Manuela: Du hast keine Website und daher erfährt man zu dir als Künstlerin sehr wenig. Kannst du dich
daher bitte kurz vorstellen? Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf einzuschlagen und dann anschließend hauptberuflich als Künstlerin tätig zu sein?

Maja: Mein Name ist Maja Botzum, geboren in Wolfsburg. 1996 lebte ich in Hamburg und entdeckte dort meine Leidenschaft für Malerei. Nach einem Stilllebenkurs merkte ich, dass diese Richtung nicht zu mir passte. 2001 zog ich in den Landkreis Rotenburg Wümme und nahm an einem Seminar „Malrausch“ teil. Dort lernte ich, kreativ frei zu arbeiten. Einige Jahre malte ich im Atelier Sabine Oldenbüttel, dann einige Zeit zu Hause, wo ich jedoch schnell merkte, dass mir der Austausch mit anderen Künstlern fehlte. Deshalb mietete ich mir 2020 ein Atelier im Haus ArtOutlet in Visselhövede, wo ich bis heute kreativ bin.

Manuela: Auf deinem Instagramprofil findet man eine bunte Mischung aus deinem Alltag und Leben, darunter Kunst, die du machst, Ausstellungen oder Kunstmessen an denen du partizipierst, aber eben auch deine sportive Seite, Leidenschaft für die Natur/Garten und Fotografie. Erzähle doch bitte ein wenig, wie diese Bereiche für dich ineinandergreifen.

Maja: Ich liebe die Natur, unseren Garten und fotografiere gerne unterwegs. All diese Dinge sind Teil meiner Inspiration und meiner Kreativität. Sie stehen in Verbindung mit meiner Kunst und beeinflussen sich gegenseitig.

Manuela: Du malst nicht nur abstrakt, sondern man findet auch weibliche Akte, erkennbare Menschen, abstrahierte Farbexplosionen, die manchmal wie urbane Szenen anmuten, Linien, die wie Strassenzüge oder Häuserreihen wirken. Wie gehst du an deine Bilder heran?

Maja: Ich male intuitiv. Für mich ist am Anfang die Farbe wichtig. Sie gibt mir den ersten Impuls. Wenn die Farben gesetzt sind, beginne ich mich auf das Bild einzulassen und herauszuarbeiten, was sich für mich darin zeigt und entwickelt. Gerne lasse ich mich auf meine Ideen ein, experimentiere mit unterschiedlichen Ausdrucksformen. Ich liebe die Vielseitigkeit.

Foto links: My Life | 2025 | Maja Botzum Foto rechts: Serie Naturell | Ton und Struktur | 2025 | Maja Botzum

Foto links: Ohne Titel | 2025 | Maja Botzum Foto rechts: Liebe | 2024 | Maja Botzum

Manuela: Wie ordnest du selbst deine Kunst ein? (Gibt es einen Zeitbezug? Wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen bildenden Kunst? Was ist deine eigene Kunst für dich?)

Maja: Meine Kunst entsteht aus dem Bauchgefühl, aus dem Moment heraus. Ein persönlicher Ausdruck und Prozess des Entdeckens. Meine Wahrnehmung der heutigen Lebenswelt. Meine eigene Kunst bedeutet für mich Freiheit und das Abtauchen in eine andere Welt. Das auszuprobieren, was man möchte, ohne Grenzen zu setzen, ausdrücken und meine Sicht auf die Welt zeigen.

Manuela: Welche persönlichen, (oder politischen, sozialen, umweltbedingten) oder andere Themen sind für dich als Künstlerin in deiner eigenen Kunst wichtig?

Maja: Ein respektvoller Umgang mit den Menschen, Tieren und der Natur, Nachhaltigkeit und ein bewusster Umgang mit der Umwelt ist für mich sehr wichtig. Durch meine Kunst möchte ich zum Nachdenken und bewussten Wahrnehmen anregen.

Manuela: Ganz oft haben Künstler:innen das Problem, sich als “nicht gut genug” zu empfinden und trauen sich erst gar nicht, ihre Werke anderen zu zeigen. Wie stehst du dazu?

Maja: Zum Glück habe ich dieses Problem nicht. Meine Kunst ist eine Art Spiegel meiner selbst. Meine Werke zeige ich gerne anderen Menschen um ihre persönliche Meinung und Anregungen zu hören.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Maja: Alles hinter mir lassen. Ein Abtauchen in eine andere Welt.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten und warum?

Maja: Ich arbeite gerne mit Acrylfarben, Öl, Pastellkreide und Kohle… Diese Materialien lassen sich gut miteinander verbinden und geben mir die Freiheit, Kreatives zu arbeiten und Neues zu schaffen. Aquarellfarben nehme ich gerne mit auf Reisen. Sie sind leicht, vielseitig und machen es mir möglich unterwegs kreative Eindrücke festzuhalten.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Maja: Eine gute Stimmung, einen Kaffee mit Künstlerfreunden und Farben, die mir gefallen. Dann fange ich frei an zu malen ohne feste Vorgaben.

Foto links: On the way | 2024 | Maja Botzum Foto rechts: Der letzte Tanz – 2024 | Maja Botzum

Manuela: Du hast in diesem Jahr auf der Radius 26 5 Werke von dir zeigen können, die ausgewählt wurden. Allein schon diese Mischung war sehr unterschiedlich. 2 Werke sind mir besonders gut in Erinnerung geblieben, die monochrom angelegt waren, mit erdigen Tönen und ganz sanft und geradezu sphärisch wirkten. Wie sind diese Werke entstanden und wovon wurden sie inspiriert?

Maja: Nach einigen turbulenten Monaten in meinem Leben war ich viel in der Natur unterwegs, um Ruhe zu finden. Die Eindrücke und das in sich gehen haben mich inspiriert, eine Naturserie aus sechs Werken zu gestalten.

Foto links: Serie Naturell | Ton und Struktur I | 2025 | Maja Botzum Foto rechts: Maja Botzum im Gespräch auf der Radius 26 Kunstverein Springhornhof

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Maja: Ich habe kein bestimmtes Kunstwerk, was ich besitzen möchte. Vielleicht mal von einem anderen Künstler/Künstlerin, mit dem/der ich mich verbunden fühle.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Maja: In meinem Atelier. Im ArtOutlet in Visselhövede.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen
würdest?

Maja: Experimentieren würde ich gerne mit Metall, Rost und Naturmaterialien.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Maja: Ich nehme mir viel Ruhe und Zeit für meine Kreativität in den kalten Jahreszeiten. Der Sommer zieht mich dagegen hinaus in die Natur.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Maja: Menschen aus meinem persönlichen Umfeld.

Manuela: Was macht dir bei deiner künstlerischen Arbeit am meisten Spaß, bzw. fordert dich am meisten heraus?

Maja: Mein Spaß beginnt damit, mit Farben frei und ausgelassen zu experimentieren. Natürlich
dürfen meine AirPods und Musik nicht fehlen.

Foto links: Hafenzeit | 2026 | Maja Botzum Foto rechts: Ohne Titel | 2025 | Maja Botzum

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Maja: Ich hatte Bilder in einer Zahnarztpraxis ausgestellt. Ein Patient wollte immer in das Zimmer in dem sein Lieblingsbild von mir hing. Als ich das Bild später für eine andere Ausstellung mitgenommen habe, wollte er sich dort nicht mehr behandeln lassen. Das hat mich sehr berührt und gezeigt, wie unterschiedlich Kunst Menschen erreichen kann.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Maja: Ein Interview vor vielen Menschen. Für mich war das damals sehr herausfordernd und ungewohnt, aber im Nachhinein eine prägende Erfahrung.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Maja: Was können wir tun, damit unsere Welt lebenswert und unsere Natur erhalten bleibt?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Maja: Eine Auszeit in einem anderen Land.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Maja: Freiheit, Verbundenheit, Kreativität.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Maja: An einem Bild, wo Kinder darauf zu sehen sind mit einer Ausstrahlung und Zufriedenheit. Ein
Foto aus Vietnam von meiner Tochter als sie drei Monate unterwegs war.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Maja: Ausstellungen in Worpswede, Bilderaufhängung in dem Eiscafe Venezia, ArtOutlet, Industrie
zeigt Kunst…

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Maja: Auf Instagram: majabotzum

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Der Weg, die Identität & Einflüsse

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen, wie du zur Kunst gekommen bist und ob du eine klassische Ausbildung hast? Hast du eine klassische textile oder künstlerische Ausbildung absolviert? Und falls nicht, durch wen wurdest du inspiriert? Gibt oder gab es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben? Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Ursula: Ich lebe und arbeite im niedersächsischen Heidekreis. Hauptberuflich arbeite ich als Beraterin für mittelständische und nachhaltig orientierte Unternehmen und Organisationen und führe Förderprojekte mit Kommunen, Verbänden und Stiftungen durch.

Ich habe schon als Jugendliche textile Techniken geliebt und gestrickt, gestickt und genäht. Damals habe ich vor allem bunte Bildmotive aus Zeitschriften nachgestickt, und erste Experimente mit abstrakter Stickerei gemacht – als Dekoration für Kissen, Kleidung oder Lavendelbeutelchen. Mit dem Studium und Eintritt in das Berufsleben blieb dieses Hobby über Jahre hintenangestellt. Mitte 30 startete ich neu. Es war eine Zeit des Umbruchs in meinem Leben, und ich wollte viele Gedanken in meinem Inneren mit Nadel und Faden ausdrücken.  

Ursula Heimann: Licht am Horizont, 2025

Seit 2023 widme ich mich wieder regelmäßig der textilen Kunst, insbesondere dem freien, künstlerischen Sticken. Seitdem beschäftige ich mich auch sehr intensiv mit zeitgenössischen Textilkünstlern wie Jordan Nasser, Britta Marakat Labba, Lotte Bach, Claude Como und vielen anderen. Meine textilen und konzeptionellen Fähigkeiten habe ich mir über Jahre im zielgerichteten Selbststudium erarbeitet und durch spezialisierte Kurse ergänzt – unter anderem in diesem Jahr an der Royal School of Needlework in London und im Kloster Mariensee bei Hannover.

Prägend waren für mich auch Erfahrungen aus meiner Kindheit und Jugend. Meine Mutter hatte viel Freude daran, Kleidung oder Dekorationsstücke aus textilen Techniken herzustellen, sei es Sticken, Stricken, Häkeln oder Klöppeln. Mein Vater, der Kunsterzieher war, hat uns Kindern die klassische Moderne des 20. Jahrhunderts nahegebracht. Gerade die expressionistische und die abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts begeistern mich bis heute. Auch internationale Lebensstationen haben meinen Blick auf die textile Kunst geprägt: Das Aufwachsen auf den Kanarischen Inseln, mein Schuljahr in USA sowie 15 Jahre Leben und Arbeiten in Mexiko und Lateinamerika haben mir textile Traditionen eröffnet, die mich beeindruckt und  beeinflusst haben. Inzwischen habe ich eine kleine Sammlung von schönen Kleidungsstücken, Schals, Umschlagtüchern, Taschen und Decken aufgebaut, die mir viel Freude macht.

Foto links: Die blaue Stunde, in der Ausstellung Radius26, Springhornhof 2026

Foto rechts: Gruppenfoto der Teilnehmer:innen der Radius 26 Ausstellung

Die Ausstellung Radius 26 im niedersächsischen Kunstverein Springhornhof, bei der ich im Juni 2026 drei meiner textilen Graphiken ausstellen durfte, gaben mir in den letzten Monaten nochmal einen wunderbaren Anstoß zu einer weiteren Entwicklung meiner textilen Kunst.

Material, Haptik & Handwerk

Foto links: Ursula Heimann Zuversicht 2024

Foto rechts: Ursula Heimann Mandala – Kreuzstich 2002

Manuela: Was reizt dich an Textilien, wie wählst du Materialien aus und welche Rolle spielt die Haptik?

Ursula: Ich habe immer schon Stoffe und Garne geliebt, entweder solche aus kostbaren Materialen, wie Seide oder Leinen oder Materialien in leuchtenden, strahlenden Farben. Noch heute schaue ich mir gerne Regale voller Wolle oder Nähgarn an und begeistere mich für die Vielfalt der Materialien, ihrer Haptik und ihrer Farbschattierungen.

Meine textilen Arbeiten habe ich zu textile Graphiken weiterentwickelt. Hier kommt es auf Komposition, Farbe und Rhythmus an und zugleich auf Verfremdung, Struktur und die Kombination von Stichen.  Als Bildträger nutze ich grobmaschige AIDA-Stoffe. Ihre Rasterstruktur dient zugleich als grafisches Element und erzeugt Muster und Verfremdungseffekte, die Stickereien wie haptisch erfahrbare Graphiken wirken lassen. 

Garne aus Wolle, Baumwolle oder Seide finde ich in Fachgeschäften in Deutschland und auf Reisen. Dieses Jahr habe ich mich intensiv auf Materialien für die Goldstickerei konzentriert, da ich intensive Recherchen zu dieser alten, traditionellen Technik durchgeführt habe und auch einen Kurs zu kreativer Goldstickerei an der traditionsreichen Londoner Royal School of Needlework belegt habe.  Im niedersächsischen Kloster Mariensee habe ich in einem Kurs den mittelalterlichen Klosterstich gelernt, eine sehr alte, für Bildteppiche genutzte flächige Sticktechnik.

Inspiration & Werkprozess

Manuela: Wie entsteht ein Kunstwerk von der Idee bis zum fertigen Stoffbild und welche Inhalte fließen ein?

Ursula: Meine Arbeiten entwickeln sich aus der Freude am Spiel mit Sticktechniken, Form, Farbe und Rhythmus. Die Themen meiner textilen Graphiken spiegeln eigene Erfahrungen und Gefühle wider, die viele Menschen ähnlich kennen oder aber beschäftigen sich in künstlerischer Weise mit den Themen, die mein berufliches Leben prägen, wie kulturelle Vielfalt, Nachhaltigkeit und Zukunftsfragen.

Der Entstehungsprozess beginnt meist mit einer thematischen Idee vereint mit Gedanken zu Rhythmus, Farben und Formen. Ich skizziere verschiedene Ideen und probiere Materialien, Stiche und Farben aus, bevor ich das eigentliche Werk beginne.

Ich arbeite gerne mit den grobgewebten Aida-Stoffen, weil sie die graphische Verfremdung meiner Motive und Ideen wundervoll ermöglichen und unterstützen.  Auf dem Gewebe entsteht das Motiv Stich für Stich. Aus der Ferne wirken die Flächen verdichtet; aus der Nähe lösen sie sich in Raster und einzelne Stiche auf.

In diesem Jahr haben mich besonders die historischen Techniken des Klosterstichs, der Goldstickerei und der farbigen Schwarzstickerei fasziniert und zu Kunstwerken inspiriert.

Foto links: Ursula Heimann – Fru?hling 2025

Foto rechts: Mustertuch Goldstickerei 1 – Der blaue Planet

Raum, Zeit & Resonanz

Manuela: Woran arbeitest du gerade, wo entstehen deine Werke und was war die schönste Reaktion auf deine Kunst?

Ursula: Meine Werke entstehen meist im Heidekreis, wo ich lebe. Aber auch auf Reisen arbeite ich daran, besonders wenn ich in Mexiko, meiner zweiten Heimat, bin. Die Arbeit mit Textilien und präzisen Stichen erfordert Fokussierung und gibt mir gleichzeitig einen Rahmen, um gedanklich tief in ein Thema einzutauchen und es künstlerisch umzusetzen.

Aktuell arbeite ich an einer großformatigen textilen Grafik mit dem Titel Paradies. Darin benutze ich einen verfremdeten Plattstich genauso wie Klosterstich und Elemente der Schwarzstickerei und der Goldstickerei. Das Werk wird durch ein zweites zu einem Diptychon erweitert werden, der das Spannungsfeld zwischen Natur und Mensch beleuchten wird.

Ich liebe es sehr, freie Minuten neben dem Beruf mit dem Material, den Farben und Formen zu verbringen. Und ich freue mich im Entstehungsprozess sehr daran, wie ein Werk wächst und die Idee sichtbar wird, die dahintersteckt.

Die schönste Resonanz auf meine Kunst bisher war die Tatsache, dass die Jury des Kunstvereins Springhornhof 3 meiner Werke aus 70 anonymisierten Einreichungen für die Ausstellung Radius 26 ausgewählt hat. Auch der kollegiale Austausch mit anderen Künstler*innen der Ausstellung hat mich in jüngster Zeit sehr geprägt.

Ganz besonders gefreut hat mich deine Einladung, liebe Manuela, zu diesem Artist Talk und dazu, bei einer Gruppenausstellung in Lüneburg im März 2027 einige meiner textilen Graphiken zu zeigen. Bis dahin möchte ich den oben erwähnten neuen Diptychon fertig haben und ihn dort zeigen.

Kunstauffassung & Zeitgeist

Foto links: Ursula Heimann Stele Kreuzstich 2002

Foto rechts: Ursula Heimann Geometrische Phantasie 3 – Kreuzstich 2001

Manuela: Wie blickst du auf die Wiederentdeckung der Textilkunst und was bedeutet Kunst für dich in drei Worten?

Ursula: Dass Textilkunst und textiles Kunsthandwerk zur Zeit wieder stark im Kommen sind freut mich sehr. Der Umstand, dass textile Kunst im zeitgenössischen Kunst-Diskurs wieder wahrgenommen wird, war aus meiner Sicht überfällig. Lange galt textile Kunst nicht als „richtige Kunst“. Das hat dazu geführt, dass textile Künstler*innen wenig Beachtung erhielten, obwohl ihre Werke anderen großen Künstler*innen der bildenden Kunst in nichts nachstehen. 

Die Trennung zwischen „Freier Kunst“ und „Kunsthandwerk“ hatten schon das Bauhaus und weitere Kunst-Strömungen im frühen 20. Jahrhundert aufgelöst. Und tatsächlich ist viel der als „Kunsthandwerk“ belächelten textilen Kunst künstlerisch von sehr hohem Niveau. Eine Künstlerin, die ich in dieser Hinsicht in diesem Jahr für mich entdeckt habe ist Lotte Bach, die – in ihrem Falle aus einer religiösen Haltung heraus – erstaunliche Bildteppiche und Paramente entworfen und mit einer unglaublich kreativen Vielfalt von Stichen und Techniken umgesetzt hat.

Zur Zeit bewegen mich besonders folgende Fragen: Wie kann ich Gefühle durch textile Techniken ausdrücken und wie kann ich Gedanken zu aktuellen und zukunftsorientierten Themen in textilen Graphiken umsetzen, und mit ihren Farben, Formen und Strukturen eine Vielzahl von unterschiedlichsten Menschen berühren?

Kunst ist in drei Worten gefasst für mich: Farbe, Form und Rhythmus.

Ausblick & Kontakt

Manuela: Wo kann man deine Werke als Nächstes sehen und wo findet man dich online?

Ursula: Im Sommer 2026 waren drei meiner Werke in der Gruppenausstellung Radius 26 des Kunstvereins Springhornhof zu sehen.

Für 2027 ist eine Gruppenausstellung im Avacon Center Lüneburg geplant zu der du mich eingeladen hast.

Mein digitaler Auftritt befindet sich hier: http://www.ursulaheimann.art/

Anfragen sind derzeit direkt per E-Mail möglich.

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?

Dennis: Mein Name ist Dennis Henke, ich bin 41 Jahre alt und lebe wieder in meiner Heimatstadt Rotenburg Wümme. Nach einer Ausbildung zum technischen Zeichner im Yachtbau und zuletzt 12 Jahren als Konstrukteur im Kreuzfahrtschiffbau habe ich mir Rotenburg ausgesucht für eine Phase der Besinnung und die Konzentration auf meine künstlerische Entwicklung.

Schon in meiner Jugend war die Malerei meine Form der Kommunikation. Während andere über Worte kommunizierten, habe ich Bilder geschaffen. Angefangen an Wänden, später auf Gegenständen, dann Zeichnungen und seit 2009 male ich auf Leinwand.

Nach dem Verlust meines Arbeitsplatzes und der kurz danach erfolgten Autismus-Spektrum-Störungs-Diagnose habe ich begonnen, meine Arbeiten zu zeigen. Es gab irgendwie nichts mehr zu verlieren und das war ausschlaggebend für die Suche nach Resonanz.

Bis heute verstehe ich meine Malerei als einen Dialog — über persönliche Erfahrungen, gesellschaftliche Muster und die Frage, was uns prägt und was wir hinter uns lassen.

Manuela: Auf deiner Homepage erfährt man ein wenig zu deinem Werdegang. Und zum Beispiel auch, dass du eine Asperger-Autismus-Form hast, die bei dir erst mit 40 Jahren entdeckt wurde. Inwieweit hat dies dein Leben vor der Diagnose gekennzeichnet und danach?

Dennis: Schon lange vor der Diagnose habe ich die Welt oft sehr intensiv über Muster, Strukturen und Details wahrgenommen. Die Malerei war für mich deshalb immer auch eine Form, Eindrücke zu ordnen und auszudrücken. Ich hatte in meinem Leben nie einen Platz in der Gesellschaft. Früher hieß Autismus mal Wrong-planet-syndrom, das trifft mein Erleben eigentlich sehr gut. Diese Isolation und mein Anderssein habe ich lange mit Substanzen betäubt und hatte mehrere psychosomatische Krankenhausaufenthalte.

Echter Austausch war immer nur mit sehr wenigen Menschen möglich und ich habe mein ganzes Leben maskiert und mich an vermeintliche Erwartungen anderer anzupassen. Erfahrungen wie zum Beispiel Mobbing sind typisch bei ASS und ziehen sich durch mein ganzes Leben. Um Konflikten aus dem Weg zu gehen bin ich Perfektionist geworden und habe für die Arbeit immer 150% meiner vorhandenen Energie eingesetzt..

Rückblickend konnte ich Erfahrungen, Reaktionen und Schwierigkeiten nach der Diagnose besser einordnen. Die chronische Depression hat sich dadurch in Luft aufgelöst. Die Erkenntnis, dass ich dafür nichts kann, dass ich einfach anders bin, hat mich frei gemacht. Zum ersten Mal in meinem Leben konnte ich mich akzeptieren. Was alles nach meinem Umzug passiert ist fühlt sich an wie ein Traum. Der erste Schritt war es meine Bilder Ende 2024 zum ersten Mal öffentlich auf Instagram zu zeigen. Durch die großartige Resonanz ist eine Berliner Agentur auf mich aufmerksam geworden, mit der ich meine künstlerische Position gefunden habe. Das hat mich motiviert weiter zu machen und mir ist dann mein Atelier im ArtOutlet, die Dauer(nd)Ausstellung in Visselhövede zugeflogen.

Das Beste daran ist, dass ich dort zum ersten Mal endlich Menschen getroffen habe, die mich so annehmen können wie ich bin, trotz meiner Neurodiversität.

Manuela: Wie entsteht ein Bild? Denkst du in fertigen Bildern, die du nur noch „abzeichnest“, oder entwickelt sich das Werk spontan während des Malens?

Dennis: Nach einer langen Phase des Experimentierens habe ich mich mittlerweile auf die Arbeit in Serien konzentriert. Das Kernthema konnte ich dabei durch mein eigenes Erleben konzentrieren von Wahrnehmung und deren Verschiebung im Spannungsfeld zwischen Individuum und Gesellschaft.

Jede Serie hat einen eigenen Prozess und ist ein anderer Aspekt der gleichen Untersuchung.

In meiner Serie ‚End of the world (neurodiverse Perspektive)‘ arbeite ich figurativ. Dafür entwickle ich die Idee in meinem Kopf und mache eine Arbeitsskizze. Es soll Missstände in der Gesellschaft aus meiner Sicht darstellen, nicht bewertend, einfach beobachtend.

Die Serie ‚Unspoken Feelings‘ fokussiert sich ausschließlich auf emotionale Wahrnehmung. Ich übersetze ein unausgesprochenes Gefühl in einen Arbeitstitel und ordne diesem Gefühl eine Farbpalette zu. Der Prozess ist dann vollkommen intuitiv geführt aus meinem Unterbewusstsein. Ich versuche während des Malens nicht nachzudenken.

Meine Serie ‚Redifining old patterns‘ habe ich nach 28 Werken eingestellt. Da habe ich alte Muster mit Sprühfarbe auf die Leinwand übertragen. Symbolische und neoexpressionistische Eingriffe darüber entstanden spontan und stehen für die Möglichkeiten der Veränderung in der Gegenwart.

Die aktuellste Serie heißt ‚Metaconsciousness‘ und die ersten acht Kapitel habe ich komplett in meinem aktuellen autistischen Burnout gemalt. Die Serie knüpft an die Werkreihe ‚Neudefinition alter Muster‘ an und verschiebt den Fokus von der Beobachtung gesellschaftlicher Strukturen auf die Bedingungen ihrer Transformation. Im Zentrum steht die Frage, welche Formen von Wahrnehmung, Reflexion und Bewusstheit erforderlich sind, um über etablierte Denk- und Handlungsmuster hinauszugelangen. Hier arbeite ich intuitiv in zwei Ebenen, die sich gegenseitig beeinflussen.

Manuela: Inwiefern verarbeitest du mit deiner Kunst dein eigenes Leben und deine Wahrnehmung?

Dennis: Meine Arbeiten entstehen nicht aus konkreten Ereignissen, sondern aus Erfahrungen, Wahrnehmungen und Fragen, die mich über längere Zeit begleiten. Viele Bilder beschäftigen sich mit Mustern, Erwartungen und Symbolen, die wir aus unserem Umfeld übernehmen und die unser Denken prägen.

Meine eigene Wahrnehmung spielt dabei eine wichtige Rolle. Ich nehme Strukturen, Wiederholungen und Spannungen oft sehr bewusst wahr. In der Malerei werden diese Eindrücke sichtbar und verwandeln sich in Schichten, Zeichen und Überlagerungen. So wird die Kunst für mich zu einer Möglichkeit, persönliche Erfahrungen mit größeren gesellschaftlichen Themen zu verbinden.

Manuela: Kannst du durch deine Kunst Dinge ausdrücken, die mit Worten schwer zu beschreiben sind?

Dennis: Ja. Für mich beginnt Kunst oft dort, wo Sprache an ihre Grenzen stößt. Für mich persönlich ist die Malerei die Alternative zur Sprache. Ich bin damit wesentlich direkter und konkreter, als ich mich sprachlich ausdrücken könnte.

Manuela: Wie ordnest du selbst deine Kunst ein? (Gibt es einen Zeitbezug? Wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen bildenden Kunst? Was ist deine eigene Kunst für dich?)

Dennis: Meine Kunst entsteht aus einer inneren Notwendigkeit. Es ist kein Wunsch vorhanden auf aktuelle Kunstströmungen zu reagieren; meine eigene Authentizität steht klar im Fokus. Gleichzeitig berührt sie Themen, die auch in der zeitgenössischen Kunst relevant sind:

Identität, Erinnerung, gesellschaftliche Prägungen und der Wandel von Bedeutung.

Bild links: Aus der Werkreihe ‚Unspoken feelings‘: Grounding | 2025 | Dennis Henke

Bild rechts: Aus der Werkreihe ‚Unspoken feelings‘: Gednakenkarusell | 2026 | Dennis Henke

In der Rezension zu ‚Unspoken feelings‘ wird mir eine hohe Aktualität bestätigt. Ich sehe meine Arbeit daher weniger als Kommentar zur Kunstwelt, sondern als eigenständigen Beitrag zu Fragen, die viele Menschen bewegen.

Kunst ist für mich eine Form der Kommunikation. Schon als Jugendlicher habe ich über Bilder Dinge ausgedrückt, für die ich keine Worte hatte. Daran hat sich bis heute nichts geändert.

Meine Arbeiten helfen mir, Wahrnehmungen, Erfahrungen und innere Konflikte sichtbar zu machen. Gleichzeitig sind sie eine Einladung zum Dialog. Was als sehr persönliche Suche beginnt, wird durch Begegnungen mit anderen zu etwas Gemeinsamen.

Deshalb ist Kunst für mich Ausdruck, Erkenntnis und Resonanz zugleich.

Manuela: Welche persönlichen, (oder politischen, sozialen, psychologischen, umweltbedingten) oder andere Themen sind für dich als Künstler in deiner eigenen Kunst wichtig? Was ist dir in deiner Kunst besonders wichtig und was möchtest du dem Betrachter mitteilen?

Dennis: Mich interessiert, wie persönliche und gesellschaftliche Muster entstehen, welche Sicherheit sie geben und an welchem Punkt sie beginnen uns zu begrenzen. Ich möchte dem Betrachter keine fertigen Antworten vermitteln. Vielmehr möchte ich Räume öffnen, in denen eigene Erfahrungen, Erinnerungen und Fragen sichtbar werden.

Meine Bilder bewegen sich deshalb oft zwischen Verlust und Aufbruch, zwischen dem, was wir übernehmen, und dem, was wir hinter uns lassen. Ein wichtiges Anliegen meiner Arbeiten ist die Sichtbarkeit von Vielfalt, Inklusion und Gleichbehandlung. Jeder Mensch bringt eigene Erfahrungen, Wahrnehmungen und Perspektiven mit. Mich interessiert, wie gesellschaftliche Muster Zugehörigkeit schaffen können, aber auch, wie sie Menschen ausgrenzen.

Meine Arbeiten laden dazu ein, Gewohntes zu hinterfragen und unterschiedlichen Lebensrealitäten mit Offenheit zu begegnen. Für mich beginnt Inklusion dort, wo Menschen nicht an Erwartungen angepasst werden müssen, sondern in ihrer Individualität anerkannt werden.

Manuela: Wie empfindest du den Kontakt zum Publikum? Ist die Kunst für dich ein Weg, „ohne Worte“ mit der Gesellschaft in Beziehung zu treten?

Dennis: Lange Zeit habe ich für mich alleine gemalt und niemandem Bilder gezeigt. Der Kontakt zum Publikum ist für mich etwas ganz besonderes und zu erleben, dass Menschen ganz eigene Zugänge zu meinen Arbeiten finden berührt mich. Resonanz und Dialog sind Erfahrungen, die mir in meinem Leben gefehlt haben. In Menschengruppen bin ich aufgrund von Reizüberflutung verloren und verstehe nichts mehr bei Störgeräuschen. Dafür erfreuen mich Rückmeldungen zu meinen Werken im direkten Austausch umso mehr.

Manuela: Ganz oft haben Künstler:innen das Problem, sich als “nicht gut genug” zu empfinden und trauen sich erst gar nicht, ihre Werke anderen zu zeigen.  Wie stehst du dazu?

Dennis: Selbstzweifel prägen mein ganzes Leben und ich kann das gut nachvollziehen. Meine Malerei war immer etwas Privates und ich hatte lange gar nicht darüber nachgedacht, ob das jemanden interessieren könnte. Meine kreative Begabung kann ich mittlerweile annehmen und ich stehe voll hinter meiner Kunst, trotz ständiger Selbstkritik. Die Zusammenarbeit in 2025 mit der Künstleragentur hat mir das nötige Selbstbewusstsein gegeben. Die Schwierigkeiten sind bei mir im Sozialen angesiedelt aufgrund der Behinderung, daher zweifele ich eher am Leben und der Gesellschaft, nicht an meiner Kunst.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Dennis: Beim Malen öffnet sich für mich ein Raum jenseits von Zeit und Sorgen, in dem ich die Gegenwart intensiv erlebe. Ich arbeite in einem Hyperfokus und empfinde dabei eine außergewöhnliche Klarheit.

Dieser Zustand kann über viele Stunden anhalten – manchmal bis zu 15 Stunden. In dieser Zeit spielt mein Autismus für mich keine Rolle mehr; ich bin frei.

Es gibt nur noch den Dialog zwischen mir, der Farbe und der Leinwand. Die Außenwelt tritt in den Hintergrund. In diesen Momenten gibt es keine Filter zwischen meiner Wahrnehmung und der Leinwand. Vielleicht liegt genau darin die Authentizität meiner Bilder.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten und warum? Gib uns doch bitte einen kleinen Einblick zu deiner Motivation.

Dennis: Acrylfarben sind mein bevorzugtes Medium. Ich schätze ihre Klarheit, ihre Leuchtkraft und vor allem die kurze Trocknungszeit. Längere Unterbrechungen, wie sie beispielsweise bei Ölfarbe entstehen, würden meinen Arbeitsfluss stören und zu stark beeinflussen.

An zweiter Stelle steht Tinte. Durch meine Ausbildung als Technischer Zeichner habe ich eine besondere Beziehung zu präzisen Linien und grafischen Strukturen entwickelt. Diese Vorliebe fließt bis heute in meine Arbeiten ein.

Gouache nutze ich ergänzend. Ihre stumpferen, samtigen Farbtöne schaffen Kontraste zu den intensiven Acrylfarben und ermöglichen es mir, einzelne Bereiche eines Werkes gezielt zu akzentuieren.

Manuela: Ich möchte dich gerne nach deiner aktuellen Werkreihe „Metaconsciousness“ also Metabewusstsein befragen, die mich persönlich besonders angesprochen hat. Wie bist du hier vorgegangen, welche Materialien, Farben usw. hast du gewählt und wieso, was stellen die Linien und Farbhintergründe für dich dar?

Dennis: „Metaconsciousness“ ist aus meiner vorherigen Werkreihe „Redifining old patterns“ hervorgegangen. Während ich mich dort mit bestehenden Denk- und Verhaltensmustern auseinandergesetzt habe, stellt die neue Serie eine andere Frage: Was muss im Bewusstsein geschehen, damit wir solche Muster überhaupt erkennen und verändern können?

Aufgrund der neuen Fragestellung habe ich die Serie „Redifing old patterns“ nach 28 Werken eingestellt.

Die Grundlage für die Serie „Metaconsciousness“ enstand während meines autistischen Burnouts, mit dem ich noch lerne umzugehen. Es unterscheidet sich von einem klassischen Burnout. Er entsteht häufig durch eine über lange Zeit anhaltende Überforderung, das ständige Anpassen an die Umwelt sowie eine hohe sensorische und soziale Belastung. Bei mir sind im letzten Jahr viele positive Veränderungen eingetreten und ich glaube mein Nervensystem wurde bei der Verarbeitung und der Einordnung davon überlastet.

Für mich wurde diese Zeit zum Ausgangspunkt einer intensiven Auseinandersetzung mit Wahrnehmung, Bewusstsein und Veränderung.

Malen wurde für mich die Möglichkeit, diese Veränderungen nicht nur zu verarbeiten, sondern sie bewusst zu untersuchen und zu visualisieren. Jedes Bild der Serie ist wie ein Kapitel einer fiktiven wissenschaftlichen Forschungsarbeit über Wahrnehmung, Kognition und Bewusstsein.

Der wissenschaftlich anmutende Aufbau ist dabei bewusst gewählt. Er schafft Distanz zu den eigenen Erfahrungen und eröffnet gleichzeitig einen Raum, sie systematisch zu betrachten.

Ich arbeite ausschließlich mit Acrylfarben, weil sie meinem Arbeitsprozess entsprechen und mir ermöglichen mich klar auszudrücken. Die kurzen Trocknungszeiten erlauben es mir, Gedanken unmittelbar auf die Leinwand zu übertragen und verschiedene Ebenen Schritt für Schritt miteinander zu verbinden. Die Farbflächen stellen keine Landschaften oder konkreten Objekte dar. Sie stehen für dynamische Zustände, emotionale Spannungsfelder und die Komplexität innere Prozesse.

Die Raster und Linien haben sich im Laufe der Serie bereits weiterentwickelt. Anfangs lagen sie als ordnende Struktur über dem Bild. Mit jedem Kapitel wurden sie stärker Teil der Malerei selbst und begannen, mit den Farbflächen zu verschmelzen. Für mich symbolisieren sie die Wechselwirkung zwischen Ordnung und Veränderung – zwischen dem Versuch, Wahrnehmung zu strukturieren, und der Erkenntnis, dass sich auch diese Strukturen ständig weiterentwickeln.

Der Titel „Metaconsciousness“ beschreibt deshalb keinen bestimmten Bewusstseinszustand. Er steht für die Fähigkeit, das eigene Denken und Erleben zu beobachten, zu hinterfragen und dadurch Veränderung überhaupt erst zuzulassen. Ich glaube, dass persönliche Entwicklung erst möglich wird, wenn wir lernen, unser eigenes Bewusstsein zu reflektieren. Genau dieser Gedanke bildet den Kern der  gesamten Werkreihe.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Dennis: Ich habe selten das Gefühl, auf eine Idee warten zu müssen. Mein Kopf arbeitet permanent auf Hochtouren. Ich stelle ständig Zusammenhänge her, analysiere, hinterfrage und denke in Mustern.

Durch meinen fehlenden Reizfilter nehme ich deutlich mehr Informationen wahr, als ich gleichzeitig verarbeiten kann. Das kann sehr belastend sein, eröffnet aber auch ungewöhnliche Blickwinkel.

Ungerechtigkeit, Widersprüche oder ungelöste Fragen beschäftigen mich oft so lange, bis ich einen Weg finde, sie einzuordnen. Ich verarbeite und kommuniziere überwiegend visuell. Malerei ist für mich deshalb weit mehr als ein kreatives Medium – sie ist ein Werkzeug, um komplexe Gedanken und Wahrnehmungen sichtbar zu machen.

Meine Werke entstehen nicht aus einem spontanen Einfall, sondern aus einem langen inneren Prozess. Irgendwann verdichten sich Gedanken, Beobachtungen und Erfahrungen zu einem Punkt, an dem sie eine visuelle Form verlangen, Erst dann beginne ich zu malen, Jede Arbeit beantwortet eine Frage und wirft gleichzeitig die nächste auf.

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Dennis: Ich mache mir nicht viel aus Besitz. Ich bin froh, wenn ich am Monatsende meine Rechnungen bezahlen kann. Es gibt nicht wirklich viel, dass glücklich macht auf dieser Welt und einen Preis hat.

Farben und Leinwände schließe ich da aus. Meine Wohnung hängt bereits voller eigener Arbeiten, dazu kommen einige kleinere Werke befreundeter zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler sowie eine Postkartensammlung mit Arbeiten, die mich inspirieren.

Wenn ich mich entscheiden müsste, wäre es wahrscheinlich ein Pollock. Ich suche gerne und automatisch nach Mustern, und ich glaube, mein Kopf wäre dort ständig beschäftigt – auf eine ruhige, fast friedliche Weise. Ich würde ihn wohl über das Bett hängen, für schlaflose Nächte.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Dennis: Ich male seit 2009 auf Leinwand und habe das immer für mich alleine in meinem Wohnzimmer gemacht. Seit Januar 2025 arbeite ich in meinem Atelier im Artoulet, die Dauer(nd)Ausstellung in Visselhövede. Hier kann ich Techniken mit viel Farbe ausprobieren und mich kreativ austoben.

Die Teilhabe an einer kreativen Gemeinschaft hat mein Leben sehr stark bereichert. Das Atelier ist ein Wohlfühlort für mich geworden. Parallel dazu habe ich mir noch ein Studio in meinem Wohnzimmer in Rotenburg eingerichtet.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Dennis: Das ist bei mir verschieden und hängt direkt mit meinem Lebensweg zusammen. Generell habe ich gelernt, dass es bisher immer nur Krisen in meinem Leben gegeben hat, wenn ich nicht gemalt habe. Über die Malerei bin ich jedes Mal wieder daraus gekommen.

Als ich Ende 2024 meinen Job aufgegeben habe um mich der Malerei zu widmen, hat das eine kreative Explosion ausgelöst und ich hatte nichts anderes mehr im Kopf. Am ersten Tag in meinem Atelier habe ich total das Zeitgefühl verloren und ich habe 12 Stunden gearbeitet. Darauf folgten sehr intensive Wochen und Monate in der Transfergesellschaft, die ich für meine künstlerische Praxis mit bis zu 80 Wochenstunden im Atelier verwendet habe. Rückblickend war das die beste Zeit meines Lebens. Die Sorgen waren weit weg und ich konnte mich kreativ ausdrücken und experimentieren. In dieser Zeit habe ich dann auch meine künstlerische Position gefunden in Zusammenarbeit mit einer Künstleragentur.

Aktuell bin ich in der Tagesklinik um meinen autistischen Burnout zu kurieren, jetzt gelingt es mir aber morgens 1-2 Stunden zu arbeiten und mein aktuelles Erleben malerisch zu dokumentieren.

Im nächsten Schritt werde ich mir dann eine Routine erarbeiten, die genügend Zeit für die künstlerische Praxis freihält, wo sich dem aber nicht wieder alles unterordnet, wie es die letzten 1,5 Jahre war. Wie genau ein gesundes Maß aussehen kann, erarbeite ich mir gerade.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Dennis: Ich habe tatsächlich eine Sammelleidenschaft für Farbe und sobald ich Farbe sehe, die ich noch nicht kenne, nehme ich die mit. Experimentieren und praktisch ausprobieren ist etwas, das ich liebe.

Prinzipiell würde ich gerne auf größeren Leinwänden arbeiten, das hängt gerade noch an der Logistik und ich muss noch darüber nachdenken, wie ich das umsetze.

Durch Ergotherapie bin ich immer mal wieder mit Bildhauerei in Kontakt gekommen. Ich denke, dass das ein Thema für mich werden könnte. Ich habe bereits Ton und Speckstein kennengelernt und die Arbeit macht mir Spaß, der Kern bleibt aber die Malerei.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Dennis: Ich denke, die Tatsache, dass ich male habe ich meiner Mutter zu verdanken. Meine erste Erinnerung daran ist, dass ich als Kind ihr bei einem Zeichenkurs auf Mallorca zugesehen habe. Sie hat, soweit ich mich erinnere, eine Windmühle unter freiem Himmel gezeichnet.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Dennis: Vor kurzem gab es einen Vortrag über Farbtheorie und ich durfte den Raum mit meinen Bildern ausstatten. Im Gespräch sollte zum Abschluss jeder etwas zu zwei von meinen Werken sagen und das zuvor gelernte über Farbe dabei anwenden. Das war dann ein schönes Kompliment zu merken, dass meine Werke tatsächlich verstanden werden und die Wirkung auf die Betrachter mit meiner Intention übereinstimmt.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Dennis: Ich habe schon seit der frühesten Kindheit gemalt, aber bis zu meinem 40. Lebensjahr habe ich meine Werke eigentlich keinem Menschen gezeigt. Meine ersten beiden Bilder, die ich tatsächlich in einer Ausstellung hatte, hingen im Stadtmuseum in Meppen, bei einer Ausstellung zu dem Thema Mut. Das hat sich über die ambulante Wohnbetreuung ergeben, die mich damals auf dem Weg zu meiner Autismus Diagnose begleitet hat. Ich denke, dass hat dann auch die Weichen gestellt, dass ich mich überhaupt getraut habe mich zu zeigen, als Mensch und als Künstler.

Manuela: Was bewegt dich gerade?

Dennis: Mich bewegt gerade vor allem die Frage, wie ich nach meinem autistischen Burnout meinen Weg als Künstler und als Mensch weitergehen kann.

Die letzten Monate haben mein Leben grundlegend verändert. Ich musste akzeptieren, dass vieles, was für andere selbstverständlich ist, für mich anders funktioniert und das es Schwierigkeiten gibt, die für andere tatsächlich nicht nachvollziehbar sind. Gleichzeitig habe ich durch diese Zeit begonnen, meine Wahrnehmung bewusster zu verstehen und ihr in meiner Kunst einen Raum zu geben.

Ich befinde mich aktuell in einer psychiatrischen Tagesklinik und hoffe, in den kommenden Monaten weitere Antworten zu finden – nicht nur auf diagnostische Fragen, sondern vor allem darauf, wie ich langfristig ein Leben gestalten kann, das zu mir passt.

Trotz aller Herausforderungen habe ich etwas Wertvolles entdeckt: Kunst ist für mich weit mehr als ein Beruf oder ein Ausdrucksmittel. Sie ist eine Form des Denkens, der Kommunikation, ein Werkzeug, um Wahrnehmung zu erforschen, und manchmal auch ein Ort, an dem ich für einen Moment ganz bei mir selbst sein kann.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Dennis. Meine größte Inspiration war mein autistischer Burnout. Er hat meine Wahrnehmung so grundlegend verändert, dass ich begonnen habe, sie malerisch zu untersuchen. Reize, Strukturen und innere Zustände wurden intensiver und gleichzeitig schwerer einzuordnen während dieser Zeit.

Aus diesem Versuch, die eigene Wahrnehmung und das innere Erleben zu verstehen, ist die Serie Metaconsciousness entstanden. Die Bilder sind keine direkten Darstellungen des Burnouts, sondern eher eine fiktive wissenschaftliche Untersuchung darüber, wie Bewusstsein, Ordnung und Instabilität miteinander in Beziehung stehen.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Dennis: Kommunikation. Verbindung. Entwicklung.

Manuela. Woran arbeitest du im Augenblick?

Dennis. Derzeit arbeite ich an neuen Werken zu meiner Serie ‚Unspoken Feelings‘. Die Werke dokumentieren meine aktuelle Lebenssituation und helfen mir, meine inneren Erfahrungen zu visualisieren und einzuordnen. Die Bilder entstehen als unmittelbare Auseinandersetzung mit dem, was sich oft nur schwer in Worte fassen lässt.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Dennis: In diesem Jahr sind zwei weitere Ausstellungen im Artoutlet in Visselhövede geplant, an denen ich teilnehme und mein Atelier öffne. Darüber hinaus laufen derzeit Bewerbungen für weitere Ausstellungsprojekte.

Gleichzeitig erlebe ich, dass meine Behinderung viele Dinge komplizierter macht – vom Netzwerken bis zur Teilnahme an Veranstaltungen. Umso wichtiger ist es für mich, meinen eigenen Weg als Künstler konsequent weiterzugehen und meine Arbeiten Schritt für Schritt einem größeren Publikum zugänglich zu machen.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

www.dennishenke.art

www.instagram.com/dennishenke.art

Der Beitrag Artist Talk: Dennis Henke – im Spannungsfeld zwischen Individuum und Gesellschaft erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen? Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf einzuschlagen?

Britta: Ich habe schon während der Schulzeit gerne gemalt, fotografiert und damit einfach nicht aufgehört. Es war immer wichtig für mich. Irgendwann hatte ich den Wunsch meine Werke auszustellen. Diesen Wunsch konnte ich 1997 zum ersten Mal verwirklichen. Seitdem ließ es mich nicht mehr los. 2027 stelle ich dann seit inzwischen 30 Jahren aus und habe vor es bis zu meinem Lebensende weiter zu machen – ich liebe es einfach!

Manuela: Auf deiner Homepage erfährt man ein wenig zu deinem Werdegang, bzw. dass du dich mit diversen künstlerischen Bereichen auseinandergesetzt hast. Darunter auch Holz- und Metallbearbeitung, Schmiedekunst, Holzdruck, Collagen. Was macht den besonderen Reiz für dich aus immer wieder neue Bereiche zu erkunden?

Britta: Ich finde es immer wieder interessant etwas Neues zu lernen oder vielleicht ein weiteres Talent zu entdecken, das in mir „schlummert“. Außerdem ist es doch phantastisch etwas mit seinen Händen zu erschaffen. Manches muss man einfach auch ausprobieren um zu wissen, ob es einem liegt. Lernen und Erfahrungen zu sammeln finde ich lebenswichtig, natürlich auch außerhalb der Kunst.

Früher habe ich z.B. immer mal wieder Bildungsurlaub im Überseemuseum Bremen gemacht, dort mal einen ausgestopften Raben in der Vitrine oder eine Figur aus dem mexikanischen Totenkult abgezeichnet und sie mit Hilfe von Holzdruck zu Papier gebracht.

Manuela: Hast du eine formale Ausbildung absolviert oder bist du Autodidaktin?

Britta: Ich bin Autodidaktin. Eine künstlerische Ausbildung oder ein Studium hat sich leider nicht ergeben, auch deshalb besuche ich Workshops, Ausstellungen und experimentiere mit künstlerischen Materialien.

Manuela: Welche u.a. politischen, sozialen, umweltbedingten oder andere Themen sind für dich als Künstlerin wichtig?

Britta: Für mich ist meine Kunst in Hinsicht von umweltbedingten Themen sehr wichtig. Natürlich kann sie manchmal einfach auch nur schön sein, aber in erster Linie geht es mir bei der Gestaltung z.B. mit Naturmaterialien oder meiner Eisfotos doch darum auf die Fragilität der Natur hinzuweisen. So zart wie die Blüten in meinen Eisfotos sind, so zerbrechlich kann auch die Natur sein, wenn man gegen sie lebt, Tieren und Pflanzen Lebensraum nimmt und Arten aussterben. Deshalb ist auch unser kleiner naturnaher Garten so ein Paradies für mich, in dem ich versuche so wenig wie möglich in die Abläufe der Natur einzugreifen.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Britta: Ich erlebe mich als selbstwirksam, kann eigene Ideen verwirklichen, die in meinem Kopf entstanden sind, kann etwas erschaffen, mit meinen Händen, etwas das es so noch nicht gibt, vielleicht mit meinen Projekten die Menschen zum Nachdenken anregen und im besten Fall die Welt ein kleines bisschen besser machen – ich liebe es! Und es ist wichtig dabei authentisch zu sein.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten und warum?

Britta: Ich male gerne mit Acryl, Rost und Patina. Oft kombiniere ich sie, füge noch Naturmaterial dazu.

An Rost und Patina finde ich immer wieder spannend, dass man nicht weiß, wie es sich entwickelt. Der Rost, bzw. am Anfang steht die Eisengrundierung, ist erst anthrazitfarben und entwickelt sich dann. Er kann hellorange ausfallen, dunkelbraun und alles dazwischen. So verhält es sich auch mit der Patina. Dazu gehört Geduld, denn das Ergebnis sieht

man erst nach Stunden und ebenso muss man dann auch mit dem Ergebnis umgehen können. Es ist kein Material für jemanden, der alles genau plant und bestimmen möchte. Für mich macht es den Reiz aus. Und ich finde es wunderbar, dass es nicht wiederholbar ist – kein Bild gleicht dem anderen. Das muss man mögen!

Acrylfarbe mag ich sehr aufgrund der vielen verschiedenen Farbmöglichkeiten und sie ist so unkompliziert in der Handhabung. Mit ihr kann ich malen, drucken und sprayen. Manchmal finden sich auch zeichnerische Elemente in meinen Bildern mit Acryl.

Manuela: Neben deiner Malerei fällt insbesondere deine Eiskunst ins Auge. Nicht das was man normalerweise darunter verstehen könnte, nämlich Eisskulpturen oder dergleichen. Schenke uns doch bitte einen kleinen Einblick in deine Eiskunst, wie du sie fertigst, was du damit zeigen möchtest.

Britta: Meine Eiskunst entsteht seit 2003. Ich kann gar nicht mehr sagen, wie ich mal auf die Idee kam Blumen einzufrieren. Aber auch hier liegt der Reiz im Unvorhersehbaren. Denn ich weiß nie, wie sich das Eis entwickelt und die

Blumen wirken. Es kann auch passieren, dass sich die Blüten verfärben oder das Eis zu weiß wird, es gelingt nicht jeder kleine Eisblock. Es ist nicht planbar und für mich immer wieder faszinierend. Du musst Dir das so vorstellen: Ich entdecke „im Rausch der Farben“ wunderschöne Blumen und Stauden im Gartencenter, nehme sie mit, pflanze sie ein, gucke wie sie sich entwickeln, überlege ob ich sie einzeln oder mit anderen zusammen einfriere, arrangiere ein Stillleben im Wasser. Dann kommt das Ganze in einer Dose in unseren Gefrierschrank im Keller.

Foto links: Akelei meets friends IV | 2026 | Britta Gansberg

Foto Mitte: Akelei meets friends I | 2026 | Britta Gansberg

Foto rechts: Akelei meets friends III | 2026 | Britta Gansberg

Zwischen Spinat und Tiefkühlpizza entsteht dann mit Glück ein wunderschönes kleines eisiges Kunstwerk. Ich bin dann immer so gespannt, dass ich manchmal morgens noch im Nachthemd runter laufe um das Ergebnis zu begutachten. Dann geht es irgendwann mit meiner digitalen Spiegelreflexkamera in den Garten um diesen Moment festzuhalten – ein Spiel mit der Schönheit, aber auch Vergänglichkeit – festgehalten im Eis. Übrigens: Eine nachträgliche Bildbearbeitung am PC der Eisfotos findet nicht statt.

Foto links: Azalee | 2026 | Britta Gansberg

Foto rechts: Ausschnitt | 2026 | Britta Gansberg

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für aus Werke? / Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran und mit welchen Materialien arbeitest du am liebsten?

Britta: Ich brauche Ruhe und Zeit zum Nachdenken dafür. Oft denke ich tagelang oder manchmal auch Wochen immer wieder über ein Bild nach, es entsteht praktisch als „Vorabskizze“ in meinem Kopf. Dann mache ich eine Miniskizze auf einen Zettel um die Idee nicht zu vergessen. Das war nicht immer so, früher habe ich einfach angefangen zu malen, aber jetzt gefällt es mir so besser.

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Britta: Da fällt mir so spontan kein Kunstwerk ein, aber wahrscheinlich wäre es eine Skulptur.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Britta: Meine Werke entstehen hauptsächlich in meinem Arbeitszimmer oder im Garten. Rost und Patina riechen bei der Entstehung, eine Belüftung ist bei diesem chemischen Prozess notwendig und so gehe ich damit raus. Die Eisfotos entstehen immer im Garten – der Eisblock tropft und schmilzt in meiner Hand.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Britta: Gedanken mache ich mir jeden Tag darüber, aber es ist oft wenig Zeit für die Umsetzung da. Ich lebe in einer vierköpfigen Familie, Haus, Garten, alles nimmt Zeit in Anspruch. Aber andererseits bin ich meiner Familie dankbar unbezahlten Urlaub nehmen zu können. Als gelernte Fachangestellte für Arbeitsförderung säße ich sonst im Büro. Eine Ausbildung als Floristin musste ich 1998 aus gesundheitlichen Gründen abbrechen. Und natürlich nimmt auch das Organisatorische bei der Kunst viel Zeit in Anspruch.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Britta: Auf jeden Fall meine Familie. Da ist mir besonders die Geburt meiner eineiigen Zwillingstöchter in Erinnerung. Bis zur Geburt hatte ich gerade eine Phase, in der ich abstrakt mit Acryl malte. Nach der Geburt konnte ich es nicht mehr, es war verrückt, irgendwie wollte es mir nicht mehr gelingen – es kam später wieder. Aber weil ich gerne etwas machen wollte, besuchte ich einen Workshop in dem ich lernte Rost und Patina entstehen zu lassen. Und was soll ich sagen – jetzt 18 Jahre später nutze ich dieses Material immer noch.

Manuela: Was macht dir bei deiner künstlerischen Arbeit am meisten Spaß?

Britta: Ehrlich gesagt macht mich das Ergebnis am glücklichsten. Spaß macht es mir, wenn ich eine tolle Idee habe und es mir gelingt sie in die Tat umzusetzen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Britta: Ein Mitarbeiter vom Baubetriebshof der Stadt Bassum, der nach meinem Fotoprojekt „Danke für Eure Arbeit“ zu mir sagte: „Das werde ich nie vergessen.“ In diesem Satz klang so viel Dankbarkeit mit, dass ich ihn und viele andere sichtbar gemacht hatte und es war meine Dankbarkeit an alle, die unser gemeinsames gesellschaftliches Leben ermöglichen. Dieser Satz hat mich sehr berührt.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Britta: Meine Kunst begleitet mich nun schon seit Jahrzehnten und ich habe dadurch wunderbare Erfahrungen gemacht und Dinge erlebt. Besonders im Gedächnis ist mir geblieben, als ich 2012 kleine Holzhäuschen in der Zeitschrift „Landlust“ veröffentlichen konnte. Die Häuschen waren aus einem Balken gesägt und mit Rost und Patina bemalt. Zuvor hatte ich sie auf der „Hanse-Art“ in Bremen gezeigt. Sie landeten dann auf dem Titelblatt der „Landlust“ und es gab eine Schritt-für-Schritt Anleitung in der Zeitschrift. Danach konnte ich mich monatelang vor Bestellungen und Anfragen nicht retten. Und auch über 10 Jahre später gibt es selten noch Anrufe und Bestellungen.

Ich werde nochmal exemplarisch über zwei Ausstellungen berichten, die mich in verschiedener Hinsicht sehr bewegt haben.

Die Ausstellung „Kriminaltango“ (ich zeigte sie 2009 im Diepholzer Schlossturm, 2011 in der Wassermühle Sudweyhe und 2013 im „Caponi“ – der Kantine der Polizeiakademie Niedersachsen in Nienburg) zeigte schwarz/weiß Fotografien von nachgestellten Verbrechen. Als Schirmherr hatte ich unseren damaligen Landrat Gerd Stötzel und hatte für meine Fotos auch Beratung durch die Polizei, die bei uns in Bassum gegenüber ist. Sie liehen mir Sachen für meine Fotos, wie z.B. Handschellen oder Polizeiabsperrband. Raus kam eine Ausstellung mit Fotos und einem „Tatort mit Leiche“, an dem einmal Freunde die Spurensicherung für mich spielten, aber einmal auch die Polizei aus Weyhe, als ich die Ausstellung in der Wassermühle Sudweyhe zeigte. Natürlich richtete sich diese Ausstellung gegen Verbrechen und das Abschlussfoto zeigte mich bei meiner „Verhaftung“.

Eine meiner Lieblingsausstellung war in der ganzen Zeit auch 2017 „Danke für Eure Arbeit“ in der Zusammenarbeit mit der Stadt Bassum. Es ging für mich darum Menschen sichtbar zu machen, die einen Teil dazu beitragen, dass unser gesellschaftliches Leben funktioniert und damit meinte ich alle, egal ob sie sich zuhause um ihre Kinder kümmerten, jemanden pflegten, zur Arbeit gingen, ehrenamtlich tätig waren usw. Für meine Banner, die in Bassum an Bauzäunen aufgehängt wurden, wählte ich Berufsgruppen aus, die man an ihrer Kleidung erkennen konnte und sie standen beispielhaft für alle wie z.B. die Feuerwehr, der Rettungsdienst, Schornsteinfeger, die Polizei, Angestellte vom Tierpark usw. Die Dankbarkeit und Wertschätzung, die ich für diese Ausstellung erhielt, machte mich sehr glücklich und es war mir sehr wichtig gewesen dieses Thema in die Öffentlichkeit zu rücken.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Britta: Wie wird KI unsere Kunstwelt verändern? Wird man immer unterscheiden können, ob die Kunst durch einen Menschen oder eine KI erschaffen wurde?

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Britta: Liebe, Leidenschaft, Ausdruck

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Britta: Zurzeit sind einige neue Eisfotos für meine nächste Ausstellung entstanden, u.a. meine Werkserien „Akelei meets friends“ und „Pretty Petunia“. Ich kann dann im Frühling auch immer gar nicht anders meine neuesten „Gartenschätze“ im Eis festzuhalten. Sie sind ja vergänglich und der Garten verändert sich über die Monate mit den Jahreszeiten.

Außerdem wird in den nächsten Monaten ein Insektenhotel in „Müllwagenform“ nach meiner Idee und Zeichnung auf dem Gelände der Abfallwirtschaftsgesellschaft (AWG) Bassum entstehen. Du hörst ja immer wieder heraus, wie wichtig mir die Natur ist und so entstehen auch viele Projekte aus Liebe und Respekt vor der Natur. Bei dem Insektenhotel lag für mich auch der Reiz in der Widersprüchlichkeit – ein Insektenhotel in der Form eines Müllwagens. Ich werde es mit anderen zusammen bauen. Dann ist es auf dem Utkiek (Naherholungsgebiet) der AWG für die Öffentlichkeit zugänglich und informiert die Besucher. Im Jahr 2024 hatte ich schon mal Blumenbeete in Insektenform zum 200-jährigen Jubiläum des katholischen Friedhofs in Twistringen entworfen und realisiert.

Manuela: Deiner Homepage entnehme ich, dass Du nicht nur in der bildenden Kunst zuhause bist.

Britta: Ja, das ist richtig. Ich bin seit über 20 Jahren Mitglied der Maskentheatergruppe „Twist-A-Gang“ und spiele auch immer mal gerne mit einer Maske, die ich oft auch selbst gebaut habe.

Außerdem konnte ich schon ein paar Mal als Komparsin in einem Film mitwirken und sehe jetzt Filme im Fernsehen oder Kino mit anderen Augen. Ich finde es sehr spannend in die Filmwelt einzutauchen und zu sehen, was alles dazu gehört. So war ich z.B. als Komparsin bei „Rabiye Kurnaz gegen George W.Bush“, „Die Hände meiner Mutter“ oder „Das Märchen von der Zauberflöte“ dabei.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Britta: Am 01.08.2026 bei meiner Einzelausstellung „Magie des Eises“ (Vernissage 17 Uhr) in der Wassermühle Sudweyhe. Am 27.09.2026 ist die Finissage.

Und am 04.10.2026 bei einer Gruppenausstellung in der Alten Oberförsterei in Neubruchhausen (Vernissage 14 Uhr).

Außerdem male ich immer mal wieder Bühnenbilder für die Kinder-und Jugendkantorei hier in Bassum für Musicals oder Krippenspiele in der Stiftskirche Bassum.

Manuela: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Britta: Unter www.Britta-Gansberg.de

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?  Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist. Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn neben dem Beruf als Grafikerin einzuschlagen und dann anschließend hauptberuflich als Künstlerin tätig zu sein?

Astrid: Hallo liebe Manuela, ich freue mich auch sehr, dass du mich zu deinem Artist Talk eingeladen hast. Kurz und knapp über mich. Ich bin freischaffende Künstlerin/Grafikerin, Jahrgang 1968 und vor dem zweiten Corona Lockdown im Oktober 2020 von Düsseldorf nach Visselhövede gezogen. Dort lebe und arbeite ich mitten in der Natur in einem Tiny House und beschäftige mich gerne mit Minimalismus, Upcycling und Ressourceneinsparung. Angefangen habe ich Mitte der 80er Jahre mit Street-Art, was ich bis heute noch mache. Früher illegal, heute nur legale Projekte. Während meiner beruflichen Laufbahn war Kunst eher Hobby. In den 90er Jahren haben wir aber schon angefangen in Off Spaces unsere eigenen Ausstellungen zu organisieren und haben gut verkauft. Der endgültige Entschluss freiberufliche Künstlerin zu werden kam dann 2015. Irgendwann ist mir bewusst geworden, dass mit dem Zeitalter der wachsenden Technik viel Kreativität verloren gegangen ist. Unter hohem Druck soll schnellstmöglich und gewinnbringend ein Produkt an den Verbraucher gebracht werden. Unbezahlte Überstunden, geringe Wertschätzung, High Speed Media Deadline, kurzlebig und oberflächlich. Dinge, die einen passiv werden lassen und Dinge, die ich so nicht mehr wollte.

Manuela: Hast du Kunst studiert oder bist du Autodidaktin? Und/oder hast du eine (kunst)handwerkliche Ausbildung?

Astrid: Ich bin Autodidaktin. Eigentlich hatte ich vor an die Kunstakademie zu gehen. Aber meine Eltern fanden das nicht so gut, von wegen brotlose Kunst, und wollten mir nur ein Grafikdesign Studium finanzieren. Als rebellischer Punk fand ich das natürlich überhaupt nicht toll. Rückblickend bin ich ihnen jedoch dankbar, denn ich habe für mich einen Weg gefunden, der mich in meiner Entwicklung mehr vorangebracht hat als jedes Studium. Ich bin erst mal auf die Fachoberschule für Kunst und Gestaltung und habe meine Fachhochschulreife absolviert. Ich wollte aber in keine spießige Werbeagentur und habe noch meine Fachhochschulreife in Betriebswirtschaft gemacht. War jetzt nicht so mein Ding, aber damals schon mit dem Gedanken, wenn ich mich mal selbstständig mache, kann es ganz hilfreich sein. Danach habe ich eine Lehre in einer Druckerei als Druckformherstellerin absolviert. Hier habe ich noch das alte Handwerk gelernt. Sämtliche Druckverfahren, die heute Weltkulturerbe sind, Fotos wurden mit Eiweißlasurfarbe korrigiert, da gab es noch kein Photoshop, bzw. war gerade in den Anfängen. Filme wurden mit Trommelscanner, Kontaktbelichtungsrahmen, Reprokamera und Diatype hergestellt. Das Seitenlayout einer Zeitschrift wurde als Klebeumbruch in Handarbeit gestaltet. Masken wurden mit Skalpell geschnitten zur Erstellung von Raster- und Halbtonfilmen. Cromaline wurden noch analog hergestellt für farbverbindliche Proofs. Alles voll Retro, würde die jüngere Generation jetzt sagen. So langsam wurde dann aber durch das digitale Zeitalter alles ersetzt. Auch hier habe ich mir autodidaktisch alle Kenntnisse am Mac mit sämtlichen grafischen Programmen selber beigebracht und bin dann doch noch in verschiedenen Werbeagenturen gelandet.

Manuela: Auf deiner Website erfährt man vor allem etwas zu deiner Arbeitsweise und Motivation. Unverkennbar Upcycling-Kunst, mit politischem, sozialkritischen, teils feministischen und umweltbezogenen Themen. Nachhaltigkeit, Demokratieschutz und Feminismus gehen hier quasi Hand in Hand. Warum diese Themen?

Astrid: Mit diesen Themen decke ich das gesamte Spektrum der brennendsten Themen unserer Zeit ab. Ich war schon immer politisch. Mit 17 wurde ich zum Punk, zum Entsetzen aller. Was die meisten aber nicht verstanden haben, es gab 2 Arten von Punks. Die einen mit Gelaber von Anarchie, „haste mal ne Mark“ und Bierdose in der Hand und die anderen agierten politisch intellektuell. Wir standen schon in den 80er Jahren auf den Braunkohlebaggern im Hambacher Forst, da kannte die Welt noch nicht diesen Flecken Erde. Wir haben Häuser besetzt, wegen der kapitalistischen Gentrifizierung und steigenden Mieten. Upcycling und Do-It-Yourself, um gegen das System zu rebellieren. Du siehst, damals waren das schon Themen von Relevanz. Heute nach 40 Jahren als politische Aktivistin sehe ich nichts Gutes für die Zukunft. Die Menschheit steht heute besonderen, bis dahin nicht gekannten Krisen gegenüber, die die globale Ordnung fundamental in Frage stellen und wir entwickeln uns gerade wieder zurück. Deswegen war, ist und bleibt meine Kunst immer politisch. Selbst die abstrakten Bilder und die Tierporträts sind politisch. Ich nutze die physischen Relikte der globalen Wegwerfgesellschaft. Das bildet das konzeptionelle und materielle Fundament meiner Werke.

Bild links: Weisskopfseeadler | 2025 | Astrid Lamm

Bild rechts: Rotkardinal | 2025 | Astrid Lamm

Manuela: Was macht für dich den Reiz von Upcycling aus?

Astrid: Da gibt es mehrere Reize. Erstens: Das Material ist umsonst. Zweitens: Bilder zu machen, denen man nicht ansieht, dass alles vom Müll ist. Drittens: Durch die Verbindung systemkritischer Motive mit scheinbar wertlosen, ausrangierten Materialien enthülle ich die Verdrängungsmechanismen des Hyperkapitalismus und der Klimakrise. Und viertens: Es schont die Umwelt.

Manuela: Wie ordnest du selbst deine Kunst ein und wie steht deine Arbeit im Kontext zur heutigen bildenden Kunst?

Astrid: Nachhaltigkeit als Medium „Upcycling Art“, Die Renaissance des Politischen (Artivism) und Do-It-Yourself, Selbstbestimmung und Selbstorganisation. Meine Arbeit bewegt sich am pulsierenden Nerv der zeitgenössischen bildenden Kunst. Sie verbindet handwerkliche Eigenständigkeit mit den drängendsten gesellschaftspolitischen Diskursen unserer Gegenwart.

Manuela: Welche persönlichen, (oder politischen, sozialen, umweltbedingten) oder andere Themen sind für dich als Künstlerin in deiner eigenen Kunst wichtig?

Astrid: Demokratie, Systemwechsel mit sozialer Gerechtigkeit, Feminismus, Klima. Es sind die Themen der wichtigsten zeitgenössischen Debatten.

Manuela: Ganz oft haben Künstler:innen das Problem, sich als “nicht gut genug” zu empfinden und trauen sich erst gar nicht, ihre Werke anderen zu zeigen. Wie stehst du dazu?

Astrid: Da habe ich überhaupt kein Problem mit. Ich will meine Werke natürlich gerne allen und überall auf der Welt zeigen. Alles was ich fertig stelle ist in meinen Augen auch gut genug, um sie ins MoMa in New York zu hängen. Lach… Dafür muss man aber schon berühmt sein und die richtigen Kontakte haben. In diese „Upper“ Kunstwelt will ich aber gar nicht, dafür bin ich noch immer zu sehr Punk im Geiste. Aber meine Freiheitsstatue mit dem Koffer im MoMa wäre schon ein Träumchen.

Manuela Wie wichtig ist dir die Verbindung und Interaktion mit anderen Künstler:innen?

Astrid: Das ist mir schon sehr wichtig und muss natürlich zusammenpassen. Da braucht es Gemeinschaftssinn und den gleichen Ehrgeiz, das gemeinsame Projekt durchzuziehen.

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Astrid: Es befreit mich von meiner inneren Wut. Wut gegen die kaputte und ignorante Welt, die einfach weiter macht wie immer und gerade alles an die Wand fährt. Dabei kann ich dann wunderbar entspannen und wieder runterkommen.

Manuela: Welche Rolle spielt deiner Meinung nach die Kunst in der Gesellschaft? Welche Aufgaben haben Künstler:innen in der Gesellschaft?

Astrid: Kunst hat historisch gesehen oft genau dann die größte Wirkung entfaltet, wenn sie wehgetan und die Komfortzone des Publikums gestört hat. Kunst erfüllt Funktionen, die kein anderes gesellschaftliches Medium in dieser Form leisten kann. Künstler:innen erfüllen vielfältige und wichtige Aufgaben in der Gesellschaft. Die will ich jetzt nicht für alle definieren oder vorgeben, das muss jeder selber für sich klar machen. Ich spreche jetzt mal für mich. In Zeiten multipler Krisen wandelt sich für mich das Verständnis der künstlerischen Pflicht in: Blinde Flecken der Gesellschaft und Missstände direkt ansprechen. Sehgewohnheiten brechen und das Publikum aus der Lethargie reißen. Debatten anstoßen, die in der Politik oder den Medien blockiert sind. Herrschende Strukturen, Institutionen und den Kunstmarkt selbst hinterfragen.

Manuela: Welche Materialien und/oder Werkzeuge gehören zu deinen Favoriten?

Astrid: Bei den Farben bevorzuge ich Acryl und meine Lieblingsuntergründe sind Pappe und Holz. Im Moment arbeite ich auch gerne wieder mit Hasendraht. Ich habe in Düsseldorf bei Jaques Tilly, dem berühmt-berüchtigten politischen Karnevalswagenbauer das „Drahten gelernt“, damit ich große Figuren für unsere Demos bauen konnte. Das nutze ich jetzt wieder aktuell für meine Kunst. Ich habe noch einige Rollen Draht in meinem Mülllager, aber hier musste ich dann doch eine Rolle bestimmten Draht für ein Projekt nachkaufen.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?/ Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Astrid: Ich brauche Ruhe und Natur um Ideen zu entwickeln. Die Themen geben mir die aktuellen Nachrichten. Die Herangehensweise ist unterschiedlich. Entweder habe ich ein bestimmtes Thema im Kopf und suche gezielt nach geeignetem Material, oder das Material begegnet mir zufällig, und in diesem Moment habe ich eine Idee. Meine abstrakten Werke entstehen immer aus Farbresten. Ich mische mir die meisten Farben selber an aus den Grundfarben CMYK. Die packe ich dann in Gläser (natürlich aus meinem Konsummüll Gurkengläser etc., anstatt sie zum Altglas zu bringen). Dort halten sie sich zwar sehr lange, aber nach zwei Monaten sollte man sie aufbrauchen. Bevor sie eintrocknen, male ich dann ein abstraktes Bild.

Manuela: Welches Kunstwerk würdest du gerne besitzen und wie bzw. wo würdest du es gerne präsentieren?

Astrid: Von meiner Kunst besitze ich die prämierte Installation von Kunst hoch 3 in Uelzen. Das Mädel schaukelt jetzt in meinem Vorgarten, Schmetterling und Blume stecken als Deko im Blumenbeet. War ein cleverer Schachzug. Das hat jede Menge Auftragsarbeiten gebracht.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Astrid: Die entstehen an mehreren Stellen. Ich lebe ja in einem Tiny House, was auch gleichzeitig mein Atelier ist. Ich habe einen Balkon, den ich im Winter schließen kann. Dort bin ich die meiste Zeit. Hier habe ich genug Platz zum arbeiten und kann auch Dreck hinterlassen. In meinem Schlafzimmer ist noch ein Arbeitsplatz mit Computer und ich habe noch eine Gartenhütte und eine kleine Hütte als Werkstatt.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Astrid: Wenn ich einmal Zeit finde, würde ich gerne mein eigenes Papier aus den vielen Pappabfällen herstellen und mit verschiedenen Drucktechniken rumexperimentieren.

Manuela: Was war die größte Herausforderung, die du als Künstlerin bisher überwinden musstest?

Astrid: Aus der Vergangenheit bisher keine. Klar gab es Hochs und Tiefs, aber nichts dramatisches. Im Moment ist meine größte Herausforderung die Deutsche Bahn. Ich besitze kein Auto und in Visselhövede gibt es keine Kaufkraft für Kunst, also muss ich in die Städte. Bepackt mit einer vollen Sackkarre Kunst muss ich mich dann herumplagen mit: Zug fällt aus, ob ein Ersatzbus kommt ist die Frage, bekomme ich meinen Anschluss. Dann bin ich 10 Stunden unterwegs, bis ich in Düsseldorf ankomme. Nach Hamburg ist auch ein Marathon. In Rotenburg erscheint mittlerweile auf der Anzeigetafel nicht mehr „Fahrräder können nicht mitgenommen werden“, nein, da steht jetzt: „Hohe Auslastung. Zustieg kann nicht garantiert werden“! Bis hin zu den aktuellen Totalausfällen, wegen der Hitze. Ich denke, die nächsten zwei Jahre werden die größte Herausforderung sein. In Zeiten multipler Krisen ist auch in den Städten das Geld nicht mehr so locker. Der Mittelstand, der bisher meine Bilder gekauft hat, spart an jeder Ecke.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Astrid: Sehr viel. Wenn ich gerade nicht selbst an meinen Projekten arbeite, beschäftige ich mich mit Kunstgeschichte und Biografien von Künstler:innen, die politisch engagiert sind oder waren. Zurzeit widme ich mich zudem verstärkt dem aktuellen Kunstmarkt, insbesondere der weit verbreiteten Abzocke durch die Pay-to-Play-Methode. Darüber könnte ich ein Buch schreiben. Der Titel würde dann lauten: Wie man mit Künstler:innen reich wird. Deshalb verbringe ich auch viel Zeit damit, nach Ausstellungsmöglichkeiten zu suchen, die ich nicht bezahlen muss, oder nach Projekten, mit denen ich Geld verdienen kann. In diesem Punkt agiere ich lieber als Unternehmerin und nicht als Künstlerin.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Astrid: Vom Stil her hat mich keiner beeinflusst. Ich mache einfach alles so, wie es aus mir rauskommt. Da will ich mich auch auf keinen bestimmten Stil festlegen. Aber meine Persönlichkeit und die Tatsache, dass ich politische Kunst mache, haben so einige beeinflusst. Aus der Musik viele politische Punk Bands, aus der Kunst Klaus Steack, Jaques Tilly und Banksy.

Manuela: Was fordert dich in deinem künstlerischen Schöpfungsprozess am meisten heraus?

Astrid: Mein Perfektionismus.

Manuela: Was war Deine schönste und/oder kontroverste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Astrid: Das schönste war eine Gruppenausstellung für nur einen Abend in Düsseldorf. Da habe ich alle Bilder verkauft. Angefangen hat es mit einem Unternehmer, der in der Straße ein Start-Up für die neueste Umwelttechnologie hatte. Nach Feierabend kam er in die Ausstellung und hat 3 Große Bilder gekauft und ich habe noch eine Auftragsarbeit bekommen. Danach ging es ab wie Schmitz Katze mit dem Verkaufen und ich bin mit einer leeren Sackkarre nach Hause gelaufen. Zeitgleich hatte ich auf dieser Ausstellung die kontroverseste Reaktion von einem älteren Herrn, im Geiste sehr, sehr konservativ. Er schaute sich meine Bilder an und hielt dann einen Monolog von einer halben Stunde und laberte von der Überschreitung künstlerischer Grenzen sowie der Instrumentalisierung von Kunst für parteipolitische Ziele. Meine politische Kunst sei zu einseitig, provokativ ohne Substanz, ich würde die Kunstfreiheit überstrapazieren mit meiner links-ideologischen Einstellung. Ich grinste nur die ganze Zeit, und als er fertig war, gab ich ihm die Hand und dankte ihm für seinen einseitigen, konservativen Blick auf meine Kunst und wünschte ihm einen schönen Abend.

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Astrid: Alle gleich. Mit jedem Projekt lernst du dazu und kommst einen Schritt weiter.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Astrid: Das sind mehrere Fragen. Wer bringt das System zu Fall? Ist es die Natur, die Künstliche Intelligenz mit ihren Technologie-Autokraten, der Finanzmarkt oder Trump? Schaffen es die Konservativen mal wieder, eine rechtsextreme Partei an die Macht zu bringen? In welches Land kann ich flüchten, wenn die AfD an die Macht kommt?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Astrid: Im nahen Osten die Frauenwiderstände gegen totalitäre Unterdrückung, Pussy Riot bei der Biennale in Venedig, ewig gestrige und konservative Populisten und das Thema Kunst gegen KI.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Astrid: Freiheit, Spiegel, Aufklärung

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Astrid: An einem Drahtobjekt zum Thema Kunst und KI. Gerade habe ich ein Bild fertiggestellt, was eine messerscharfe, satirische Demontage der konservativen Kulturkampf-Debatte ist. Titel: Gendersternchen, die größte Bedrohung nach dem veganen Schnitzel. Dann habe ich noch einige Auftragsarbeiten und zwei Projekte, die noch in der Planungsphase sind. 5 Bilder liegen noch rum die ich angefangen habe. Da weiß ich aber noch nicht, welche Richtung ich einschlage.

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Astrid: Zur Zeit läuft in Düsseldorf eine kleine Verkaufsausstellung mit meinem Kunst Kiosk im H7/Café Nebenan bis Ende August. Kleine Kunst zum kleinen Preis!

Vom 11.7. bis 15.9. im Schaufenster des Geschäftes Hautnah, Vor dem Dreeser Tor 2, Rheinbach. Das ist ein tolles Kulturprojekt der Stadt Rheinbach. Unter dem Leitmotiv Demokratie wird die Stadt zur Galerie. Seit dem 23. Mai läuft schon die Ausstellung im öffentlichen Raum.

Die Plakat Gruppenausstellung „Promoting Democracy“ aus Stuttgart ist gerade beendet, geht aber als Wanderausstellung im August in der Pfalz und ab Herbst in Oberschwaben weiter. Genaue Termine folgen noch. Einige Bewerbungen sind noch offen und einige Projekte in Arbeit. Mal schauen, was da noch kommt.

Astrid: Wo kann man dich online finden? (Social Media usw. bitte direkt Links hinschreiben)

Auf meiner Website : https://pippilotta-grafik-und-kunst.de/

Auf Social Media bin ich nicht mehr aktiv.

Der Beitrag Artist Talk: Astrid Lamm – Konsum im Wandel & Kunstwerke aus Reststoffen erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Ich freue mich ein erstes Video dieser Art zeigen zu können.

Es findet sich u.a. bei Youtube, demnächst auf der Website von StilDate und auf meiner eigenen.

Ich hoffe, dass ihr etwas Spannendes und Interessantes für euch daraus mitnehmen könnt und bin dankbar für diese Gelegenheit, dass ich etwas in diesem Rahmen sagen konnte:

Weitere Informationen zu Stildate: Wohnideen, Künstler, Kreative Dienstleistungen | StilDate

Weitere Informationen zu meinem Profil bei Stildate: Abstrakte Kunst Manuela Mordhorst | Intuitive Malerei & Mehr

Weitere StilTalks auf Stildate: Künstler Und Kreative Dienstleister Im Interview | StilDate

Danke für das gute Gespräch, liebe Anette, und ich hoffe meinem Beispiel folgen noch weitere Künstler:innen, die sich gerne von dir portraitieren und featuren lassen möchten.

Der Beitrag Mein ganzes Interview im StilTalk bei StilDate erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Manuela: Stelle dich doch bitte kurz vor, wo lebst und arbeitest du, seit wann machst du Kunst?

Jens: Liebe Manuela, vielen Dank für die Gelegenheit mich in deinem Artist Talk vorzustellen. Ich bin Jens Kappenberg, lebe und arbeitete in Bergedorf im Osten von Hamburg.

Seit 1973 male ich regelmäßig in verschiedenen wasserlöslichen Techniken auf Papier. Aufgewachsen bin ich in Aumühle noch etwas weiter östlich im Sachsenwald in Schleswig-Holstein. Das erwähne ich nur, weil viele meiner Motive hierher stammen (Gründerzeitvillen, Kirchen, Bismarckdenkmäler, etc.), die ich auch gern direkt im Freien in plein air Manier gemalt habe.

Ich habe als Physiker in der Umweltforschung gearbeitet und mich dort mit Strömungen und Transportvorgängen in Tideflüssen (Elbe) beschäftigt. Dies war kein reiner Brotberuf. Ich habe auch die wissenschaftliche Arbeit geliebt. Eine Stunde am Morgen vor der Arbeit, die Wochenenden und Ferien waren dann für die Kunst (und das restliche Leben) da.

Manuela: Wie kamst du zur Kunst? Was zog dich hier an?

Jens: Ich habe schon in meiner Schulzeit gern gemalt und später dann in einer kleinen Zeitschrift das Layout und die Abbildungen gemacht. Zwischen Abitur und Studium hatte ich etwas mehr Zeit und begann (weg vom Tuschkasten) mit Gouache-Farben auf Papier zu arbeiten. Das Papier habe ich dann mit Patex auf Spanplatten geklebt, risikoreich aber
immer erfolgreich.

1975 bin ich der Kunstgemeinschaft Sachsenwald in Reinbek beigetreten und war dort bis zu ihrer Auflösung 2013 aktiv. Danach haben wir aus 7 ehemaligen Mitgliedern die Gruppe gegenwART7 gegründet.

Manuela: Du bist Autodidakt und hast dir seit 1973 eine besondere Bildsprache mit Aquarell und wasserlöslichen Farben erarbeitet. Etwas, was mich ganz besonders fasziniert und interessiert. Du lässt facetten- und detailreiche Welten entstehen. Warum hast du dich gerade darauf spezialisiert?

Jens: Ich war es gewohnt auf Papier zu arbeiten und habe dann ganz unterschiedliche Papiersorten und ihre Interaktion mit Wasser wasserlöslichen Farben kennengelernt. Zuerst habe ich auf Tiefdruckpapier gemalt (war auch billiger). Wie gesagt begonnen haben ich mit Gouachefarben (die nannten sich damals Gummi-Leim-Tempera), habe
dann aber 1979 mit Aquarellfarben experimentiert. Fasziniert haben mich dabei die Möglichkeiten der Lasur und die immer etwas mattere Farbgebung gegenüber Acryl und Öl: Die Farbe wird vom Papier aufgesaugt und liegt nicht wie eine Haut darüber. Die klassische Arbeitsweise (rette den weißen Hintergrund durch Aussparen oder Maskieren)
fand ich für meine Ziele nicht so prickelnd und bin dann gleich mit Deckweiß zu Mischtechniken übergegangen.

Manuela: Wie kamst Du zur Kunst (zu deiner eigenen Kunst)? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen? Was hat dich bewogen gerade den Bereich der Malerei zu erkunden?

Jens: Wie schon im Voraus gesagt,das Malen ist für mich immer eine ganz normale Angelegenheit gewesen, in der ich Eindrücke verarbeite (aus Literatur, Musik und Umwelt).

Manuela: Du arbeitest auch mit Mischtechniken und Tiefdruck, den du überzeichnest. Bitte erkläre doch hier ein wenig, was hierbei den besonderen Reiz für dich ausmacht? Sind die Arbeiten immer monochrom? Und was macht den Reiz aus?

Jens: Ich habe nicht die technischen Möglichkeiten in meinem Atelier Tiefdruck (Radierungen) zu machen. Auf entsprechenden Kursen hat mich besonders die Aquatinta Technik fasziniert, weil man nur erahnt, was man da produziert, bis der Druck erfolgt. Diese Zufälle kann man dann gestalten, in dem man mit Tinte oder Farbstift in das Gedruckte zeichnet. Ich bleibe dabei lieber bei schwarzen oder grauen Stiften, weil die sich besser mit dem Druck
verbinden: Farbe braucht es hier nicht.

Manuela: Wenn man sich deine Bildtitel anschaut, dann stößt man auf spirituell anmutende Begriffe, die wirken als seien sie teils der Bibel entnommen und teils an spirituelle Welten/Portale erinnern mögen. Was hat es damit auf sich?

Jens: Mit der Bibel bin ich nicht so vertraut und bin mir auch nicht sicher, was ich unter spirituell verstehen soll (sicherlich nicht etwas was mit Kirche und institutioneller Religion zu tun hat). Ich versuche im Vertrauten das Ungewöhnliche und Geheimnisvolle zu finden.

Manuela: Du arbeitest auch projektbezogen. Auf deiner Website kann man u.a. das Projekt Requiem einsehen. Die Titel sind auf Latein, leider fehlt hier mehr Information, wie es zu diesem Projekt gekommen ist und was dich antreibt. Kannst du ein wenig Einblick in dieses Projekt geben? Was auffällig ist, wie detailreich diese Werke sind. Man muss sich schon Zeit nehmen sie zu betrachten, weil man immer wieder mehr und mehr darin entdeckt. Wieviel Zeit wendest du auf für ein Bild?

Jens: Das Requiem Projekt basiert auf der katholischen Totenmesse, die mit den Worten „requiem aeternam dona eiis domine“ (Gib ihnen ewige Ruhe, Herr) beginnt. Ursprünglich konnte man das Requiem (gegen Bezahlung) für verstorbene Angehörige lesen lassen, um deren Aufenthalt im Fegefeuer zu verkürzen. Der Text (ein Gedicht aus Versen) wurde immer wieder vertont und enthält für mich inspirierende Passagen und Bilder auch aus der Apokalypse, die durch die Musik intensiviert werden. Am Weltende passiert dann schon so einiges, zum Beispiel am „dies irae“ (Tag des Zorns).

Meine Bilder brauchen Zeit, einmal wegen der Details, aber auch weil nicht schon bei Beginn ein vollständiges Konzept habe. In der Regel gibt es keine Vorzeichnung (außer bei Landschaften und Auftragsarbeiten), das Bild entwickelt sich auch assoziativ. Ich arbeite an mehreren Arbeiten gleichzeitig, aber ein bis zwei Monate braucht ein Bild mindestens.

Manuela: Wenn man sich deine Texte durchliest, wie sie beispielsweise unter Projekten zu finden sind, dann lese ich da viel Poetisches heraus. Etwas Feinsinniges, das geradezu lyrisch etwas beschreibt. Wie im Projekt Friedrichsruh. Deine Werke dazu und der Text ergeben ein besonderes Gesamtbild, das man sofort nachempfinden kann, wenn man sich darauf einlässt. Wie kommt es zu diesen Projekten? Denkst du sie dir selbst aus? Sind sie an Ausschreibungen angeknüpft? Was bewegt dich hier?

Jens: Das Projekt Friedrichsruh war eine Gemeinschaftsausstellung von gegenwART7 in der dortigen Bismarckstiftung. Den Text dazu sollte man nicht total ernst nehmen, er ist auch eine Persiflage im Stil von H.P. Lovecraft.

Die anderen Projekte habe ich mir selbst ausgedacht, teilweise basierend auf äußeren Anregungen z.B. einem Musikstück wie Hector Berliozs Symphonie fantastique. Das Stück hat ein außermusikalisches Programm und besteht aus 5 Sätzen, die ich in 5 Bilder umgesetzt habe, z.B. die Ballszene des zweiten Satzes.

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche?

Jens: Eher Anregungen als direkte Vorbilder: William Turner, Max Ernst, Dorothea Tanning,
Richard Oelze, die Wiener und Leipziger Fantasten.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Jens: Für die eigene Arbeit spendiere ich mehrere Stunden am Tag. Aber ich besuche auch viele
Ausstellungen (meist in Hamburg) und arbeite in Orgateams und Juries mit.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Berichte doch ein wenig
auch über deine Technik.

Jens: Mein Vorgehen beruht auf der Kombination von „Zufall und Notwendigkeit“ (Jaques Monod). In der Regel starte ich mit Zufallsverfahren: Viel Wasser, viel Farbe, flüssig und aus Tuben, Kleckse, Dripping, etc. Nach dem Trocknen mache ich zielgerichtet etwas aus den zufälligen Strukturen (ähnlich wie bei den Radierungen), zeichne mit dem Pinsel oder Stiften. Auch der Airbrush kommt zum Einsatz.

Foto links: Stillleben im Fenster | 2019 | Jens_Kappenberg

Foto rechts: Seestueck | 2017 | Jens_Kappenberg

Manuela: Hast Du ein Anliegen das Du mit Deiner Kunst verfolgst?

Jens: Reines Vergnügen, mir zu gefallen.

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Jens: Alles, was ich wahrnehme, Literatur, Musik.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen
usw. finden sich in deinen Werken wieder?

Jens: Wahrscheinlich eine ganze Menge, aber unbewusst.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast? Und was
die Schlimmste?

Jens: Positive Reaktionen sind immer Interesse und Gepräche (durchaus auch kritische) über die Arbeiten. Das führt dann manchmal auch zu Einladungen für zukünftige Ausstellungen und Kooperationen mit anderen Künstlern.
Negativ ist für mich Desinteresse, aber nicht jeder Mensch interessiert sich für Kunst und meine ist schon fordernd: So was hängt man sich nicht so einfach übers Sofa.

Manuela: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Jens: Sobald ich eines gefunden habe, entdecke ich ein neues dazu, das mich noch mehr beeindruckt.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht
weiterkommst?

Jens: Ich arbeite immer parallel an mehren, teils auch technisch sehr unterschiedlichen Bildern. Wenn es in einem gerade nicht mehr weitergeht, geht es meistens in einem der anderen. Spaziergänge und Radtouren helfen auch.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade beweg

Jens: Wann hören diese ganzen Kriege auf?

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Jens: Eine Landschaft in Schleswig-Holstein.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Jens: Überraschung immer wieder.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Jens: An einigen liegengebliebenen Bilder, in denen ich noch Potential sehe. Das Projekt Requiem will ich noch weiter führen. Es fallen mir aber zu den noch zu bebildernden Texten zur Zeit keine zündenden Gedanken ein.

Manuela: Von welchem Projekt „träumst“ du?

Jens: Von keinem. Ich kann im Rahmen meiner Möglichkeiten alles machen, was ich will.

Manuela: Wo kann man dich in diesem Jahr finden (auf welchen Ausstellungen/ Messen/
Kunsttagen….)

Jens: Da gibt es noch nichts Sicheres. Drei Ausstellungen sind angedacht und angefragt.

Manuela: Wo bist du online zu finden?

Jens: Nur im klassischen Internet: http://www.jens-kappenberg.de, http://www.jgegenwart7.de

Der Beitrag Artist Talk: Jens Kappenberg – Die Kunst im Zufall und der Notwendigkeit erschien zuerst auf Manuela Mordhorst Artblog.

Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen? Woher stammst du und wo lebst du?

Gabriele: Mein Name ist Gabriele Kubitschek. Ich bin Bildende Künstlerin und Autorin und wohne die
meiste Zeit des Jahres in München, pendle aber während des Jahres zwischen München und Puerto de la Cruz auf Teneriffa. Geboren und aufgewachsen bin ich nahe der österreichischen Grenze in einem kleinen Dorf im Berchtesgadener Land mit viel Platz für Abenteuer.

Manuela: Erzähle doch ein wenig, wie du zur Kunst gekommen bist und was du beruflich
vor deinem Leben als Künstlerin getan hast.

Gabriele: Kreativ zu sein und etwas mit den eigenen Händen zu gestalten gehörte in meiner Familie ganz selbstverständlich zum Alltag. Meine Großmutter erzählte Geschichten und schrieb Gedichte, meine Mutter liebte die Bauernmalerei. So war mir lange nicht bewusst, dass meine eigene Freude am Gestalten ein besonderes Talent sein könnte.
Mein beruflicher Weg begann zunächst in der Pädagogik. Nach meiner Ausbildung zur Erzieherin und
einer Weiterbildung in Logopädie entwickelte ich 2001 mein kreativpädagogisches Konzept „BIM-BAM
BINI“ zur Kunst- und Sprachförderung für Kinder.
Erst nach einem Burnout im Jahr 2006 entschied ich mich, meinen eigenen künstlerischen Weg
konsequent zu gehen.

Manuela: Gab es z.B. ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen?

Gabriele: Ja – das war Florenz. Kurz nach meiner Ausbildung zur Erzieherin verbrachte ich 1983 einige Monate
dort, um Italienisch zu lernen. Diese Stadt hat mich tief beeindruckt. Überall begegnete mir Kunst, in Museen, auf der Ponte Vecchio, in Galerien und im öffentlichen Raum.
Diese Atmosphäre hat mich sehr inspiriert. Zurück in München begann ich wieder intensiv zu malen, zunächst für mich selbst und später auch für Freunde. Parallel zu meiner Arbeit als Erzieherin bereitete ich mich auf ein Kunststudium vor, besuchte die Zeilerschule in München und ging regelmäßig auf Ausstellungen. In dieser Zeit lernte ich unter anderem den Maler Rudolf Ortner, Heidi Reubelt (Modezeichnung) und Rudi Seitz (Schule der Fantasie) kennen, die mir wichtige künstlerische Impulse für meinen Weg gaben.
Kurz vor der Aufnahmeprüfung stellte ich mir jedoch noch einmal die grundsätzliche Frage, ob mein Weg tatsächlich über die Kunstakademie führen soll. Letztlich habe ich mich dagegen entschieden.
Einerseits fand ich das Studium an der Akademie super spannend und gleichzeitig bin eher ein Freigeist und suche gerne meinen ganz eigenen Weg auch in der Kunst. Rückblickend denke ich, dass diese Entscheidung richtig war, auch wenn sie sicher nicht der leichtere Weg war.

Manuela: 2007 hast du eine Künstlergruppe ins Leben gerufen. Wie ging es von da an für dich künstlerisch weiter?

Gabriele: 2007 gründeten wir, zwölf Künstler und Künstlerinnen aus Haidhausen, die Gruppe 1Stein28. Wir
waren eine bunte und lebendige Gemeinschaft aus MalerInnen, Bildhauern und FotografInnen. Im Winter waren die Atelierräume eisig kalt, aber für uns alle war es ein großes Glück, überhaupt ein bezahlbares eigenes Atelier im Herzen von München zu haben. 2012 waren wir mittlerweile 20 KünstlerInnen, doch im Herbst des selben Jahres wurde unser
Pachtvertrag leider nicht mehr verlängert und so mussten wir die Räume aufgeben und die Gruppe
zerstreute sich von München bis Amerika.

Manuela: Wie ordnest du deine Kunst ein? Womit beschäftigst du dich thematisch in deinem Schaffen?

Gabriele: Ich sehe mich als zeitgenössische, abstrakte Künstlerin. Ich liebe es experimentell, vielschichtig und
prozessorientiert zu malen. Meine Arbeit ist inspiriert von der Natur und eher kontemplativ. Als zeitgenössische Malerin fasziniert mich das Leise, die Zwischentöne im Leben, das, was wir oft eher fühlen als sehen. In meinen abstrakten Werken geht es um Atmosphäre, um Wandlungsprozesse und um unsere Verbindung mit der Natur die uns erdet. Dabei interessiert mich weniger das realistische Abbilden der Natur und ihren Rhythmen als vielmehr die Atmosphäre, die sie in uns auslösen kann.

Künstlerisch zu arbeiten bedeutet für mich auch die Fragen der Zeit wahrzunehmen und sie in den eigenen Werken zu reflektieren, wie beispielsweise aktuell in der Serie: Lebenslinien. Meine Vision ist es, Kunst zu gestalten, die Räume verwandelt und harmonisiert. Die sie zu Räumen werden lässt in denen Menschen neue Energie und innere Ruhe finden können.

Foto links: Gesammelte Zeit II | Semiabstraktes Blumenbild | Gabriele Kubitschek

Foto rechts: Kunst fürs Kinderzimmer1: Schlaf gut | Acryl auf Leinwand | Gabriele Kubitschek

Manuela: Du lebst nicht nur in München, sondern auch in Puerto de la Cruz auf Teneriffa. Auch dein Ausstellungsleben teilst du auf diese beiden Metropolen/Städte auf. Wie kam es dazu?

Gabriele: Mein Mann und ich suchten ein winterwarmes Reiseziel das nicht zu weit von Deutschland entfernt ist.
So kamen wir durch den Tipp von Freunden nach Teneriffa. Es war nie geplant dass wir die Reise wiederholen, doch die Insel hat uns beide begeistert und so kommen wir immer wieder gerne. Das Angebot in Puerto de la Cruz auf Teneriffa 2022 auszustellen kam im Herbst 2021. Darüber habe ich mich sehr gefreut, vor allem auch deshalb, weil mich die besondere Geschichte des Museums Westerdahl seit unserem ersten Besuch fasziniert hat.

Manuela: Hat das Leben auf Teneriffa einen signifikanten Einfluss auf deinen Schaffensprozess?

Gabriele: Ja, ich denke schon. Wenn ich auf der Insel bin, so direkt am Meer, schätze ich vor allem die Weite. Die
wuchernde Kraft der Natur, ihre Farbenpracht und dieses so besondere Licht Teneriffas, sie fließen ganz sicher mit in meine Kunst ein, auch wenn ich wieder in München bin. Gleichzeitig fehlt mir auf der Insel aber auch die erdige Kraft der bayerischen Berge und Seen, die Stille des Winters und die besinnliche Ruhe in der Adventszeit. Im Grunde bewegt sich mein Leben ständig zwischen zwei Welten die ziemlich unterschiedlich sind. Ich versuche von jeder das mit in meine Kunst hinein zu nehmen, was mir am wichtigsten ist. Von Bayern eher das Ruhige und erdig Traditionelle und von Spanien das bunte, lebhafte und fröhliche Miteinander.

Manuela: In deiner überwiegend abstrakten Kunst sieht man neben Stille und Ruhe auch Lebendigkeit, Farbigkeit und Dynamik. Was bewegt dich, was treibt dich an, wie würdest du selbst deine Malerei beschreiben wollen?

Gabriele: Ich arbeite heute bewusst semiabstrakt, mit stark abstrahierten Motiven, die an Blumen, Gärten oder
Meereslandschaften erinnern. Farben spielen dabei eine zentrale Rolle. Farbe ist Schwingung und trägt Emotionen, Stimmungen und Erinnerungen in sich, sie macht das Unsichtbare für den Betrachtenden fühlbarer. Außerdem liebe ich es Materialien, Farben und Symbole mit einander auf der Leinwand oder auf Papier zu verweben.
Meine frühen Arbeiten waren stärker naturalistisch und nach außen gerichtet. In den letzten 30 Jahren hat sich meine Bildsprache aber zunehmend auf das Wesentliche reduziert. Heute geht es mir um kraftvoll stille Momente, um innere Einkehr und den Frieden mit sich selbst.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein?

Gabriele: Das Gefühl in mir selber ausgeglichen zu sein ist mir beim Malen sehr wichtig. Deshalb sind die frühen
Morgenstunden für mich so kostbar. Sie schenken mir, trotz all dem ganz normalen Trubel, einen harmonischen und ruhigen Einstieg in den Tag. Ich bin generell eher eine Frühaufsteherin. Auf Teneriffa starte ich den Tag mit einem Spaziergang am Meer entlang; in München beginne ich meist mit einer großen Kanne grünem Tee und einer kurzen
Meditation auf dem Balkon. Wenn ich anschließend spüre, dass ich trotzdem innerlich noch nicht im Gleichgewicht bin, erledige ich zuerst lieber anstehende Büroaufgaben und erst anschließend gehe ich an eine Leinwand. Ich denke,
dass meine Stimmung meinen malerischen Ausdruck direkt beeinflusst, und deshalb ist es mir wichtig
erst innerlich zur Ruhe zu kommen.

Foto links: Bluetentraum rosa | 2025 | Gabriele_Kubitschek

Foto rechts: Roter Mohn l | 2011 | Gabriele Kubitschek

Manuela: Wie entstehen deine Werke? Mit welchen Materialien arbeitest du?

Gabriele: Meine Werke entstehen meist in Acryl- und Aquarelltechnik, gerne auch in Mixed-Media-Art. Ich liebe
es Farben und Materialien mit den Händen zu spüren. Für den Gestaltungsprozess nutze ich deshalb die unterschiedlichsten Malwerkzeuge, von Küchenschwämmen, Naturmaterialien bis hin zu feinen chinesischen Kalligraphiepinseln. Wenn ich länger nicht male oder zeichne, habe ich das Gefühl danach „hungrig“ zu sein. Nach dem
Gestaltungsprozess, den Farben und der Bewegung im Malen. Ich muss einfach malen, egal ob auf Papier oder Leinwand, sonst fehlt mir etwas Essenzielles. Wenn ich mir unklar bin, mit welcher Farbe ich ein neues Werk beginnen soll, grundiere ich zuerst die neue Leinwand, oder skizziere einen freien „Strichsalat“ als Vorarbeit auf Papier. So kann ich mich in ein neues Thema leichter hinein finden und mich darauf konzentrieren. Doch wenn ich dabei schon zu
Beginn einer ganz genauen, festen Vorstellung folgen möchte funktioniert der Malprozess nicht. Manchmal wache ich morgens mit der Vorstellung zu einem neuen Werk auf das mich vollkommen begeistert. Ich starte dann voller Motivation und jedes Mal, selbst wenn es dokorativ ist, fehlt dem Bild dann etwas. Erst wenn ich auf das Bild selbst höre, mich von ihm führen lasse, dabei spielerischer werde, erreiche ich die Harmonie, den Ausdruck den ich suche.
Da ich immer Schicht für Schicht lasierend arbeite sind Serien von drei bis zwölf Werken sinnvoll. Das hat den Vorteil, dass wenn das eine Bild noch trocknet ich schon am nächsten weiterarbeiten kann.

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Gabriele: Wenn ich in München bin und es das Wetter zulässt, male ich vor allem im Garten oder auf der kleinen
Loggia meiner Wohnung. Auf Teneriffa habe ich einen Teil unseres Balkons zu einem mobilen Atelier ausgebaut. Durch den ständigen Wechsel unserer Wohnorte ist es in München leider schwierig, ein zusätzliches Atelier zu mieten.
Skizzen und Ideen für neue Serien entstehen meist draußen, im lebendigen Gewusel eines Cafés, unterwegs im Bus oder in der Natur. Dafür habe ich stets ein kleines Skizzenbuch und einen Stift mit dabei. Wenn mich ein bestimmtes Thema besonders beschäftigt, sammele ich so Eindrücke, Ideen und Impulse wie ein Eichhörnchen und bringe sie später vorsortiert in meine direkte Atelierarbeit ein.

Foto links: Gabriele Kubitschek in ihrem Atelier in Puerto de la Curz/ Teneriffa | 2025

Foto rechts: Gabriele Kubitschek, Foto von Stefanie Grindinger

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Gabriele: In meinen Anfangsjahren dachte ich, nur klassische Ölmalerei sei „echte“ Kunst. Doch der Geruch von
Terpentin war mir immer unangenehm, und im Laufe der Jahre habe ich Schritt für Schritt gelernt, mich von diesem Denkmuster zu lösen und meiner eigenen Experimentierfreude zu vertrauen. Ich liebe es Farben und natürliche Naturmaterialien mit unterschiedlichen Techniken auf Leinwand oder Papier zu verbinden. Aktuell interessiert mich besonders wie ich aus Pflanzen und Blüten Pigmente zum malen herstellen kann.

Manuela: Wieviel Raum und Zeit nimmt Kunst in deinem Leben ein?

Gabriele: Kunst ist mein Lebenselexier, sie begleitet mein Leben und ist stets präsent. Wenn ich länger nicht
malen kann, dann werden ich innerlich unruhig. Es macht mich einfach glücklich zu malen und zu gestalten.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Gabriele: Meine Mutter hat mich sicher mit ihrer Liebe zur Natur und Bauernmalerei geprägt. Wesentlich für meinen künstlerischen Weg waren auch meine Lehrer Rudolf Ortner und Heidi Reubelt. Rudolf Ortner, als ehemaliger Bauhausschüler, vermittelte mir viel über Farbkomposition und verbindende Strukturen, und Heidi Reubelts hat mich für figuratives Zeichnen begeistert. Und nicht zuletzt, habe ich in den Aktzeichenkursen der Zeilerschule in München zum ersten Mal wirklich verstanden was Zeichnen bedeutet. Als Künstler inspirieren mich immer wieder William Turner, Claude Monet, Enrico Della Torre oder die amerikanische Künstlerin Barbara Rogers. Doch es gibt in jeder Ausstellung die ich besuche neue Eindrücke die ich daraus mit nehme und die meine Entwicklung mit beeinflussen.
Neben diesen künstlerischen Einflüssen haben mich aber auch Persönlichkeiten wie Marc Aurel, Viktor
Frankl und Janusz Korczak durch ihre Haltung und ihren Blick auf das Leben inspiriert.

Manuela: Was macht dir bei deiner Arbeit am meisten Spaß und was fordert dich am meisten heraus?

Gabriele: Am meisten Freude bereitet mir die Lebendigkeit und Kraft, die im Gestaltungsprozess selbst steckt.
Wichtig sind mir auch die Gespräche mit Menschen die sich mit meiner Kunst beschäftigen. Und oft kommt es mir so vor, als ob ich für Freunde male. Von denen ich manche schon kenne und andere noch nicht.
Meine größte Herausforderung in der Malerei ist es, meinen eigenen Perfektionismus loszulassen. Den Punkt zuzulassen wann sich ein Kunstwerk rund und harmonisch anfühlt um es zum richtigen Zeitpunkt abzuschließen.

Foto links: Kunst mit Kindern | Gabriele Kubitschek

Foto rechts: Kunst für Kinder Apfelbäumchen mit Wiege | Gabriele Kubitschek

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Gabriele: Besonders berührt haben mich bisher zwei Reaktionen auf meine Arbeit. Die erste war ein Zeitungsartikel anlässlich meiner Auszeichnung im Jahr 2012. Darin hieß es: „Von besonders innovativer Herangehensweise zeugt das Werk von Gabriele Kubitschek, die als Erste aufs Siegerpodest stieg. Die freischaffende Künstlerin erhielt für ihr Wandobjekt MitEinAnder … Die Botschaft: Im Miteinander gemeinsam sein, rund werden, zusammenwachsen und sich dabei im MitEinAnder neu erfinden.“

Die zweite Erfahrung machte ich 2022 während meiner Ausstellung Alma de Flores in Puerto de la Cruz. Während der Corona-Maßnahmen durften jeweils nur zwei bis drei Personen mit Maske die Ausstellungsräume betreten. Eine Besucherin kam eine Woche lang täglich, um vor einer kleinen Flusslandschaft zu stehen und das Bild still zu betrachten. In der folgenden Woche entschied sie sich, das Werk zu kaufen. Als ich sie fragte, warum sie dieses Bild gewählt hat, sah sie mich mit Tränen in den Augen an und sagte:
„Es verschafft mir Luft. Es ist wunderbar.“ Dieser Moment hat mich tief berührt. Mir wurde bewusst, dass ein Bild manchmal mehr sein kann als ein Kunstwerk, es kann Hoffnung schenken.

Oberhaching · Wieder Kunstpreis vergeben | Wochenanzeiger

Manuela: Welche Ausstellungen und künstlerische Projekte haben dich in deinem Werdegang besonders geprägt?

Gabriele: Die Ausstellung Alma de Flores 2022 war für mich ein wirklicher Schlüsselmoment. Zum ersten Mal spürte ich die tiefere Wirkung meiner Gemälde auf Menschen und, dass sie weit mehr bewirken können als nur als Raumdekoration zu dienen. Die Gespräche mit Besucherinnen und Besuchern aus Ländern von Estland bis Brasilien zeigten mir, dass Kunst Menschen auf einer sehr persönlichen und tiefen Ebene verbindet. Nationalität spielt dabei keine Rolle; Kunst ist für mich eine Sprache die direkt von Herz zu Herz verbindet.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt.

Gabriele: In den letzten Tagen ist eine liebe Malerfreundin, Hildegard Brutar, hier auf Teneriffa verstorben. So
beschäftigt mich das Thema: Abschied und Freundschaft, gerade ganz besonders.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Gabriele: Jeder Augenblick bringt die Möglichkeit für eine neue Inspiration. Das Leben kommt mir vor wie ein
großer, weiter Fluss, der ständig neue Ideen und Inspirationen mit sich bringt. Mal sind es die Farben draußen in der Natur und dann wieder Gerüche wie frisch gemähtes Gras oder das Rauschen des Windes in den Blättern oder das Meer.

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Gabriele: Liebe zum Leben

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Gabriele: Außer der neuen Serie von: „Geschichten hinter dem Gartenzaun IV.“ aktualisiere ich gerade meine Atelier Webseite. Dann steht noch die Erweiterung meines Bilderbuch`s: Die Regenbogen Blume, auf dem Plan. Ich möchte es in Spanisch, Italienisch und Schwedisch übersetzen lassen. Und natürlich freue mich schon auf meine kreative Frauengruppe hier in Puerto ab Januar 2026.

Foto links: Geschichten hinter dem Gartenzaun Nr. 13, Mischtechnik, Gabriele Kubitschek

Manuela: Welches war dein bislang schönstes Projekt?

Gabriele: Es gab schon viele schöne Projekte und Momente in meinem Leben, doch mein schönstes Projekt ist
wohl immer das, an dem ich gerade arbeite

Manuela: Welche Frage habe ich dir hier nicht gestellt?

Gabriele: Was vielleicht noch interessant für die LeserInnen sein könnte ist, dass es mir Mensch und Künstlerin
wichtig ist mich sozial zu engagieren. Dazu gehören beispielsweise die Familienprojekte hier auf Teneriffa die mein Mann und ich seit über 10 Jahren unterstützen. Oder die Kunstauktionen von Round Table 13 (Künstler helfen Kindern) bei der ich regelmäßig seit 2008 teilnehme.

Manuela: Deine nächsten Projekte, wo kann man dich und deine Kunst in diesem Jahr sehen?

Gabriele: Die Werke an denen ich gerade hier auf Teneriffa arbeite sind noch bis Ende März 2026 in Puerto de la
Cruz zu sehen. In München läuft aktuell noch meine Einzelausstellung: Ein „Hauch von Sommer“, in der Arztpraxis von Frau Dr. Fassnacht (Haidhausen). Aktuelle Informationen zu Ausstellungen und Projekten gibt es immer in meinem monatlichen Atelierbrief. Ich freue mich immer über Interesse an meiner Arbeit.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Gabriele: Website –>Gabriele Kubitschek. Bildende abstrakte Künstlerin und Autorin

Instagram –>Instagram

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Manuela: Kannst du dich bitte kurz vorstellen?

Martina: Mein Name ist Martina Kelting, ich bin 1965 in Hamburg geboren, bin verheiratet, habe zwei erwachsene Söhne und 3 Enkel. Ich lebe und arbeite in Hamburg.

Manuela: Man erfährt auf deiner Website leider wenig zu deiner Motivation für deine Kunst. Schenke uns doch bitte einen kleinen Einblick.

Martina: Seitdem ich einmal mit dem Malen begonnen habe, kann man nicht mehr „normal“ durch die Welt gehen. Ich betrachtet vieles nur noch durch die Brille eines Malers. Wenn ich einen Film sehe, gucke ich z.B. auf die Gesichter der Schauspieler, wie sehen die Augen aus? Wo ist der Schatten an der Nasenwurzel? Wie funktioniert die Nase? Wie ist der Mund? Wie kommt das Licht? Da sind so viele Bilder.

Manuela: Hast du eine formale Ausbildung absolviert oder bist du Autodidaktin?

Martina: Sowohl als auch. Gelernt habe ich den Beruf der Chemielaborantin, aber als ich vor etwa zwanzig Jahren über einen Flyer vom Kunsthaus Schenefeld gestolpert bin, habe ich dort eine klassische Malausbildung begonnen.

Farbe mischen, Formen erkennen, Licht und Schatten, Kugeln, Kegel, Zylinder, Glas, Stein, Stoff.

Schnell reichten mir zwei Stunden Kurs die Woche nicht mehr aus. Ich wechselte in eine Ateliergemeinschaft, in der ich bis heute jede Woche male. Außerdem buche bis heute immer wieder  verschiedene Seminare zur Weiterbildung, z.B. in Hamburg, auf dem Scheersberg oder in Bad Reichenhall.

Manuela: Welche Themen sind für dich als Künstlerin wichtig?

Martina: Ich bin eine realistische Malerin.

Meine ersten Motive habe ich in Hamburg gefunden. Ich fotografiere typische Hamburger Impressionen, Architektur, Spiegelungen, Kind und Kegel um sie später zu malen. Viele dieser Hamburg-Bilder sind haptisch, grundiert mit Plakaten, Zetteln und Fetzten, abgerissen, abgekratzt, aufgelesen im Schanzenviertel oder in Ottensen. Sie sind großformatig und farbintensiv.

Foto links: Strand Pauli | Martina Kelting | 2013

Foto rechts: Motorroller | Martina Kelting | 2013

Seit 2010 hat die figürliche Malerei ganz langsam mein Interesse geweckt. Tanzende, stehende oder liegende Körper, sitzend, hockend, bekleidet oder auch nicht. Dynamisch, raumgreifend, farbintensiv. Gerne nach Model gemalt.

Im Laufe der Zeit wollte ich dann immer genauer schauen, verstehen, widergeben. Portraits so malen, dass der/die Porträtierte erkannt wird. Dafür nutze ich dann Fotos vom Model.

Foto links: Kristina | Martina Kelting | 2016

Foto rechts: Duo | Martina Kelting | 2018

Manuela: Was macht es mit dir, wenn du dich deiner eigenen Kunst widmen kannst? Wie nimmst du diese Zeit für dich selbst wahr?

Martina: Wenn ich male ist alles andere um mich herum vergessen. Es ist immer wie eine kleine Auszeit vom Alltag. Ich male gerne sieben Stunden durchgehend. Das ist für mich die optimale Zeit.

Manuela: Welche Materialien gehören zu deinen Favoriten?

Martina: Ich nutze sehr gerne Kohle, weil sie so schön fließt, schwarz ist, schmiert. Und ich mag sehr dicken, schwarzen Edding, weil der Strich dann einfach da ist. Auch Ölpastellkreiden finde ich klasse um Linien oder auch Flächen auf meiner Leinwand zu setzen.

Manuela: Was brauchst du um schöpferisch tätig zu sein? Bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus? Wie entstehen deine Werke, wie gehst du an deine Kunst heran?

Martina: Manchmal inspirieren mich besondere Ereignisse, wie z.B. Corona zu einer Serie von Bildern. Oder ich nehme mir, in einem sechstägigen Seminar, mal eine Reihe von Obst- und Gemüsestillleben vor, gemalt in Öl, auf kleiner Leinwand.

Ich male hauptsächlich auf Leinwand. Ist sie neu wird sie schnell mit Farben, Linien und Strichen „grundiert“. Ich nutze auch sehr gerne alte Bilder zum Übermalen, wobei ich diese nicht erst weiß grundiere, sondern wirklich über das alte Bild arbeite, wobei durchaus Teile des alten Bildes sichtbar bleiben können. Das finde ich inspirierend.

Foto links: Corona | Martina Kelting | 2021

Foto rechts: Cherries | Martina Kelting | 2023

Manuela: Wo entstehen deine Werke?

Martina: Ich male jede Woche in einer Ateliergemeinschaft, habe aber auch in meinem Haus ein Atelier eingerichtet. Und nach wie vor entstehen auch viele Bilder auf Seminaren/Malreisen.

Manuela: Gibt es Techniken oder Materialien, mit denen du gerne experimentieren wollen würdest?

Martina: Nein. Ich nutze zusätzlich zu Acryl- auch Ölfarben, aber ansonsten habe ich das Gefühl mich zu verzetteln, wenn ich weitere Techniken nutze. Vielleicht, wenn mir mal die Ideen für Bilder ausgehen.

Manuela: Gibt es Menschen, die deine Kunst beeinflusst haben?

Martina: Ja, natürlich. Zuerst einmal die verschiedenen Dozenten, bei denen ich gemalt habe. Da wären Marianne Elliott-Schmitz vom Kunsthaus Schenefeld und auch Isabella Moog zu nennen.

Und dann gibt es natürlich andere Künstler, wie z.B. Edward B. Gordon, dem ich interessiert bei Instagram folge.

Manuela: Was war deine schönste Reaktion auf deine Kunst, die du bekommen hast?

Martina: Gerade kürzlich hat eine Freundin von ihrem Lebensgefährten ein Bild von mir geschenkt bekommen, welches sie, nach einer Ausstellung, fast drei Jahre in ihrem Kopf hatte. Sie hat sich sooooo sehr darüber gefreut, das war toll.

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Martina: Ich habe gerade an einem Seminar zum Thema abstrakte Malerei teilgenommen. Das fand ich sehr inspirierend. Mal sehen, was das mit mir macht.

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick?

Martina: Zurzeit versuche ich in meinen figürlichen Bildern wieder freier zu werden, nicht so genau zu malen, lieber den Ausdruck/die Haltung in den Vordergrund zu stellen. Das ist für mich schwierig, denn ich gucke ja so gerne so genau J

Foto links: Akt, nach hinten kniend | Martina Kelting | 2026

Foto rechts: Frauke, abstrakt | Martina Kelting | 2026

Manuela: Deine nächsten Projekte, Ausstellungen. Wo kann man dich in diesem Jahr noch sehen?

Martina: Zurzeit habe ich keine Ausstellung geplant. Das finde ich, nachdem ich in den letzten Jahren doch recht viele Ausstellungen hatte, sehr angenehm. Aber natürlich kann man mich online finden.

Manuela: Wo kann man dich online finden?

Martina: Ich habe eine Homepage, martina-kelting.de. Dort zeige ich alle, aktuell vorhandenen, Bilder. Und es gibt natürlich auch Hinweise auf anstehende Ausstellungen.

Außerdem nutze ich Instagram, martina_kelting heißt mein Account.

Foto links: Skaten | Martina Kelting | 2025

Foto rechts: Werft | Martina Kelting | 2025

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Manuela: Wie kamst Du zur Kunst? Gab es ein besonderes Ereignis, das den Ausschlag dafür gegeben hat, um die künstlerische Laufbahn einzuschlagen?

Lia: Schon in den frühen Kinderjahren war Zeichnen, Bauen und Malen meine Sprache, mein Medium. Meine Mutter war kunstbegeistert und fragte, kommentierte, sammelte bereits erste Arbeiten und freute sich sehr an meiner Phantasie. Wir sprachen über die Wolkenbilder am nordfriesischen Himmel, gingen in Museen. Ihre Freundinnen kauften von mir Bilder und mit Aufglasurmalerei versehene Porzellanteller. Als Schülerin und Studentin kamen Anfragen und Verkäufe.

Manuela: Du nennst deine Kunst selbst „magischer Realismus“, erkläre das doch ein wenig. Was fasziniert dich an der realistischen Malerei im Besonderen?

Lia: Mich begeistert das Materielle in seiner Qualität, seiner Struktur, seiner Umgebung. Dabei ist die erste magische Wirkung, wenn ich aus der Farbe des Pinsels, der Stifte die Illusion in der Abbildung erschaffe.

Durch Komposition der Motive, veränderter Größenverhältnisse, vexierhafter Deutung von Gegenständlichkeit, variable Bildausschnitte möchte ich bei der/ dem BetrachterIn den Eindruck einer Wirklichkeit erwecken, die über die Realität magisch hinausweist, sie emotional erweitert, was die beabsichtigte zweite magische Wirkung wäre.

Manuela: Seit wie vielen Jahren schon bist du tätig als Künstlerin? Berichte doch etwas aus deinem beruflichen Leben.

Lia: Gefühlt schon immer. Um künstlerisch unabhängig frei arbeiten zu können, studierte ich in Flensburg Lehramt Realschule Kunst und Deutsch mit der Vorstellung einer halben Stelle, machte auch das Referendariat in Satrup. Meine Examensarbeit schrieb ich über Illustration am Beispiel von Rilkes Malte Laurids Brigge mit eigenen Illustrationen.

Das Leben wurde herausfordernder und ich fand mich 33-jährig 1992 mit 4 Kindern als alleinerziehende Künstlerin in Hamburg Winterhude wieder. 10 Jahre war ich hauptberuflich Künstlerin mit ständigen Aufträgen, stellte Sportillustrationen/Hockey am Club an der Alster aus, malte Außenprospekte an den Hamburger Kammerspielen für das Sams, machte das Programmheft.  Jedoch schlug ich (Auslands-) Ausstellungen aus und entschied mich der Kinder wegen wieder für einen Brotberuf: kaufmännisch in der Modebranche.

Nach 10 Jahren sah ich dann Stillleben auf dem Schreibtisch, fokussierte meine beiden Leidenschaften Kunst und Kinder als Lehrerin an der Stadtteilschule mit Kunst und Deutsch in Hamburg Lohbrügge 15 Jahre lang. Dort gestaltete ich auch einige Projekte im Stadtteil mit den Jugendlichen.

Die Zeit in der Modebranche und in der Schule war von Ausstellungen und Aufträgen gesäumt. So erhielt ich auch einen öffentlichen Auftrag für ein 21qm großen Wandbild zum schulischen Leben, den Fächern. Seit Sommer 2022 bin ich wieder freischaffende Künstlerin. Endlich.

Manuela: Wie arbeitest du? Wie kann man sich einen Tagesablauf bei dir im Atelier vorstellen?

Lia: Morgens bin ich auf die aktuelle Arbeit ausgerichtet und muss aber vor dem Start zuerst ein Block Garten/ Haushalt/ Schreibtisch erledigen, um loszulegen. Dann bin ich sehr fokussiert und liebe dabei Musik und Podcasts, arbeite gefühlt ohne Zeit und Raum ein paar Stunden. Ein Päuschen Socialising, Bewegung und weiter geht´s im Flow. Gegen Abend tausche ich mich gern über die aktuelle Arbeit aus, höre gern Kritik aller Art, reflektiere.

Manuela: Woher nimmst du deine Motive? Nutzt du Fotovorlagen?

Lia: Die Bildideen entstehen meistens aus mir heraus und ich skizziere frei oder zeichne Figuren, Gegenstände meiner Umgebung. Oft fotografiere ich auch auf Reisen oder im Alltag anstatt einer Skizze, weil es einfach schnell ist und wetterunabhängig. Manchmal stöbere ich in alten Büchern, im Web oder Zeitungen oder stoße auf Motive, die mich motivisch ansprechen, wie bei den 4 Tieralphabeten.

Manuela: Wie entstehen deine Werke und wie gehst du an sie heran? Was ist für dich die wichtigste Botschaft in deiner Kunst? Berichte doch ein wenig.

Lia: Am Anfang ist die Skizze eines inneren Bildes. Diese zeichne oder male ich wechselnd mit abstrakten        Bereichen und detaillierten scheinbar realistischen Ansichten/ Motiven. Ein früherer Professor kommentierte damals: „Du malst völlig falsch und es sieht goldrichtig aus, immer wieder faszinierend. Deswegen alles so lassen und weiter so!“

Manuela: Deine Bilder sind häufig aus der Umgebung inspiriert. Was treibt dich an so zu zeichnen, zu malen und was ist die Idee dahinter?

Lia: Ich bin interessiert an Menschen, ihrem Miteinander der Beziehungen, ihrer Sinne, ihrem Ausdruck, ihren Tätigkeiten und an der Natur mit ihren Pflanzen und Tieren. Deren Spektren möchte ich beleuchten, illustrieren und zugleich Zusammenhänge erschaffen, Perspektiven ergänzen, fokussieren. Dabei bemühe ich mich, dass meine Arbeit Vieles thematisiert, auffängt, aber in ihrer Anmutung, ihrer Ausrichtung optimistisch und hoffnungsvoll, auch liebevoll bleibt, gestaltet voller Spannung, Bewegung mit abstrakten Ruheflächen, die gegenständlich interpretiert werden können.

Manuela: Wieviel deiner eigenen Persönlichkeit und deines eigenen Lebens, Umfeld, Menschen usw. finden sich in deinen Zeichnungen und Illustrationen usw. wieder?

Lia: Alles ist eins und ich möchte diesen erlebten Reichtum an Wahrnehmung an Menschen, an der Natur in die               Welt tragen, ihn teilen.

Manuela: Was war Deine schönste Reaktion auf Deine Kunst, die Du bekommen hast?

Lia: Die Begeisterung der SchülerInnen zum Wandbild und die Erzählungen eines Orthopäden, dessen Wartezimmer ein Jahresauftrag (5 Öle, 7 Aquarellkohlezeichnungen) war, über seine Patienten, die durch die Bilder sich anders öffneten und Diagnosen ermöglichten

Manuela: Du erschaffst Werke mit Stiften, Aquarell- und Ölfarben, Ton und neuerdings Holz. Was sind deine       Kriterien auszuwählen, mit welcher Art Material du arbeitest?

Lia: Die inneren Motive als auch die Bildgröße legen eine Technik näher: Zeichnungen sind oft kleiner, lichter mit oft spannungsreicher Komposition, die Malerei kann schwerer, war manchmal motivisch fast wie eine Collage, vereint derzeit Nahsicht und Fernsicht in einer Gesamtansicht. Oder ich möchte wieder neue technische Herausforderungen wie Holzbildhauerei.

Manuela: Wieviel Zeit widmest Du der Kunst in Deinem Leben?

Lia: Ich atme in Bildern. 

Manuela: Hast Du künstlerische Vorbilder? Wenn ja, wen/welche?

Lia: Als Kind begeisterten mich die Präraffaeliten, Gaugin, Degas, Dali, aber auch der schwedische Maler Carl Larsson mit dem Gedanken eines Zuhauses voller Kunst und Kunsthandwerk.

Manuela: Gibt es ein Kunstwerk in deinem Leben, das dich besonders beeindruckt hat?

Lia: Viele, als Kind bei meiner Großmutter ein großformatiges Ölbild mit einer Hundefamilie von Clara von Wille aus dem 19. Jh., zuletzt Simon Hehemann mit seinem Spacewalks bei Sarice Brudet im Space

Manuela: Was inspiriert dich, bzw. wie bilden sich deine Ideen für Werke aus?

Lia: In mir steigen Bilder auf und mich begeistern Materialität, Strukturen, Licht. Ich habe überlegt, welches meine Themen sind, weil ich sehr gern Landschaften, Stillleben, Porträts und Figuren und auch abstrakte Bereiche gestalte – also alles? Aber ich bin definitiv nicht beliebig. Ich strebe danach, meiner Lebensfreude und meinen Werten Gestalt zu geben.

Manuela: Du illustrierst auch, machst Wandbilder, Zeichnungen und auch Auftragsarbeiten. Wie gestaltet sich deine Motivfindung, aber auch das Finden von Aufträgen?

Lia: Wie geschildert, gestaltet sich die Motivfindung oft intuitiv. Aufträge haben mich bislang gefunden, indem Kunden meinen Stil kennenlernten und Themen als auch Plätze für ein Bild beschrieben, wozu ich dann Skizzen mit Kompositionen, Motiven machte, die gern angenommen wurden. Immer wieder gern nehme ich auch Porträtaufträge an, auch in Bewegung beim Sport.

Foto links: Sommerplan IV Blumen | Farbstiftzeichnung | 32cm x 24cm | 2024 | Lia Schmeling

Foto rechts: Winterplan II Heiße Suppe | Farbstiftzeichnung | 32cm x 24cm | 2022 | Lia Schmeling

Manuela: Was hat dich zuletzt inspiriert?

Lia: Unser Leben mit den umgebenden Menschen, ihren Ideen, unsere Reisen in die Niederlande, nach             Norwegen, unser Garten, meine Träume. Jedoch suche ich auch nach Herausforderungen, lasse mich                provozieren, Themen Gestalt zu geben, diese zu entwickeln und bin dann selbst neugierig auf das Ergebnis.

Manuela: Was tust du, wenn du Inspiration für deine Werke brauchst und gerade nicht weiterkommst?

Lia: Das habe ich noch niemals erlebt, da ich Ideen sprudelnde Quelle in mir habe. Die Entscheidung für die Auswahl fällt intuitiv.

Manuela: Eine Frage, die Dich gerade bewegt

Lia: Wie findet meine Kunst in dieser Zeit unglaublicher Bilderflut die Menschen, denen sie Freude, Besinnung                und Kraft gibt? Welche Elemente unserer Vergangenheit begründen Zukunft?

Manuela: Welche Botschaft oder Emotion möchtest du mit deiner Kunst an die Betrachter vermitteln?

Lia: Eine Einladung Innezuhalten und vom bildnerischen Cocktail aus Lebensfreude und Nachdenklichkeit zu tanken

Manuela: Was ist Kunst für dich? In 3 Worten!

Lia: Farbe, Körper, Seele. 

Manuela: Woran arbeitest du im Augenblick? Gibt es ein bestimmtes Thema, das du gerne künstlerisch erforschen möchtest?

Lia: An einer Zeichenserie Figur(en) im Raum im Spannungsfeld Zeichnung – Malerei und einer Gemäldeserie mit mexikanischen Motiven, die durch die Arbeit des Vereins Amigos de los Niños inspiriert ist, diese auch unterstützen möge, wobei ich Themen durch eine Kombination von Stillleben und Symbolen der erst kürzlich erforschten alten Maya-Schriftengestalte.

Manuela: Wo kann man dich und deine Kunst finden?

Lia: Im Studio Schmeling, Osterfeldstraße 69, Hamburg, gern Termine nach Absprache lia.schmeling@online.de.

Die 4 Tier-Alphabete sind als ARTPRINTS erhältlich und die 12 Farbstift-Zeichnungen SOMMERPLAN/ WINTERPLAN als Original sowie als FINE-ART-PRINTS entweder über die Homepage oder als Mail wieder lia.schmeling@online.de wie auch die Originalgemälde und -Zeichnungen.

Manuela: Wo bist du online zu finden?

Lia: https://www.liaschmeling.com

instagram @schmelinglia

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