlose Treppe.

Erfahre mehr über M.C.Escher: M.C. Escher – The Official Website

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Er war Dozent an der École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris und kooperiert regelmäßig als Gastprofessor mit der School of the Art Institute of Chicago. Er hat auch viele Vorträge und Kurse an anderen Universitäten, Museen und Kulturinstitutionen auf der ganzen Welt gehalten.

Jaume Plensa erhielt zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen, darunter 1993 die Medaille de Chevalier des Arts et des Lettres, die vom französischen Kulturministerium verliehen wird, und 1997 den Nationalpreis für Bildende Kunst der katalanischen Regierung. Im Jahr 2005 wurde ihm die Ehrendoktorwürde der School of the Art Institute of Chicago verliehen. In Spanien erhielt er 2012 den Nationalen Preis für Bildende Kunst und 2013 den renommierten Velázquez-Preis für die Künste und wurde 2018 mit der Ehrendoktorwürde der Universitat Autònoma in Barcelona (2018) und der University of Notre Dame, IN 2024 ausgezeichnet.

Seine Arbeiten finde ich bestechend, faszinierend und raumgreifend. Neben Plastiken und Steinskulpturen erstellt er riesige aus Edelstahl geformte Gesichter, die in hallenartigen Räumen installiert werden und wirken, als würden sie frei von der Decke herunter schweben.

Seine Gesichter, die entweder aus Steinen gehauen werden oder aus Polyesterharzen zu enormen Lichtinstallationen mutieren, sprechen an, fangen ein, ziehen an. Man steht fasziniert vor ihnen und möchte sofort mit ihnen sprechen. Was sie wohl zu sagen hätten? Was sie wohl denken?

Seine Werke finden sich überall in der Welt, teils in öffentlichen Räumen, an Plätzen, in Privatsammlungen und Ausstellungen. Es sind Monumente, die allein durch ihre schiere Größe faszinieren und einladen zur Betrachtung. Häufig fügen sich seine Werke in die Umgebung, in Städte und Natur ein und wirken wie stille Beobachter, die die Menschen beobachten und nicht umgekehrt.

Jaume Plensa, geboren 1955 in Barcelona, ist einer der einflussreichsten spanischen Bildhauer seiner Generation. Sein Werk, das in einer Traditionslinie mit dem Schaffen großer katalanischer Künstler wie Antoni Tàpies und Joan Miró steht, ist von beeindruckender spiritueller Tiefe und poetischer Ausdruckskraft. Die Körper dieser Figuren werden durch ein metallenes, transparentes Netzwerk aus Schrift- und Notenzeichen geformt, die auf Plensas Auseinandersetzung mit Sprache und Schrift verweisen. „Ein Buchstabe gleicht einer mit einem Gedächtnis begabten Zelle. Eine Letter in einem Alphabet ist etwas sehr Präzises, das über Generationen hinweg entwickelt wird, und ist der beste Ausdruck einer Kultur. Eine Zelle allein ist biologisch betrachtet gar nichts, aber zusammen mit anderen bildet sie ein Organ oder einen Körper, und so ist es auch mit Buchstaben. Jeder Buchstabe bewahrt sein Gedächtnis und seine Persönlichkeit, auch wenn er dem komplexeren Körper, dem bedeutungsvollen Text dient. Darin liegt in meinen Augen eine schöne Metapher für Vielfalt. Mit Text lässt sich Kultur machen, und mit einer Kultur lässt sich alles machen. Dies ist das Konzept des Grundsteins: Um den Grundstein wird ein Tempel erbaut, um den Tempel eine Stadt, um die Stadt ein Land, der Kontinent, die Welt, das Universum – vom Kleinsten bis zum Größten. Die Skulptur ist eine wunderbare Möglichkeit, diese Welt von Ideen und Energien zu erkunden.“ (J. P.) (Quelle: SP Waldfrieden)

Mehr erfährt man über den Künstler hier:

Weitere Informationen zum Künstler und seine Social Media Profile findet man hier:

Website

Wikipedia

Instagram

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Ich möchte in diesem Monat die amerikanische Textilkünstlerin Kira Dominguez Hultgren vorstellen. Die 1980 in Oakland/ Kalifornien geborene Künstlerin studierte Literatur und schließlich bildende Kunst. Sie spezialisierte sich auf das Weben von Stoffen und Fasern. In ihrer künstlerischen Auseinandersetzung geht es um ihre vielfältigen kulturellen Herkünfte als Frau mit indianischen, indischen und hawaiianischen Wurzeln.

Sie kombiniert die Webkunst der verschiedensten Kulturen, aus dieser länder- und kulturübergreifenden Kombination entstehen ganz neue Verbindungen und Wege und somit ganz neu definierte Kunstwerke, die in ihrer Farbintensität überzeugen.

Teils erinnern ihre raumgreifenden Werke an Netze, angelehnt an die Natur und der in ihr befindlichen Insekten, dann wiederum an nicht vollendete oder teils verwundete oder aufgerissene Patchworkdecken, an zerschlissene Teppiche, Wandteppiche oder Stoffbahnen, die noch ihre Vollendung suchen.

Manche dieser großen Installationen erinnern mich zumindest an die japanischen Kimonos, abstrahiert und beschädigt, nicht zwingend formvollendet und ästhetisch. Aus diesen Werken lässt sich zudem eine Kritik an Kultur und Gesellschaft erkennen, ein mahnendes und teils auch anklagendes Mahnmal, das erinnern, erschüttern, aufwecken oder einfach auch polarisieren darf.

Weitere Informationen zur Künstlerin und ihre Kunst:

Website: www.kiradominguezhultgren.com

Instagram: @kiradominguezhultgren

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Sie selbst beschreibt ihr Schaffen folgendermaßen: „Ich arbeite mit natürlichen Blättern und häkele und schaffe so einen intimen Dialog mit der Natur. Gefundene Blätter werden mit handgemachter Spitzenhäkelarbeit repariert, verschönert und kombiniert – eine aufwendige traditionelle Technik, die auf Spannung setzt und in direktem Bezug zu dem fragilen Naturmaterial steht. Die daraus resultierenden Formen sind eine Meditation über die Schönheit und Komplexität der natürlichen Welt und eine Reflexion komplexer und zärtlicher Beziehungen sowohl in uns selbst als auch in unserer Umwelt.

Auf einer ungewöhnlich detaillierten Skala mit sehr feinen Häkelnadeln, Nadeln und dünnen Baumwollfäden bringe ich das Häkeln an seine Grenzen. In einigen Projekten kreiere ich komplizierte Lochmuster direkt auf den Rändern einzelner Blätter, in anderen verwende ich skulpturale Häkelarbeit, um die Blätter umzuformen, zu verbinden, zu reparieren oder zu verlängern, um Paare, Gruppen und manchmal ganze Äste zu komponieren.

Betrachtet man ein Blatt genau, wird seine Einzigartigkeit deutlich. Unterschiedlich in Ton, Größe und Form, sind keine zwei Blätter, auch wenn sie vom selben Baum stammen, jemals gleich, jedes trägt sein eigenes individuelles Adernetz wie ein Fingerabdruck.

Indem ich Häkeln mit einem scheinbar zerbrechlichen Material wie einem Blatt kombiniere, versuche ich, Themen wie den Wert von Zeit und die Kostbarkeit von Objekten, Zärtlichkeit und Spannung in menschlichen Beziehungen sowie Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit zu erforschen, die sowohl in der Natur als Ganzes als auch in den Geschichten einzelner Wesen zu finden sind.

Die Arbeit mit Spannung ist ein integraler Bestandteil des Handwerks, kann aber auch metaphorisch gesehen werden, da der Umgang mit Spannungen eine große Rolle in unserem Leben und unserer Umgebung spielt, und so wird die Arbeit auch zu einem Spiegel von uns selbst und der Welt um uns herum und öffnet die Augen für die vergängliche, aber dauerhafte Schönheit der Natur.

Einen tieferen Einblick erhält man über dieses Video auf YouTube.

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Brittany Kiertzner ist eine bildende Künstlerin aus Südkalifornien im Bereich Mixed Media und Textil. Kiertzner ist eingeschriebenes Mitglied des St. Regis Mohawk Tribe und studierte Bildende Kunst an der California State University Fullerton. Kiertzner erforscht kritische Materialien, die ihre persönliche Geschichte in einen zeitgenössischen Kontext stellen. Durch ein dynamisches Wechselspiel von gewebten und genähten Fäden ist ihre Arbeit von der traditionellen Herstellung von Mohawk-Irokesen-Schienenkörben, Stickereien und erhabenen Perlenarbeiten beeinflusst. Sie erforscht Themen der Regeneration, Authentizität und Subversion von Materialien durch die Synthese der Vergangenheit. Seit 2007 zeigt Kiertzner ihre Mixed-Media- und Textilarbeiten umfangreich in Einzel- und Juryausstellungen in Kalifornien. Ihre Arbeiten befinden sich in der ständigen Sammlung des Kunstmuseums Sasse. Sie leitet ihr Studio in Claremont, Kalifornien.

Kiertzners Werke gehen über das Physische hinaus und erforschen metaphysische und philosophische Themen. Ihre Skulpturen und Gemälde spiegeln oft eine meditative Erkundung kosmischer Ordnung und spiritueller Verbundenheit wider. Ein wiederkehrendes Motiv in ihrer Kunst ist der Wampum-Kreis, der durch Tangentenlinien bereichert wird, die konzentrische Muster bilden. Diese Kompositionen beziehen sich auf die irokesische Tradition des Wampums als symbolische Sprache und verkörpern gleichzeitig eine universelle Meditation über die himmlische Ordnung.

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Die Schichtung von farbigen Kreisen in ihren Arbeiten stellt die Flugbahnen von Sternen und Himmelskörpern dar, wobei jeder Kreis ein individuelles Universum symbolisiert. Diese Symbolik evoziert sowohl strenge geometrische Präzision als auch die grenzenlose Tiefe des Kosmos. Durch subtile Übergänge in Farbe und Form vermittelt Kiertzner eine emotionale und spirituelle Resonanz und schafft Kunst, die den Betrachter auf einer intimen, fast transzendentalen Ebene anspricht. Das Zusammenspiel von Form und Farbe suggeriert die Bewegung kosmischer Energie und schafft eine Erzählung der Verbundenheit, die die gegenseitige Abhängigkeit von Leben und Universum widerspiegelt. (Quelle: Brittany Kiertzner)

Weitere Informationen zu Brittany Kiertzner: https://www.brittanykiertznerfineart.com/gallery

Instagram: Brittany Kiertzner (@brittanykiertznerfineart) • Instagram-Fotos und -Videos

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Und so war für mich sofort klar, dass ich gerne über ihn im Blog berichten wollen würde. Seine Werke wirken auf mich ursprünglich, geradezu archaisch und ich kann mich sofort von ihnen angesprochen fühlen. Insbesondere seine Stelen sind es, die mich in einen inneren Dialog führen und nachempfinden lassen, wie es ist den Stein unter den eigenen Händen zu spüren und etwas hervorzuholen, was unter der Oberfläche „lebt“. Weltweit zeigt er seine Arbeiten und insbesondere findet man diese im Aostatal, häufiger auch auf Almen, an Skiliften und sie bestimmen teilweise das Bild in der umliegenden Natur, fügen sich ein und drängen sich nicht auf. Sie fügen sich ein, als gehörten sie schon immer dorthin. (Manuela Mordhorst)

Donato Savin ist nicht nur ein Bildhauer, sondern auch ein tiefer Beobachter der Natur, jemand, der die geheime Sprache der Steine einfängt und in Kunst verwandelt. Seine Arbeiten tourten durch Europa, wurden in Galerien und Museen ausgestellt, wo er die Bewunderung und Anerkennung des Publikums und der Kritiker erhielt. Sein künstlerisches Schaffen lässt sich jedoch nicht einfach in eine einzige künstlerische Richtung einordnen. Einige seiner Kreationen lassen sich mit der neuen expressionistischen Figuration in Verbindung bringen, in der die Form erkennbare Bezüge annimmt, andere bewegen sich jedoch eindeutig in Richtung Abstraktion oder Informalismus, in dem die Materie der einzige Protagonist ist. Diese stilistische Vielfalt bereichert den Diskurs über sein Werk und lädt den Betrachter ein, mit jedem Stück in einen persönlichen Dialog zu treten.

In einer kleinen Ecke der Alpen, im Dorf Epinel, findet Savin seine Inspiration in den Bergen, die ihn umgeben. Diese Landschaft, voller atavistischer Kräfte, markiert seit seiner Jugend seine Verbundenheit mit der Natur und dem Handwerk. Seine Teilnahme an der tausendjährigen Fira de Sant’Orso in der Stadt Aosta war der Ausgangspunkt für eine künstlerische Karriere, die nun Terrassa erreicht, aufgeladen mit Bedeutung und Erinnerung.

In Savins Worten ist Kunst ein kontinuierlicher Dialog mit der Umwelt, eine Erkundung der Dualitäten, die das Dasein definieren: Stärke und Zerbrechlichkeit, Zeit und Ewigkeit, Natur und menschliche Schöpfung. Die Kulturfabrik von Terrassa wird so zum Treffpunkt für diesen Dialog und bietet die Möglichkeit, eine Erfahrung zu erleben, in der der Stein aufhört, kalt und fern zu sein, um sich in einen Botschafter der Emotionen zu verwandeln. (Quelle: bonart)

Donato Savin (Cogne-Valle d’Aosta, 1959) hatte zahlreiche Ausstellungen in ganz Europa, in Museen und Galerien, wo er für seine Arbeit Anerkennung erhielt. Seine Skulpturen übertragen die Schwingung der Materie, die den Durchgang von Zeit und Raum erforscht, in der Kraft und dem Reich der Felsen. Donato ist ein Beobachter der Natur und erforscht die Sprache der Steine in seiner Umgebung, Basalt, Travertin, Onyx, Malachit, Quarz… die er mit seinen Händen streichelt und ihnen Form und Leben verleiht.

Weitere Informationen zu Donato Savin findet man hier:

Savin Donato – San Giorgio Art | Donato Savin. Stele – Trentino Cultura

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Frauke Danzer: Fliegende Welten | Raumansicht | 2021

Detailreich ausgeformt und doch immer skizzenhaft umschließen die Papierhäute partiell ihr zartes Drahtgerüst, lassen es als konstruktives Element durchscheinen, um es an anderer Stelle zu freien Linien im Raum zu öffnen, die das transitorische Element jener mobilen Zwitter betonen oder die fragile Hülle durchstoßen und mit ihren rauen Spitzen für schützende Distanz sorgen, während das eiserne Material bereits Spuren von Rost und Vergänglichkeit in das Papier einschreibt. Blutrote Adern im papierenen Fond senden leuchtende Signale, verweisen auf lebendige Impulse und Energieströme in den (Kleider)hüllen, die sich immer neu aus ihrer Starre zu befreien scheinen und sich von jeglicher Schwerkraft und Bodenhaftung lösen – und seien dies nur festgefahrene Gedankenmuster. 

Frauke Danzer: Passage to Paradise | Raumansicht | 2018

Beziehungsreich wie diese Formen Körper nachzeichnen, stellen auch die Zeichnungen oder Reliefs aus geschichteten Papieren Fragen nach dem Erleben zwischen Realität, Erinnerung und Traum. Immer wieder setzt die Farbe Rot ein Signal im graphischen Schwarzweiß, verbindet kraftvoll zeit-räumliche Grenzen und lenkt den Blick auf dialogische Zusammenhänge von außen und innen als elementare und umfassende Prozesse, die den Menschen innewohnen und begleiten.“ (Text Dr. Birgit Möckel)

Frauke Danzer: Growth and Expansion | 2025

Eine schöne Reportage hat das ORF von Frauke Danzer gedreht und es hier zu sehen.

Frauke Danzer: Geboren 1970 in Stuttgart, studierte Frauke Danzer von 1992 bis 1998 an der Hochschule der Künste in Berlin Product Design. Seit 1999 arbeitet sie als freie Künstlerin. Zunächst in Berlin und Brandenburg wohnhaft, lebt und arbeitet sie seit 2022 in Kärnten. Zahlreiche Ausstellungen und Stipendien im In- und Ausland.

Weitere Informationen zu Frauke Danzer: Frauke Danzer in der KÜNSTLERSTADT GMÜND

Instagram: Frauke Danzer (@frauke.danzer) • Instagram-Fotos und -Videos

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